Arte moderna e contemporanea di Barcellona, ​​Spagna

L’eredità culturale di Barcellona è immensa. La città ha un passato strettamente legato alla produzione culturale e artistica che è servita da ispirazione per le generazioni di oggi. Il XX secolo è stato un periodo di profonde trasformazioni sociali, politiche, economiche, tecnologiche e culturali. La Catalogna ha vissuto i drammatici eventi della guerra civile spagnola e la repressione della dittatura franchista. La transizione e il ripristino della Generalitat e il nuovo statuto di autonomia rivitalizzeranno la cultura catalana negli ultimi anni.

La situazione politica in Spagna durante la transizione rende il panorama artistico diverso da quello di altri paesi: movimenti come la pop-art o l’iperrealismo non hanno molta eco qui. Durante la Seconda Repubblica, la Catalogna era in prima linea nell’architettura europea. Dal neoclassicismo decadente al razionalismo in Europa. Il Gruppo di artisti e tecnici catalani per il progresso dell’architettura contemporanea ha sostenuto l’uso razionale dello spazio e il disprezzo per qualsiasi elemento costruttivo senza una specifica giustificazione funzionale. Dopo la guerra civile e nonostante il tentativo di imporre un’arte ufficiale da parte del regime franchista, negli anni ’50 compaiono creatori come Coderch, Bohigas e Martorell, Bofill, Moragas, Sostres, Busquets e Sert, tra gli altri. Di fronte alla repressione culturale e al convenzionalismo franchista, una serie di artisti plastici d’avanguardia si evolve verso un certo informalismo., corrente di tipo astratto. Questi sono Tàpies, Tarrats, Ponç e Hernàndez Pijuan. Successivamente c’è un ritorno alla figurazione, come si evince dal lavoro di Guinovart.

Noucentisme
Il 20 ° secolo è un tentativo di rinnovare la cultura catalana avvicinandola alle innovazioni prodotte nel nuovo secolo xx, parallelamente a un’ideologia politica di rivendicazione del catalanesimo sostenuta da Enric Prat de la Riba. Il principale teorico del movimento sarà Eugeni d’Ors, che dal quotidiano La Veu de Catalunya ha scritto una serie di articoli che lodano il lavoro dei giovani creatori catalani all’inizio del secolo. Contrariamente ai valori nordici difesi dal modernismo, il Noucentisme è tornato nel mondo mediterraneo, alla cultura greco-latina classica.

L’architettura noucentista spesso convive e si mescola con il modernismo, e poiché persistono tendenze storiciste e classiciste, è difficile intravedere la sua frontiera. I punti salienti includono personaggi come Josep Goday (edificio delle Poste di Barcellona, ​​1926-1927), Nicolau Maria Rubió i Tudurí (giardini di Montjuïc e Palazzo Reale di Pedralbes, chiesa della Vergine di Montserrat de Pedralbes), Josep Francesc Ràfols (casa Méndiz , Vilanova i la Geltrú, 1925), Francesc Folguera (casa di Sant Jordi, Barcellona, ​​1928-1932), Cèsar Martinell (azienda vinicola di El Pinell de Brai, 1917) e Rafael Masó (Farinera Teixidor, 1910, casa Masó, 1911) .

Una tappa importante fu l’Esposizione Internazionale di Barcellona del 1929, che coinvolse l’urbanizzazione dei dintorni della montagna di Montjuïc, con un progetto generale di Josep Puig i Cadafalch. Per la mostra vengono costruiti edifici come il Palazzo Nazionale di Montjuïc (attuale sede del MNAC) e lo Stadio Olimpico, così come la Fontana Magica di Carles Buïgas, il Teatro Greco e il Poble Espanyol; Ha anche evidenziato il padiglione tedesco, opera di Ludwig Mies van der Rohe, capolavoro del razionalismo.

Il dipinto ha un primo riferimento nella figura dell’artista uruguaiano Joaquim Torres-Garcia, autore di opere di sobria classicità, come gli affreschi nella sala di Sant Jordi del Palau de la Generalitat (1913-1917). Joaquim Sunyer, influenzato dalla pittura di Cézanne e dal suo senso della struttura, così come dal cubismo, ha fornito una visione della pittura che combina perfettamente tradizione e modernità. Josep Maria Sert si è incorniciato in uno stile personale, barocco, grandioso, con l’influenza di Goya, realizzando grandi murales che avranno molto successo a livello internazionale. Xavier Noguéshe è stato il creatore di un mondo ironico, incarnato in un muralismo idealizzante che rifletteva il populismo catalano. Josep Aragay ha realizzato opere di carattere realistico ma con un certo gusto barocco. Vengono sviluppati anche manifesti, incisioni e xilografie, con figure come Francesc d ‘

La scultura ha la figura eccezionale di Josep Clarà, autore di opere figurative, solide e compatte, di aria mediterranea (The Goddess, 1908-1910; Youth, 1928). L’Aristello Maillol di Roussillon crea forti figure femminili (Mediterrània, 1902 – 1905). Manolo Hugué ha uno stile in cui mescola classicismo e primitivismo (Bacant, 1934). Altri scultori eccezionali sono: Frederic Marès (Omaggio a Barcellona, ​​1928), Enric Casanovas (Monumento a Narcís Monturiol, 1918), Julio Antonio (Tarragona agli eroi del 1811, 1910-1919) e Apel • les Fenosa (Chitarrista, 1923) . Da segnalare anche il progetto collettivo realizzato in Plaça Catalunya per l’Esposizione Internazionale del 1929, a cui parteciparono i migliori scultori dell’epoca.

Di particolare importanza in questo periodo era il design, solitamente legato allo stile Art Déco, che è evidente nelle opere prodotte in settori come mobili, gioielli, arazzi, ceramiche, vetrate, ecc.

Avantguardisme
Dopo un periodo di prosperità tra la prima guerra mondiale e la guerra civile, in cui la Catalogna conosceva i movimenti artistici europei, il dopoguerra fu un periodo di declino culturale. Nonostante ciò, l’arte catalana si collega con i diversi movimenti chiamati avant-garde, che comportano cambiamenti radicali nella concezione dell’arte, sia in campo teorico che tecnico o materiale. I successivi “ismi” d’avanguardia (Cubismo, Futurismo, Dadaismo, Surrealismo, Espressionismo, ecc.) Mirano a trasformare la società con l’arte, proponendo un progetto impegnato nel rinnovamento culturale dei popoli. L’arte astratta ha significato la perdita della figurazione, cedendo nella seconda metà del secolo tendenze informaliste o intangibili.

Un primo ed effimero tentativo di rinnovare il Noucentisme fu l’Agrupació Courbet, fondata a Barcellona nel 1918 e sciolta nel 1919. Affermano come maestro il pittore realista francese Gustave Courbet, il cui atteggiamento rivoluzionario cercano di raggiungere. Guidati da Josep Llorens i Artigas e Josep Francesc Ràfols, sono apparsi nomi come Joan Miró, Josep de Togores, Josep Obiols e Olga Sacharoff.

Per quanto riguarda l’architettura, nel 1929 nasce a Barcellona il gruppo GATCPAC (Gruppo di artisti e tecnici catalani per il progresso dell’architettura contemporanea), con una volontà rinnovata e liberatrice del classicismo noucentista, nonché l’introduzione di nuove correnti in Spagna. derivati ​​internazionali del razionalismo. Sfortunatamente, il suo lavoro è stato interrotto dallo scoppio della guerra civile. I punti salienti includono Josep Lluís Sert, un discepolo di Le Corbusier, che ha avviato il razionalismo in Spagna; fu l’autore del padiglione della Repubblica per l’Esposizione Universale di Parigi del 1937, attualmente ricostruito a Barcellona, ​​che esponeva la Guernica di Picasso, nonché il Dispensario Centrale Antitubercolare (1934-1938, con Josep Torres i Clavé) e il Fondazione Miró (1972).

La scultura è pienamente all’avanguardia con il lavoro di due artisti di fama internazionale: Pau Gargallo, iniziato in Noucentisme, ha realizzato sculture in metallo, forte espressionismo e una certa aria schematica e primitivista (Gran Ballarina, 1929, The Prophet, 1933); Juli González usò il ferro saldato, avvicinandosi a forme quasi astratte (Donna che si pettina i capelli, 1932, L’home cactus, 1939).

Surrealismo
Emerso in Francia negli anni ’20 come rivendicazione della fantasia e del subconscio nella creazione artistica, in Catalogna dà due grandi nomi: Salvador Dalí, rappresentante del surrealismo figurativo, e Joan Miró, ascritto a un surrealismo più astratto. Dalí ha combinato una tecnica perfetta con la ricreazione di un mondo personale fantastico e delirante, con una forte introspezione psicologica (The Persistence of Memory, 1931; The Angelus of Gala, 1935; Soft Self-Portrait, 1941), evolvendosi successivamente in uno stile più realistico di influenza religiosa e scientifica (Madonna de Port-Lligat, 1948; Atomic Leda, 1949). Miró ha creato un mondo magico e onirico pieno di piccole figure, con il quale ha cercato un nuovo metodo per scomporre e analizzare la realtà, mostrando una nuova relazione tra oggetti e spazio (Terra llaurada, 1924; Carnestoltes d’Arlequí, 1925;

Nella scultura, oltre alle opere di Dalí e dello stesso Miró, spicca l’attività del gruppo ADLAN (Friends of New Art), fondato dal critico d’arte Sebastià Gasch nel 1932, che mira a rinnovare il linguaggio scultoreo basato sul dadaismo e Principi surrealisti, influenzati dallo scultore americano Alexander Calder. Tra le loro fila spiccavano Àngel Ferrant, Eudald Serra e Ramon Marinello.

Dai a Set
Dopo la guerra e la conseguente crisi culturale derivante dall’esilio di molti artisti e dalla repressione esercitata dalla dittatura franchista, alla fine degli anni Quaranta iniziò a riaffiorare la scena artistica catalana con mostre in gallerie private e movimenti culturali come il Maillol Circle. Emerse una nuova generazione di giovani artisti, tra cui il gruppo che formò Dau al Set, creato nel 1948 attorno alla rivista omonima e pubblicato fino al 1956, anche se il gruppo può essere considerato sciolto dal 1951. Fu formato da Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Joan Brossa, Joan Josep Tharrats, Joan Ponç e Arnau Puig, che sono i primi a connettersi con le correnti europee, realizzando un’arte che evolve da un certo surrealismo magico a un informalismo più o meno astratto, tranne nei casi di Joan Ponç ,

Informalismo
Movimento del dopoguerra, ha significato il rifiuto della forma per una migliore libertà concettuale e un nuovo legame con lo spettatore, secondo il concetto di “opera aperta” formulato da Umberto Eco. Si tratta generalmente di opere astratte, in cui risaltano il colore e il substrato materiale dell’opera. Spicca Antoni Tàpies, pittore di fama internazionale e primo grande restauratore dell’arte spagnola del dopoguerra, principale rappresentante della “pittura materica”, autore di un’opera introspettiva di una certa spiritualità, con piccole figurazioni simboliche (Zoom, 1946; Collage di croci, 1947; Ovale bianco, 1957).

Modest Cuixart ha combinato la pittura materica con la pittura gestuale, pittura in cui ha mescolato l’olio con limatura di metallo per dare lucentezza all’opera (Omorka, 1958). Josep Guinovart realizza dipinti di grande formato, con una miscela di materiali, a volte trasformati dal fuoco (Ávila, 1963; Christ of the Glories, 1968). Albert Ràfols Casamada si attribuisce al tachismo, con dipinti di grandi superfici lisce, austere, quasi senza colore (Omaggio a Schönberg, 1963). Joan Hernandez Pijuanit ha uno stile espressionista post-cubista, con una forte carica sociale (Pittura, 1959).

La scultura cerca di recuperare lo spirito d’avanguardia prima della guerra, ricercando forme espressive innovative e sperimentando nuovi materiali. Un agglutinatore degli artisti di questa generazione e centro di diffusione del nuovo stile sarà il Saló d’Octubre, dove emergeranno nomi come Domènec Fita, Manuel Cusachs, Salvador Aulèstia, Moisès Villèlia, ecc. Anche artisti come Antoni Tàpies, Leandre Cristòfol e Josep Guinovart si sono dedicati alla scultura.

Arte contemporanea
Solo a partire dagli anni ’80 iniziò una certa normalizzazione, con la comparsa di artisti che si attribuivano all’arte concettuale della moda di quel tempo, come Francesc Abad o Jordi Benito, che eseguivano azioni e installazioni con un forte carico riflessivo.

Dagli anni ’80 in poi sono emerse tendenze postmoderne, una reinterpretazione di stili precedenti che ha dato all’artista la libertà di utilizzare qualsiasi tecnica o stile e trasformarlo in modo personale; uno dei suoi maggiori esponenti è Miquel Barceló, artista maiorchino radicato a Barcellona (Grande cena spagnola, 1985, L’estació de les raines, 1990). Joan-Pere Viladecans realizza un dipinto personale, enfatizzato dal supporto in pasta di carta e dai colori aggressivi (il contagio della farfalla, 1984). Ferran García Sevillahe realizza una pittura figurativa ricca di segni, vicina all’arte primitiva, con vivaci gamme cromatiche (Cent 18, 1987).

Nella scultura, il nome principale degli ultimi anni è Josep Maria Subirachs: formatosi in Noucentisme, si è evoluto in uno stile espressivo e schematico per finire in astrazione; è autore della facciata della Passione della Sagrada Família, del Monumento a Ramon Lullo a Montserrat (1976) e del Monumento a Francesc Macià in Plaça de Catalunya a Barcellona (1991). Il valenciano Andreu Alfaro parte dall’informalismo per evolversi in un costruttivismo geometrico ispirato ad Antoine Pevsner (Paths of Freedom, 1963). Xavier Corberó, formatosi a Londra, è autore di opere dalle forme geometriche e organiche vicine al minimalismo (Piano, 1965). Susana Solano si evolve da scultura minimalista a opera di grandi dimensioni e forte solidità, riflettendo un senso di chiusura che evidenzia la fragilità dell’esistenza (Sea of ​​Galilee, 1986).

Per quanto riguarda l’architettura, negli anni Cinquanta, dopo la crisi del dopoguerra, si tenta di rivitalizzare il Gruppo R, che sintetizza la tradizione mediterranea catalana con correnti internazionali d’avanguardia. I suoi membri includevano: Josep Antoni Coderch, con un’opera di carattere mediterraneo influenzata dall’architettura popolare e l’opera dell’architetto finlandese Alvar Aalto (Edifici commerciali, 1966 – 1969); Antoni de Moragas, autore del Park Hotel (1950 – 1954); e Oriol Bohigas, autore dell’edificio residenziale in Pallars Street (1955-1960, con Josep Martorell).

Tra gli anni Sessanta e Settanta nasce la cosiddetta scuola di Barcellona, ​​secondo il nome proposto da Bohigas, erede del Gruppo R, ascritto al neorealismo italiano allora imperante su scala internazionale, che unisce un linguaggio costruttivo razionalista a l’uso di materiali tradizionali, con particolare attenzione alla funzionalità e al design. Tra questi Frederic de Correa e Alfons Milà – che hanno formato una squadra -, autori dell’edificio Monitor (1969 – 1970); ed Enric Tous e Josep Maria Fargas, autori di Banca Catalana (1965 – 1968).

Negli anni Ottanta l’architettura si ascrive alle nuove tendenze postmoderne, che si distinguono per il libero utilizzo dei linguaggi storici, con una tendenza all’eclettismo. Sono gli esponenti di questo attuale Ricard Bofill, autore del Teatro Nazionale della Catalogna (1991 – nel 1996); e Òscar Tusquets (Banca di Spagna a Girona, 1981 – 1983; Cantine Chandon a Sant Cugat Sesgarrigues, 1987 – 1990).

Un’altra profonda trasformazione di Barcellona è diventata l’occasione dei Giochi Olimpici del 1992, il che ha significato la ristrutturazione del Montjuïc, dove ha costruito l’Anello Olimpico, con edifici come il Palau Sant Jordi di Arata Isozaki, le piscine Bernat Picornell, la torre di Comunicazioni di Santiago Calatrava e riabilitazione dello stadio olimpico Lluís Companys. Da segnalare anche la costruzione del Villaggio Olimpico a Poblenou, con la costruzione di due grandi grattacieli, l’Arts Hotel e la Mapfre Tower. Infine, l’impulso dato alla Diagonal Mar dal Forum Universale delle Culture del 2004.

Arte pubblica
L’insieme di monumenti e sculture all’aperto di Barcellona costituisce un eccezionale esempio di arte pubblica che concede alla capitale catalana, insieme ad altri elementi come la sua architettura, la sua rete di musei o il suo insieme di parchi e giardini, un’inconfondibile arte timbro, poiché la città di Barcellona è sempre stata impegnata nell’arte e nella cultura come una delle sue principali caratteristiche identitarie.

Il patrimonio artistico pubblico della città è vasto, sebbene la maggior parte dei monumenti e delle statue situate in luoghi pubblici risalgono al XIX secolo in poi. Il primo monumento che si conserva espressamente e per ordine comunale sulla strada pubblica è il Monumento a Santa Eulàlia, in Plaça del Pedró, del 1673; altre opere precedenti considerate arte pubblica sono fontane o statue collocate all’interno di nicchie, sulle facciate di edifici pubblici, sebbene in molti casi si trattasse di commissioni private divenute successivamente di proprietà pubblica. Va notato che fino al XIX secolo la città era delimitata dalle sue mura medievali, ritenendo la città una postazione militare, quindi la sua crescita fu limitata, e il poco spazio a disposizione fu utilizzato principalmente per le attività quotidiane della popolazione,

La situazione cambiò con l’abbattimento delle mura e la donazione alla città della Fortezza della Cittadella, che favorì l’espansione urbanistica della planimetria adiacente, e che si rifletté nel progetto dell’Eixample preparato da Ildefons Cerdà, che significava il più grande territorio espansione che ha avuto la città. Un altro aumento significativo della superficie della capitale catalana è stata l’annessione di diversi comuni confinanti tra la fine del XIX secolo e l’inizio del XX. Tutto questo ha significato l’adeguamento dei nuovi spazi urbani e un aumento delle commissioni artistiche comunali sulle strade pubbliche, che sono state favorite anche da vari eventi organizzati in città, come l’Esposizione Universale del 1888 e l’Internazionale del 1929 o, più recentemente, per i Giochi Olimpici del 1992 e il Forum Universale delle Culture del 2004.

Strutture
Essendo una città mediterranea quale è, Barcellona ha un’offerta per il tempo libero molto ampia, che copre tutte le discipline legate al mondo della cultura. Ha teatri centenari dedicati all’opera e alla musica, come il Gran Teatre del Liceu o il modernista Palau de la Música Catalana, e auditorium eccellenti e moderni, grandi istituzioni dedicate alle arti plastiche, centri per l’arte più d’avanguardia, spazi per l’innovazione scenica e il teatro più classico o gallerie d’arte e spazi dedicati all’arte del patrimonio.

Museo d’Arte Contemporanea di Barcellona
Il Museo d’Arte Contemporanea di Barcellona, ​​noto anche con l’acronimo MACBA, è dedicato all’esposizione di arte contemporanea e pratiche culturali. Si trova nel quartiere Raval della città di Barcellona, ​​molto vicino al Centro di Cultura Contemporanea di Barcellona. È stato dichiarato museo di interesse nazionale dalla Generalitat de Catalunya. Dal 2015 è diretto da Ferran Barenblit.

La Collezione MACBA è la spina dorsale del museo e indaga la traiettoria delle linee fondamentali della creazione artistica contemporanea a partire dalla seconda metà del XX secolo. La collezione della collezione MACBA è composta da più di 5.000 opere, realizzate dalla fine degli anni Cinquanta ai giorni nostri.

La collezione in quanto tale è stata creata ufficialmente il 19 giugno del 1997 quando ha firmato il Consorzio MACBA tra la Generalitat della Catalogna, il Comune di Barcellona e il Museo della Fondazione d’Arte Contemporanea, unendo tutti i fondi precedentemente depositati, così come altre serie di opere donate o depositati da altre istituzioni o da collezionisti privati, come la Collezione Onnasch, da Sandra Álvarez de Toledo o dalla Fondazione Telefónica.

La collezione inizia con l’astrazione materica degli anni Cinquanta, incorporando opere della pop art europea e delle avanguardie degli anni Sessanta e Settanta. Possiede anche opere che testimoniano il ritorno della figurazione fotografica e della scultura minimalista. degli anni 80 e si conclude con le opere più attuali. Incorpora opere di artisti di tutto il mondo, prestando particolare attenzione agli artisti del Sud America, del mondo arabo e dei paesi dell’Est.

Nel 2007 è stato creato il Centro Studi e Documentazione MACBA, che sviluppa un aspetto del collezionismo complementare alla collezione tradizionale.

Successivamente, nel 2011, la Fondazione “La Caixa” e il museo hanno unito le loro collezioni di arte contemporanea, creando una collezione di 5.500 opere. Come risultato di questa unione, nell’autunno del 2011 la mostra Volume., Con opere di artisti di spicco come Bruce Nauman, Cristina Iglesias, Antoni Muntadas e Xavier Miserachs, tra molti altri. All’inizio del 2012, la mostra The Inverted Mirror è stata presentata al Guggenheim Museum di Bilbao, composta da 93 opere di 52 artisti di entrambe le entità.

Museo Nazionale d’Arte della Catalogna
Il Museo Nazionale d’Arte della Catalogna, noto anche con l’acronimo MNAC, è un museo d’arte nella città di Barcellona che riunisce tutte le arti con la missione di conservare ed esporre la più importante collezione di arte catalana nel mondo. mondo, mostrando tutto dal romanico al presente. Nel 2019 ha ricevuto 837.700 visitatori.

È un consorzio con una propria personalità giuridica istituito dalla Generalitat de Catalunya, dal Comune di Barcellona e dall’Amministrazione Generale dello Stato. Oltre alle pubbliche amministrazioni, nel consiglio di fondazione del museo sono rappresentati individui ed enti privati ​​che collaborano. Il suo attuale direttore è Josep Serra.

La sede principale del museo si trova nel Palau Nacional de Montjuïc, inaugurato nel 1929 in occasione dell’Esposizione Internazionale. Anche parte dell’intero museo tre istituzioni più: il Museo della biblioteca Víctor Balaguer di Vilanova, il Museo della Garrotxa di Olot e il Museu Cau Ferrat a Sitges, la cui gestione è indipendente e la sua proprietà ricade nei rispettivi municipi.

La MNAC Modern Art Collection nacque dall’Esposizione Universale del 1888, quando il Comune di Barcellona installò l’allora piccola collezione di arte moderna, a quel tempo contemporanea, nel Palazzo delle Belle Arti. La collezione è stata notevolmente ampliata con gli acquisti effettuati dallo stesso Comune in mostre d’arte. L’attuale collezione d’arte moderna riunisce il meglio dell’arte catalana dall’inizio del secolo XIX fino al 40 secolo xx. Il tour inizia con artisti che hanno seguito i postulati del neoclassicismo, romanticismo e realismo. I neoclassici includono il pittore Josep Bernat Flaugier e lo scultore Damià Campeny. Per quanto riguarda il romanticismo, dobbiamo menzionare i pittori nazareni, come Claudi Lorenzale, che coltivava soprattutto la ritrattistica, e Lluís Rigalt, che inaugurò la tradizione del paesaggio catalano;

Un capitolo a parte merita Marià Fortuny, la migliore pittrice catalana del secolo xix, che si è affermata a livello internazionale con la pittura di genere e che ha indicato approcci avanzati nelle sue ultime produzioni. Presenti anche pittori che hanno optato per il realismo aneddotico, come Romà Ribera e Francesc Masriera, nonché i “luministi” della Scuola di Sitges, eredi della tradizione fortuniana; mentre nella scultura i fratelli Vallmitjana si distinguono come i migliori rappresentanti della tradizione realistica. La collezione del XIX secolo comprende anche una mostra di fotografia storica con opere di AADisdéri, Jean Laurent, Le Jeune e Charles Clifford., Tra gli altri, con immagini di vari luoghi della geografia spagnola.

Una delle colonne portanti delle collezioni d’arte moderna è il modernismo, un movimento di grande importanza artistica e culturale in Catalogna. Nella pittura, la corrente più identificata è quella di un personaggio rinnovatore guidato da Ramon Casas e Santiago Rusiñol, che incorporarono alcuni aspetti dell’impressionismo francese nelle loro opere parigine. Un’altra corrente è il simbolista, rappresentato dai dipinti di Alexandre de Riquer e Joan Brull e che si vede anche in alcune fotografie del pittorialista Pere Casas Abarca. Di pari importanza è la presenza di artisti della seconda generazione del modernismo, come Isidre Nonell, Marià Pidelaserra, Ricard Canals, Hermen Anglada Camarasa, Nicolau Raurich e Joaquim Mir, che, già nel XX secolo, portarono il dipinto catalano in uno dei suoi momenti più brillanti.

Ci sono anche pittori spagnoli come Julio Romero de Torres, Joaquim Sorolla, Ignacio Zuloaga, Darío de Regoyos e José Gutiérrez Solana, il fotografo Ortiz Echagüe e gli artisti francesi Boudin, Sisley e Rodin. Per quanto riguarda la scultura modernista, vanno evidenziate le creazioni di Miquel Blay e Josep Llimona, con una chiara influenza di Rodin. La collezione di arti decorative moderniste mostra alcuni set eccezionali di interior design di Josep Puig i Cadafalch, Gaspar Homar e Antoni Gaudí, provenienti rispettivamente dalle case Amatller, Lleó Morera e Batlló, sul Passeig de Gràcia a Barcellona; oltre a notevoli esempi di arte dell’oggetto in forgiatura, ceramica, vetro e gioielli, senza dimenticare i set di mobili di Joan Busquets e dell’architetto Josep Maria Jujol.

L’altro movimento ampiamente rappresentato nel MNAC è Noucentisme, che incarna la ricerca delle proprie essenze e del Mediterraneo. Ne sono rappresentativi le composizioni classiche di Joaquim Torres-García e Joaquim Sunyer, con vaghe influenze Cezanne, ei nudi scultorei di Josep Clarà ed Enric Casanovas. Le sculture di Manolo Hugué ei dipinti di Xavier Nogués completano questo movimento, con un marcato accento popolare. Intorno al 1920 apparve una nuova generazione di artisti che dovette affrontare il dilemma di continuare con la tradizione figurativa o di fare il salto verso l’avanguardia. Alcuni di questi, come i pittori Josep de Togores e Francesc Domingo i Segura, realizzarono una produzione con la propria voce nel contesto del realismo internazionale tra le due guerre. Altri, come lo stesso Torres-García, Rafael Barradas e Salvador Dalí,

Museo del Design di Barcellona
Il Barcelona Design Museum è un museo inaugurato nel dicembre 2014 sotto l’Istituto di Cultura di Barcellona che nasce dall’integrazione delle collezioni del Museo delle arti decorative, del Museo della ceramica, del Museo del tessuto e dell’abbigliamento e del Gabinetto delle arti grafiche. Il museo si trova nell’edificio Disseny Hub Barcelona, ​​in Plaça de les Glòries Catalanes, condividendo la sua sede con il Foment de les Arts i del Disseny (FAD) e il Barcelona Centre de Disseny (BCD), due istituzioni pioniere nel campo. promozione e sviluppo del design in Catalogna.

Alla fine del XX secolo, il Consiglio Comunale pensava di creare un centro unico, uno spazio integrale che permettesse al pubblico di intendere il design nella sua più ampia considerazione. Si è deciso di costruire uno spazio per ospitare tutte le collezioni di Barcellona e i fondi del patrimonio legati al mondo del design e Oriol Bohigas è stato incaricato di costruire un edificio in Plaça de les Glòries. All’inizio doveva essere chiamato il Museo del Design di Barcellona.

Per alcuni anni il progetto museale e l’edificio hanno avuto lo stesso nome, Disseny Hub Barcelona (DHUB). L’intenzione del progetto era quindi quella di creare un centro dedicato alla promozione della comprensione e del buon uso del mondo del design, agendo contemporaneamente come museo, centro e laboratorio. Il progetto ha concentrato la sua attività su 4 discipline del mondo del design: Space Design, Product Design, Information Design e Fashion Design. Voleva diventare un punto di incontro o nucleo di una rete formata da persone e istituzioni legate al mondo del design che condivideranno informazioni rilevanti legate al settore. L’obiettivo è stato quello di stimolare sia la ricerca che l’attività economica legata al mondo del design, utilizzando sia fondi propri che un’analisi continua del presente del mondo del design. Durante questo periodo,

Con la nuova direzione assunta da Pilar Vélez nel 2012, il progetto ha cambiato direzione e il concetto di edificio (Disseny Hub Barcelona) è stato separato dal museo (Museu del Disseny de Barcelona). La nuova linea discorsiva si concentra sulla generazione di discorsi Dalle arti decorative al design e alle arti applicate contemporanee. Il nuovo museo aprirà il 13 dicembre 2014 e rimarrà aperto fino al 31 gennaio 2015. Il nuovo museo vanta più di 70.000 oggetti decorativi, di design e artistici derivanti dall’integrazione delle quattro collezioni.

Centro per la cultura contemporanea di Barcellona
Il Centro per la cultura contemporanea di Barcellona (CCCB) è un centro culturale situato nel Raval di Barcellona. È uno spazio per la creazione, la ricerca, la diffusione e il dibattito della cultura contemporanea, dove le arti visive, la letteratura, la filosofia, il cinema, la musica e le arti dello spettacolo sono interconnesse in un programma. interdisciplinare.

Uno dei suoi obiettivi è collegare il mondo accademico con la creazione e la cittadinanza. Per farlo, organizza e produce mostre, dibattiti, festival, concerti, cicli cinematografici, corsi, convegni e incoraggia la creazione basata su nuove tecnologie e linguaggi, cercando di generare dibattito, pensiero e riflessione sulla cultura contemporanea., La città e il pubblico spazio così come su temi di attualità. A livello organico, dipende da un consorzio pubblico creato congiuntamente nel 1988 tra la Diputació de Barcelona e l’Ajuntament, che finanziano il progetto con una percentuale rispettivamente del 75% e del 25%. È stato inaugurato nel 1994 sotto la direzione di Josep Ramoneda, che è stato responsabile del Centro fino al 2011. Da allora, il CCCB ha prodotto dozzine di mostre e centinaia di conferenze, dibattiti e presentazioni di ogni genere.

Il CCCB concentra la sua attività sulla ricerca creativa e la produzione di conoscenza attraverso una serie di progetti centrali di propria produzione, come mostre tematiche e altri formati face-to-face e digitali: dibattiti internazionali, CCCB Lab, la piattaforma della letteratura di Kosmopolis , la linea di attività Beta: progetti che affrontano in modo integrato la cultura del XXI secolo e le grandi trasformazioni dell’era digitale; il progetto cinematografico sperimentale Xcèntric, il Premio europeo per lo spazio pubblico urbano, il Premio internazionale per l’innovazione culturale, la piattaforma Archivio CCCB e altre proposte e festival associati.

Lavora in rete con agenti e istituzioni internazionali, collegati allo stesso tempo con artisti, gruppi di creatori, curatori e agenti culturali indipendenti dall’ambiente di Barcellona, ​​e sostiene le loro proposte per partecipare al loro capitale creativo e dare loro visibilità. ricerca inoltre nuove proposte educative, lavora su formati di conoscenza e produzione in costante revisione critica, ricerca metodologie basate sul lavoro collaborativo e sperimentale che si concretizzano in bandi aperti e in processi di dinamizzazione e mediazione.

Il CCCB lavora su temi come le sfide della società del 21 ° secolo, l’espansione dell’universo letterario. L’intersezione di arte, scienza, scienze umane e tecnologia; l’egemonia della galassia audiovisiva; l’impegno nella ricerca e innovazione culturale; la sfida posta da un nuovo pubblico e l’emergere di nuove comunità fisiche e virtuali. Il rinnovamento delle lingue e dei lessici, la rinascita dei comuni; le sfide della partecipazione e della co-creazione; le tensioni tra privacy e trasparenza; l’avvento di nuovi modelli sociali e politici; i rischi e le opportunità della rivoluzione scientifica e tecnologica.

Dal 1994 il CCCB ha programmato più di cento mostre temporanee. Si è occupato di argomenti come la letteratura e l’urbanistica. Alcuni sono stati programmati e curati dal personale del centro e altri commissionati da esperti. Ospita anche mostre o attività come World Press Photo, Loop Festival, Primavera Pro e Corsi dell’Institut d’Humanitats de Barcelona.

CaixaForum Barcelona
CaixaForum Barcelona è un centro culturale gestito dalla Fondazione “la Caixa”. Si trova sulla montagna di Montjuïc (Barcellona), occupa l’edificio della vecchia fabbrica di Casaramona in stile modernista, progettata da Josep Puig i Cadafalch all’inizio del XX secolo e successivamente riabilitata per il suo nuovo uso come centro culturale.

CaixaForum offre una vasta gamma di mostre e attività culturali ed educative rivolte a tutti i pubblici. Fa parte di una rete di centri CaixaForum che si espande in varie parti della Spagna: CaixaForum Madrid, CaixaForum Lleida, CaixaForum Palma, CaixaForum Tarragona, CaixaForum Girona, CaixaForum Zaragoza e CaixaForum Sevilla.

CaixaForum propone al pubblico un programma di mostre temporanee con temi che spaziano dalla pittura, disegno, scultura o fotografia, alla storia delle culture, del cinema, dell’architettura e dell’arte contemporanea. Grazie alla sua collaborazione con i maggiori musei internazionali come il British Museum e il Musée du Louvre, permette di godere di pezzi unici e di opere di artisti di enorme prestigio nel cuore di Barcellona. La proposta espositiva del centro è adatta a tutti i tipi di pubblico, in quanto dispone di spazi didattici pensati per i più piccoli e di attività complementari come conferenze di curatori o cicli di convegni tematici.

CaixaForum è fortemente impegnato nelle visite mediate alle mostre e alla fabbrica modernista, con visite guidate per scuole, famiglie, adulti, gruppi organizzati o visite con caffè e incontri sociali, oltre ad audioguide. Nei fine settimana, CaixaForum offre micro-visite gratuite a mostre di arte contemporanea e l’opportunità di scambiare impressioni e approfondire i lavori con un mediatore specializzato.

Inoltre, CaixaForum ha un ampio programma di attività culturali rivolte a tutti i pubblici, che includono cicli di conferenze informative su arte, pensiero, letteratura o musica, cicli di film, concerti, spettacoli e laboratori. Sotto l’etichetta FOUND, il centro offre un programma appositamente progettato per il pubblico giovane culturalmente più irrequieto, con attività come incontri con creatori, spettacoli di musica elettronica o cicli di film documentari. In luglio e agosto, le “Notti estive” del CaixaForum sono uno degli eventi culturali essenziali della città.

Al CaixaForum è inoltre possibile trovare una libreria LAIE con bibliografia specializzata e oggetti di design e un bar-ristorante che propone menù giornalieri e menù a tema ispirati alle mostre.

Museo Picasso di Barcellona
Il Museu Picasso di Barcellona è il museo di riferimento per la conoscenza degli anni formativi di Pablo Picasso. Con più di 4.249 opere del pittore; ha la collezione più completa al mondo di opere giovanili dell’artista. Si trova in Carrer de Montcada, nel quartiere Ribera di Barcellona. ha aperto le sue porte al pubblico per la prima volta il 9 marzo 1963, diventando il primo museo Picasso al mondo e l’unico creato durante la vita dell’artista. È stato dichiarato museo di interesse nazionale dalla Generalitat de Catalunya.

I periodi più rappresentati sono quelli corrispondenti alla fase infantile e scolastica (Malaga, A Coruña e Barcellona, ​​1890-97), il periodo formativo (Barcellona, ​​Horta de Sant Joan e Madrid, 1897-1901), il periodo blu. (1901-04), le opere di Barcellona del 1917 e il set della serie Las Meninas (1957).

La maggior parte dei dipinti in mostra nel museo si riferiscono al periodo tra il 1890 e il 1917. Questa è una collezione molto importante riguardante alcuni momenti della vita di Picasso, come la sua infanzia e i giorni di scuola – Malaga, La Coruña e Barcellona, ​​tra il 1890 e il 1897 – quando realizzò opere come Scienza e beneficenza, dal 1897 e si formò a Barcellona e Horta de Sant Joan e Madrid, tra il 1897 e il 1901. Ci sono anche opere del suo periodo blu e opere del suo periodo di Barcellona nel 1917, come Arlecchino . Il museo ha pochissimi dipinti dopo il 1917, ad eccezione della serie Las Meninas, dipinta nel 1957.

La collezione di incisioni e litografie copre sostanzialmente il periodo tra il 1962 e il 1982. Picasso stesso ha dato al museo una copia di ciascuna delle sue opere prodotte dopo la morte di Sabartés nel 1968. Inoltre, alcune delle illustrazioni che ha realizzato per varie edizioni di libri sono incluso. La mostra del museo si completa con le ceramiche, donate da Jacqueline, vedova dell’artista.

Tra il 2009 e il 2010 è stata abilitata una visita online alla collezione del museo attraverso il suo sito web. Attualmente (ottobre 2010) oltre il 65% della collezione del museo è consultabile online.

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