Indianapolis Museum of Art, Stati Uniti

L’Indianapolis Museum of Art (IMA) è il nono più antico e l’ottavo più grande museo d’arte enciclopedico negli Stati Uniti. La collezione permanente comprende oltre 54.000 opere, tra cui pezzi africani, americani, asiatici ed europei. L’Indianapolis Museum of Art è situato in un campus di 152 acri con giardini lussureggianti, dimore storiche, sculture all’aperto, performance di ispirazione e spazi di gallerie. Fondato nel 1883, l’IMA è tra i 10 musei d’arte enciclopedica più antichi e 10 più grandi negli Stati Uniti e presenta importanti collezioni di arte africana, americana, asiatica, europea, contemporanea e di design che coprono 5.000 anni di storia.

Il Museo d’Arte di Indianapolis (noto come l’IMA) è un museo d’arte enciclopedico situato a Indianapolis, nell’Indiana, negli Stati Uniti. Il museo, che ha subito un’espansione di $ 74 milioni nel 2005, si trova in un campus di 152 acri (0,62 km2) nella zona nord-occidentale vicina al centro di Indianapolis, a nord-ovest del Crown Hill Cemetery.

Con una programmazione innovativa per coinvolgere gli ospiti di tutte le età, l’IMA offre una varietà di esperienze interattive all’interno delle gallerie, in tutto il campus e all’interno della comunità locale. Dai demo di giardinaggio a Madeline F. Elder Greenhouse alle proiezioni di film all’aperto nell’Anfiteatro IMA alle celebrazioni della comunità in Virginia B. Fairbanks Art & Nature Park: 100 acri, gli ospiti sono invitati a interagire con l’arte e la natura in entusiasmanti nuovi modi al IO SONO UN. Insieme al campus di Indianapolis, l’IMA possiede anche la Miller House and Garden a Columbus, Indiana, uno degli esempi più apprezzati della nazione delle residenze moderniste della metà del secolo.

Le aree significative della collezione includono: dipinti neoimpressionisti; Dipinti giapponesi del periodo Edo; Ceramiche e bronzi cinesi; dipinti, sculture e stampe di Paul Gauguin e della Scuola di Pont-Aven; un gran numero di opere di J. M. W. Turner; e una crescente collezione di arte contemporanea. Altre aree di enfasi includono il tessile e le arti della moda, oltre a una recente attenzione al design moderno.

Oltre alle sue collezioni, il museo è costituito da 100 acri: il Virginia B. Fairbanks Art and Nature Park; Oldfields, una tenuta dell’epoca di American Country Place restaurata, una volta di proprietà di Josiah K. Lilly, Jr .; e giardini e giardini restaurati originariamente progettati da Percival Gallagher della ditta Olmsted Brothers. L’IMA possiede anche la Miller House, una casa moderna del Mid-Century progettata da Eero Saarinen e situata a Columbus, nell’Indiana. Le partecipazioni del museo dimostrano l’enfasi dell’istituzione sulle connessioni tra arte, design e ambiente naturale.

Il Indianapolis Museum of Art è stato fondato come Art Association of Indianapolis, un gruppo di soci aperti guidato dal suffragista May Wright Sewall. Costituita nel 1883, l’organizzazione mirava a informare il pubblico sull’arte visiva e fornire educazione artistica. La prima mostra della Art Association, inaugurata il 7 novembre 1883, conteneva 453 opere di 137 artisti. La morte del ricco abitante di Indianapolis John Herron nel 1895 lasciò un lascito sostanziale con la clausola che il denaro fosse usato per una galleria e una scuola con il suo nome. Il John Herron Art Institute aprì nel 1902 all’angolo tra la 16a e la Pennsylvania street. L’enfasi sul movimento Arts and Crafts è cresciuta durante i primi anni della scuola, con particolare attenzione all’arte applicata. William Henry Fox fu assunto nel 1905 come primo regista dell’Art Institute. Dal 1905 al 1910, Fox gestì sia il museo che la scuola mentre costruiva due nuovi edifici sul sito della 16a strada.

Dagli anni ’30 agli anni ’50, il John Herron Art Institute ha posto l’accento sulla professionalità e sulla crescita delle collezioni. Wilbur Peat, direttore del museo dal 1929 fino al 1965, acquisì significative parti della collezione. La torba ha anche fatto collegamenti con benefattori come il dott. George H. A. Clowes, Booth Tarkington e Eli Lilly. Caroline Marmon Fesler, presidente della Art Association of Indianapolis, ha dato una serie di opere negli anni ’40, tra cui opere moderne del XX secolo e opere post-impressioniste di Cézanne, Van Gogh e Seurat. Dopo anni di dibattito attorno all’espansione e al trasferimento del museo e della scuola, i pronipoti di Eli Lilly, J.K. Lilly III e Ruth Lilly, donarono la proprietà di famiglia, Oldfields, alla Art Association of Indianapolis nel 1966. Un anno dopo fu deciso che la scuola sarebbe diventata parte del campus Indianapolis della Indiana University, nel tentativo di assistere all’accreditamento. Quello stesso anno fu confermato che il museo si sarebbe trasferito a Oldfields, con il nuovo Krannert Pavilion aperto al pubblico nell’ottobre 1970. Nel 1969, prima di trasferirsi nel nuovo sito, l’Art Association di Indianapolis cambiò ufficialmente il suo nome in Indianapolis Museo dell’Arte.

Nel 2008, il museo ha cambiato l’entrata principale e l’indirizzo dalla 1200 West 38th Street alla 4000 North Michigan Road.

Il Museo d’Arte di Indianapolis ha una collezione permanente di oltre 54.000 opere che rappresentano culture di tutto il mondo e coprono oltre 5.000 anni. Le aree della collezione includono: pittura e scultura europea; Pittura e scultura americane; stampe, disegni e fotografie; Arte asiatica; arte dell’Africa, del Pacifico meridionale e delle Americhe; arte antica del Mediterraneo; Arti del design; tessile e moda; e arte contemporanea. Il museo ospita una significativa collezione di dipinti e stampe neoimpressioniste, molti dei quali furono dati nel 1977 dall’industriale locale W. J. Holliday. In combinazione con la collezione neoimpressionista si trova la Collezione Samuel Josefowitz di Gauguin e la Scuola di Pont-Aven, che comprende punti salienti come i bretoni su un traghetto di Émile Bernard. L’IMA possiede anche una vasta collezione di opere di J.M.W. Turner, contenente punti salienti come l’acquerello del 1820, il Castello di Rosslyn. La collezione, che è stata costituita da una sostanziosa donazione del filantropo Kurt Pantzer nel 1979, comprende oltre cinquanta acquerelli, oltre a dipinti ad olio, stampe e incisioni.

La collezione europea, che è organizzata in opere prima del 1800 e opere dal 1800-1945, include punti salienti come Aristotele di Jusepe de Ribera e The Flageolet Player on the Cliff di Paul Gauguin. L’Autoritratto di Rembrandt fa parte della collezione Clowes Fund, che comprende una serie di significativi pezzi degli Old Masters. Parte della collezione neoimpressionista, The Channel of Gravelines, Petit Fort Philippe di Georges Seurat è stata una delle prime opere a essere stata donata da Caroline Marmon Fesler negli anni ’40. Fesler avrebbe continuato a donare un certo numero di opere importanti, tra cui il suo lascito nel 1961 di notevoli pezzi del modernismo del XX secolo che comprendevano Pablo Picasso, Chagall e Matisse. I pezzi della collezione americana rappresentano l’impressionismo e il modernismo americano, tra cui opere di Georgia O’Keeffe e George Inness. I pezzi significativi includono Hotel Lobby (1943) di Edward Hopper e Boat Builders di Winslow Homer.

Il museo ha una notevole collezione di arte asiatica, con oltre 5.000 pezzi che coprono 4.000 anni. Il più notevole è l’acclamata collezione dell’IMA di dipinti, pergamene e schermi del periodo Edo giapponese. I momenti salienti includono A Thousand Peaks e Myriad Ravines, una dinastia Ming di Wu Bin e buddisti, taoisti e confuciani patriarchi, una tavola d’epoca Edo di Kano Sanraku, oltre a un certo numero di ceramiche cinesi e bronzi donati da Eli Lilly nel 1961, come un raffinato guang di bronzo. La collezione dell’IMA è anche composta da oltre 2.000 pezzi di arte e manufatti africani, di cui 1.200 sono stati donati da Harrison Eiteljorg nel 1989. L’IMA ha ampliato la collezione per includere sia oggetti storici che contemporanei provenienti da tutte le principali regioni dell’Africa, tra cui Egitto. Il museo è unico nella sua mostra inclusiva di opere islamiche e dell’antico Egitto all’interno della galleria africana, piuttosto che con antichità greche o romane. I pezzi significativi includono una figura di antenato femminile del popolo Senufo e la maschera del casco Magbo per l’associazione Oro del maestro intagliatore Onabanjo di Itu Meko.

La collezione di arte tessile e della moda del museo è composta da 7.000 articoli, tra cui costumi del XX secolo, su misura, di Givenchy, Chanel e Balmain. La collezione comprende una serie di tradizioni tessili del mondo, tra cui tessuti africani donati dalle sorelle Eliza e Sarah Niblack tra il 1916 e il 1933 e una significativa collezione di tappeti Baluchi. Basato sulla prima storia del museo di collezionare tessuti, gli articoli vanno dalla sartoria alla seta e ai merletti antichi che coprono 500 anni. Alcuni pezzi degni di nota includono un abito da corte della corte imperiale russa del designer Charles Frederick Worth e Bodhisattva of Wisdom (Mañjusri), un pannello di seta della dinastia Ming. La collezione di Arti del Design del museo è composta da pezzi europei e americani dal Rinascimento ai giorni nostri. La collezione comprende la madia di Eliel Saarinen progettata nel 1929 per la mostra The Metropolitan Museum of Art The Architect and the Industrial Arts: una mostra di Contemporary American Design e la chaise longue Bubbles disegnata da Frank Gehry nel 1979 per la serie Experimental Edges.

Negli ultimi anni l’IMA ha iniziato a concentrarsi sullo sviluppo della sua collezione di arte contemporanea, che comprende opere come Due punti bianchi nell’aria di Alexander Calder e Light and Space III, un’installazione permanente di Robert Irwin situata nella Pulliam Great Hall. Dal 2007 il museo ha ospitato installazioni contemporanee site specific nel padiglione Efroymson, ruotando le opere temporanee ogni sei mesi. Il padiglione Efroymson ha ospitato opere di artisti come William Lamson, Ball-Nogues Studio, Orly Genger e Heather Rowe per citarne alcuni. L’arte contemporanea è anche presente in 100 acri: il Virginia B. Fairbanks Art and Nature Park, che è unico per l’inclusione di opere commissionate da artisti emergenti di metà carriera. Dal 2007, l’IMA si è impegnata a costruire una collezione di design moderno che illustri i meriti artistici degli oggetti utilitari. L’attenzione al design contemporaneo internazionale, combinata con l’apertura della Miller House nel 2011, dovrebbe riposizionare il museo come autorità sul design.

Le pratiche di raccolta e di disassociazione dell’IMA hanno utilizzato la tecnologia per fornire accesso pubblico, trasparenza e trasparenza nelle operazioni dei musei. Svelato nel marzo 2009, il database online di deaccession del museo elenca tutti gli oggetti oggetto di disassuefazione e collega nuove acquisizioni agli oggetti venduti che hanno fornito fondi per il loro acquisto. L’IMA è stato elogiato per essere stato il primo tra i musei a condividere apertamente le loro pratiche di deaccessioning e ad aver incluso la possibilità di pubblicare commenti pubblici sulle voci nel database ricercabile. L’IMA ha anche sviluppato il registro degli oggetti dell’Amministrazione del Museo d’arte (AAMD), una banca dati che aiuta i musei a rispettare più facilmente la sentenza dell’UNESCO del 1970 che impedisce il traffico illecito di antichità. Dal 2003, l’IMA ha sistematicamente ricercato la provenienza di opere create prima del 1946 e acquisite dopo il 1932.

Il dipartimento di conservazione dell’IMA fu istituito nel 1970 dal primo conservatore a tempo pieno del museo, Paul Spheeris, e divenne rapidamente noto come centro regionale per la conservazione. Nel 1978 il dipartimento iniziò a fornire servizi di consulenza alle istituzioni regionali, assumendo contratti da tutto il Midwest. Un contratto iniziale di alto profilo prevedeva la conservazione di 45 ritratti di governatori nel corso di 15 mesi. La mostra del 1979, Portraits and Painters of the Governors of Indiana, si è tenuta all’IMA da gennaio a marzo prima che i ritratti fossero collocati in mostra permanente nell’Indiana Statehouse. Altri importanti progetti regionali hanno incluso la conservazione e il restauro dei murales di Thomas Hart Benton, creati per la Indiana Hall alla Fiera mondiale di Chicago del 1933 e ora situati presso l’Indiana University, i murales del Wishard Memorial Hospital, i dipinti di Otto Stark e Clifton Wheeler a Indianapolis Public School 54, e più recentemente il restauro del May Wright Sewall Memorial Torches alla Herron High School, l’ex sede del John Herron Art Institute.

Attualmente, il dipartimento di conservazione risponde alle esigenze del museo attraverso l’esperienza di specialisti in dipinti, tessuti, lavori su carta, cornici e conservazione di oggetti. Il dipartimento è cresciuto sia in termini di dimensioni che di personale nel corso degli anni, con l’espansione più recente avvenuta nel 2007. A partire dal 2007, l’IMA possedeva una delle poche unità radiografiche computerizzate negli Stati Uniti, continuando una tendenza in X tecnologia a raggi-X che il dipartimento ha iniziato negli anni ’70. Nel 1980, il dipartimento ha contribuito all’organizzazione e alla costituzione della Gilda di conservazione regionale del Midwest, che comprende conservatori e scienziati della conservazione dell’Indiana, dell’Ohio, dell’Illinois e del Michigan. A metà degli anni ’80, il dipartimento ricevette attenzione quando il capo conservatore Martin Radecki aiutò le autorità locali a scoprire oltre due dozzine di T.C. Steele e William Forsythe dipinti del valore di oltre $ 200.000. Il caso di contraffazione di alto profilo ha portato Radecki a organizzare un’esposizione nel 1989, È autentico? Steele, Forsythe e Forgery in Indiana. La mostra ha messo in evidenza le tecniche di conservazione e ha esaminato il modo in cui i falsi possono essere scoperti. Un’altra presentazione pubblica di conservazione è avvenuta nel 2007 con Sebastiano Mainardi: The Science of Art, una mostra di Star Studio che ha permesso ai visitatori di vedere i conservatori mentre lavoravano alla pala d’altare del XVI secolo. Star Studio di IMA è una galleria interattiva che consente ai visitatori di apprendere, attraverso il processo di creazione e osservazione artistica, delle collezioni del museo.

Nel febbraio 2010, l’IMA si è spostata dagli attuali standard di controllo ambientale all’interno dei propri spazi espositivi, consentendo fluttuazioni di temperatura e umidità di alcuni gradi su entrambi i lati dello standard suggerito. L’IMA ha rinunciato allo standard dopo aver concluso che la maggior parte delle opere d’arte poteva sostenere una maggiore gamma di umidità, permettendo così al museo di risparmiare sul costo delle bollette energetiche e di ridurre la sua impronta di carbonio.

Nell’ottobre 2008, l’IMA ha annunciato una sovvenzione di 2,6 milioni di dollari da parte del Lilly Endowment per essere utilizzata per la creazione di un laboratorio di scienza all’avanguardia per la conservazione. Attraverso una borsa di studio della Andrew W. Mellon Foundation, il dott. Gregory Dale Smith, fu assunto nell’ottobre del 2009 per guidare il laboratorio come senior scientist della conservazione. Uno degli obiettivi principali del laboratorio è la ricerca della collezione IMA, compresa la moda couture nella collezione di tessuti e oggetti realizzati con materiali sintetici nella collezione di design. Un altro obiettivo è la ricerca scientifica sui materiali trovati nelle collezioni, come resine e coloranti su pezzi d’arte africani e smalti su ceramiche asiatiche. Attraverso l’aggiunta del laboratorio, l’IMA mira a stabilirsi come centro di conservazione riconosciuto a livello internazionale e ad aumentare il suo potenziale come risorsa di formazione e sviluppo professionale nelle scienze della conservazione.

Nel 1909 l’Art Association fece una campagna per una grande retrospettiva, l’Augustus Saint-Gaudens Memorial Exhibition, da portare a Indianapolis. La mostra, denominata anche la mostra statuaria del memoriale di Saint-Gaudens, ha attratto 56.000 visitatori durante la sua corsa di tre mesi, ben oltre l’obiettivo del consiglio di attrarre 50.000 visitatori. Una mostra del 1937, Dutch Paintings of the Seventeenth Century, comprendeva prestiti dal Cincinnati Art Museum, dal Metropolitan Museum of Art e dal Rijksmuseum di Amsterdam. La mostra di sei settimane ha presentato 65 pezzi, tra cui diversi Rembrandts, ed è stato considerato l’inizio dell’ascesa del museo per intenditori.

Nel 1977, l’IMA ha acquisito una collezione di dipinti neoimpressionisti dall’industriale di Indianapolis W.J. Holliday, che è stata presentata in una mostra nel 1983 intitolata The Aura of Neo-Impressionism: The W.J. Holliday Collection. Dal 1986 al 1988, la mostra viaggiò in sette città degli Stati Uniti e fece una sosta in Europa al Van Gogh Museum di Amsterdam. Inaugurato nell’estate del 1987 in concomitanza con i Giochi Panamericani, Art of the Fantastic: America Latina, 1920-1987 ha presentato 125 opere di artisti di varie nazioni. Erano presenti artisti famosi come Frida Kahlo e Roberto Matta, oltre a artisti che non avevano mai esposto al di fuori del loro paese natale. Lo spettacolo è stata la prima presentazione su larga scala dell’arte del 20 ° secolo in America Latina negli Stati Uniti in oltre 20 anni ed è stata la prima mostra contemporanea del museo a viaggiare.

Nel 1992 l’IMA ospitò la William S. Paley Collection, una mostra itinerante organizzata dal Museum of Modern Art che comprendeva impressionisti, post impressionisti e pezzi moderni raccolti dal defunto presidente della CBS William S. Paley. La mostra ha contribuito a stabilire l’IMA come sede principale del museo nel Midwest e ha portato a 60.837 visitatori record. Nel 2001, l’IMA ha collaborato con il Museo dell’Armeria a Mosca per organizzare Doni agli Zar, 1500-1700: Tesori del Cremlino. Lo spettacolo ha aiutato l’IMA a formare partenariati con organizzazioni artistiche locali, ottenere visibilità internazionale e ha attratto un record di 70.704 visitatori. Un’altra importante mostra di viaggio per l’IMA è stata l’arte romana del Louvre, che ha attirato 106.002 visitatori durante la sua corsa del 2008. La mostra comprendeva 184 mosaici, affreschi, statue, rilievi in ​​marmo e vasi dati in prestito dalla collezione permanente del Louvre a Parigi, in Francia. Era la più grande collezione mai prestata dal Louvre fino ad oggi, e si fermò solo in tre città degli Stati Uniti prima di tornare in Francia.

Nel 2009, Sacred Spain: Art and Belief nel mondo spagnolo ha riunito 71 opere d’arte provenienti da una vasta gamma di istituti di credito, tra cui Perù, Messico e il Prado in Spagna. La mostra era composta da una rara collezione di pezzi, molti dei quali non erano mai stati esposti negli Stati Uniti. Comprendeva dipinti, sculture, oggetti in metallo e libri di artisti come El Greco, Diego Velázquez e Bartolomé Esteban Murillo. Andy Warhol Enterprises è stata esposta all’IMA da ottobre 2010 a gennaio 2011 e ha presentato oltre 150 opere d’arte di Andy Warhol, oltre a materiali d’archivio. La mostra è stata la più grande per illustrare il fascino di Warhol per il denaro e il consumismo come tema centrale. I visitatori hanno potuto osservare la progressione della carriera di Warhol, dagli inizi come artista commerciale al suo impero multimilionario.

Design europeo dal 1985: Shaping the New Century è stato esposto dall’8 marzo al 21 giugno 2009 ed è stato il primo importante sondaggio del design europeo contemporaneo. La mostra conteneva una collezione di circa 250 pezzi di designer industriali e decorativi dell’Europa occidentale come Philippe Starck, Marc Newson e Mathias Bengtsson. Nel 1985-2005 sono emerse tre forme di design di spicco che potrebbero essere viste nella mostra: Geometric Minimal design, Biomorphic design e Neo-Pop design. Tra i temi affrontati in tutta la mostra c’è la domanda su cosa rende “arte” qualcosa e come distinguere un pezzo di qualità museale in un mondo pieno di prodotti di serie. Piuttosto che organizzare la mostra per designer o per paese, i pezzi erano organizzati sulla base del precetto intellettuale o filosofico sotto il quale cadevano. Dopo aver lasciato l’IMA, la mostra si è recata all’Alto Museum of Art di Atlanta e al Milwaukee Art Museum di Milwaukee.

Hard Truths: The Art of Thornton Dial, in mostra da febbraio a settembre 2011, comprende oltre 70 opere d’arte su larga scala ed è il più grande assemblaggio del lavoro di Thornton Dial mai montato. L’esposizione contestualizza Dial come artista contemporaneo rilevante, piuttosto che come artista popolare o artista outsider come molti lo hanno ritratto in passato. I pezzi in mostra in Hard Truth coprono una serie di temi sociali e politici, molti dei quali affrontano la vita rurale nel sud e il trattamento degli afroamericani. Dopo la partenza da Indianapolis, la mostra è programmata per recarsi a New Orleans, Charlotte, North Carolina e Atlanta.

Nel 2010, l’IMA è stata selezionata per essere l’organizzazione di commissionamento per il padiglione degli Stati Uniti alla Biennale di Venezia (Biennale di Venezia). La proposta dell’IMA di creare una mostra con il lavoro degli artisti portoricani Jennifer Allora e Guillermo Calzadilla è stata accettata dal Bureau of Educational and Cultural Affairs presso il Dipartimento di Stato degli Stati Uniti. Allora e Calzadilla sono stati il ​​primo team collaborativo a essere esposto alla Biennale di Venezia, e il 2011 è stata la prima volta che sono stati selezionati artisti americani di una comunità di lingua spagnola. Saranno sviluppate sei nuove opere d’arte dalla coppia, che spesso esplora temi geopolitici attraverso il loro lavoro. I pezzi che hanno creato per il padiglione degli Stati Uniti del 2011 formeranno una mostra intitolata Gloria e metteranno in luce istituzioni competitive come i giochi olimpici, i militari e il commercio internazionale. Allora e Calzadilla hanno anche portato elementi di spettacolo nei loro pezzi multimediali attraverso la partecipazione di atleti olimpionici. Tre dei sei pezzi, intitolati Body in Flight (Delta), Body in Flight (americano) e Track and Field, hanno visto gli olimpionici Dan O’Brien, Chellsie Memmel e David Durante.