Storia del Rinascimento francese

Il Rinascimento francese è un movimento artistico e culturale situato in Francia tra la fine del XV secolo e l’inizio del XVII secolo. Stadio dei tempi moderni, il Rinascimento appare in Francia dopo l’inizio del movimento in Italia e la sua diffusione in altri paesi europei.

Come in Italia, le sue caratteristiche sono la sete di vita, la fiducia nell’uomo, l’appetito per la conoscenza, lo spirito della gratuitio. Questo movimento sfida le mentalità del Medioevo e cerca nuove forme di vita e civiltà. In effetti, le possibilità di diffusione dell’informazione da parte della tipografia e la scoperta di un nuovo mondo oltre l’Atlantico modificano profondamente la visione del mondo degli uomini di questo tempo.

Il Rinascimento francese è l’epoca dei pittori, scultori che vengono utilizzati dai re di cui i più emblematici del periodo sono Francesco I ed Enrico I. È il tempo di Leonardo da Vinci che termina la sua vita a Clos Lucé, ma anche la creazione del Scuola di Fontainebleau e l’arrivo dei Medici a Parigi nel XVI secolo.

Il Rinascimento in Francia è diviso in quattro parti. Il primo atto è lo stile Luigi XII (1495-1530 circa) che forma la transizione tra lo stile gotico e il Renaissanc. Questo primo stile, tuttavia, declinò nel 1515, soprattutto nella Valle della Loira, dove la piena accettazione del Rinascimento italiano si fa sentire più rapidamente. Come in Italia, tre fasi si distinguono fino all’inizio del XVII secolo, un primo e un secondo Rinascimento francese che terminano con il Manierismo.

Rafforzare la monarchia: sovranità
In Francia, il Rinascimento è specifico che, dopo il regno di Luigi XI, il potere del re è accentuato sui suoi vassalli. Passiamo gradualmente da un regime di sovranità a un regime di sovranità.

In effetti, l’evoluzione delle tecniche di guerra ha un’influenza indiretta su questo cambiamento. La difesa dei castelli diventa progressivamente inefficace a causa dell’invenzione di nuove armi da guerra a più lungo raggio (bombarde), quindi devono essere immaginati nuovi sistemi difensivi.

L’inefficienza dell’esercito francese durante alcuni episodi della Guerra dei Cent’anni (Battaglia di Agincourt, 1415, in particolare) sta rivelando questo cambiamento.

I signori feudali, i cui “privilegi” nella società medievale sono compensati dalla loro responsabilità nei confronti della popolazione circostante in caso di aggressione da parte della comunità locale, non hanno più lo stesso ruolo. Hanno assunto responsabilità militari a livello “nazionale” e non a livello locale (in lingua moderna), mantenendo tuttavia i loro privilegi.

La gerarchia delle sovranità è sconvolta. È quindi necessario ridefinire le responsabilità reciproche del monarca, che è diventato il garante della sicurezza del paese unificato. Il principale teorico della definizione del principio di sovranità è Jean Bodin.

Francesco I è quindi uno dei primi monarchi francesi, nel vero senso della parola (nel sistema feudale, i re sono i sovrani dei loro vassalli, i quali hanno prestato giuramento di fedeltà). L’assolutismo, in senso stretto, appare solo con Enrico IV, le cui responsabilità sono aumentate in seguito all’Editto di Nantes (1598), e specialmente con Luigi XIII (sotto la forte influenza di Richelieu), e con Luigi XIV, sostenuto su questo punto da Bossuet.

Le quattro fasi del Rinascimento francese (1495-inizi XVII secolo)
Il Rinascimento in Francia è diviso in quattro parti. Il primo atto è lo stile Luigi XII (circa 1495-1530) che costituisce la transizione tra lo stile gotico e il Renaissanc. Questo primo stile, tuttavia, declinò nel 1515, soprattutto nella Valle della Loira, dove la piena accettazione del Rinascimento italiano si fa sentire più rapidamente. Come in Italia, tre fasi si distinguono fino all’inizio del XVII secolo, un primo e un secondo Rinascimento francese che terminano con il Manierismo.

In ogni fase del suo sviluppo, l’arte del Rinascimento francese è rimasta un’arte originale, nata da un incontro tra modelli italiani, artisti fiamminghi e particolarità francesi. I modelli sono tuttavia molto cambiati tra il 1495 e il 1610, poiché i francesi hanno successivamente ammirato l’arte della fine del Quattrocento, quella dell’Alto Rinascimento e del Manierismo. Da questi incontri successivi arrivò una produzione artistica abbondante, disordinata, a volte difficile da cogliere. Quando facciamo il punto, appaiono due fatti essenziali: l’arte francese “moderna” prende forma attraverso le grandi opere della metà del XVI secolo mentre attorno al castello reale di Fontainebleau, “la vera nuova Roma”, nacque sotto la volontà del re François È un importante centro artistico,

La nuova situazione così creata controlla il futuro: annuncia l’affermazione di uno stile “nazionale” nella metà del XVII secolo e il ruolo futuro di Versaille.

Lo stile Luigi XII: transizione tra gotico e primo rinascimento (1495-1525 / 1530)
Lo stile Luigi XII (1495-1525/1530), è uno stile di transizione, un passaggio molto breve tra due epoche abbaglianti, il periodo gotico e il Rinascimento. Descrive un tempo in cui l’arte decorativa a partire dall’arco gotico e il naturalismo gotico si muoverà verso l’arco pieno e le forme morbide e rotonde si mescolano con motivi antichi stilizzati tipici del primo Rinascimento: c’è ancora molto gotico nel castello di Blois, ce n’è di più sulla tomba di Luigi XII a Saint-Deni.

Dal 1495, una colonia di artisti italiani fu installata ad Amboise e lavorò in collaborazione con muratori francesi. Questa data è generalmente considerata il punto di partenza di questo nuovo movimento artistico. In generale, la struttura rimane francese, solo l’arredamento cambia e diventa italiano. Sarebbe sfortunato, tuttavia, determinare questo nuovo stile con l’unico contributo italiano: le relazioni esistono tra la produzione architettonica francese e quella del platese spagnolo 10 e l’influenza del Nord, specialmente di Anversa, è notevole anche nelle arti decorative come nell’arte della pittura e delle vetrate.

I limiti dello stile Luigi XII sono piuttosto variabili, soprattutto quando si tratta della provincia al di fuori della Valle della Loira. Oltre ai diciassette anni del regno di Luigi XII (1498-1515), questo periodo include la fine del regno di Carlo VIII e l’inizio di quello di Francesco I, dando inizio al movimento artistico nel 1495 per portarlo alla fine 1525/1530 circa 5: L’anno 1530 corrispondente ad una vera svolta stilistica, che segue la creazione di François I, della Scuola di Fontainebleau, è generalmente considerata la piena accettazione dello stile rinascimentale 4,. Nel lavoro decorativo della fine del periodo di Carlo VIII, vi è una marcata tendenza a separarsi dall’arco ad arco per avvicinarsi all’arco completo. L’influenza del Bramante ‘ Le produzioni a Milano per Ludovic Sforza sono percepibili nella parte inferiore dell’ala di Carlo VIII al castello di Amboise 4: se la parte superiore dell’edificio è gotica, la facciata del passaggio delle guardie presenta una tale loggia, una serie di archi semicircolari che segnano le campate ritmiche delle lesene lisce. In generale, le forme ornamentali non hanno già la particolare grazia del periodo ogivale, il ritmo delle facciate è organizzato più regolarmente con la sovrapposizione delle aperture in campate e la conchiglia, elemento importante della decorazione rinascimentale, fa già la sua apparizione.

Questo sviluppo è particolarmente evidente nel castello di Meillant, la cui opera di abbellimento voluta da Carlo II d’Amboise iniziò nel 1481: se la struttura rimase completamente medievale, la sovrapposizione delle finestre in campate collegate tra loro da una fune a pinnacolo, annuncia la griglia delle facciate sotto il primo Renaissanc. Allo stesso modo, la classica trabeazione ovale sormontata da una balaustra gotica e il trattamento Tempietto della parte superiore della scala a chiocciola con la sua serie di archi semicircolari con conchiglie.

Se alla fine del regno di Carlo VIII, il contributo degli ornamenti italiani giunge ad arricchire il repertorio fiammeggiante, vi è d’ora in poi sotto Luigi XII un’intera scuola francese che apre all’Italia con nuove proposte, stabilendo così i principi di una transizione stile .

Nella scultura il contributo sistematico degli elementi italiani o anche la reinterpretazione “gotica” delle conquiste del Rinascimento italiano è evidente nel Santo Sepolcro di Solesmes dove la struttura gotica assume la forma di un arco trionfale romano affiancato da pilastri con candelabr lombardo. Il fogliame gotico, ora più frastagliato e languido come l’Hotel Cluny di Parigi, si mescola ai tondi con i ritratti degli imperatori romani nel castello di Gaillon.

In architettura, l’uso del “mattone e pietra”, tuttavia presente sugli edifici a partire dal xiv secolo, tende a generalizzare (castello di Ainay-le-Vieil, ala Luigi XII del castello di Blois, l’hotel di Alluye de Blois). Gli alti tetti francesi con torrette angolari e facciate a chiocciola continuano la tradizione ma la sistematica sovrapposizione delle finestre, dei lucernari e l’apparizione di logge influenzate della villa Poggio Reale e del Castel Nuovo di Napoli sono il manifesto di una nuova arte decorativa dove la struttura rimane profondamente Gothi. La diffusione del vocabolario ornamentale da Pavia e Milano ha quindi un ruolo importante pur essendo percepito come l’arrivo di una certa modernità.

In questa arte in rapida evoluzione, i giardini diventano più importanti dell’architettura: l’arrivo ad Amboise di artisti italiani il cui Pacello da Mercogliano era originariamente sotto Carlo VIII della creazione dei primi giardini del Rinascimento francese grazie a nuove creazioni paesaggistiche, l’installazione di un il serraglio e il lavoro di acclimatazione agronomica condotti dal 1496 ai “Jardins du Roy”, situati nel dominio reale di Château-Gaillard. Nel 1499, Luigi XII affidò la realizzazione dei giardini del castello di Blois alla stessa squadra che fu successivamente ingaggiata da Georges d’Amboise per creare aiuole di diversi livelli sotto il suo castello di Gaillon.

In conclusione, lo stile Luigi XII mostra che ora vogliamo stupire i francesi come italiani: è dalla fantasia con cui sono incorporate le novità italiane nelle strutture francesi ancora medievali che nasceranno intorno al 1515/1520 al primo Rinascimento.

Il primo Rinascimento (1515-1530/1540)
Proprio come il periodo precedente, la manifestazione più ovvia del primo Rinascimento in Francia è espressa dalla costruzione di castelli residenziali non solo nella Valle della Loira e nell’Ile-de-France, ma anche in alcune province più a sud come Berry, Quercy e Périgord (Château d’Assier e Montal) che, dopo essersi ripresi dopo la Guerra dei Cent’anni, vedono le loro famiglie numerose indebitarsi per diverse generazioni per modernizzare le strutture medievali preesistenti.

Tuttavia è proprio in Touraine che verranno costruiti i più grandi castelli del Rinascimento francese.

Se dalla fine del XV secolo, il processo di transizione dello stile Luigi XII, impone gradualmente le forme del primo Rinascimento 6, dagli anni 1515/1520, l’arrivo di una nuova ondata di artisti italiani, più numerosi di prima, avrà una grande influenza sull’arte francese, creando una vera rottura: le forme gotiche finiscono per essere gradualmente diluite nel decoro italiano. Questo sviluppo è particolarmente sensibile al portale della Chiesa di Saint Maurille de Vouziers, dove una decorazione ornamentale maschera la struttura ancora gotica.

A differenza del periodo precedente, il protagonista principale non è più l’entourage del re, ma Francesco I, lui stesso, che si comporta come un monarca umanista, diventa uno degli attori principali di questa evoluzione stilistica. Imponendosi nelle arti, vuole essere un patrono e guida del suo popolo e della cristianità, senza rinunciare al suo ruolo militare.

È così che usa artisti italiani per la costruzione dei suoi castelli. Questi artigiani letterari avranno quindi una grande aura per i muratori muratori francesi: il presunto architetto di Chambord, Domenico Bernabei da Cortona sarebbe stato soprannominato “Boccador”, bocca d’oro in italiano, preso qui nel senso di “parole d’oro” .

Tuttavia, in tutto il Rinascimento francese, la pianta degli edifici rimarrà tradizionale e gli elementi architettonici rimarranno liberamente ispirati alla nuova arte lombarda. Mai, forse, l’architettura francese è stata più elegante, leggera e stravagante che in questo periodo artistico. Un sapore particolare emerge dagli edifici della Val de Loire, dove i maestri tradizionali francesi, pieni di verve, accettano solo con rammarico la nuova architettura, abbinando sempre la struttura alla forma e combinando con sagome audaci e pittoreschi medioevo, la decorazione del Rinascimento italiano.

Così, in linea con lo stile di Luigi XII, manteniamo per tutto il periodo le tradizioni nazionali come i tetti alti: il Castello di Saint-Germain-en-Laye è l’unico ad essere coperto con terrazza. Se il progresso dell’artiglieria aveva reso inutili qualsiasi apparato difensivo come torri, machicouli, aliasing o castelli dei castelli, essi sono ancora preservati dalla tradizione. Tuttavia, tutti questi elementi di difesa vengono svuotati dalla loro sostanza per essere trasformati in così tanti elementi decorativi. Così, in molti edifici, come il castello di Chenonceau, La Rochefoucauld, Villandry o come nel caso di Azay-le-Rideau (rimaneggiato nel diciannovesimo secolo), la permanenza del dungeon non giustifica solo il simbolo signorile che rappresenta ; la sua funzione militare è ora soppiantata da quella di prestigio e sfarzo.

In questo movimento, le torri dei castelli del Medioevo si trasformano in Azay-le-Rideau, aggraziate torrette aggrottate mentre gli spalti della passerella si sviluppano in piccole finestre, trasformando questo spazio in una piacevole galleria di circolazione. Caratteristico è apparso con lo stile Luigi XII, le finestre delle facciate hanno il loro telaio che si collega da un piano all’altro, formando una sorta di baia completata a skyligh. Questo schema a griglia, che può essere trovato in Blois o Chambord, dà una sensazione di regolarità, spesso “fittizia”, ​​alle altezze, mentre enfatizza l’orizzontale e la verticale, mentre la moltiplicazione di camini e campanelli sembra formare una corona all’edificio, è un ultimo riflesso della fantasia medievale.

Se l’architettura è ora ampiamente aperta verso l’esterno, la ricchezza decorativa rimane riservata al cortile, in particolare per il motivo centrale della scala. Ossessione generalmente estranea al Rinascimento italiano, la scala viene quindi considerata come l’elemento francese attorno al quale gravitano l’intero castello: la torre poligonale in antipasto, conservata nell’ala François I del castello di Blois, viene progressivamente sostituita da un la rampa di accesso, che è molto più di un’innovazione italiana, sembra appartenere al repertorio dell’ovest della Francia da quando {{| XV}}.

Se la facciata delle logge del castello di Blois porta una certa modernità, con le sue aperture in fila all’esterno, ispirate al cortile del Belvedere del Vaticano, l’uso del modello romano del Bramante viene modificato e sottoposto al struttura medievale preesistente. Incompiuta, questa facciata non poteva ricevere un arredamento all’italiana paragonabile all’ala François I sul cortile. Tuttavia, rimane rappresentativo delle varie ricerche svolte durante il primo Rinascimento: Sostituendo i profili solidi e taglienti per i bordi taglienti del modanatura gotico, segna un progresso nell’imitazione dei modelli antichi.

Questa interpretazione dei risultati del Bramante, anche se non rispetta gli antichi ordini, si trova nella sovrapposizione degli archi incorniciati dei pilastri che adornano i cortili del castello di La Rochefoucauld e Chambor.

Prima realizzazione ex nihilo, il castello di Chambord è un appuntamento di cacce e feste di corte, concepito come un luogo teatrale poco abitato. La presenza di Leonardo da Vinci e Boccador, porta una riflessione sul castello francese in contatto con l’italiana Renaissanc. Mentre le torri del Medioevo non avevano altro giorno che le fessure degli arcieri, una sovrapposizione di finestre a pilastri qui illumina in gran parte l’edificio mentre la coroncina merlata scompare per la prima volta. L’arredamento esuberante è particolarmente legato ai tetti irti di ceppi di camini, abbaini o torrette, tutti arredati con losanghe o dischi di ardesia, tabernacoli e cul-de-lampe trattati nello stile italiano. dal nord, evocando gli intarsi di marmo nero della Certosa di Pavia, dove Francesco I fu prigioniero. Mentre lo sviluppo di appartamenti simmetrici per uso residenziale è una novità, l’organizzazione del piano rimane tradizionale, reminiscenza del castello di Vincennes, con un mastio centrale circondato da un recinto dove si trova il cortile e il terreno comunale. Il progetto iniziale del 1519, tuttavia, fu modificato già nel 1526, al fine di trasferire l’appartamento del re ad un’ala laterale: la prigione centrale era resa incompatibile con il nuovo rituale di corte che richiedeva un appartamento reale di fila. Come nella villa medicea di Poggio a Caiano, ogni livello ha ora i suoi appartamenti distribuiti attorno ad un asse centrale incarnato dalla scala a doppia rivoluzione (immagine) concepita in collaborazione con Leonardo da Vinc. I lavori però rallentano: dopo la sconfitta di Pavie, François I è costretto a rientrare a Pari.

Al suo ritorno dalla prigionia, nel 1527, se il patrocinio dell’entourage reale rimane importante, il re rimane nondimeno il principale protagonista delle evoluzioni stilistiche del suo paese, dalle modifiche apportate a tutta una serie di castelli attorno alla capitale (Villers -Cotterêt, La Muette). Mentre in Île-de-France stanno emergendo nuove innovazioni, la Valle della Loira diventa il conservatorio del primo Rinascimento.

Il castello di Madrid oggi distrutto, riflette questa evoluzione: Il Palacio de los Vargas di Casa del Campo, casa di un grande finanziere spagnolo situato di fronte a quella che fu la prigione di Francesco I a Madrid, ispirò la realizzazione di questo palazzo senza fossati il ​​cui il piano raccolto è contrario alla tradizione francese. Realizzati come una nuova residenza per le vacanze, gli appartamenti simmetrici sono stati organizzati intorno a una sala da ballo centrale, mentre due piani di logge che circondano l’edificio, hanno presentato un arredamento unico in terracotta smaltata di Della Robbi. L’elevazione del castello era segnata dai padiglioni fuori dal lavoro, che sostituivano qui le torri ancora medievali di Chambord, il cui nuovo ritmo era ottenuto dalla separazione dell’attico. L’uso del piano geometrico e la presenza delle logge, annunciando la Villa Farnese,

Il nuovo stile del primo Rinascimento non è lungo nel diffondersi in tutto il mondo. Città come Lione, Digione, Besançon o Nancy e Bar-le-Duc 17 sono case e palazzi particolarmente ricchi del primo Rinascimento: tra le case più famose c’è l’Hotel Chabouillé di Francis I a Moret – sur – Loing , la casa Pincé (1525-1535) ad Angers, l’hotel Bullioud (1536) e l’hotel Gadagne (ancora in stile Luigi XII) a Lione, la casa dei capi (1527) a Metz, l’Hotel d’Haussonville (1527- 1543) di Nancy, o il municipio di Beaugency 1.

Cher e il Loir. Eppure tutti vicini e quasi contemporanei di Azay-le-Rideau, le “fantaisies” italianisantes e le memorie medievali come torrette, pinnacoli o altre macchinazioni decorative, scompaiono qui interamente a favore di uno stile più semplice, puramente francese, il cui clacismo e la forma di i tetti prefigurano le realizzazioni di Ancy-le-Franc e Château d’Écouen. Se l’originalità di Villandry risiede in un progetto architettonico d’avanguardia che annuncia il Secondo Rinascimento, l’uso che è stato fatto del sito per costruire in piena armonia con la natura e la pietra, giardini di notevole bellezza, infatti una delle espressioni più compiute del Rinascimento francese.

Il Secondo Rinascimento, precedentemente noto come Stile Enrico II, segna dal 1540 la maturazione dello stile apparso all’inizio del secolo e la sua naturalizzazione, mentre la Valle della Loira si trova relegata nelle forme conservatorie del Primo Rinascimento. Questo nuovo periodo si sviluppò principalmente durante i regni di Enrico II, Francesco II e Carlo IX, e si concluse solo attorno al 1559-1564, proprio quando iniziano le Guerre della Religione, che saranno segnate dal massacro del Santo. Bartolomeo e la controriforma cattolica.

Mentre il primo Rinascimento viene gradualmente accettato nella provincia, nell’Île-de-Franc si sente tutta una serie di innovazioni.

A partire dal 1540, il classicismo progredisce, in seguito all’arrivo in Francia di Serlio (1475-1555): sebbene la sua opera architettonica rimanga limitata, la sua influenza è notevole dalla pubblicazione del suo “Trattato di architettura” (1537 -1551). Grazie alle sue opere incise, è uno dei primi a presentare altri artisti alla bellezza dei monumenti dell’antichità, contribuendo così a far evolvere piani e decorazioni verso una maggiore sobrietà e regolarità. Tuttavia, l’architettura francese continua a mantenere le caratteristiche pulite che seducono Serlio: i lucernari “sono grandi ornamenti per edifici come una corona” ei grandi tetti ricoperti di ardesia blu sono “cose ​​molto piacevoli e nobili” 1.

Gli architetti che erano al tempo degli stili di Luigi XII e del primo Rinascimento, erano maestri tradizionali e pieni di verve, quindi diventano studiosi e studiosi che alcuni fanno il loro viaggio di studio in Italia.

Segnando una vera svolta stilistica, questa nuova generazione di artisti opera una sintesi originale tra le lezioni dell’antichità, quella del Rinascimento italiano e le tradizioni nazionali. Tra i più famosi, Philibert Delorme è autore dell’Hotel Bullioud di Lione, dei castelli di Saint-Maur-des-Fossés e Anet e della cappella di Villers-Cotterêts; Pierre Lescot costruisce l’ala rinascimentale del Palais du Louvre e l’Hôtel de Jacques de Ligneris (Musée Carnavalet); Jean Bullant costruisce i castelli di Ecouen e Fère-en-Tardenois così come il Petit chateau de Chantilly.

Questi architetti ora collaborano strettamente con gli scultori e definiscono un’architettura e un arredamento eruditi, preferendo la bellezza delle linee alla ricchezza dell’ornamentazione: Cellini intaglia la Porta d’oro, il rilievo in bronzo della Ninfa di Fontainebleau; la sua opera tipicamente “manierista” fece una grande impressione in Francia e probabilmente influenzò Jean Goujon, direttore della Fontaine des Innocents e la decorazione della facciata del Louvre; L’influenza manierista permea anche l’opera di Pierre Bontemps, responsabile della tomba di Francesco I a Saint-Denis e il monumento al cuore di Francesco I.

In Borgogna, il castello di Ancy-le-Franc (1538-1546) è uno dei primi risultati per rispondere a questo nuovo ideale. Progettato dall’architetto Serlio, questo castello costruito per Antoine III de Clermont, dal 1538 al 1546, segna un’evoluzione verso il classicismo in Francia. Con questo edificio inizia quindi sul suolo francese quello che viene chiamato: “architettura modulare”. Solo qui ci sono i leggeri frontoni sinuosi delle finestre del primo piano, che ricordano il primo Rinascimento. Per il resto, nulla distrae l’ordine uniforme di finestre a bovindo o finestre, separate da una serie di pilastri gemelli, contenenti una nicchia e montate su un alto stilobat. Questa alternanza di una baia principale e una baia secondaria (qui finta rappresentata da una nicchia) incorniciata da pilastri è uno dei primi esempi in Francia della baia ryhmica trattata con tale franchezza e tale rigore. Questo nuovo stile ispirerà un po ‘più tardi l’architetto del castello di Bournazel durante la costruzione del portico Est.

Questa richiesta di chiarezza continua a Château d’Écouen (1532-1567), nell’Île-de-Franc. Basta confrontare questo edificio con un castello del primo Rinascimento, come Azay-le-Rideau per vedere le profonde differenze tra le architetture delle due ere. Tutto l’apparato difensivo machicoulis o la passerella di Azay-le-Rideau scompaiono del tutto a Château d’Écoue. Le torri angolari di Chambord diventano come Ancy-le-Franc e Villandry, semplici padiglioni quadrati. Lo stesso vale per l’ornamentazione. Basta confrontare i lucernari di Ecouen con quelli della Valle della Loira per rendersi conto dei progressi compiuti. Sul palcoscenico di pinnacoli, nicchie con conchiglie e piccoli contrafforti volanti del primo Rinascimento, succede una composizione di linee pulite molto sobriamente decorate, dove i flauti cremisi si sostituiscono nei pilastri, il fogliame e gli arabeschi del tempo di Francesco I: uno stile severo che poi riesce alle grazie del Primo Rinascimento. Ripetendo una disposizione già osservata a Villandry, il castello presenta una disposizione moderna dalla regolarità del suo piano quadrangolare dove i padiglioni si articolano armoniosamente. Per ventilare lo spazio interno, un’ala bassa chiude il cortile. L’ingresso è quindi da un corpo frontale sormontato da una loggia dove la statua equestre di Anne de Montmorency riprende le composizioni osservate con il castello di Gaillon e Ane. L’intero edificio è isolato da un fossato bastionato che ricorda la carica militare del proprietario. Il fondo del cortile non è più fatto di un edificio principale, ma una semplice galleria di corteo che collega due ali di appartamenti di cui quelli del Re e della Regina si affacciano sulla piana di Franc. Al livello inferiore, i bagni collettivi si sviluppano come a Fontainebleau, collegato alle aree ricreative (giardino, campo da tennis). La facciata dell’ala nord, rilevata da Jean Bullant, presenta una nuova sovrapposizione di ordini regolari, sormontata da una cornice classica ispirata all’antichità. Tuttavia, la ricerca effettuata sulla facciata sud per adattarsi alle proporzioni delle statue degli schiavi di Michele Angelo, offerte da Enrico II, gli offre l’opportunità di utilizzare per la prima volta in Francia l’ordine colossale: le colonne che ora occupano i due livelli alla base del tetto, sono ispirati al Pantheon di Roma e sono sormontati da una trabeazione classica, creando l’illusione di un antico monumento. Sebbene l’influenza dei successi di Michele Angelo su Capitol Hill e San Pietro a Roma sia chiara, i riferimenti al Rinascimento italiano stanno lentamente svanendo dagli esempi del mondo romano.

L’ala di Lescot del Louvre, iniziata nel 1546, è il capolavoro del Secondo Rinascimento. Questo lavoro di Pierre Lescot, un architetto d’antiquariato, è stato decorato da Jean Goujon 1. La scala originariamente prevista nel centro dell’edificio principale viene spostata su richiesta di Enrico II per creare una grande stanza dove si svolgono le cariatidi greche, modellate su richiesta di Jean Goujon, sull’Erechthéion dell’Acropoli di Atene. Nello stile di un manifesto in stile francese, sostenuto da Lescot, la facciata presenta una sovrapposizione di nuovi ordini classici senza raggiungere la regolarità italiana: mentre saliamo, le proporzioni diventano sempre più belle, e l’idea di incoronare i due sovrapposti ordinanze di una grande fascia decorata, si traduce in acclimatazione in Francia, il piano attico così pregiato in Italia, mentre si usa per la prima volta la soffitta rotta “à la française”, per dare l’illusione di una giusta altezza. Nonostante la loro piccola sporgenza, i corpi frontali, ultimo ricordo delle torri medievali, sono sufficienti per animare la facciata. Le ammirevoli sculture di Jean Goujon contribuiscono a rendere questo edificio un’opera unica. Al piano terra, gli archi semicircolari incorniciati da pilastri determinano l’accentuazione di verticali e orizzontali mentre il set di doppi sostegni che incorniciano una nicchia decorata con una medaglia, rappresenta un layout che diventerà tipico nell’architettura francese. Le ammirevoli sculture di Jean Goujon contribuiscono a rendere questo edificio un’opera unica. Al piano terra, gli archi semicircolari incorniciati da pilastri determinano l’accentuazione di verticali e orizzontali mentre il set di doppi sostegni che incorniciano una nicchia decorata con una medaglia, rappresenta un layout che diventerà tipico nell’architettura francese. Le ammirevoli sculture di Jean Goujon contribuiscono a rendere questo edificio un’opera unica. Al piano terra, gli archi semicircolari incorniciati da pilastri determinano l’accentuazione di verticali e orizzontali mentre il set di doppi sostegni che incorniciano una nicchia decorata con una medaglia, rappresenta un layout che diventerà tipico nell’architettura francese.

Un altro importante risultato di questo periodo, il castello di Anet, è fatto da Philibert Delorme, a spese del re, per Diane de Poitiers, amante di Enrico I. Distrutta al tempo della rivoluzione, rimane oggi senza alternanze solo il cappella e i tre ordini sovrapposti conservati presso la Scuola dei Beaux – Arts of Pari. Diventato tipico del Secondo Rinascimento, il piano quadrangolare presenta un’abitazione situata di fronte all’ingresso. I fossati bastonati, come in Ecouen, hanno cannoni per la festa e lo sfarzo. L’ingresso piramidale è una reminiscenza italiana che rappresenta un arco trionfale reinterpretato da Delorm. Quattro colonne ioniche sostengono un arco che cade su un architrave mentre le colonne dei passaggi laterali sono ispirate al Palazzo Farnese de Sangallo the Younge. Sotto il taglio delle balaustre, un insieme di materiali policromi, incornicia la ninfa fatta da Cellini per il Golden Gate di Fontaineblea. In cima, un gruppo di automi, scomparso, scandiva le ore. Ovunque Philibert Delorme esprime il suo gusto per le invenzioni bizzarre ispirate al capriccio di Michelangelo 18: Sotto questa influenza, appare un uso senza precedenti di volumi arrotondati mentre molti dettagli come frontoni tortuosi o pilastri in guaina rivelano una conoscenza approfondita delle opere di Michel-Angeles. Così i camini, chiamati “sarcofagi”, che si sviluppano su entrambi i lati dell’edificio, sembrano un lontano ricordo delle tombe dei Medici a Florenc. Situato alla fine del cortile, il corpo della casa centrale, per la sua sovrapposizione di ordini, dà un aspetto ascensionale mentre riprende la stessa sovrapposizione di ordini canonici, osservata sull’ala nord di Ecouen: si trova lì anche lo stesso tipo di statue antiche collocate in nicchie incorniciate da un doppio sostegno. Con ordini classici, Delorme preferisce creare un ordine insolito: la colonna ad anelli presentata dall’architetto come la soluzione di un problema tecnico che consente di nascondere le articolazioni delle colonne accoppiate. Questa invenzione esprime anche la nuova maturità dell’architettura francese con la riflessione sulla creazione di un “ordine francese” 18, un’idea bendata alla morte di Enrico II, ma presa da Jules Hardouin-Mansart durante la costruzione dalla Sala degli Specchi di il Palazzo di Versaille. La colonna ad anello presentata dall’architetto come soluzione di un problema tecnico che consente di nascondere le articolazioni delle colonne accoppiate. Questa invenzione esprime anche la nuova maturità dell’architettura francese con la riflessione sulla creazione di un “ordine francese” 18, un’idea bendata alla morte di Enrico II, ma presa da Jules Hardouin-Mansart durante la costruzione dalla Sala degli Specchi di il Palazzo di Versaille. La colonna ad anello presentata dall’architetto come soluzione di un problema tecnico che consente di nascondere le articolazioni delle colonne accoppiate. Questa invenzione esprime anche la nuova maturità dell’architettura francese con la riflessione sulla creazione di un “ordine francese” 18, un’idea bendata alla morte di Enrico II, ma presa da Jules Hardouin-Mansart durante la costruzione dalla Sala degli Specchi di il Palazzo di Versaille.

La cappella del castello di Anet rimane il risultato più innovativo. Questa è la prima volta in Francia, che usiamo il piano centrato. Mentre l’intaglio di nicchie circondate da pilastri è influenzato dalle creazioni contemporanee di Bramante e Michelangelo, il fregio che lo sovrasta è ispirato a Sangall. Le sculture possono provenire da Jean Goujo. L’edificio funge da vetrina per gli smalti di Francesco I e gli apostoli di Scibec de Carp. La volta della cupola sviluppa una decorazione che include un annidamento di cerchi che riflettono, in modo ottagonale, sul pavimento del pavimento. Questo motivo, ispirato agli elementi frequentemente incontrati nei mosaici romani, mostra il desiderio di superare il modello italiano facendo riferimento direttamente agli antichi risultati, al fine di creare un’originale architettura francese.

In parallelo con questi grandi progetti reali, le grandi dimore cittadine partecipano alla naturalizzazione di questo nuovo stile: Sotto l’impulso del Secondo Rinascimento, tutto il sontuoso decoro di foglie e medaglioni sproporzionato e pieno di verve che adornano la Galleria dell’Hotel Shabbled Moret -sur-Loing, scomparire di fronte al sistema di proporzioni modulari, rigorosamente applicato alla trabeazione della casa di Jean d’Alibert a Orleans, dove i ritagli di cartucce ispirati alla Scuola di Fontainebleau superano le finestre 1. Rispondendo ad una domanda di Chiarezza cercata durante questo periodo, le ville si sviluppano quindi tra cortile e giardino come a Parigi, tra cui l’hotel Jacques de Ligneris (museo Carnavalet).

Il nuovo stile non si sta diffondendo in tutta la Francia: nella Valle della Loira, il castello della Bastie d’Urfe (o Built d’Urfe), in Borgogna, il casinò del Grand Garden Joinville (prima del 1546), nell’Aveyron, nel castello di Bournazel (1545-1550) o in Normandia nell’hotel di Escoville de Caen (1537). A Le Mans e Rodez, l’influenza del vitruviano, Guillaume Philandrier, è probabile mentre a Tolosa, l’architetto Nicolas Bachelier si mette al servizio di un intero milieu umanistico; tra le dimore più famose: si può citare il castello di Saint-Jory (1545 / distrutto) e il bellissimo esempio dei tre ordini sovrapposti dell’hotel di Assézat (1560) 1.

Se l’architettura religiosa rimane fedele alle strutture gotiche e alle volte (cattedrale di Le Havre, Saint-Eustache di Parigi), molte chiese modernizzano la loro facciata principale o laterale da un frontespizio nell’antico (Rodez, Gisors, Saint-Aignan de Chartres) e tratta la loro rood come un arco trionfale (Sainte-Chapelle di Parigi, Saint-Pierre de Maillezais).

Formando un’eco ultima del Rinascimento e dell’Umanesimo in Francia, quest’ultima fase parte negli anni 1559/1564, dal classicismo che circonda la sua fantasia creativa, che può giustificare per questo stile il nome di “Manierista”. All’inizio delle guerre di religione segnate dal massacro di San Bartolomeo, il pessimismo e lo scetticismo invadono uomini e artisti di pura formazione umanistica. Gli antichi pensatori di riferimento diventano gli Stoici in preferenza a Plat. Se l’umanesimo sopravvive, la sua filosofia profonda si evolve, mentre viene ripresa e ripensata dalla controriforme cattolica.