Caravaggisti è un gruppo di pittori di Utrecht che si recarono a Roma all’inizio del XVII secolo e furono profondamente influenzati dall’opera di Caravaggio. Al loro ritorno nei Paesi Bassi settentrionali, svilupparono queste nuove idee artistiche in uno stile noto come Caravaggismo di Utrecht. Questa tendenza ebbe uno sviluppo breve ma intenso che durò dal 1620 al 1630. La prima generazione e gli iniziatori furono Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst e Dirck van Baburen, che introdussero il caravaggismo nel circolo pittorico di Utrecht nel 1620 con un successo immediato. Abraham Bloemaert, Paulus Moreelse e persino il manierista Joachim Wtewael furono colpiti. I Caravaggisti di Utrecht dipingevano prevalentemente scene di storia e pezzi di genere Si tratta di dipinti a grandezza naturale con composizioni economiche e potenti;

I Caravaggisti (o “Caravagesques”) erano seguaci stilistici del pittore barocco italiano del XVI secolo Caravaggio. La sua influenza sul nuovo stile barocco che alla fine emerse dal Manierismo fu profonda. Caravaggio non ha mai istituito un laboratorio come la maggior parte degli altri pittori, e quindi non ha avuto scuola per diffondere le sue tecniche. Né ha mai esposto il suo approccio filosofico alla base dell’arte, il realismo psicologico che può essere dedotto solo dalla sua opera sopravvissuta. Ma può essere visto direttamente o indirettamente nell’opera di Rubens, Jusepe de Ribera, Bernini e Rembrandt.

Famoso mentre viveva, lo stesso Caravaggio fu dimenticato quasi immediatamente dopo la sua morte. Molti dei suoi dipinti furono riassegnati ai suoi seguaci, come La presa di Cristo, che fu attribuita al pittore olandese Gerrit van Honthorst fino al 1990. Fu solo nel 20 ° secolo che fu riscoperta la sua importanza per lo sviluppo dell’arte occidentale. Negli anni ’20 Roberto Longhi lo pose ancora una volta nella tradizione europea: “Ribera, Vermeer, La Tour e Rembrandt non sarebbero mai potuti esistere senza di lui. E l’arte di Delacroix, Courbet e Manet sarebbe stata completamente diversa”. L’influente Bernard Berenson dichiarò: “Ad eccezione di Michelangelo, nessun altro pittore italiano esercitò un’influenza così grande”.

Storia
Poche rivoluzioni artistiche sono state così esplicite e sorprendenti. Nel contesto della Controriforma, dove il Concilio di Trento ha raccomandato una pittura più semplice e più leggibile di quella degli artisti del Rinascimento classico e manierista, Caravaggio avrà realizzato, rispettando i suoi sponsor, una serie di innovazioni che erano quasi successo immediato. La ricerca accademica, perseguita da Roberto Longhi, ha portato alla luce un intero ambiente intellettuale e un’intera corrente di pensiero a cui Caravaggio ha partecipato, attraverso la sua famiglia, i suoi protettori, i suoi rapporti e i suoi amici.

A Milano, trascorse la sua giovinezza in una famiglia che lo tiene informato sulle nuove idee dell’arcivescovo Charles Borromeo, che si ispira all’ascetismo e al misticismo del XVI secolo, Ignazio di Loyola, Teresa d’Avila e Philippe Néri. A Roma, Caravaggio, poeta e musicista alle sue ore, vive in un ambiente molto coltivato e più o meno direttamente coinvolto nella Riforma cattolica. Ascolta i dibattiti che animano questo ambiente, perché non dimentichiamo che ogni ordine importante, pensato durante molti dibattiti, è spiegato all’artista. Riesce quindi a rispettare le aspettative di Charles Borromée, il principale promotore di questa riforma a Milano (il luogo del suo apprendistato), vale a dire: il ritorno a un’iconografia semplificata che si muove nel rispetto della teologia. Molto più approfondisce il messaggio stimolando i suoi quadri con l’intensità simbolica dell’ombra, associata alla miseria e talvolta alla bruttezza. Usa la dinamica dei corpi ritagliati in questa ombra dalla “luce divina”.

una metafora del contatto diretto e mistico con il divino, per la luce riflessa e diffusa. Sostituisce una visione naturalistica focalizzata sul mondo degli uomini, gli artifici del manierismo e tutti i sovraccarichi di colore, l’accumulo di accessori e le illusioni della prospettiva che prevalevano prima.

Questa rivoluzione porta quindi molti artisti a trarne ispirazione perché si basa su un vasto movimento di ritorno allo studio della natura: l’iniziatore Michel-Ange ma anche l’accademia bolognese e quella di Carrache, la scuola lombarda tra cui Moretto e Vincenzo Campi, dopo la parentesi manierista. Concentrandosi sulla natura umana, le sue passioni e i suoi drammi, Caravaggio, che sembra competere con Michelangelo, ha superato tutti i suoi contemporanei nel radicalismo e ha reso il corpo umano il soggetto, apparentemente unico perché chiaramente visibile, della sua pittura.

Caravaggio apre la strada, attraverso una pittura meditativa e intima, a un’ansia esplorazione dell’anima (un approccio che Rembrandt perseguirà nel più austero contesto del protestantesimo olandese). Volendo testimoniare le emozioni umane, cerca di rendere tangibili gli eventi religiosi che rappresenterà quindi come scene di genere. Umanizzare l’arte sacra, la sua visione cruda e la sua intima pietà si oppongono totalmente all’approccio sostenuto in questo periodo. Anche se a volte questi dipinti vengono rifiutati, gli artisti e gli intellettuali del suo tempo lo riconoscono come un inventore di genio.

Liberando artisti dagli stereotipi manieristi e avviando un nuovo approccio alla realtà fisica delle cose, la pittura di Caravaggio si diffonderà rapidamente e ampiamente in Europa. Il caravaggismo non è quindi limitato a un quadro stilistico e può essere paragonato ai riferimenti e al rigore classico di un Georges de La Tour, nonché alle enfasi barocche di Rubens.

Stile
I caravaggisti dipingevano grandi dipinti, a olio, su tela. Si occupavano preferibilmente di temi religiosi, in particolare i più violenti e drammatici, come la storia di Giuditta e Oloferne o il martirio dei santi. Tuttavia, hanno adottato un’iconografia realistica, prendendo dalla natura i modelli dei loro santi e vergini. Pochi elementi sono stati aggiunti alla composizione oltre al personaggio centrale, ma questi elementi (come pentole o cestini) erano altamente realistici.

Questa tendenza permeava il pubblico, che in questo modo era meglio rappresentato nelle opere, che incitava alla pietà; per questo motivo divenne il primo stile pittorico della Controriforma. Il rischio, tuttavia, era di cadere in un’eccessiva volgarità, causando una parziale perdita del rispetto per queste immagini sacre, il che causava, ad esempio, il rifiuto di alcune opere di Caravaggio da parte dei suoi clienti.

Inoltre, erano frequenti le classifiche di genere, che rappresentavano scene della vita quotidiana, come taverne o giochi di carte. Questa tendenza portò a lavori in cui prevalse il pittoresco, chiamati bambochadas, essendo noti i pittori che li fecero con il termine bambochantes, una parola derivata dall’italiano Bamboccio (“figura stilizzata”), soprannome dell’olandese Pieter van Laer. Questi pittori rappresentavano scene di strada con protagonisti personaggi famosi come zingari o mendicanti. Sebbene abbiano usato la tecnica tenebrista, la verità è che esiste una certa preoccupazione per il paesaggio, assente nella maggior parte delle opere di questa tendenza.

Meno frequentemente, venivano coltivati ​​temi mitologici e nature morte.

Le composizioni sono semplici: le figure, rappresentate a grandezza naturale, a metà o a figura intera, su uno sfondo scuro. La caratteristica più caratteristica di questa scuola è l’uso del chiaroscuro: non hanno lavorato sullo sfondo, che è rimasto al buio, e hanno concentrato tutta la loro attenzione, con una luce molto intensa, sulle figure che occupano il primo piano. Questo drammatico contrasto è stato coltivato soprattutto da napoletani e spagnoli, che sono spesso chiamati tenebristi.

Nei dipinti italiani e spagnoli, la luce ha origine indeterminata; d’altra parte, in pittori come Georges de La Tour o la scuola di Utrecht, proviene da una fonte specifica che appare nel dipinto. Questa introduzione nella scatola di una fonte di luce visibile si chiama luminismo.

I colori predominanti sono rosso, ocra e nero. È stato applicato direttamente, senza schizzo preparatorio o disegno precedente, che in italiano è chiamato alla prima.

Evoluzione stilistica
Nato a Milano, Caravaggio è stato formato lì da Simone Peterzano ma si è trasferito a Roma nel 1592. Roma è davvero il grande centro artistico italiano dove si incontrano artisti di tutte le origini (Annibal Carrache è bolonese, Simon Vouet è francese, José de Ribera è spagnolo, ecc.) che vengono a discutere presso l’Accademia di San Luca (fondata nel 1593) e sfruttano l’importante patrocinio religioso (papi e cardinali).

Vi sono tre periodi nell’arte del Caravaggio:

La Manière claire: primo periodo romano tra il 1594 e il 1600. Puoi ancora sentire l’influenza manierista con una tavolozza chiara, una finitura liscia e lucente. Tuttavia, osserviamo l’implementazione dello schema caravaggesque nell’inquadratura e nella composizione (dettagliata nella parte seguente). Il Fortune Teller (c. 1595) conservato al Louvre è un ottimo esempio. Si noti che questo periodo è quello della creazione di molti soggetti e temi che sperimenteranno una grande sostenibilità nella pittura occidentale.
The Black Manner: tra il 1600 e il 1606, il ruolo della luce si affermò e il gioco dei contrasti con lo sviluppo del “chiaroscuro caravaggish”.
Il periodo errante: tra il 1606 e il 1610, dove il conto divenne sempre più vibrante e oscuro. Talvolta chiamato “pietismo caravaggistico”, il pittore abbandona la sua ironia e la sua insolenza probabilmente a causa della colpa che lo ha attaccato a seguito di un duello che si era trasformato in omicidio. Questo periodo sembra segnato da una ricerca dell’assoluzione divina.

Si noti che la ricerca più recente tende a relativizzare, anche se è innegabile, un’evoluzione della sua pittura verso l’oscurità.

caratteristiche
Lo “schema caravaggesco” è stato messo in atto molto presto. Le composizioni, principalmente in larghezza, presentano personaggi a grandezza naturale, spesso tagliati a mezza lunghezza. Questa organizzazione consente, per successione di scatti, di creare l’illusione della profondità senza dover affrontare il problema della prospettiva. Inoltre, l’artista introduce direttamente lo spettatore alla scena. Questo sembra ancora più vicino a causa dello sfondo neutro. Questi artefatti compositivi che si osservano nella tabella del museo del Louvre sopra citata saranno ripresi dalla maggior parte dei suoi imitatori (tranne Orazio Gentileschi).

La luce è anche un elemento essenziale delle sue composizioni. Prima di tutto il bagno (The Fortune Teller, 1594, The Flight into Egypt, c. 1596), tende a concentrarsi su alcune aree creando un contrasto chiaroscuro che conferisce una dimensione sempre più drammatica alle sue opere. Quasi sempre al di fuori del dipinto, la luce irrompe nella scena e guida l’occhio verso l’essenziale. Portando una dimensione simbolica e spirituale, partecipa tanto alla comprensione della scena quanto alla sua sacralizzazione. Si noti che, in Caravaggio, il carattere divino dei personaggi è letteralmente “portato alla luce” piuttosto che rappresentato da attributi simbolici e artificiali. Questi due elementi sono ben visibili nella tabella La vocazione di San Matteo dal ciclo della Cappella Contarelli a Roma (1599-1600).

Rossi, marroni e neri dominano. Il colore viene applicato alla prima, senza disegno preparatorio.

Per quanto riguarda i temi trattati, Caravage consente un rinnovo perpetuato dai suoi imitatori. Osserviamo generalmente una doppia lettura delle sue opere, con una forte dimensione morale. Per raggiungere questo obiettivo, cerca l’archetipo e utilizza spesso gli stessi modelli. Queste due caratteristiche diminuiranno all’interno della corrente del Caravaggio, tendendo verso uno stile più aneddotico e decorativo, come illustrato dalle opere di Nicolas Régnier (Indovino, museo del Louvre, 1626). Tra i soggetti rappresentati da Caravaggio e ripresi dai Caravaggesques, citiamo:

The Cheaters: un’opera di Caravaggio (conservata in Texas, 1595), due opere di Georges de La Tour (una versione al Louvre, una in Texas).
I suonatori di liuto e i concerti: due suonatori di liuto di Caravaggio (una versione conservata al Museo dell’Ermitage statale e una al Metropolitan Museum of Art, 1596), una versione di Bartolomeo Manfredi (all’Ermitage, 1615), una versione di Gentileschi (a Washington, 1615), nonché i numerosi concerti di caravagisti del nord (Le Concert par Gerrit van Honthorst, 1620, museo del Louvre).
The Fortune Teller: due versioni di Caravaggio (una versione al museo del Louvre e una versione al museo Capitole), una versione di Simon Vouet (1617, conservata a Ottawa), una di Nicolas Régnier (1620, Louvre), una di Valentin de Boulogne (1628, museo del Louvre) e una versione di Georges de La Tour (1640, Metropolitan Museum of Art).
David vincitore di Goliath: tre versioni di Caravaggio (una a Madrid, una a Vienna e una a Roma), una versione di Bartolomeo Manfredi (trionfo di David, 1615, museo del Louvre) e una versione di Guido Reni (1606, museo del Louvre).

Caravaggisti in italiano

Roma
Al culmine della sua popolarità a Roma tra la fine del 1590 e l’inizio del 1600, il nuovo stile drammatico di Caravaggio influenzò molti dei suoi colleghi nel mondo dell’arte romana. I primi Caravaggisti includevano Mario Minniti, Giovanni Baglione (sebbene la sua fase di Caravaggio fosse di breve durata), Leonello Spada e Orazio Gentileschi. Nella generazione successiva c’erano Carlo Saraceni, Bartolomeo Manfredi e Orazio Borgianni e maestri anonimi come il Maestro dei giocatori d’azzardo. Gentileschi, nonostante fosse considerevolmente più vecchio, fu l’unico di questi artisti a vivere ben oltre il 1620 e finì come pittore di corte per Carlo I d’Inghilterra. Anche sua figlia Artemisia Gentileschi era vicina a Caravaggio, e una delle più dotate del movimento, inclusa l’opera Judith Slaying Holofernes. Eppure, a Roma e in Italia, non era Caravaggio, ma l’influenza di Annibale Carracci, fondendo elementi dell’alto Rinascimento e del realismo lombardo, che alla fine trionfò. Altri artisti attivi a Roma, degni di nota, includono Angelo Caroselli, Pier Francesco Mola, Tommaso Salini e Francesco Buoneri. Giacinto Brandi era attivo principalmente a Roma e Napoli. Il pittore olandese David de Haen fu attivo a Roma tra il 1615 e il 1622.

Napoli
Nel maggio del 1606 dopo l’uccisione di Ranuccio Tomassoni, Caravaggio fuggì a Napoli con una condanna a morte in testa. Mentre lì ha completato diverse commissioni, due principali sono la Madonna del Rosario e Le sette opere di misericordia. Il suo lavoro ha avuto un profondo effetto sugli artisti locali e il suo breve soggiorno a Napoli ha prodotto una notevole scuola di caravaggisti napoletani, tra cui Battistello Caracciolo, Bernardo Cavallino, Carlo Sellitto, Massimo Stanzione, Francesco Guarino, Andrea Vaccaro, Cesare Fracanzano e Antonio de Bellis. Giacinto Brandi era attivo principalmente a Roma e Napoli. Il movimento dei Caravaggisti si concluse con un terribile scoppio di peste nel 1656, ma all’epoca Napoli era posseduta dalla Spagna e l’influenza del caravaggismo si era già diffusa lì.

Nord Italia
Marco Antonio Bassetti è noto per essere stato a Roma nel 1616 e potrebbe essere arrivato lì due anni prima. A Roma passò sotto l’influenza dei dipinti di Caravaggio e Orazio Borgianni. Al suo ritorno a Verona dipinse un San Pietro e Santi per la chiesa di San Tomaso e un’Incoronazione della Vergine per Sant’Anastasia. Morì di peste a Verona nel 1630.

Bernardo Strozzi, nato e attivo principalmente a Genova e successivamente a Venezia, è considerato il principale fondatore dello stile barocco veneziano. Nel 1620 Strozzi abbandonò gradualmente il suo primo stile manierista a favore di uno stile più personale caratterizzato da un nuovo naturalismo derivato dall’opera di Caravaggio e dei suoi seguaci. Lo stile pittorico caravaggista era stato portato a Genova sia da Domenico Fiasella, dopo il suo ritorno da Roma nel 1617-1818, sia dai seguaci di Caravaggio che trascorsero del tempo a lavorare in città.

Il pittore italiano Biagio Manzoni era attivo a Faenza. Il pittore italiano di Reggio Emilia Bartolomeo Schedoni, Daniele Crespi di Milano e Luca Cambiasi, noto anche come Luca Cambiaso e Luca Cangiagio, artista di spicco a Genova nel XVI secolo, spesso raffigurava figure illuminate in modo brillante su uno sfondo scuro. Felice Boselli, attivo a Piacenza, ha usato l’illuminazione a contrasto dei Caravaggisti per le sue nature morte. Il Tanzio da Varallo (o semplicemente il Tanzio) era attivo principalmente in Lombardia e Piemonte, tra cui il Sacro Monte a Varallo Sesia, dove ha lavorato contemporaneamente a Pier Francesco Mazzucchelli (il Morazzone). Il pittore e incisore italiano Bernardino Mei lavorò nella sua nativa Siena e a Roma, trovando il patrocinio soprattutto nella famiglia Chigi.

Centro Italia
Anche Pietro Ricchi (o il Lucchesino), nato a Lucca, spesso rappresentava figure illuminate in modo brillante su uno sfondo scuro (vedi San Sebastiano).

Sicilia
Mario Minniti era un artista italiano attivo in Sicilia dopo il 1606. All’età di 16 anni ha anche posato per il dipinto di Caravaggio Boy with a Basket of Fruit.

Caravaggisti in olandese
L’Istituto olandese di storia dell’arte elenca 128 artisti etichettati “Caravaggisten”. Il pittore olandese David de Haen fu attivo a Roma tra il 1615 e il 1622. Un altro artista degno di nota è Paulus Bor, che inizialmente dipinse dipinti di storia piuttosto caravaggisti, ma le sue opere furono presto contrassegnate da un classicismo legato a quello del suo cittadino Van Campen. Abraham Lambertsz van den Tempel è degno di nota per il suo realismo e l’illuminazione contrastante. Il pittore fiammingo Frans Badens era attivo ad Amsterdam.

Utrecht
All’inizio del XVII secolo artisti cattolici olandesi si recarono a Roma da studenti e furono profondamente influenzati dall’opera di Caravaggio. Al loro ritorno a nord questo gruppo, noto come “Utrecht Caravaggisti”, ebbe una fioritura breve ma influente nel 1620 tra pittori come Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst, Andries Both e Dirck van Baburen. Il breve fiorire del caravaggismo di Utrecht terminò intorno al 1630, quando i maggiori artisti erano morti, come nel caso di Baburen e Terbrugghen, o avevano cambiato stile, come il passaggio di Van Honthorst alla ritrattistica e alle scene della storia informate dalle tendenze fiamminghe rese popolari da Rubens e dai suoi seguaci. Nella generazione successiva gli effetti del Caravaggio, sebbene attenuati, sono visibili nell’opera di Vermeer, Rembrandt e Gerrit Dou ”

Caravaggisti in fiammingo
Rubens fu probabilmente uno dei primi artisti fiamminghi ad essere influenzato da Caravaggio. Durante il periodo 1600-1608, Rubens risiedeva in Italia. Si stabilì a Mantova alla corte del duca Vincenzo I Gonzaga, ma trascorse anche del tempo a Roma. Durante il suo soggiorno a Roma nel 1601 conobbe il lavoro di Caravaggio. In seguito fece una copia del Sepolcro di Cristo di Caravagio e raccomandò al suo patrono, il duca di Mantova, di acquistare La morte della Vergine (Louvre). Rubens fu dopo il suo ritorno ad Anversa determinante nell’acquisizione della Madonna del Rosario di Caravagio (Kunsthistorisches Museum, Vienna) per la Chiesa di San Paolo ad Anversa.

Sebbene parte di questo interesse per il Caravaggio si rifletta nei suoi disegni durante la sua residenza italiana, fu solo dopo il suo ritorno ad Anversa nel 1608 che le sue opere mostrano apertamente tratti caravaggeschi come nel Caino che uccide Abele (1608-1609) (Courtauld Institute of Arte). Tuttavia, l’influenza del Caravaggio sull’opera di Rubens sarebbe meno importante di quella di Raffaello, Correggio, Barocci e dei Veneziani. Artisti, che furono influenzati da Rubens, come Pieter van Mol, Gaspar de Crayer e Willem Jacob Herreyns, usarono anche un forte realismo e forti contrasti di luce e ombra, comuni allo stile dei Caravaggisti.

Il contemporaneo di Rubens Abraham Janssens fu un altro pittore fiammingo che si recò in Italia (dal 1597 al 1602) dove conobbe il lavoro di Caravaggio. Il suo lavoro dopo il suo ritorno ad Anversa mostra l’influenza di Caravaggio. La composizione Scaldis e Antwerpia del 1609 deriva il suo potere espressivo dall’uso di forti contrasti di luce e ombra (chiaroscuro) come fu aperto da Caravaggio.

Sono soprattutto gli artisti fiamminghi della generazione dopo l’arrivo di Rubens sulla scena artistica nel 1620 a essere stati maggiormente influenzati dal Caravaggio. Si può anche dire che ci fu una mania caravaggista nelle Fiandre dal 1620 al 1640 circa. Gli artisti vengono spesso chiamati Caravaggisti di Gand e Caravaggisti di Anversa dopo la città in cui erano principalmente attivi. Non vi è, tuttavia, alcuna distinzione stilistica distinguibile tra questi due movimenti diversi da quelli individuali. Tra i Caravaggisti di Gand figurano Jan Janssens, Melchior de la Mars e Antoon van den Heuvel. L’elenco dei Caravaggisti di Anversa riflette significativamente più a lungo l’importanza di questa città come principale centro artistico delle Fiandre. Includono Theodoor Rombouts, Gerard Seghers, Jan Cossiers, Adam de Coster, Jacques de l’Ange e Jan van Dalen.

A Bruges, Jacob van Oost dipinse dipinti di genere e di storia che mostravano l’influenza dell’opera di Caravaggio e Manfredi di cui aveva studiato a Roma. Alcuni caravaggisti fiamminghi lasciarono la loro patria per l’Italia, dove furono influenzati dall’opera di Caravaggio e dei suoi seguaci e non tornarono più a casa. Questo è il caso di Louis Finson di Bruges che dopo soggiorni a Napoli e Roma trascorse gran parte della sua carriera in Francia. Un altro esempio di caravaggista fiammingo espatriato è Hendrick de Somer di Lokeren o Lochristi che trascorse gran parte della sua vita e carriera a Napoli dove dipinse in uno stile caraviggista influenzato dal pittore spagnolo Jusepe de Ribera.

Ciò che la maggior parte di questi artisti ha in comune è che probabilmente hanno visitato l’Italia dove hanno avuto contatti diretti con l’opera di Caravaggio o dei suoi seguaci italiani e olandesi. L’influenza di Caravaggio e dei suoi seguaci sul loro lavoro può essere vista nell’uso di drammatici effetti di luce e gesti espressivi, nonché nei nuovi argomenti come carte taglienti, indovini, la negazione di San Pietro, ecc. Alcuni artisti incentrato su alcuni aspetti dell’opera di Caravaggio. Ad esempio, Adam de Coster è stato indicato come Pictor Noctium (pittore delle notti) a causa della sua preferenza per l’uso del chiaroscuro rigido e il motivo ripetuto di figure a mezza lunghezza illuminate da una candela che è coperta.

Molti di questi artisti come Rombouts, Cossiers e Seghers in seguito abbandonarono la loro stretta aderenza allo stile e all’argomento caravaggista e si spinsero in diverse direzioni spesso sotto l’influenza della vecchia generazione di artisti fiamminghi che avevano un’influenza così dominante sull’arte fiamminga in il 17 ° secolo, cioè Rubens e van Dyck.

Caravaggisti in francese
Uno dei primi artisti francesi a studiare a Roma durante gli anni del Caravaggio fu Jean LeClerc, che studiò sotto Saraceni all’inizio del XVII secolo. Simon Vouet trascorse un lungo periodo di tempo in Italia, dal 1613 al 1627. I suoi patroni includevano la famiglia Barberini, Cassiano dal Pozzo, Paolo Giordano Orsini e Vincenzo Giustiniani. Ha anche visitato altre parti d’Italia: Venezia; Bologna, (dove la famiglia Carracci aveva la sua accademia); Genova, (dove dal 1620 al 1622 lavorò per i principi Doria); e Napoli.

Ha assorbito ciò che ha visto e lo ha distillato nella sua pittura: l’illuminazione drammatica di Caravaggio; Manierismo italiano; Il colore di Paolo Veronese e di sotto in su o prospettiva prospettica; e l’arte di Carracci, Guercino, Lanfranco e Guido Reni. Il successo di Vouet a Roma portò alla sua elezione a presidente dell’Accademia di San Luca nel 1624. Nonostante il successo a Roma, Vouet tornò in Francia nel 1627. Il nuovo stile di Vouet era distintamente italiano, importando lo stile barocco italiano in Francia. Altri artisti francesi innamorati del nuovo stile includevano Valentin de Boulogne, che viveva a Roma nel 1620, e studiava sotto Vouet e successivamente allievo di Boulognes Nicolas Tournier.

Si presume che Georges de La Tour abbia viaggiato in Italia o nei Paesi Bassi all’inizio della sua carriera. I suoi dipinti riflettono l’influenza del Caravaggio, ma questo probabilmente lo raggiunse attraverso i Caravaggisti olandesi e altri contemporanei del Nord (francese e olandese). In particolare, La Tour viene spesso paragonato all’olandese Hendrick Terbrugghen. Louis Finson, noto anche come Ludovicus Finsonius, era un pittore barocco fiammingo, che lavorava anche in Francia.

Caravaggisti in spagnolo
Francisco Ribalta divenne tra i primi seguaci in Spagna dello stile tenebrista. Non è chiaro se visitasse direttamente Roma o Napoli, dove lo stile di Caravaggio aveva molti seguaci, anche se attraverso il suo collegamento a Napoli la Spagna era probabilmente già esposta a Caravaggisim all’inizio del XVII secolo. Si dice che suo figlio Juan Ribalta, Vicente Castelló e Jusepe de Ribera fossero i suoi allievi, anche se è del tutto possibile che Ribera abbia acquisito il suo tenebrismo quando si è trasferito in Italia. Lo stile ha raccolto numerosi seguaci in Spagna e ha influenzato i pittori spagnoli del barocco o dell’età dell’oro, in particolare Zurbarán, Velázquez e Murillo.

Anche l’arte della natura morta in Spagna, il bodegón era spesso dipinto in uno stile simile austero e austero. Orazio Borgianni firmò una petizione per avviare un’accademia di pittura italiana in Spagna e realizzò una serie di nove dipinti per il Convento de Portacoeli, Valladolid, dove rimangono. Giovanni Battista Crescenzi era un pittore e architetto italiano del primo barocco, attivo a Roma e in Spagna, dove aiutò a decorare il pantheon dei re spagnoli a El Escorial. Sorse alla ribalta come artista durante il regno di Papa Paolo V, ma nel 1617 si era trasferito a Madrid, e dal 1620 in poi, era attivo in El Escorial. Filippo III di Spagna gli conferì il titolo di Marchese de la Torre, Cavaliere di Santiago. Il suo allievo Bartolomeo Cavarozzi era attivo in Spagna.

sviluppi

luminismo
Il luminismo alla fine della prima metà del XVII secolo è un Caravaggio la cui peculiarità risiede nell’accentuazione della luce nell’atmosfera che calma il tavolo. I colori diventano caldi con la sorgente luminosa. I suoi rappresentanti principali sono Georges de La Tour in Francia e Gerrit van Honthorst in Olanda; Il genovese Luca Cambiaso è il precursore.

Buio
In Darkness, apparso intorno al 1610, i contrasti di luce e ombra sono più violenti, l’effetto è più scuro. Il movimento Tenebrosi, raggruppato per la maggior parte in questo grande centro artistico che è Siviglia nell’età d’oro, è rappresentato da José de Ribera (1591-1652) o Mattia Preti (1613-1699), forse influenzato dal Battistello napoletano Caracciolo, uno dei primi caravageur italiani. In effetti, il regno di Napoli era allora sotto il dominio spagnolo e gli scambi erano numerosi tra gli artisti dell’uno e dell’altro paese. Francisco de Zurbarán (1598-1664) adottò uno stile darkovista che gli valse il soprannome di “Caravaggio spagnolo” nel suo primo periodo. Francisco Ribalta (1551-1628) si è illustrato a Valence in dipinti religiosi in cui l’influenza del Caravaggio è molto evidente.

I pittori spagnoli Juan Sánchez Cotán (1560-1627) e Juan van der Hamen (1596-1631), specialisti in nature morte chiamate bodegones, assimilano le lezioni di pittura olandese e caravaggismo.