Caravaggisti est un groupe de peintres d’Utrecht qui se sont rendus à Rome au début du XVIIe siècle et ont été profondément influencés par le travail du Caravage. À leur retour dans le nord des Pays-Bas, ils ont développé ces nouvelles idées artistiques dans un style connu sous le nom de caravagisme d’Utrecht. Cette tendance a connu un développement éphémère mais intense qui a duré de 1620 à 1630. La première génération et les initiateurs étaient Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst et Dirck van Baburen, qui ont introduit le caravagisme dans le cercle de peinture d’Utrecht des années 1620 avec un succès immédiat. Abraham Bloemaert, Paulus Moreelse et même le maniériste Joachim Wtewael ont été touchés. Les Utrecht Caravaggisti ont peint principalement des scènes d’histoire et des pièces de genre. Ce sont des peintures grandeur nature avec des compositions économiques et puissantes;

Les Caravaggisti (ou les « Caravagesques ») étaient des adeptes stylistiques du peintre baroque italien du XVIe siècle, le Caravage. Son influence sur le nouveau style baroque qui a finalement émergé du maniérisme a été profonde. Le Caravage n’a jamais établi d’atelier comme la plupart des autres peintres, et n’avait donc pas d’école pour diffuser ses techniques. Il n’a pas non plus exposé son approche philosophique sous-jacente de l’art, le réalisme psychologique qui ne peut être déduit que de ses travaux survivants. Mais cela se voit directement ou indirectement dans les travaux de Rubens, Jusepe de Ribera, Bernini et Rembrandt.

Célèbre de son vivant, le Caravage lui-même a été oublié presque immédiatement après sa mort. Beaucoup de ses tableaux ont été réécrits à ses disciples, comme La Prise du Christ, attribuée au peintre hollandais Gerrit van Honthorst jusqu’en 1990. Ce n’est qu’au XXe siècle que son importance pour le développement de l’art occidental a été redécouverte. Dans les années 1920, Roberto Longhi le replaça dans la tradition européenne: « Ribera, Vermeer, La Tour et Rembrandt n’auraient jamais pu exister sans lui. Et l’art de Delacroix, Courbet et Manet aurait été totalement différent ». L’influent Bernard Berenson a déclaré: « A l’exception de Michel-Ange, aucun autre peintre italien n’a exercé une si grande influence. »

Histoire
Peu de révolutions artistiques ont été aussi explicites et frappantes. Dans le cadre de la Contre-Réforme, où le Concile de Trente recommandait une peinture plus simple et plus lisible que celle des artistes de la Renaissance classique et maniériste, le Caravage aura réalisé, dans le respect de ses sponsors, une série d’innovations qui furent presque succès immédiat. La recherche savante, poursuivie depuis Roberto Longhi, a fait naître tout un environnement intellectuel et tout un courant de pensée auxquels le Caravage a participé, à travers sa famille, ses protecteurs, ses relations et ses amis.

À Milan, il a passé sa jeunesse dans une famille qui le tient informé des nouvelles idées de l’archevêque Charles Borromeo, qui s’inspire de l’ascétisme et du mysticisme du XVIe siècle, Ignace de Loyola, Thérèse d’Avila et Philippe Néri. A Rome, le Caravage, poète et musicien à ses heures, vit dans un environnement très cultivé et plus ou moins directement impliqué dans la Réforme catholique. Il écoute les débats qui animent cet environnement, car n’oublions pas que chaque ordre important, pensé lors de nombreux débats, est expliqué à l’artiste. Il parvient ainsi à respecter les attentes de Charles Borromée, principal initiateur de cette réforme à Milan (lieu de son apprentissage), c’est-à-dire: le retour à une iconographie simplifiée qui bouge tout en respectant la théologie. Bien plus, il approfondit le message en dynamisant ses peintures par l’intensité symbolique de l’ombre, associée à la misère et parfois à la laideur. Il utilise la dynamique des corps découpés dans cette ombre par la « lumière divine ».

une métaphore du contact mystique direct avec le divin, de la lumière réfléchie et diffuse. Il remplace une vision naturaliste centrée sur le monde des hommes, les artifices du maniérisme et toutes les surcharges de couleurs, l’accumulation d’accessoires et les illusions de perspective qui prévalaient auparavant.

Cette révolution conduit alors de nombreux artistes à s’en inspirer car elle s’appuie sur un vaste mouvement de retour à l’étude de la nature: l’initiateur Michel-Ange mais aussi l’académie bolognaise et Carrache, l’école lombarde dont Moretto et Vincenzo Campi, après la parenthèse maniériste. En se concentrant sur la nature humaine, ses passions et ses drames, le Caravage, semblant rivaliser avec Michel-Ange, est allé au-delà de tous ses contemporains du radicalisme et a fait du corps humain le sujet, apparemment unique car clairement visible, de sa peinture.

Le Caravage ouvre la voie, à travers une peinture méditative et intime, à une exploration anxieuse de l’âme (une approche que Rembrandt poursuivra dans le contexte plus austère du protestantisme hollandais). Voulant témoigner des émotions humaines, il cherche à rendre tangibles les événements religieux qu’il représentera donc comme des scènes de genre. Humanisant l’art sacré, sa vision brute et sa piété intime s’opposent totalement à l’approche préconisée à cette époque. Même si ces tableaux sont parfois refusés, les artistes et intellectuels de son temps le reconnaissent comme un inventeur de génie.

Libérant les artistes des stéréotypes maniéristes et initiant une nouvelle approche de la réalité physique des choses, la peinture du Caravage se répandra rapidement et largement en Europe. Le caravagisme ne se limite donc pas à un cadre stylistique et peut être comparé aux références et à la rigueur classique d’un Georges de La Tour ainsi qu’aux emphases baroques de Rubens.

Style
Les caravagistes ont peint de grands tableaux, à l’huile, sur toile. Ils traitaient préférentiellement des thèmes religieux, notamment les plus violents et dramatiques, comme l’histoire de Judith et Holopherne, ou les martyres des saints. Cependant, ils ont adopté une iconographie réaliste, prenant de la nature les modèles de leurs saints et vierges. Peu d’éléments ont été ajoutés à la composition en dehors du personnage central, mais ces éléments (tels que des pots ou des paniers) étaient très réalistes.

Cette tendance imprègne le public, qui est ainsi mieux représenté dans les œuvres, qui incitent à la piété; pour cette raison, il est devenu le premier style pictural de la Contre-Réforme. Le risque, cependant, était de tomber dans une vulgarité excessive, entraînant la perte partielle du respect de ces images saintes, ce qui a conduit, par exemple, à rejeter certaines œuvres du Caravage par ses clients.

En plus de cela, les tableaux de genre étaient fréquents, représentant des scènes de la vie quotidienne, telles que des tavernes ou des jeux de cartes. Cette tendance a conduit à des œuvres dans lesquelles le pittoresque a prévalu, appelées bambochadas, étant connus des peintres qui les ont faites avec le terme bambochantes, un mot dérivé du bamboccio italien (« stick figure »), surnom du Néerlandais Pieter van Laer. Ces peintres représentaient des scènes de rue mettant en vedette des personnages populaires tels que les gitans ou les mendiants. Bien qu’ils aient utilisé la technique ténébriste, la vérité est qu’il existe une certaine préoccupation pour le paysage, absente dans la plupart des œuvres de cette tendance.

Moins fréquemment, des thèmes mythologiques et des natures mortes ont été cultivés.

Les compositions sont simples: les figures, représentées en taille réelle, demi ou pleine longueur, sur un fond sombre. Le trait le plus caractéristique de cette école est l’utilisation du clair-obscur: ils n’ont pas travaillé l’arrière-plan, qui est resté dans l’obscurité, et ils ont concentré toute leur attention, avec une lumière très intense, sur les figures qui occupent le premier plan. Ce contraste dramatique a été surtout cultivé par les Napolitains et les Espagnols, qui sont le plus souvent appelés ténébristes.

Dans les peintures italiennes et espagnoles, la lumière est d’origine indéterminée; d’autre part, chez des peintres comme Georges de La Tour ou l’école d’Utrecht, il provient d’une source spécifique qui apparaît dans le tableau. Cette introduction dans la boîte d’une source de lumière visible est appelée luminisme.

Les couleurs prédominantes sont le rouge, l’ocre et le noir. Il a été appliqué directement, sans croquis préparatoire ni dessin préalable, qui en italien est appelé alla prima.

Evolution stylistique
Originaire de Milan, le Caravage y a été formé par Simone Peterzano mais s’installe à Rome en 1592. Rome est en effet le grand centre artistique italien où se rencontrent des artistes de toutes origines (Annibal Carrache est bolonais, Simon Vouet est français, José de Ribera est espagnol, etc.) qui viennent débattre à l’Académie de Saint-Luc (fondée en 1593) et profiter de l’important patronage religieux (papes et cardinaux).

Il y a trois périodes dans l’art du Caravage:

La Manière claire: première période romaine entre 1594 et 1600. On ressent encore l’influence maniériste avec une palette claire, une finition lisse et brillante. Cependant, nous observons la mise en œuvre du schéma caravaggesque dans le cadrage et la composition (détaillée dans la partie suivante). Le Fortune Teller (c. 1595) conservé au Louvre en est un excellent exemple. A noter que cette période est celle de la création de nombreux sujets et thèmes qui connaîtront une grande durabilité dans la peinture occidentale.
The Black Manner: entre 1600 et 1606, le rôle de la lumière s’affirme et le jeu des contrastes avec le développement du « clair-obscur caravagique ».
La période errante: entre 1606 et 1610, où le projet de loi est devenu de plus en plus vibrant et obscur. Parfois appelé «piétisme caravagiste», le peintre abandonne son ironie et son insolence probablement à cause de la culpabilité qui l’a assailli suite à un duel devenu meurtrier. Cette période semble marquée par une recherche de l’absolution divine.

A noter que les recherches les plus récentes tendent à relativiser, même si elle est indéniable, une évolution de sa peinture vers l’obscurité.

Les caractéristiques
Le «schéma caravaggesque» a été mis en place très tôt. Les compositions, principalement en largeur, présentent des personnages grandeur nature, souvent coupés à mi-longueur. Cette organisation permet, par la succession de plans, de créer l’illusion de profondeur sans avoir à traiter le problème de la perspective. De plus, l’artiste présente directement le spectateur à la scène. Cela semble encore plus proche en raison du fond neutre. Ces artifices de composition que l’on observe dans le tableau du musée du Louvre cité ci-dessus seront repris par la plupart de ses imitateurs (sauf Orazio Gentileschi).

La lumière est également un élément essentiel de ses compositions. Baignant d’abord l’ensemble du tableau (The Fortune Teller, 1594, The Flight into Egypt, c.1596), il a tendance à se concentrer sur certaines zones créant un contraste en clair-obscur qui donne une dimension de plus en plus dramatique à ses œuvres. Presque toujours en dehors du tableau, la lumière entre en scène et guide l’œil vers l’essentiel. Apportant une dimension symbolique et spirituelle, il participe autant à la compréhension de la scène qu’à sa sacralisation. Notez que, au Caravage, le caractère divin des personnages est littéralement «mis en lumière» plutôt que représenté par des attributs symboliques et artificiels. Ces deux éléments sont très visibles dans le tableau La Vocation de Saint Matthieu du cycle de la Chapelle Contarelli à Rome (1599-1600).

Les rouges, les bruns et les noirs dominent. La couleur est appliquée alla prima, sans dessin préparatoire.

Au regard des thèmes traités, Caravage permet un renouveau perpétué par ses imitateurs. On observe généralement une double lecture de ses œuvres, avec une forte dimension morale. Pour atteindre cet objectif, il recherche l’archétype et utilise fréquemment les mêmes modèles. Ces deux caractéristiques vont diminuer dans le courant du Caravage, pour tendre vers un style plus anecdotique et décoratif, comme l’illustrent les œuvres de Nicolas Régnier (Fortune Teller, musée du Louvre, 1626). Parmi les sujets représentés par le Caravage et repris par les Caravaggesques, citons:

Les tricheurs: une œuvre du Caravage (conservée au Texas, 1595), deux œuvres de Georges de La Tour (une version au Louvre, une au Texas).
Les joueurs de luth et les concerts: deux joueurs de luth du Caravage (une version conservée au State Hermitage Museum et une au Metropolitan Museum of Art, 1596), une version de Bartolomeo Manfredi (à l’Hermitage, 1615), une version de Gentileschi (à Washington, 1615), ainsi que les nombreux concerts de caravagistes du nord (Le Concert par Gerrit van Honthorst, 1620, musée du Louvre).
The Fortune Teller: deux versions de Caravaggio (une version au musée du Louvre et une version au musée Capitole), une version de Simon Vouet (1617, conservée à Ottawa), une de Nicolas Régnier (1620, Louvre), une de Valentin de Boulogne (1628, musée du Louvre) et une version de Georges de La Tour (1640, Metropolitan Museum of Art).
David vainqueur de Goliath: trois versions du Caravage (une à Madrid, une à Vienne et une à Rome), une version de Bartolomeo Manfredi (triomphe de David, 1615, musée du Louvre) et une version de Guido Reni (1606, musée de la Persienne).

Caravaggisti en italien

Rome
Au sommet de sa popularité à Rome à la fin des années 1590 et au début des années 1600, le nouveau style dramatique du Caravage a influencé bon nombre de ses pairs dans le monde de l’art romain. Le premier Caravaggisti comprenait Mario Minniti, Giovanni Baglione (bien que sa phase du Caravage ait été de courte durée), Leonello Spada et Orazio Gentileschi. Dans la génération suivante, il y avait Carlo Saraceni, Bartolomeo Manfredi et Orazio Borgianni ainsi que des maîtres anonymes comme le maître des joueurs. Gentileschi, bien qu’étant considérablement plus âgé, fut le seul de ces artistes à vivre bien au-delà de 1620 et finit par devenir peintre de la cour de Charles I d’Angleterre. Sa fille Artemisia Gentileschi était également proche du Caravage et l’une des plus douées du mouvement, notamment l’œuvre Judith Slaying Holofernes. Pourtant, à Rome et en Italie, ce n’était pas le Caravage, mais l’influence d’Annibale Carracci, mêlant des éléments de la Haute Renaissance et du réalisme lombard, qui a finalement triomphé. Parmi les autres artistes actifs à Rome, il convient de mentionner Angelo Caroselli, Pier Francesco Mola, Tommaso Salini et Francesco Buoneri. Giacinto Brandi était actif principalement à Rome et à Naples. Le peintre néerlandais David de Haen était actif à Rome entre 1615 et 1622.

Naples
En mai 1606, après le meurtre de Ranuccio Tomassoni, le Caravage s’est enfui à Naples avec une condamnation à mort sur la tête. Pendant qu’il y était, il a accompli plusieurs commandes, dont deux majeures étant la Vierge du Rosaire et Les Sept Œuvres de Miséricorde. Son travail a eu un effet profond sur les artistes locaux et son bref séjour à Naples a produit une école notable de caravaggisti napolitain, notamment Battistello Caracciolo, Bernardo Cavallino, Carlo Sellitto, Massimo Stanzione, Francesco Guarino, Andrea Vaccaro, Cesare Fracanzano et Antonio de Bellis. Giacinto Brandi était actif principalement à Rome et à Naples. Le mouvement Caravaggisti s’y est terminé avec une terrible épidémie de peste en 1656, mais à l’époque Naples était une possession de l’Espagne et l’influence du caravagisme s’était déjà étendue là-bas.

Italie du Nord
Marco Antonio Bassetti est connu pour avoir été à Rome en 1616 et y est peut-être arrivé deux ans plus tôt. À Rome, il est tombé sous l’influence des peintures du Caravage et d’Orazio Borgianni. À son retour à Vérone, il a peint un Saint-Pierre et des Saints pour l’église de San Tomaso et un couronnement de la Vierge pour Sant ‘Anastasia. Il mourut de la peste à Vérone en 1630.

Bernardo Strozzi, né et principalement actif à Gênes puis à Venise, est considéré comme l’un des principaux fondateurs du style baroque vénitien. Dans les années 1620, Strozzi abandonna progressivement son premier style maniériste au profit d’un style plus personnel caractérisé par un nouveau naturalisme dérivé du travail du Caravage et de ses disciples. Le style de peinture caravagiste avait été apporté à Gênes à la fois par Domenico Fiasella, après son retour de Rome en 1617-1818, et par les adeptes du Caravage qui passaient du temps à travailler dans la ville.

Le peintre italien Biagio Manzoni était actif à Faenza. Le peintre italien de Reggio Emilia Bartolomeo Schedoni, Daniele Crespi de Milan et Luca Cambiasi, également connu sous le nom de Luca Cambiaso et Luca Cangiagio, le principal artiste de Gênes au XVIe siècle, représentaient souvent des personnages brillamment éclairés sur un fond sombre. Felice Boselli, actif à Plaisance, a utilisé l’éclairage Caravaggisti de contraste pour ses natures mortes. Tanzio da Varallo (ou simplement il Tanzio) était actif principalement en Lombardie et dans le Piémont, notamment au Sacro Monte de Varallo Sesia, où il travaillait en même temps que Pier Francesco Mazzucchelli (il Morazzone). Le peintre et graveur italien Bernardino Mei a travaillé dans sa ville natale de Sienne et à Rome, trouvant surtout le patronage dans la famille Chigi.

Italie centrale
Pietro Ricchi (ou il Lucchesino), né à Lucques, représentait également souvent des personnages brillamment éclairés sur un fond sombre (voir Saint-Sébastien).

La Sicile
Mario Minniti était un artiste italien actif en Sicile après 1606. Il, à l’âge de 16 ans, a même posé pour le tableau du Caravage Boy with a Basket of Fruit.

Caravaggisti en néerlandais
L’Institut néerlandais d’histoire de l’art répertorie 128 artistes labellisés « Caravaggisten ». Le peintre hollandais David de Haen était actif à Rome entre 1615 et 1622. Un autre artiste qui mérite d’être mentionné est Paulus Bor, qui a d’abord peint des peintures d’histoire plutôt caravaggisti, mais ses œuvres sont rapidement devenues marquées par un classicisme lié à celui de son citadin van Campen. Abraham Lambertsz van den Tempel mérite d’être mentionné pour son réalisme et son éclairage contrasté. Le peintre flamand Frans Badens était actif à Amsterdam.

Utrecht
Au début du XVIIe siècle, des artistes catholiques des Pays-Bas se sont rendus à Rome en tant qu’étudiants et ont été profondément influencés par le travail du Caravage. À leur retour dans le nord, ce groupe, connu sous le nom de « Utrecht Caravaggisti », a connu une floraison éphémère mais influente dans les années 1620 parmi des peintres comme Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst, Andries Both et Dirck van Baburen. Le bref épanouissement du caravagisme d’Utrecht a pris fin vers 1630, lorsque de grands artistes étaient morts, comme dans le cas de Baburen et Terbrugghen, ou avaient changé de style, comme le passage de van Honthorst au portrait et à des scènes d’histoire éclairées par les tendances flamandes popularisées par Rubens et ses suiveurs. Dans la génération suivante, les effets du Caravage, bien qu’atténués, sont visibles dans les travaux de Vermeer, Rembrandt et Gerrit Dou.  »

Caravaggisti en flamand
Rubens était probablement l’un des premiers artistes flamands à être influencé par le Caravage. Au cours de la période 1600-1608, Rubens a résidé en Italie. Il s’installe à Mantoue à la cour du duc Vincenzo I Gonzaga mais passe également du temps à Rome. Pendant son séjour à Rome en 1601, il se familiarise avec l’œuvre du Caravage. Plus tard, il a fait une copie de la mise au tombeau du Christ de Caravagio et a recommandé à son patron, le duc de Mantoue, d’acheter La mort de la Vierge (Louvre). Après son retour à Anvers, Rubens a joué un rôle déterminant dans l’acquisition de la Vierge du Rosaire de Caravagio (Kunsthistorisches Museum, Vienne) pour l’église Saint-Paul d’Anvers.

Bien que certains de cet intérêt pour le Caravage se reflètent dans ses dessins lors de sa résidence italienne, ce n’est qu’après son retour à Anvers en 1608 que ses œuvres montrent ouvertement des traits caravaggesques comme dans le Caïn tuant Abel (1608-1609) (Courtauld Institute of Art). Cependant, l’influence du Caravage sur l’œuvre de Rubens serait moins importante que celle de Raphaël, Correggio, Barocci et les Vénitiens. Les artistes, influencés par Rubens, comme Pieter van Mol, Gaspar de Crayer et Willem Jacob Herreyns, ont également utilisé un certain réalisme austère et de forts contrastes de lumière et d’ombre, communs au style Caravaggisti.

Le contemporain de Rubens, Abraham Janssens, était un autre peintre flamand qui se rendit en Italie (de 1597 à 1602) où il se familiarisa avec l’œuvre du Caravage. Son travail après son retour à Anvers montre l’influence du Caravage. La composition Scaldis et Anversia de 1609 tire sa puissance expressive de l’utilisation de forts contrastes de lumière et d’ombre (clair-obscur) comme l’a été le pionnier du Caravage.

Ce sont principalement les artistes flamands de la génération après Rubens qui sont entrés sur la scène artistique dans les années 1620 qui ont été les plus influencés par le Caravage. On peut même dire qu’il y avait un engouement caravagiste en Flandre d’environ 1620 à 1640. Les artistes sont souvent appelés les Gand Caravaggisti et Anvers Caravaggisti après la ville dans laquelle ils étaient principalement actifs. Il n’y a cependant aucune distinction stylistique perceptible entre ces deux mouvements autres que les mouvements individuels. Parmi les Caravaggisti gantois, on peut citer Jan Janssens, Melchior de la Mars et Antoon van den Heuvel. La liste des Caravaggisti d’Anvers est significativement plus longue, reflétant l’importance de cette ville en tant que centre artistique prééminent de la Flandre. Il s’agit de Theodoor Rombouts, Gerard Seghers, Jan Cossiers, Adam de Coster, Jacques de l’Ange et Jan van Dalen.

À Bruges, Jacob van Oost a peint des tableaux de genre et d’histoire montrant l’influence du travail du Caravage et de Manfredi dont il avait étudié le travail à Rome. Certains Caravaggisti flamands ont quitté leur patrie pour l’Italie où ils ont été influencés par le travail du Caravage et de ses partisans et ne sont jamais rentrés chez eux. C’est le cas de Louis Finson de Bruges qui après des séjours à Naples et à Rome a passé l’essentiel de sa carrière en France. Un autre exemple d’un caravagiste flamand expatrié est Hendrick de Somer de Lokeren ou Lochristi qui a passé la majeure partie de sa vie et de sa carrière à Naples où il a peint dans un style caraviggiste influencé par le peintre espagnol Jusepe de Ribera.

Ce que la plupart de ces artistes ont en commun, c’est qu’ils ont probablement visité l’Italie où ils ont eu un contact direct avec l’œuvre du Caravage ou de ses disciples italiens et néerlandais. L’influence du Caravage et de ses disciples sur leur travail peut être vue dans l’utilisation d’effets de lumière dramatiques et de gestes expressifs ainsi que dans les nouveaux sujets tels que les objets tranchants, les diseurs de bonne aventure, le déni de Saint Pierre, etc. Certains des artistes concentré sur certains aspects de l’œuvre du Caravage. Par exemple, Adam de Coster était appelé le Pictor Noctium (peintre des nuits) en raison de sa préférence pour l’utilisation du clair-obscur austère et du motif répété de figures mi-longues éclairées par une bougie qui est recouverte.

Beaucoup de ces artistes tels que Rombouts, Cossiers et Seghers ont ensuite abandonné leur stricte adhésion au style et au sujet caravagistes et se sont lancés dans des directions différentes, souvent sous l’influence de la génération plus ancienne d’artistes flamands qui avaient une telle influence dominante sur l’art flamand dans le 17e siècle, à savoir Rubens et van Dyck.

Caravaggisti en français
Jean LeClerc, qui a étudié sous Saraceni au début du XVIIe siècle, est l’un des premiers artistes français à avoir travaillé à Rome pendant les années Caravage. Simon Vouet a passé une longue période en Italie, de 1613 à 1627. Ses mécènes étaient la famille Barberini, Cassiano dal Pozzo, Paolo Giordano Orsini et Vincenzo Giustiniani. Il a également visité d’autres parties de l’Italie: Venise; Bologne, (où la famille Carracci avait son académie); Gênes (où de 1620 à 1622, il a travaillé pour les princes Doria); et Naples.

Il a absorbé ce qu’il a vu et l’a distillé dans sa peinture: l’éclairage dramatique du Caravage; Maniérisme italien; La couleur et le di sotto de Paolo Veronese en perspective su ou raccourcie; et l’art de Carracci, Guercino, Lanfranco et Guido Reni. Le succès de Vouet à Rome a conduit à son élection à la présidence de l’Accademia di San Luca en 1624. Malgré son succès à Rome, Vouet est revenu en France en 1627. Le nouveau style de Vouet était distinctement italien, important le style baroque italien en France. Valentin de Boulogne, qui vivait à Rome en 1620, étudia auprès de Vouet et plus tard de Boulognes, Nicolas Tournier.

Georges de La Tour est supposé avoir voyagé en Italie ou aux Pays-Bas au début de sa carrière. Ses peintures reflètent l’influence du Caravage, mais cela l’a probablement atteint par le biais des Caravaggisti hollandais et d’autres contemporains du Nord (français et néerlandais). En particulier, La Tour est souvent comparée au Néerlandais Hendrick Terbrugghen. Louis Finson, également connu sous le nom de Ludovicus Finsonius, était un peintre baroque flamand, qui a également travaillé en France.

Caravaggisti en espagnol
Francisco Ribalta est devenu parmi les premiers adeptes en Espagne du style ténébriste. On ne sait pas s’il a visité directement Rome ou Naples, où le style du Caravage avait de nombreux adeptes, bien que par sa connexion avec Naples, l’Espagne était probablement déjà exposée au Caravaggisim au début du XVIIe siècle. Son fils Juan Ribalta, Vicente Castelló et Jusepe de Ribera auraient été ses élèves, bien qu’il soit tout à fait possible que Ribera ait acquis son ténébrisme lorsqu’il a déménagé en Italie. Le style a attiré un certain nombre d’adhérents en Espagne et devait influencer les peintres espagnols baroques ou de l’âge d’or, en particulier Zurbarán, Velázquez et Murillo.

Même l’art de la nature morte en Espagne, le bodegón était souvent peint dans un style austère et austère similaire. Orazio Borgianni a signé une pétition pour ouvrir une académie de peinture à l’italienne en Espagne et a exécuté une série de neuf tableaux pour le Convento de Portacoeli, Valladolid, où ils demeurent. Giovanni Battista Crescenzi était un peintre et architecte italien du début du baroque, actif à Rome et en Espagne, où il a aidé à décorer le panthéon des rois espagnols à El Escorial. Il a pris de l’importance en tant qu’artiste sous le règne du pape Paul V, mais en 1617, il avait déménagé à Madrid, et à partir de 1620, il était actif à El Escorial. Philippe III d’Espagne lui a décerné le titre de Marchese de la Torre, chevalier de Santiago. Son élève Bartolomeo Cavarozzi était actif en Espagne.

Développements

Luminisme
Le Luminisme de la fin de la première moitié du XVIIe siècle est un Caravage dont la particularité réside dans l’accentuation de la lumière dans l’atmosphère calme la table. Les couleurs deviennent chaudes avec la source lumineuse. Ses principaux représentants sont Georges de La Tour en France et Gerrit van Honthorst en Hollande; Le génois Luca Cambiaso est le précurseur.

Ténèbres
Dans Darkness, apparu vers 1610, les contrastes de lumière et d’ombre sont plus violents, l’effet est plus sombre. Le mouvement Tenebrosi, regroupé pour la plupart dans ce grand centre artistique qu’est Séville dans «l’âge d’or», est représenté par José de Ribera (1591-1652) ou Mattia Preti (1613-1699), peut-être influencé par le Battistello napolitain Caracciolo, l’un des premiers caravageurs italiens. En effet, le royaume de Naples était alors sous domination espagnole et les échanges étaient nombreux entre les artistes de l’un et de l’autre pays. Francisco de Zurbarán (1598-1664) a adopté un style darkoviste qui lui a valu le surnom de « Caravage espagnol » dans sa première période. Francisco Ribalta (1551-1628) s’est illustré à Valence dans des peintures religieuses où l’influence du Caravage est très perceptible.

Les peintres espagnols Juan Sánchez Cotán (1560-1627) et Juan van der Hamen (1596-1631), spécialistes des natures mortes appelées bodegones, assimilent les leçons de la peinture et du caravagisme hollandais.