L’estetismo (anche il movimento estetico) è un movimento intellettuale e artistico che sostiene l’enfasi dei valori estetici più che i temi socio-politici per la letteratura, l’arte, la musica e altre arti. L’estetismo, è un’era che è durata dal 1890 al 1920 e in bellezza (l’aspetto estetico) il valore più alto. Etica, conoscenza, religiosità, questioni sociali sono subordinate e subordinate al “bello” (amoralismo estetico). L’estetismo ha anche influenzato aspetti filosofici e scientifici, come le opinioni di Ernst Haeckel o Carl Gustav Carus sulla questione della vitalità / anima dei cristalli.

Ciò significava che l’arte di questo particolare movimento si concentrava più sull’essere bella piuttosto che avere un significato più profondo – “arte per l’arte”. Fu particolarmente prominente in Europa alla fine del XIX secolo, supportato da personaggi illustri come Walter Pater e Oscar Wilde, ma anche critici più contemporanei sono associati al movimento, come Harold Bloom, che si oppose alla proiezione dell’ideologia sociale e politica sulla letteratura opere, che crede sia stato un problema crescente nei dipartimenti umanistici nel corso del 20 ° secolo.

Nel diciannovesimo secolo, era legato ad altri movimenti come il simbolismo o la decadenza rappresentati in Francia, o il decadentismo rappresentato in Italia, e può essere considerata la versione britannica dello stesso stile.

Storia
Le prime tendenze estetiche emerse nel Rinascimento quando l’arte si emancipò dal suo canone religioso e l’attività artistica si staccò dal suo legame medievale con il lavoro monastico o l’artigianato urbano. Nel 18 ° secolo, Immanuel Kant ha definito la “bellezza” come piacere senza interesse.

L’estetismo moderno è radicato nel romanticismo (Friedrich Schlegel, Chateaubriand). La prefazione di Théophile Gautier al suo romanzo Mademoiselle de Maupin, scritta nel 1834, è considerata rivoluzionaria, in cui riconosce la bellezza solo per gli inutili e descrive tutto ciò che è utile come brutto. Nel 1891, la prefazione di Oscar Wilde a Il ritratto di Dorian Gray divenne una sorta di manifesto di estetismo. Ludwig Tieck suggerì che la vita fosse stilizzata come un’opera d’arte. Nel diciannovesimo secolo, il termine dandy deriva dall’inglese-scozzese con cui l’estetismo è stato da allora definito come uno stile di vita.

Dal 1885 al 1915 l’estetismo influenzò l’impressionismo, il simbolismo e le singole poetologie della poesia assoluta. Le controcorrenti erano realismo, naturalismo e in Germania dal 1900 in poi il neoclassicismo.

Rappresentanti dell’estetismo sono Walter Pater, John Ruskin, Oscar Wilde, Aubrey Beardsley, Frederic Lord Leighton, Stéphane Mallarmé, Stefan George e Gabriele D’Annunzio. La storia di Thomas Mann Tristano parodia dell’estetismo e del dandismo.

Letteratura Estetica
Gli scrittori britannici decadenti furono molto influenzati dal professore di Oxford Walter Pater e dai suoi saggi pubblicati nel periodo 1867-1868, in cui affermava che la vita doveva essere vissuta intensamente, con un ideale di bellezza. Il suo testo Studies in the History of the Renaissance (1873) è stato molto apprezzato dai giovani orientati all’arte della fine del XIX secolo. Gli scrittori del movimento decadente hanno usato lo slogan “Art for Art’s Sake” (L’arte per l’arte), la cui origine è discussa. Alcuni sostengono che sia stato inventato dal filosofo Victor Cousin, anche se Angela Leighton nella pubblicazione On Form: Poetry, Aestheticism and the Legacy of a Word (2007) osserva che la frase è stata usata da Benjamin Constant già nel 1804. È generalmente accettato di essere stato promosso da Théophile Gautier in Francia,

Gli artisti e gli scrittori di stile estetico tendevano a professare che le arti avrebbero dovuto offrire un raffinato piacere sensuale, piuttosto che trasmettere messaggi morali o sentimentali. Di conseguenza, non accettarono la concezione dell’arte di John Ruskin, Matthew Arnold e George MacDonald come qualcosa di morale o utile, “Arte per amor di verità”. Invece, credevano che l’arte non avesse alcuno scopo didattico; doveva solo essere bello. Gli esteti svilupparono un culto della bellezza, che considerarono il fattore base dell’arte. La vita dovrebbe copiare l’arte, hanno affermato. Consideravano la natura grezza e priva di design rispetto all’arte. Le caratteristiche principali dello stile erano: suggestione piuttosto che affermazione, sensualità, grande uso di simboli ed effetti sinestetici / idestetici, cioè corrispondenza tra parole, colori e musica.

I predecessori dell’estetica includevano John Keats e Percy Bysshe Shelley e alcuni preraffaelliti che erano essi stessi un retaggio dello spirito romantico. Vi sono alcune significative continuità tra la filosofia preraffaellita e quella degli esteti: dedica all’idea di “arte per l’arte”; ammirazione e costante impegno per la bellezza; evasione attraverso le arti visive e letterarie; artigianato attento e consapevole; reciproco interesse a fondere le arti di vari media. Quest’idea finale è promossa nel poema L’Art di Théophile Gautier, che ha paragonato il poeta allo scultore e al pittore. Dante Gabriel Rossetti ed Edward Burne-Jones sono fortemente associati all’estetismo. Però, il loro approccio all’estetismo non condivideva il credo di “Art for Art’s Art’s Art” ma piuttosto “una vivace rivisitazione di quei principi di colore, bellezza, amore e pulizia che il mondo triste, agitato, scoraggiante della metà del diciannovesimo secolo aveva bisogno di tanto.” Questa riaffermazione della bellezza in un mondo triste si collega anche all’evasione pre-raffaellita nell’arte e nella poesia.

In Gran Bretagna i migliori rappresentanti furono Oscar Wilde e Algernon Charles Swinburne, entrambi influenzati dai simbolisti francesi, e James McNeill Whistler e Dante Gabriel Rossetti. Lo stile e questi poeti sono stati satirizzati dall’opera comica Patience e altre opere di Gilbert e Sullivan, come il dramma di The Burnel dell’FC Burnand, e in riviste comiche come Punch, in particolare nelle opere di George Du Maurier.

Il romanzo di Compton Mackenzie Sinister Street fa uso del tipo come una fase attraverso la quale passa il protagonista mentre viene influenzato da individui più anziani e decadenti. I romanzi di Evelyn Waugh, che era un giovane partecipante della società estetista di Oxford, descrivono gli esteti per lo più satiricamente, ma anche come ex partecipante. Alcuni nomi associati a questo assemblaggio sono Robert Byron, Evelyn Waugh, Harold Acton, Nancy Mitford, AE Housman e Anthony Powell.

Arti visive estetiche
Gli artisti associati allo stile estetico includono Simeon Solomon, James McNeill Whistler, Dante Gabriel Rossetti e Aubrey Beardsley. Sebbene il lavoro di Edward Burne-Jones sia stato esposto alla Grosvenor Gallery che ha promosso il movimento, contiene anche narrativa e trasmette messaggi morali o sentimentali, quindi non rientra nella definizione data.

Arti decorative del movimento estetico
Secondo Christopher Dresser, l’elemento principale dell’arte decorativa è l’utilità. La massima “arte per l’arte”, identificando l’arte o la bellezza come elemento primario in altri rami del movimento estetico, in particolare l’arte fine, non può applicarsi in questo contesto. Cioè, l’arte decorativa deve prima avere utilità, ma può anche essere bella. Tuttavia, secondo Michael Shindler, il ramo dell’arte decorativa del Movimento estetico, era meno il cugino utilitaristico del principale ramo “puro” dell’estetismo, e più il mezzo stesso con cui gli esteti esercitavano la loro fondamentale strategia estetica. Come l’arte contemporanea, Shindler scrive che l’estetismo è nato “dall’enigma di costituire la propria vita in relazione a un’opera esteriore” e che “ha tentato di superare” questo problema ” riassumendo artisti nella loro opera nella speranza di cedere – più che semplici oggetti – vite che potrebbero essere opere d’arte viventi. “Così,” le cose belle sono diventate le sensuali scenografie di un dramma in cui gli artisti non erano come i loro antenati una sorta di equipaggio di sceneggiatori anonimi, ma stelle. Di conseguenza, gli esteti fecero idoli di ritratti, preghiere di poesie, altari di scrivanie, cappelle di sale da pranzo e angeli caduti dei loro simili “.

Elementi importanti del Movimento Estetico sono stati identificati come Riforma e Arte orientale. Le Government Schools of Design sono state fondate dal 1837 in poi per migliorare il design dei beni britannici. In seguito alla Grande Mostra del 1851 si intensificarono gli sforzi e furono acquistati oggetti orientali per le scuole che insegnavano collezioni. A Owen Jones, architetto e orientalista, fu chiesto di stabilire i principi chiave del design e questi divennero non solo la base dell’insegnamento scolastico, ma anche le proposizioni che prefigurano La grammatica dell’ornamento (1856), che è ancora considerato il miglior studio sistematico o pratico libro di fonti di ornamenti storici del mondo.

Jones ha identificato la necessità di uno stile nuovo e moderno in grado di soddisfare le esigenze del mondo moderno, piuttosto che il continuo riciclo degli stili storici, ma non ha visto alcun motivo per rifiutare le lezioni del passato. Christopher Dresser, uno studente e in seguito professore della scuola ha lavorato con Owen Jones in The Grammar of Ornament, così come nella decorazione del 1863 di The Oriental Courts (cinese, giapponese e indiano) presso il South Kensington Museum, ha avanzato la ricerca di un nuovo stile con le sue due pubblicazioni The Art of Decorative Design 1862 e Principles of Design 1873.

La produzione di mobili in stile estetico fu limitata a circa la fine del XIX secolo. I mobili in stile estetico sono caratterizzati da diversi temi comuni:

Legno ebanizzato con riflessi dorati.
Influenza dell’Estremo Oriente.
Uso preminente della natura, in particolare fiori, uccelli, foglie di ginkgo e piume di pavone.
Blu e bianco su porcellana e altre porcellane pregiate.

Mobili ebanizzati significa che il legno è verniciato o tinto con una finitura in ebano nero. A volte i mobili sono completamente color ebano. Più spesso, tuttavia, vengono aggiunte dorature alle superfici intagliate delle piume o ai fiori stilizzati che adornano i mobili.

Poiché l’arredamento del movimento estetico era simile al corrispondente stile di scrittura in quanto riguardava la sensualità e la natura, i temi della natura appaiono spesso sui mobili. Una caratteristica estetica tipica è il fiore intagliato dorato o la piuma stilizzata di pavone. Si vedono spesso dipinti colorati di uccelli o fiori. I mobili con movimento estetico non ebanizzato possono presentare realizzazioni tridimensionali dall’aspetto realistico di uccelli o fiori scolpiti nel legno.

In contrasto con i mobili dorati ebanizzati c’è l’uso del blu e del bianco per porcellana e porcellana. Temi simili di piume di pavone e natura sarebbero usati nei toni del blu e del bianco su stoviglie e altre stoviglie. Il design blu e bianco era anche popolare su piastrelle quadrate in porcellana. È stato riferito che Oscar Wilde ha usato decorazioni estetiche durante la sua giovinezza. Questo aspetto del movimento è stato anche satirizzato dalla rivista Punch e in Patience.

Nel 1882 Oscar Wilde visitò il Canada, dove visitò la città di Woodstock, in Ontario, e tenne una conferenza il 29 maggio intitolata “La bella casa”. Questa lezione particolare ha caratterizzato il primo movimento artistico estetico, noto anche come lo stile artistico “Estetica ornamentale”, in cui la flora e la fauna locali sono state celebrate come bellissimi e strutturati, soffitti a strati erano popolari. Un esempio di questo può essere visto nel sito storico nazionale di Annandale, situato a Tillsonburg, Ontario, Canada. La casa fu costruita nel 1880 e decorata da Mary Ann Tillson, che per caso frequentò la conferenza di Oscar Wilde a Woodstock, e ne fu influenzata. Poiché il movimento artistico estetico era prevalente solo dal 1880 circa al 1890 circa, non ci sono molti esempi sopravvissuti di questo particolare stile, ma uno di questi è 18 Stafford Terrace, Londra, che fornisce uno spaccato di come le classi medie hanno interpretato i principi dell’estetica. Olana, la casa della chiesa di Frederic Edwin nella parte settentrionale dello stato di New York, è un importante esempio di esotismo nelle arti decorative del movimento estetico.

nitiazione e sviluppo del movimento
Alla fine del 19 ° secolo, una nuova sensibilità si sviluppò in reazione al naturalismo. Questo nuovo movimento era fondamentalmente interessato a descrivere la realtà anche nella sua banalità.

Per quanto riguarda gli esteti o gli estetisti, hanno preferito dedicarsi alla ricerca e all’indagine di raffinatezza, bellezza e arte. Aderirono fortemente alla religione del bello e la trovarono nelle forme inesplorate del “volgare” e del “semplice”: arte primitiva (preraffaellita) o arte ingenua, ad esempio mobili antichi e abiti furono reintegrati nel furono riutilizzate le arti decorative di William Morris e le forme esoteriche del linguaggio, ecc. Ricordiamo ad esempio “Tutta l’arte è completamente inutile” (dalla prefazione all’opera Ritratto di Dorian Gray). Tra gli scritti letterari che esplorano quasi nello stesso momento le possibilità di questa filosofia sono:

Contro il grano (1884) di Joris-Karl Huysmans.
Il ritratto di Dorian Gray (1890) di Oscar Wilde.
Hedda Gabler (1891) di Henrik Ibsen

L’accoglienza è stata entusiasta delle tre opere in piccoli ambienti, coterie e riviste letterarie.

Per un po ‘di tempo, Théophile Gautier e l’arte per il movimento artistico avevano preparato la strada per questo cambiamento (prefazione all’opera Mademoiselle de Maupin, 1835), e saranno il nucleo da cui verrà sviluppato il cosiddetto Art nouveau.

L’estetismo, il decadentismo, la lettura del simbolismo, sono le soluzioni che si cercano di sfuggire allo stesso malessere: “la fine del 19 ° secolo” forcelle tra, da un lato, la fede nella scienza e nella modernità, e dall’altro, pessimismo contro i valori contestati a causa del materialismo. E il culto della bellezza in sé è quindi sembrato a molti come una via d’uscita. Vi è un certo interesse nell’evadere o rinunciare alla realtà quotidiana, screditare e contestare la morale e le abitudini borghesi.

Allo stesso modo, contrariamente agli aspetti attualmente evidenziati nelle definizioni di estetismo o estetismo, si noterà che questa corrente implica una profonda riflessione filosofica, che non è affatto superficiale. Per i veri esteti (o estetisti), essere superficiali e semplicistici è quasi come essere criminali, dal momento che non è solo conveniente raggiungere la bellezza esternamente, ma anche e contemporaneamente deve andare alla ricerca di equilibrio e bellezza interiore. La “bellezza” deve essere completa, imponendosi come “stile di vita” e come “precetto da applicare”.

Decadenti scrittori britannici furono fortemente influenzati da Walter Pater e dai suoi scritti, così come dal romanzo Mario l’Epicureo, in cui fu stabilito che la vita doveva essere vissuta intensamente, principalmente seguendo la bellezza come un ideale. Questi approcci, insieme alla ricerca sul Rinascimento, divennero la bibbia dei giovani appassionati di arte in quegli anni. James McNeill Whistler, Oscar Wilde e Stéphane Mallarmé hanno alimentato il modello di raffinamento del flusso, con una delicata sensibilità forse, fino al punto più alto.

Nel 1891 Walter Pater pubblicò una serie di saggi (Apprezzamenti) che lo portarono a essere considerato uno dei massimi rappresentanti dell’estetismo, i cui aspetti più abbaglianti e raffinati furono rivelati sia nel suo lavoro che nella sua vita. Il suo ampio poema Ravenna vinse il prestigioso Premio Newdigate nel 1878 e trasformò lo stile bohémien della gioventù inglese in una filosofia di vita, che fu seriamente enunciata da Oscar Wilde, che è anche uno dei più rappresentativi dell’estetismo.

Il movimento terminò con il processo a Oscar Wilde nel 1895.

Estetismo, simbolismo, decadentismo, dandismo
Questi movimenti sono stati analizzati e discussi molto, nel senso di stabilire se esiste qualche tipo di opposizione tra alcuni di essi e, naturalmente, tra gli specialisti le posizioni sono divise. In questa sezione, pertanto, non è previsto alcun risultato definitivo.

Certamente l’estetismo sostiene principalmente “l’arte per l’arte”, mentre la Decadenza è “l’antitesi del movimento poetico dei parnassiani e della sua dottrina (ispirata al classico ideale dell ‘” arte per l’arte “)».