Une vanitas est une œuvre d’art symbolique qui montre le caractère éphémère de la vie, la futilité du plaisir et la certitude de la mort, symboles souvent opposés de la richesse et symboles de l’éphémère et de la mort. Les plus connues sont les natures mortes vanitas, un genre commun dans l’art des Pays-Bas des XVIe et XVIIe siècles; ils ont également été créés à d’autres moments et dans d’autres médias et genres.

Vanitas signifie «futilité» ou «inutilité», c’est-à-dire l’inutilité des biens et des activités terrestres, faisant allusion à Ecclésiaste 1: 2; 12: 8 Vanitas vanitatum omnia vanitas, traduit « Vanité de vanités, tout est vanité » dans la Bible King James.

Étymologie
Le nom latin vānĭtās (de l’adjectif latin vanus «vide») signifie «vide», «futilité» ou «inutilité», la vision chrétienne traditionnelle étant que les biens et les activités terrestres sont transitoires et sans valeur. Il fait allusion à Ecclésiaste 1: 2; 12: 8, où vanitas traduit le mot hébreu hevel, qui inclut également le concept de transitoire.

Thèmes
Les thèmes de Vanitas étaient communs dans l’art funéraire médiéval, avec la plupart des exemples survivants dans la sculpture. Au 15ème siècle, ils pourraient être extrêmement morbides et explicites, reflétant une obsession accrue de la mort et de la décadence également observée dans l’Ars moriendi, la Danse Macabre et le motif imbriqué du Memento mori. A partir de la Renaissance, ces motifs deviennent progressivement plus indirects et, à mesure que le genre des natures mortes devient populaire, ils y trouvent un foyer. Peintures exécutées dans le style de vanitas étaient destinés à rappeler aux spectateurs de la fugacité de la vie, la futilité du plaisir, et la certitude de la mort. Ils ont également fourni une justification morale pour peindre des objets attrayants.

Objets image et interprétation

La gravure, à travers le titre Vanitas (sur la photo!), Donne des informations précieuses sur ces objets et les activités associées qui ont été interprétées comme vaines et éphémères.

Les références à la fugacité de l’existence terrestre et les trésors accumulés du monde sont présents dans presque toutes les natures mortes du 17ème siècle. Surtout dans la première moitié du XVIIe siècle, la présentation d’objets de luxe visuellement attrayants et / ou coûteux ne semble jamais avoir été possible sans la référence à la fragilité de cette vanité terrestre, qui est également incluse dans l’image. Le Vanitasstillleben dans ce contexte est l’expression la plus pure de cette vision du monde dans l’art. Il peut être compris comme une «image de dévotion privée» ayant pour fonction de «rappeler la méditation sur la mort et la vie éternelle».

Sibylle Ebert-Schifferer voit une différence entre les références dans d’autres types de natures mortes (fleur, repas, fumeur nature morte etc.) et le Vanitasstillleben autonome. La référence à la fin en combinaison avec la glorification de la prospérité – par exemple dans la nature morte aux repas – a un effet négatif. La contemplation de l’inévitable dans la vie vanitasstill avec la tendance à surmonter la vanité terrestre dans le sens de la vie éternelle dans l’au-delà est, cependant, une considération positive. L’image de vanité exigée du spectateur contemporain une participation mentale active – aussi dans le sens d’une réflexion morale sur lui-même.

Les accessoires des natures mortes Vanitas ont été regroupés par Ingvar Bergström en trois grands groupes. Le premier groupe comprend des symboles de l’existence terrestre. Ce sont des choses dont la valeur n’est apparemment stable: livres, instruments de musique, argent et trésors, insignes de pouvoir et de grandeur, œuvres d’art. En même temps, ces objets décrivent les différents domaines de la vie: la vie quotidienne active (vita activa), la vie intellectuelle dans l’art et la science (vita contemplativa), la jouissance et la luxure (vita voluptaria). Le deuxième groupe est constitué de symboles de l’éphémère sous la forme d’objets qui se désintègrent intrinsèquement et dont l’aspect évoque l’idée, comme le crâne, le sablier, la bougie mourante, les fleurs fanées et les verres brisés ou brisés. Le troisième groupe sont les symboles de la renaissance et de la vie éternelle tels que les épis, le laurier et le lierre.

La signification des objets comme symboles et références dans le Vanitastillleben ainsi que dans tous les autres Stilllebenarten s’explique par les énigmes intellectuelles contemporaines, la poésie (Cats, Bredero, etc.) et surtout les emblèmes populaires de l’époque – en particulier Sinnemoppen de Roemer Visscher et Zinne -Belts de Jan van der Veen.

Un symbole spécial d’éphémère est toujours présent dans le crâne de Vanitasstillleben, qui révèle les racines de ce style de nature morte dans l’Antiquité, les représentations médiévales de Memento-mori et les Vanitasdarstellungen autonomes sur les côtés extérieurs des Diptyques. Les représentations de Hieronymus méditant au milieu de ses livres et instruments scientifiques – parfois avec un crâne – ont probablement encore une signification particulière.

Un objet tout aussi important dans vanitasstillleben est le livre. D’une part, pour être compris comme un symbole de l’érudition, il incarnait comme un instrument de science l’arrogance à laquelle la curiosité pouvait conduire. Le fief de la science au 17ème siècle Hollande était la ville universitaire de Leyde . Cette ville peut également être considérée comme le centre de la peinture de vanitas. Et ceci est sans doute dû au fait que les livres, et donc les sciences, sont souvent thématisés dans les peintures et que l’image de la vanité exigeait probablement qu’une classe soit désignée comme destinataire.

Le Vanitasstillleben a eu son grand aspect dans la peinture de nature morte surtout dans les années 20 du 17ème siècle. Ce ne peut être une coïncidence si l’image de la vanité, qui traite de façon si impressionnante de la mort comme de la fin de tout ce qui est terrestre, est de plus en plus apparue au cours d’une situation politique menaçante. En 1621, après une trêve de 12 ans, le protestant provinces du nord repris les combats avec les Habsbourg catholiques. En outre, il y a eu des épidémies de peste dans les années 1624/25 et 1636. La thèse de la connexion de vanitasstillleben et des situations réelles de la vie en danger est soutenue par le fait que la production de ces peintures à l’Ouest

Motifs
Les symboles communs de vanitas incluent des crânes, qui sont un rappel de la certitude de la mort; fruit pourri (pourriture); les bulles (la brièveté de la vie et la soudaineté de la mort); la fumée, les montres et les sabliers (la brièveté de la vie); et instruments de musique (brièveté et nature éphémère de la vie). Les fruits, les fleurs et les papillons peuvent être interprétés de la même manière, et un citron pelé était, comme la vie, attrayant à regarder mais amer au goût. Les historiens de l’art se demandent dans quelle mesure et à quel point le thème de la vanité est impliqué dans des natures mortes sans images explicites comme un crâne. Comme dans beaucoup de tableaux de genre moralisateurs, la jouissance évoquée par la représentation sensuelle du sujet est en conflit avec le message moraliste.

Composition de fleurs est un style moins évident de Vanitas par Abraham Mignon dans le nationale Musée , Varsovie . À peine visible au milieu de la nature vive et périlleuse (serpents, champignons vénéneux), un squelette d’oiseau est un symbole de vanité et de brièveté de la vie.

Artiste et développement
Par Jacques de Gheyn II existe déjà à partir de 1603 une représentation autonome de Vanitas, dans laquelle le crâne en tant que symbole de la mort a sa place. Son élève David Bailly est considéré comme un maître essentiel du Vanitasstillleben. Ses activités de peintre en Leyde à partir de 1613 a forgé de nombreux artistes associés à la ville, établissant ainsi la réputation de la souffrance comme un centre essentiel de la nature morte.

Rembrandt a également eu son studio dans la ville avant de passer à Amsterdam en 1631. Rembrandt n’est pas célèbre pour ses natures mortes, mais a influencé ses nuances argileuses, particulièrement brunes préférées en peignant immensément les artistes environnants – même ceux de David Baillys. Les natures mortes de l’élève de Rembrandt, Gerard Dou, sont également intéressantes. Ils sont mieux décrits comme un hybride de vanitas autonome et de trompe-l’œil. Cette impression est renforcée par le fait que Dou n’a pas produit ses natures mortes en tant que peintures à vendre, mais décorées de ces portes des armoires, dans lesquelles il a conservé ses précieuses et minutieuses peintures exécutées méticuleusement.

Le style de peinture tonale de Rembrandt ainsi que Leyde La peinture de nature morte a eu un effet sur un autre grand artiste du siècle – Jan Davidsz. de Heem. De cet artiste, qui deviendra plus tard célèbre surtout pour ses grandes compositions de fleurs et de fruits, il y a des peintures anciennes de son temps à Leyde (1625-1631) dans le style typique de la ville, dans des tons bruns.

Aussi les deux peintres Pieter Claesz, célèbres pour leur repas nature morte. et Willem Claesz. Heda de Haarlem étaient convaincants peintres vanitas. Claesz. Vanitastillleben début de 1624 dans la Gemäldegalerie Alte Meister Dresde traite le sujet de manière assez indépendante. La peinture de portrait montre des objets présentés devant un rideau, comme une tasse à couvercle d’or, des coquilles, une horloge, un livre, etc. Claesz. Cependant, il ne resta pas fidèle à cette conception de l’image et peignit des toiles de vanité à des époques différentes, ce qui, cependant, correspondait clairement au style des banketjes monochromes.

Dans la génération suivante de peintres tombent en particulier les deux neveux et les étudiants de Bailly – les frères Pieter et Harmen Steenwijck – en tant que peintre de Vanitasstilllebens sur. Harmen Steenwijcks Vanitasstillleben d’environ 1640 à la National Gallery à Londres , cependant, n’est plus une vie de livre tonale de la vie, mais encore une disposition plus locale mettant en valeur la couleur. Il montre divers objets, y compris un luth, une coquille ostensiblement placée et le crâne. Surtout la présence de grands espaces blancs dans l’image, la forte diagonale dans la composition et l’accent mis sur le bord de la table.

Au-delà de la souffrance, Evert Collier, Vincent Laurensz. van der Vinne, NL Peschier, Cornelis Norbertus Gijsbrechts et Franciscus Gijsbrechts en tant que peintre vanitas important. Sébastien Bonnecroy représenté, peut-être médiatisé par Jan Davidsz. de Heem, la vanité des natures mortes Flandre . De Flandre est venu le Vanitasstillleben en France, où, par exemple, Simon Renard de Saint-André a travaillé.

Surtout dans la seconde moitié du 17ème siècle vanitasstillleben a perdu sa signification artistique et donc son importance. La transformation selon les tendances contemporaines dans la peinture de Vanitasstillleben à la nature morte presque purement décorative et presque surchargée pompeuse est par exemple dans les peintures de Jacques de Claeuw ou Pieter Boel n’est plus négligé. Intéressant dans la deuxième moitié du 17ème siècle et plus tard fabriqué Vanitasstillleben est l’adoption du grand format et la combinaison des arrangements d’objets avec un environnement reconnaissable comme une étude ou un paysage de parc.

Vanitas en dehors de l’art visuel
Le premier mouvement de 5 pièces dans un style folklorique du compositeur Robert Schumann, pour violoncelle et piano, op. 102 s’intitule Vanitas vanitatum: Mit Humor.
Vanitas vanitatum est le titre d’un oratorio écrit par un compositeur baroque italien Giacomo Carissimi (1604/1605 -1674).
Le Vanity de Compositeur Richard Barrett, pour orchestre, s’inspire grandement de ce mouvement.
Vanitas est le septième album du groupe britannique d’Extreme Metal Anaal Nathrakh.
Vanitas dans les temps modernes
C. Allan Gilbert, Tout est vanité, dessin, 1892
Jana Sterbak, Vanitas: robe de chair pour anorexique albinos, oeuvre, 1987
Alexander de Cadenet, Portraits de crânes, divers sujets, 1996 – présent
Damien Hirst, Pour l’amour de Dieu, sculpture (Un crâne de diamant), 2007
Anne de Carbuccia, One Planet One Futur, divers sujets, 2013 – présent.