바니 타스 (vanitas)는 삶의 일시성, 즐거움의 무가움, 죽음의 확실성을 보여주는 예술의 상징적 인 작품으로 종종 부와 절망과 죽음의 상징을 대조합니다. 가장 잘 알려진 바 니타 스 스틸 라이프 (vanitas still lifes)는 16 세기와 17 세기의 네델란드 풍 예술의 공통 장르입니다. 그들은 다른 시대와 다른 매체와 장르에서도 창조되었습니다.

바 니타 스는 전도서 1 : 2를 암시하는 ‘쓸데없는 것’또는 ‘쓸데없는 것’, 즉이 세상의 재물과 추적의 무의미 함을 의미한다. 12 : 8 바 니타 스 바니 타툼 (Vanitas vanitatum omnia vanitas)은 킹 제임스 성경에서 “허영심의 허영심, 모든 것이 허영심”이라고 번역했습니다.

어원
라틴어 명사 인 vānĭtās (라틴어 형용사 ’empty’는 ‘공허’, ‘쓸데없는 것’또는 ‘쓸데없는 것’을 의미한다)은 전통적 기독교인의 견해에 따르면이 세상의 재화와 추구는 일시적이고 쓸데없는 것입니다. 전도서 1 : 2; 12 : 8, 여기서 바니 타스는 히브리어 단어 hevel을 번역하며, 또한 transitoriness의 개념을 포함합니다.

테마
바 니타 스 테마는 중세의 장례 예술에서 흔히 볼 수 있으며 대부분의 조각품에서 살아남은 사례가 있습니다. 15 세기까지 이들은 Ars moriendi, Danse Macabre 및 Memento mori의 중첩 모티프에서 볼 수있는 죽음과 쇠퇴에 대한 집착 증가를 반영하여 극도로 병적이며 명백 할 수 있습니다. 르네상스 시대부터 그러한 모티프는 점점 더 간접적으로 변해가고 정물화 장르가 대중화되면서 그 곳에서 집이 발견되었습니다. 바 니타 스 스타일로 진행된 회화는 삶의 일시, 즐거움의 허무, 죽음의 확실성을 시청자에게 상기시키기위한 것이 었습니다. 또한 매력있는 물체를 그림에 대한 도덕적 정당성을 제공했습니다.

그림 객체와 해석

판화 Vanitas 제목 (그림에서!)을 통해 조각은 헛되고 일시적인 것으로 해석 된 해당 대상 및 관련 활동에 대한 가치있는 정보를 제공합니다.

세속적 인 존재의 일시적 성과 축적 된 세속적 인 보물에 대한 언급은 17 세기의 거의 모든 정물에 존재합니다. 특히 17 세기 상반기에 시각적으로 매력적이고 값 비싼 사치품을 제시하는 것은 그림에 포함 된이 세속적 허영심의 허약성을 언급하지 않고는 결코 가능하지 않은 것으로 보인다. 이 문맥에서 Vanitasstillleben은 미술에서이 세계관을 가장 순수하게 표현한 것입니다. 그것은 “죽음과 영생에 대한 명상을 일깨워주는”역할을하는 “사적인 경건의 이미지”로 이해 될 수 있습니다.

Sibylle Ebert-Schifferer는 다른 정물 유형 (꽃, 식사, 흡연자 정물 등) 및 자율적 인 Vanitasstillleben의 참고 사항 간의 차이점을 확인합니다. 번영의 찬미와 결합하여 예를 들어 정물 생활과 관련하여 끝까지 언급하는 것은 부정적인 영향을 미친다. 그러나 이후에 영원한 생명의 방향으로 세속적 허영심을 이겨내려는 경향을 가진 바 니타 스 스틸 생활에서 필연적 인 것을 생각하는 것은 긍정적 인 고려 사항이다. 바 니타 스 이미지는 현대 뷰어에게 활발한 정신적 참여를 요구했는데, 이는 또한 자신에 대한 도덕적 반영의 의미에서였다.

바 니타 스 라이프의 소품은 잉그 바르 버그 스트롬 (Ingvar Bergström)에 의해 세 그룹으로 분류되었습니다. 첫 번째 집단은 세속적 인 존재의 상징을 포함한다. 책, 악기, 돈과 보물, 권력과 위대함, 미술 작품을 겉으로보기에는 안정적으로 보이는 것입니다. 동시에,이 객체들은 일상 생활의 변화 (vita activa), 예술과 과학의 지적 생명 (vita contemplativa), 즐거움과 욕망 (vita voluptaria)과 같은 다양한 삶의 영역을 개괄적으로 설명합니다. 두 번째 그룹은 본질적으로 붕괴하고 두개골, 모래 시계, 죽는 초, 시들어가는 꽃, 타락한 깨진 유리와 같은 그것의 생각을 불러 일으키는 대상의 형태로 일시적 상징으로 구성됩니다. 세 번째 그룹은 옥수수, 월계관, 아이비의 귀와 같은 중생과 영생의 상징입니다.

Vanitastillleben과 다른 모든 Stilllebenarten에서 상징과 참고로 대상의 중요성은 현대의 지적 수수께끼,시 (고양이, 브레 데로 등)와 특히 당시 Roemer Visscher의 Sinnemoppen과 Zinne – Jan van der Veen의 벨트.

과도기의 특별한 상징은 Vanitasstillleben 두개골에서 항상 다시 발견됩니다.이 두개골은 고대의이 정물 스타일의 뿌리, 중세의 Memento-mori 묘사 및 Diptychs 바깥 쪽의 자율적 인 Vanitasdarstellungen을 보여줍니다. 그의 책과 과학 도구 (때로는 두개골 포함)의 한가운데에있는 명상하는 Hieronymus의 묘사는 아마도 여전히 특별한 의미가 있습니다.

vanitasstillleben에서 똑같이 중요한 대상이 책입니다. 한편으로 학문의 상징으로 이해 될 수있는이 책은 호기심이 이끌 수있는 오만함 인 과학의 도구로 구체화되었습니다. 네덜란드에있는 17 세기 과학의 거점은 라이덴 (Leiden)의 대학 도시였습니다. 이 도시는 또한 vanitas 회화의 센터로 간주 될 수 있습니다. 적어도, 이것은 아마도 책과 과학이 눈에 띄게 자주 그림화되고 바 니타 스 이미지가 수령인으로 지정 될 것을 요구했기 때문일 것입니다.

Vanitasstillleben은 17 세기 20 세기의 정물화에서 특히 크게 나타났습니다. 세속적 인 모든 것의 끝으로서 죽음을 너무나 인상적으로 다루는 바 니타 스의 이미지가 위협적인 정치 상황 속에서 점차 나타나고 있다는 것은 우연의 일치가 아닙니다. 개신교 인 북부 지역은 12 년 동안 휴전 한 후 1621 년 카톨릭 합스부르크와의 전투를 재개했다. 또한 1624/25와 1636 년에 전염병 전염병이있었습니다. vanitasstillleben과 실제 생명을 위협하는 상황의 연결에 관한 논문은 서양에 대한 그러한 그림의 제작

모티프
일반적인 vanitas 상징은 죽음의 확실성을 상기시키는 두개골을 포함한다; 썩은 과일 (부패); 거품 (삶의 간결함과 죽음의 갑작스러운 정도); 연기, 시계, 모래 시계 (삶의 간결함); 및 악기 (생활의 간명 및 일시적인 성격). 과일, 꽃과 나비는 같은 방식으로 해석 될 수 있으며, 껍질을 벗긴 레몬은 삶처럼보기에는 매력적이지만 맛은 씁쓸합니다. 미술 사학자들은 얼마나 심각하게, 얼마나 심각하게, 두개골과 같은 명백한 이미지없이 정물화에 암시 된 바 니타 스의 주제에 대해 토론합니다. 많은 도덕적 인 장르 그림에서와 같이, 주제의 감각적 인 묘사에 의해 유발 된 즐거움은 도덕적 메시지와 일정한 충돌에있다.

꽃의 작곡은 바르샤바 국립 박물관의 아브라함 미뇽 (Abraham Mignon)에 의한 바니 타스 (Vanitas)의 덜 분명한 스타일이다. 생생하고 위험한 자연 (뱀, 유독 한 버섯) 가운데서는 거의 볼 수없는 새의 골격은 허영심과 삶의 곤란을 상징합니다.

아티스트 및 개발
Jacques de Gheyn II는 이미 죽음의 상징 인 두개골이 자리 잡고있는 바니 ​​타스 (Banitas)의 자치적 표현 인 1603 년부터 존재합니다. 그의 제자 인 데이비드 베일리 (David Bailly)는 바 니타 스 스틸 벤 (Vanitasstillleben)의 필수 마스터로 간주됩니다. 1613 년 라이덴 (Leiden)의 화가로서의 그의 활동은 도시와 관련된 많은 예술가들을 만들어 냈기 때문에 정물화의 필수적인 중심지로서 고통의 명성을 쌓을 수있었습니다.

렘브란트는 1631 년 암스테르담으로 이주하기 전에 그의 스튜디오를 가졌습니다. 렘브란트는 여전히 평생 동안 유명하지는 않았지만 그의 흙에 영향을주었습니다. 특히 브라운 색조는 주위의 예술가들에게 그림을 그리는 것을 좋아했습니다. 심지어 David Baillys도 마찬가지였습니다. 또한 렘브란트의 제라드 두 (Gerard Dou) 학생의 정물이 흥미 롭습니다. 그들은 자율 바니 타스와 트롬 페리 일식의 하이브리드로 가장 잘 묘사됩니다. 이 인상은 Dou가 정물화를 판매 할 그림으로 생산하지 않았지만 캐비닛의 문으로 장식하여 귀중하고 세심한 정밀 그림을 보관했다는 사실에 힘 입어 강화되었습니다.

렘브란트의 색조 스타일은 레이덴의 정물화뿐만 아니라 다른 위대한 예술가 인 얀 데이비즈에게도 영향을 미쳤다. 드 헴. 무엇보다도 나중에 그의 큰 꽃과 과일 작곡으로 유명해질이 예술가로부터 Leiden (1625 ~ 31) 당시의 초기 그림이 도시를 대표하는 전형적인 갈색의 색조로 정물화되었습니다.

또한 그들의 두 번째 화가 인 Pieter Claesz는 정물로 유명합니다. Willem Claesz. 하를렘의 헤다 (Heda)는 바니 타스의 화가들을 설득하고 있었다. Claesz. Gemäldegalerie Alte Meister Dresden의 1624 년 초반 Vanitastillleben은이 주제를 아주 독립적으로 다룹니다. 초상화 그림은 금 뚜껑이 달린 컵, 조개 껍질, 시계, 책 등 커튼 앞에서 선물 된 물건을 보여줍니다. Claesz. 그러나, 그것은 이미지의이 개념과 다른 시간에 그려진 허영심의 그림을 유지하지 못했지만, 단색의 은행권의 스타일과 분명히 일치했습니다.

다음 세대의 화가들은 바 이니 타스 스틸 벤스의 화가 인 바 이리 (Bailly)의 형제 인 피 테르 (Pieter)와 하멘 스틴 위 ck (Harmen Steenwijck)의 두 조카와 학생들을 특히 압니다. 그러나 런던의 내셔널 갤러리에서 약 1640의 하멘 스틴 위 츠크 바니 타스 스틸 벤 (Harmen Steenwijcks Vanitasstillleben)은 더 이상 색조 책의 정물이 아니며, 배열에 중점을 둔 더 많은 현지 컬러입니다. 그것은 류트 (lute), 뚜렷하게 배치 된 껍질과 두개골을 포함한 다양한 물건들을 보여줍니다. 특히 그림의 큰 흰색 공간, 구성의 강한 대각선 및 테이블 가장자리의 강조.

고통을 넘어서는에 콜트, 빈센트 로렌츠. van der Vinne, N.L. Peschier, Cornelis Norbertus Gijsbrechts와 Franciscus Gijsbrechts는 중요한 바니 타스 화가입니다. Sébastien Bonnecroy는 아마 Jan Davidsz를 통해 중재했다. de Heem, 플란더스의 바 니타 스 정물. 플란더스에서 Vanitasstillleben이 프랑스로왔다. 예를 들어 Simon Renard de Saint-André가 일했다.

특히 17 세기 후반에, vanitasstillleben은 그것의 예술적 중요성을 잃어 버렸고, 따라서 그것의 중요성을 잃어 버렸다. Vanitasstillleben의 회화에서 현대의 경향에 따른 변형은 거의 순수하게 장식적이고 거의 과부하가 걸린 정성 어린 정물화로 예를 들면 Jacques de Claeuw 또는 Pieter Boel의 그림에서 간과하지 않는 것입니다. 17 세기 후반에 흥미를 가졌던 Vanitasstillleben은 연구 나 공원 경관과 같이 인식 할 수있는 환경과 함께 높은 형식과 물체 배열의 결합을 채택했습니다.

비쥬얼 아트 외부의 바 니타 스
첼로와 피아노를위한 작곡가 로버트 슈만 (Robert Schumann)의 민속 작곡 5 곡. 102 Vanitas vanitatum : Mit Humor.
Vanitas vanitatum은 이탈리아 바로크 작곡가 Giacomo Carissimi (1604/1605 -1674)가 쓴 오라토리오의 제목입니다.
작곡가 리차드 배럿의 베니 티 (오케스트라를위한)는이 운동에 큰 영향을받습니다.
Vanitas는 영국 Extreme Metal 밴드 Anaal Nathrakh의 7 번째 앨범입니다.
현대의 바니 타스
C. 앨런 길버트, 모든 것이 허영심, 그림, 1892
Jana Sterbak, Vanitas : Albino Anorectic을위한 살 드레스, 삽화, 1987
알렉산더 de Cadenet, 두개골 초상화, 각종 주제, 1996 – 현재
Damien Hirst, 신의 사랑을 위해, 조각품 (다이아몬드 두개골), 2007
앤 드 Carbuccia, 하나의 행성 하나 미래, 다양한 과목, 2013 – 현재.