«Proregress» est le jeu de jambes des anciens rituels taoïstes chinois, répondant au titre anglais avec cette danse mystérieuse entre avancer et reculer. « Proregress » espère dépasser l’opposition binaire occidentale. Le rythme de la marche nous rappellera l’importance d’une nouvelle façon de penser et la culture nous amènera à briser le paradoxe de l’opinion publique.

Medina pense que le mélange constant de gains et de pertes, d’ouverture et de peur, d’accélération et de retour d’expérience confirme non seulement l’ère de notre avenir, mais également la couleur plus profonde de l’opinion publique qui confère à cette époque une sensibilité particulière. Dans ce contexte, nous voyons que la culture contemporaine est devenue une scène d’excès et d’impuissance, de dépassement et d’oppression, d’action sociale et de nihilisme, et que l’art contemporain est constitué de fragments de différentes forces de la société. La chose étrange, c’est le témoignage contradictoire du moment, transforme et transforme les querelles et les angoisses des différentes latitudes en méthodes d’expérience subjective, aidant les sujets contemporains en contradiction à s’adapter aux diverses forces de la vie contemporaine.

“Proregress” est le titre anglais de cette Biennale, dérivé d’un vocabulaire créé par le poète américain EE Cummings dans des expériences linguistiques en poésie (W [Viva], verset 19, 1931). Le terme combine le sens de « progrès » et « régression », rappelant le sociologue polonais Zygmunt Bauman, décrivant l’expression culturelle d’aujourd’hui comme « l’utopie de la négation ». Négatif et nommé d’après « Retrotopia ».

ce qui ne peut être réduit à un seul récit sur le développement, ni nous ne pouvons répondre à la pourriture ou à la prophétie prospère. Nous sommes témoins de nombreuses études anciennes sur la discrimination et l’obscurantisme. Aucune transformation sociale ne provoque de conflit. Le développement du féminisme Le défi des nouvelles formes d’érotisme féminin et de violence sexiste. La migration géographique de l’économie industrielle vers l’est et le sud a provoqué des mouvements d’extrême droite et la xénophobie, ainsi que le développement pervers de divers fondamentalismes religieux et culturels. Les conflits culturels donnent corps et structure familiale L’expérience marque l’empreinte. Le développement de la science technique façonne la perspective de notre civilisation et est inséparable des dangers engendrés par le changement climatique humain, ce qui nous fait faire face à la menace de la fin de l’ère. Le développement de l’économie chinoise et la définition de la production culturelle La complexité du monde d’aujourd’hui joue un rôle de coordination important. La Biennale de Shanghai est le lieu idéal où l’art contemporain montre son double rôle: une critique perceptuelle de la relation dialectique entre libération et pouvoir.

En ce qui concerne le choix des œuvres de la Biennale de cette année, l’équipe de curateurs espère saisir l’extase et l’enthousiasme que Cummings a acquis lorsqu’elle découvre la résilience linguistique, et s’efforce d’explorer les tentatives poétiques de ces œuvres dans la relation globale de recul et de recul. . La Biennale de Shanghai améliore la perception de l’impermanence politique, culturelle et économique actuelle par le biais de pratiques artistiques et d’œuvres concrètes, créant ainsi une nouvelle ère de non-récits idéalistes.

La 12e Biennale de Shanghai regroupe 67 artistes / artistes de 26 pays, dont 20 artistes / groupes chinois et 31 artistes / groupes asiatiques. La Biennale de cette année est également la première grande exposition d’artistes contemporains d’Amérique latine dans l’histoire de la Biennale de Shanghai.

Travaux

L’homme dans la pièce, 2018
Alexandre Apostol
Les créations d’Alexander Apostol se concentrent sur la photographie et la vidéo (y compris les courts et longs métrages). Son travail a été exposé dans plusieurs expositions ou institutions internationales, notamment la Tate Gallery à Londres, le Queen Sofia Museum à Madrid, le Guggenheim Museum à New York, la Biennale 2018 de Gwangju et la Biennale de Venise 2011.

Étude sur la règle et le rythme, 2007
Cevdet Erek
Jeff Dale Elek est un artiste et musicien. Ses installations et ses performances ont été exposées à la 13ème Documenta à Kassel (2012) et à la Biennale d’Istanbul (2003/2011/2015). En 2017, il a participé à la Biennale de Venise pour le compte de la Turquie avec le travail d’installation ÇIN. En 2017, son album solo « Double Drum » a été publié par Subtext à Berlin.

Crash, 2005
Francis Alÿs
Né à Anvers (Belgique) en 1959, Francis Ellis vit et travaille actuellement au Mexique. Dans sa pratique artistique, Ellis continue de poser des questions sur les thèmes de l’anthropologie et de la géopolitique avec une perception unique, poétique et imaginative, et de créer des œuvres autour de l’observation et de la participation à la vie quotidienne. Comme l’artiste l’a lui-même déclaré, (la création) est une dispersion constituée de fragments, de métaphores ou de fables.

La rivière de l’attaque, 2018,
Clemencia Echeverri
Depuis le milieu des années 1990, Clementia Echeeveri s’inspire du contexte politique et social de sa vie pour travailler sur des installations vidéo, des sons et des créations interactives. Elle a reçu de nombreuses récompenses, nominations et subventions de création nationales et internationales, notamment le London British Arts Council, la Fondation Daniel Langlo du Canada et les Columbia Art Biennale Awards.

Immeuble Robespierre, 2018
Kader Attia
Avant d’étudier à Paris et à Barcelone, Attiya a vécu au Congo et en Amérique du Sud pendant plusieurs années. Ses recherches interculturelles et interdisciplinaires explorent la manière dont différentes sociétés voient leur propre histoire, en particulier en ce qui concerne les privations et la répression, la violence et les pertes, et l’expérience de la traçabilité de la mémoire collective. Ses études socioculturelles l’ont conduit au concept de «réparation»: décrivant un processus infini étroitement lié à la perte et à la blessure, au rétablissement et à l’appropriation illicite; la réparation est beaucoup plus que le sujet lui-même, mais elle est intégrée à la nature, à la culture, à la mythologie et à l’évolution de l’histoire. En 2016, Atiyah a créé La Colonie à Paris pour créer un espace de réunion pouvant accueillir des discussions animées. La Colonie se concentre sur la décolonisation des connaissances, des attitudes et des pratiques,

« Masque de vie », 2015/2018
Kiri Dalena
En tant que plasticienne et réalisatrice, Dalena est connue pour exposer les inégalités et les injustices qui continuent de se produire, en particulier dans la société philippine. Son engagement à protéger les droits du peuple n’est pas violé par le pouvoir de l’État, qui constitue la base de sa création.

« Mal / Bon », 2017
Claire Fontaine
Claire Fontaine doit son nom à une marque de devoirs populaire. Elle se considère comme une «artiste toute faite» et s’engage à développer un nouveau concept artistique qui voit souvent les créations d’autres personnes dans son travail. Elle a grandi à une époque où «les auteurs sont morts» et était disposée à expérimenter divers accords de création collective et à créer des outils et des mécanismes de partage des actifs intellectuels et de la propriété privée.

Projet Ayochin Napa, 2017
Bâtiment médico-légal (FA)
FA comprend des architectes, des artistes, des cinéastes, des journalistes, des ingénieurs en développement de logiciels, des scientifiques, des avocats et de nombreux autres collaborateurs dans divers domaines et disciplines. Il s’agit d’une firme de recherche au Goldsmiths College de l’Université de Londres. Fondée en 2010 par le professeur Ibn Weizmann, FA se consacre au développement et à la diffusion de nouvelles technologies médico-légales et mène des recherches approfondies sur l’architecture et les médias pour le compte de procureurs internationaux, de groupes de défense des droits de l’homme et de la société civile, ainsi que d’organisations de justice politique et environnementale.

« 2016: Musées, argent et politique », 2018
Andrea Fraser
André Fraser combine performances, vidéos, sons, installations, livres et textes pour mener des recherches approfondies sur les économies sociales, financières et émotionnelles des institutions, secteurs et groupes culturels.

« 100 », 1994
Alfredo Jaar
Alfredo Hal est un artiste, architecte et réalisateur dont le travail est largement exposé dans le monde entier. Il a participé à de nombreuses expositions internationales telles que la Biennale de Venise (1986, 2007/2009/2013), la Biennale de São Paulo (1987/1989/2010) et la Kassel Documenta (1987/2002). En 2018, il remporte le 11ème prix artistique d’Hiroshima.

Monument, 2018
Voluspa Jarpa
La création de Boluspa Harpa repose sur une analyse détaillée des archives déclassifiées et des documents divulgués qui ont été principalement interférés par des pays étrangers du Chili et d’autres pays d’Amérique latine (et de l’Europe) pendant la guerre froide. En traitant des dossiers physiques dégradés, Halpa révèle la triste vérité de ces interventions brutales, tout en réfléchissant sur la nature des archives, la mémoire et les concepts culturels du traumatisme. Ses expositions personnelles importantes incluent: «Corps politique: archives ouvertes et secrètes», Musée d’art Gabriela Mistral de l’Université du Chili (2017); «Dans une petite région de nous», Musée d’art latino-américain de Liz à Buenos Aires (2016); «Effet Salco», Maison latino-américaine (2010). Elle a également participé à plusieurs expositions internationales, notamment « Arcade: Art contemporain et Walter Benjamin », Musée juif (New York, 2017); « Rébellion de l’exposition – Stratégies esthétiques à l’oppression de l’Amérique latine », Musée MiG Ross (Zurich, 2016), etc.

« Insérez une personne de moins », 2016-2018
Huang Jingyuan
Il est diplômé du département d’art de l’Université Concordia (2006) et titulaire d’une maîtrise de l’Art Institute of Chicago (2008). Après son retour en Chine en 2010, son travail tente de refléter les diverses contradictions et la ségrégation de soi au sein de la société chinoise et lors du dialogue avec le monde extérieur. Elle est aussi un écrivain prolifique.

«Bleu de Prusse», 2012-2014
Yishai Jusidman
Au cours des trois dernières décennies, Hu Xi Deman a réaffecté le premier en intégrant la pensée de la peinture traditionnelle dans le système contemporain. Il a présenté des expositions individuelles dans des galeries et des galeries d’Amérique et d’Europe et a participé à des expositions internationales telles que la Biennale de Venise (2001), ARS 01 (2001, Helsinki) et la Biennale de Santa Fe SITE (2014). Son travail peut être trouvé dans « Vitamin P » (Felton Press), « 100 artistes latino-américains » (EXIT), et à paraître chez l’éditeur « Landscape in the Present » (DAP).

« Je vivrai plus longtemps que toi », 2017
Claudia Martinez Garay
Les travaux de Claudia Martinez Gallai portent sur la mémoire et l’histoire sociales et politiques du Pérou et sur la manière dont elles sont établies dans des archives visuelles de propagande, d’images et d’artefacts officiels ou non officiels. Elle a construit un récit et une signification dans cette image dans ses propres peintures et installations.

Œuvres choisies, 1971-
Alicia Mihai Gazcue
Les créations d’Alicia Mikhail Garcque comprennent des performances, des peintures et des œuvres en papier. Participation à des expositions collectives comprenant: « Exactly », Galerie Espacio Mínimo (Madrid, 2018); « Urban Villagers », Musée de Soria (Montevideo, 2018); « Au-delà de mes pieds », Artium Museum (Victoria – Gascoyes, 2018); « The Strange Ring », Centre d’art de Boston (2009); Noir et blanc, Galerie Hosfelt (New York, 2010).

Projet communautaire, 2018
Jiu Society
Le groupe est composé de trois membres: Fang Di, Ji Ji et Jin Hao Vanadium. Les trois jeunes artistes sont la nouvelle génération de Shenzhen qui ont grandi dans la ville immigrée de Shenzhen. Pour eux, Shenzhen n’est plus «le lieu de gagner de l’argent» aux yeux de leurs parents. Ils entourent la «Shenzhen», leur propre ville, avec des jeunes. Ré-examiner et vocaliser

« Deux chutes dans le ciel », 2018
Leandro Katz
Leandro Katz est un artiste, poète et cinéaste particulièrement connu pour ses films. Il a créé la forme artistique de l’alphabet et du matériel photographique et, à partir de cela, a mis en œuvre de nombreux projets à long terme liés aux études historiques latino-américaines, à l’anthropologie, aux arts visuels et à d’autres sujets, notamment le plan Catherine, l’alphabet de phase lunaire, Vortex, « Le jour où tu m’aimeras » et ainsi de suite.

Noir, 2016-2017
Kang Suki Seokyeong
Kangrui utilise divers supports, tels que des appareils et des vidéos, pour étendre le support de peinture afin de permettre aux téléspectateurs d’en faire l’expérience. Dans son travail, la peinture intervient dans la matérialité, l’espace, le temps et la narration pour former un ensemble de cartes visuelles (musicales). De cette manière, elle décrit également la structure et la séquence des différentes situations auxquelles chaque individu est confronté dans la société.

Se balancer, 2018
Fernando Sánchez Castillo
Sanchez Castillo a critiqué le discours «monumental» sous plusieurs angles. dans cette critique, il a dissous et dissipé son pouvoir et son mécanisme symbolique. Sa création tente de réécrire le récit de l’histoire (ci-après appelée «l’histoire du capitalisme») ou, du moins, nous permet de mieux comprendre la complexité et les traces de son histoire, et de montrer que l’histoire est composée de multiples les forces. Construit.

« Les ennemis invisibles ne doivent pas exister » (série « Restauration, pertes et vols »), 2007-2018
Michael Rakowitz
Créez entre « résoudre des problèmes » et « créer des problèmes ».

Éléphant de chasse et leader, 2018
Arin Rungjang
Alin Lange est un pionnier de l’art des installations thaïlandaises. Ses créations sont profondément mêlées à l’histoire, aux symboles et aux souvenirs de l’Asie du Sud-Est, et explorent la manière dont les changements sociaux, économiques et politiques affectent la vie individuelle. Ce qu’il fait de mieux, c’est revisiter des documents historiques, recouvrir des récits macroscopiques et microscopiques se chevauchant dans de multiples époques, régions et langues. Son intérêt se situe dans les parties les moins connues de l’histoire thaïlandaise et dans la manière dont ces histoires interagissent avec le présent dans le lieu et le contexte de sa pratique.

Qui sonne la cloche, 2017
Li Jizhong
La création de Li Jizhong se concentre sur les événements historiques, les systèmes politiques et les idéologies; il répond aux déclarations politiques et historiques inhérentes et à la codification par la recherche, l’engagement social et l’implication. En 2016, il a officiellement créé le groupe d’artistes «Everyone’s Archives».

Eclipse de Shanghai, 2018
Pablo Vargas Lugo
Le travail de Pablo Vargas Lugo couvre un large éventail de supports tels que des installations, des sculptures et des vidéos. Depuis 1991, son travail a été largement exposé au Mexique, en Amérique du Sud, aux États-Unis et en Europe. Ses expositions récentes incluent: “Nayatunic Caves”, le West Gayros Studio Art Center (Cuernavaca, 2018); «Atlas», musée Chopo de l’Université nationale autonome du Mexique (Mexico, 2018).

Dans le sens des aiguilles d’une montre, 2016
Cristina Lucas
Christina Lucas est diplômée de la Art School of Compton University de Madrid. De 2006 à 2007, elle a été artiste en résidence à la Royal Academy of Visual Arts aux Pays-Bas. Parmi ses expositions personnelles importantes figurent: « Transaction Transcend », musée d’art moderne de Dagong (Luxembourg, 2016); « Global Edge », OK Art Center (Linz, 2016); « Années lumière et ombre », Centre d’art du 2 mai (Madrid, 2009).

Savage Economy, 2018
Miguel Ángel Rojas
Miguel Angel Rojas est un artiste conceptuel et sculptural dont le travail s’articule autour de l’expérience subjective, de l’identité et de la politique. Ses projets impliquent des plaintes pour trafic de drogue international et de violence, avec une attention particulière pour l’expérience des groupes marginalisés.

« Double », 2018
Rafael Lozano-Hemmer
En tant qu’artiste en électronique, Rafael Lozzano-Henmer se consacre à la création d’un dispositif entre l’architecture et les arts de la scène. Il fut le premier artiste à représenter officiellement le Mexique à la Biennale de Venise. Il a remporté deux fois le British Film Academy Award, un Bauhaus Award et un gouverneur canadien.

Chevalier du monde, 2018
Lu Yang
Lu Yang est diplômée du département d’art des nouveaux médias de la China Academy of Art. Son travail porte sur la religion, la biologie, les neurosciences, la psychologie, la technologie médicale, etc., et utilise des supports tels que l’installation, la programmation, les jeux et la vidéo pour montrer son travail.

Carte des groupes de pollution atmosphérique, 2018
Macarena Ruiz-Tagle
Les peintures et sculptures de Makarena Luis-Tagley sont conçues pour explorer la précision de la ligne de mire et réfléchir à la nature éphémère de la lumière. Son travail a été exposé dans des expositions et des institutions telles que la 13e Biennale d’architecture de Venise (2012), la Nouvelle galerie nationale (Berlin, 2014) et le musée d’art du chemin de fer de Hambourg (Berlin, 2017).

Proposition, 2018
Jill Magid
Majid est un artiste, écrivain et cinéaste. Elle a également présenté des expositions individuelles au musée d’art contemporain de l’Université nationale autonome du Mexique, au San Francisco Art Institute, à la Tate Modern, au musée d’art américain Whitney, à la Tate Liverpool Art Gallery et à l’agence néerlandaise de renseignement de sécurité. Prix ​​Calder.

« À la recherche du sang qui disparaît », 2014
Nalini Malani
Depuis plus de 50 ans, Marani est une artiste senior et s’est toujours engagée à explorer des questions sociales, politiques et écologiques. En 1969, elle traverse le cadre de la peinture classique et se tourne vers l’art expérimental avec le film et la photographie comme médium. Dans les années 1980, elle a continué à travailler sur le théâtre, la peinture murale temporaire, les performances d’effacement et les performances de vidéos / ombres.

« Qing Qing », 2018
Vincent Meessen
Le travail de Mason rassemble différents interprètes, poses et symboles qui sont tissés dans un réseau controversé et sensible d’écrits historiques et d’occidentalisation imaginative. Il se consacre à la décentralisation et à la diversification de la vision et de la perspective afin d’explorer les nombreuses façons dont la modernité coloniale influence les structures subjectives contemporaines.

Conversation avec … 2018
Tomoko Yoneda
La création de Mita s’est toujours concentrée sur les souvenirs et l’histoire liés aux lieux et aux événements. « Dialogue avec Albert Camus », son dernier ouvrage, l’une des expositions de la Biennale de Shanghai, utilise des images liées aux lieux où Camus (l’auteur de « outsiders ») a vécu et réfléchi et fait appel au présent et au passé. Sa célèbre série « Scene » se concentre sur le paysage des régions tumultueuses de l’histoire, tandis que « Between Visible and Invisible » se concentre sur les lunettes des grands intellectuels du XXe siècle. Extraits de l’exposition: Fondation Manfred (2020); Centre culturel japonais de Paris (2018); «Raconte-moi une histoire: localité et récit», Shanghai Bund Art Museum (2016); 10e Biennale de Gwangju (2014) « Nous nous rencontrerons dans des endroits où il n’y a pas de noirceur », Musée métropolitain de la photographie de Tokyo (2015);

« Death », 2018, arts de la scène
Ilya Noé
Ilya Noe est une artiste visuelle et performante – chercheuse, marcheuse inversée et adore les « recherches lentes » et la « théorie chaotique ». Née et élevée à Mexico, elle a voyagé entre les océans Atlantique et Pacifique, traçant des lignes et construit des espaces à mains et à pieds. Ilya Noe vit maintenant à Berlin, elle aime la ville, y intervient et y tourne.

« Rien à propos de rien », 2018, Arts de la scène
Reynier Leyva Novo
Renell Leyva Novo a été invitée à la Biennale de La Havane, à la Biennale de Venise et à la Triennale de Frestas. Ses œuvres ont été rassemblées par de nombreuses institutions bien connues, notamment la galerie nationale de La Havane, le musée d’art du Bronx à New York, le musée et le parc de sculptures de Gijon à Washington et le Walker Art Center de Minneapolis. Fondation artistique Cisneros Fontanars (Europe) et Miami Perez Art Museum.

Jekys, 2018
Amalia Pica
Elle utilise divers médias tels que la sculpture, la performance, l’installation et la photographie pour explorer les subtilités de la communication. Elle a récemment organisé une exposition personnelle au Perth Center for Contemporary Art (2018), au Brisbane Modern Art Center (2017-2018) et à la Toronto Power Plant Art Gallery (2017). Elle a également participé au musée d’art moderne de San Francisco (SFMOMA, 2017-2018), au musée municipal d’art contemporain de Gand (SMAK, 2016), au Centre Pompidou (Paris, 2015) et au musée Guggenheim (New York, États-Unis). 2014). Expositions collectives organisées par des institutions. En outre, son travail a été exposé à la 11e Biennale de Gwangju (2016) et à la 54e Biennale de Venise (2011).

Redistribution, 2007-
Seth Price
Seth Price est un artiste transfrontalier qui explore des concepts contemporains avec une variété de supports tels que la sculpture, la musique, l’écriture et la vidéo. Son travail a été exposé dans des expositions ou des institutions telles que la Documenta de Kassel, la Biennale de Venise, la Biennale de Whitney, le London Center for Contemporary Art et la branche PS1 du Museum of Modern Art de New York. Récemment, sa rétrospective « Intégration sociale » est exposée au musée de la ville d’Amsterdam et au musée du Brandhaus à Munich.

Prenons l’aventure # 3, 2013-2017
Chiba Masaya
Expérience d’exposition d’Amaria Pickup: « Collection 006: Matériaux et limites – Sapukawa + Chiba Masaya », Mori Art Museum (Tokyo, 2017); « Harmony of Disharmony », Musée d’art moderne de la ville d’Hiroshima (2015); « Intersection Roppongi 2013: hors de doute », Mori Art Museum (Tokyo, 2013).

Jardin de la mort
2010-2017
Qiu
Ces dernières années, Qiu a voyagé dans la région des plaines centrales, regardant la terre comme un jardin, essayant de trouver son propre « cafard éléphant » à travers les carreaux laissés par les ancêtres (Hakkas). Les œuvres de Qiu sont rassemblées par de nombreuses institutions artistiques ou par des particuliers et exposées chez elles et à l’étranger, notamment à Tokyo, Daegu, Arles, Siegen, Bruxelles, Pékin et Guangzhou.

« Boomerang Time: de l’atoll océan à la future étoile de la mort », 2013-
Uudam Tran Nguyen
Chen Wuda est diplômé de l’Université de Californie à Los Angeles en 2001 et a obtenu une maîtrise de la School of Visual Arts de New York en 2005. Ses travaux couvrent des questions contemporaines telles que les frontières, l’environnement, l’identité, la technologie et plus particulièrement la robotique. Ses œuvres sont largement exposées dans le monde entier.

« Self Drinking », 2017
Yasumasa Morimura
Morimura Taichang est obsédé par la forme de « l’autoportrait ». Depuis son premier selfie, Self-Portrait – Van Gogh (1985), il s’est transformé en une variété de sujets, en particulier des classiques de la culture occidentale, notamment des peintures célèbres, la culture pop ou des images dans les médias. Sa création est basée sur une étude approfondie de ces images. Son travail ne lutte pas seulement contre l’identité et le genre, il porte également sur la photographie et la peinture.

Projet de traversée de la vallée du Rift, 2015-2017
Simon Starling
Simon Starling est diplômé de la Glasgow School of Art et a enseigné à la National Academy of Fine Arts de Francfort de 2003 à 2013. Il a remporté le Turner Prize en 2005 et le Hugo Boss Award en 2004; il a représenté l’Ecosse à la Biennale de Venise en 2003.

« Une échelle et un homme », 2017
Abbas Nadim
Née à Hong Kong en 1980, Donna explore les techniques de perception et construit une série de scènes complexes dans lesquelles les objets existent dans leur propre relation avec leurs images et où le corps succombe à la tentation de l’espace. En 2014, Donna a été récompensée par l’Altius Scholarship de l’Asian Cultural Association et le Art Rookie Award du Hong Kong Arts Development Award du Hong Kong Arts Development Council. Les expositions récentes incluent: P-Scape Public Sculpture Project (Hong Kong, 2018); « Pretender », VITRINE Space (Londres, 2017); « Eudemons », Antenna Space (Shanghai, 2016); « Final Media », Centre d’art contemporain Ullens (Beijing, 2016); «Entourant le public», triennale du New Art Museum (New York, 2015) et Biennale de Busan (2014).

Loi forestière de 2014
Ursula Biemann.
Sur la base de recherches, Ursula Bierman s’est rendue en Amazonie, dans l’Arctique et dans d’autres régions pour étudier le changement climatique et des problèmes écologiques tels que les jeux mobiles, les glaciers et les forêts. Ses œuvres vidéo sont exposées dans plusieurs musées et biennales d’art du monde entier.
Paulo Tavares
Paul Tavares enseigne actuellement au département d’architecture et d’urbanisme de Brasilia. Il est riche en écrits et est un partenaire de longue date de «Forensic Architecture». Actuellement chercheur au Centre de recherches sur les bâtiments du Canada et co-conservateur de la Biennale d’architecture de Chicago 2019.

« Nouveaux vents après la tempête / Sept grands péchés », 2018
Koizumi Meiro
Les installations d’imagerie de Koizumi sont souvent basées sur des scènes de performance et de construction, explorant un aspect important de sa culture japonaise d’origine, la frontière entre privé et public. Il a étudié au Chelsea College of Art and Design à Londres et à la Royal Academy of Visual Arts à Amsterdam. Les expositions personnelles récentes incluent: « Battlefield », Perez Art Museum (Miami, 2018); « Aujourd’hui, mon empire chante », Hall Museum (Haarlem, 2016); « Portrait d’un silence manqué », Musée d’art de l’Université nationale contemporaine du Mexique (Mexico, 2015); « La voix endormie fera taire le rêve », au Maebashi Art Museum (2015), au Japon, etc. Les expositions de groupe récentes comprennent: «Key Mediation», Biennale d’art asiatique (Taipei, 2017); «Histoire de la restauration», Musée national d’art moderne et contemporain, Corée (Gwacheon, 2017); “Big Terrace”, Biennale de Montréal, Canada (2016)) Attendez.

Noir et Blanc – Malay, 2018
Xu Jiawei
Xu Jiawei est diplômé du Studio national d’art contemporain français en 2016. Le travail porte sur la mobilité derrière la création d’images, et à travers la mise en place d’événements en dehors de l’objectif, la relation entre les gens, la matière et le lieu qui n’est pas décrit par l’histoire est lié.

« Manque de jeu », 2018
Xu Wei
Il a reçu les prix 2016 des arts visuels de la Asian Cultural Association. Les expositions importantes comprennent: «Exposition personnelle entre calme et induction», Antenna Space. (Shanghai, 2014); «L’intuition ne demande pas la source», Morning Art Space (Shanghai, 2014); “ON | OFF: Le concept et la pratique des jeunes artistes chinois”, Centre d’art contemporain Ullens (Beijing, 2013).

« Craniotomie », 2018
Hsu Che-Yu
Les travaux d’animation, de vidéo et d’installation de Xu Zheyu sont axés sur la relation entre média et mémoire. Pour les créateurs, qu’il s’agisse d’intimité personnelle ou de mémoire de groupe, ce n’est pas seulement l’expérience qui peut être retracée à travers le média, mais aussi la mémoire. Comment être construit avec le processus en cours de visualisation.

« Oui, le seul moyen », arts de la scène
Yang Fudong
Yang Fudong est diplômé du département de peinture à l’huile de la China Academy of Art. Depuis la fin des années 1990, il s’est engagé dans la création d’œuvres vidéo. Qu’il s’agisse de photographie, de film ou d’installation, il a créé une interprétation visuelle culturelle unique avec de multiples perspectives culturelles et des expériences interdépendantes dans le temps et l’espace. Ses œuvres présentent des aspects évidents de multiples perspectives, abordant la structure et la forme de l’identité dans la mythologie, la mémoire personnelle et l’expérience de la vie. Chaque pièce est une expérience de survie dramatique et un défi. Yang Fudong a participé à plusieurs expositions internationales d’art contemporain telles que Kassel Document (2002), la Biennale internationale de l’art de Venise (2003/2007), la Triennale de l’art contemporain Asie-Pacifique (2006), la Biennale de Lyon (2013), etc. .

Silencieux n ° 22: La cinquième symphonie du silence de Tchaïkovski, 2018
Yang Jiahui
Les compositions, les peintures, les installations, les émissions et les performances de Yang Jiahui traitent de sujets tels que les problèmes passés et présents tels que les conflits militaires, l’identité, l’immigration et les frontières politiques. Le son et sa politique culturelle sont au cœur de la pratique de multiples récits et allusions de Yang Jiahui. Yang Jiahui a obtenu un doctorat en musique de l’Université de Princeton en 2013.

« Giant God Connection », 2016-2017
Yao Ruizhong
Né à Taipei en 1969, Yao Ruizhong traite de nombreux sujets, dont la photographie, l’installation et la peinture. La photographie est toujours le principal vocabulaire artistique. Il a participé à des expositions internationales telles que la Biennale de Venise, la Triennale de l’art asiatique de Manchester, la Biennale de Sydney et a remporté le prix public du prix artistique Asie-Pacifique (Singapour) et le prix artistique Cluster (Hong Kong).

Alentours, 2018
Enrique Ježik
Enrique Yezek explore le thème de la violence et du pouvoir avec l’action et l’installation comme moyen principal. Les expositions personnelles récentes incluent: « Self-defense », OSDE Foundation (Buenos Aires, 2018); « Potential Warnings », ancien centre d’art contemporain du monastère Teresa en Chine (Mexico, 2017). Il a remporté le Fonds national des créateurs d’art du Mexique (2015) et le prix des arts visuels au Brésil Petroleum (2013).

« Bright Cave », 2014-2018
Yuan Yuan
Yuan Yuan est diplômé de la China Academy of Art et est connu pour ses peintures. Il peint un paysage architectural plat et sombre à travers des coups de pinceau subtils et encombrants. Il a établi un style personnel basé sur la figuration. Sa récente exposition personnelle: «Alternative Reality» au Palais Tezi (Italie) Bergamo, 2018).

« La mer des hommes », 2013
Bateau
Zhang est diplômée du Goldsmiths College de l’Université de Londres. Elle considère l’art comme une possibilité de jeux et d’individus réagissant à chaque situation, plutôt qu’une production esthétique visuelle. Les œuvres sont créées et exposées en Chine, au Japon et au Royaume-Uni. Elle est également membre du groupe d’art japonais TEAM YAMEYO.

Série « Spiegel », 2017-2018
Zhang Xuzhan
La pratique artistique de Zhang Xuzhan utilise l’animation comme support principal et élargit ainsi les possibilités d’expérience visuelle. Ces dernières années, il a combiné son expérience de jeunesse à la culture funéraire enracinée dans les compétences traditionnelles de la famille et a réagi aux expériences de la vie contemporaine tout en explorant diverses réflexions sur la mobilité culturelle.

« Shanghaï » Fond du lit « Art sur le bon sens », 2018
Zhang Jiali et Zheng Yimin
C & G est un groupe artistique composé de Clara CHEUNG et de Cheng Yee Man, fondateurs de l’espace artistique « C & G Artpartment » à Hong Kong en 2007. C & G a toujours eu à cœur de se concentrer sur l’écologie de l’art local à Hong Kong et de répondre à enjeux sociaux et culturels de la création artistique. Ils sont bons pour créer de l’art d’une manière ridicule et rugissante. La plupart des activités prévues sont caractérisées par une participation collective et sont discutées autour de l’écologie de l’art et des événements sociaux actuels à Hong Kong. Le «Concours d’art commun Shanghai« Fond noir », prévu pour la Biennale de Shanghai, a eu lieu au Musée d’art contemporain de Shanghai (PSA) à la mi-septembre et sera présenté sous la forme d’installations vidéo.

« Le jeu préféré de mon père (tourne le ciel) », 2018
Yuken Teruya
Selon les travaux de M. Yoshiyuki, les objets du quotidien sont utilisés comme matériaux de base, et des questions importantes de la société contemporaine, telles que la culture de consommation, la mondialisation et l’environnement écologique, sont abordées. Il exprime également visuellement les conflits complexes qui se déroulent dans sa ville natale, Okinawa. Il existe de nombreuses idées pointues et de superbes compétences qui éclairent le public en silence.

Huit scènes, 2015
Siren Eun Young Jung
Zheng Enyi a étudié les arts visuels et la théorie féministe à la Ewha Women’s University en Corée et à la Leeds University au Royaume-Uni. Sa création se concentre sur la manière dont les désirs d’individus anonymes aspirent à des intersections avec l’actualité et comment de tels contacts se transforment en résistance, en histoire et en politique. Elle essaie aussi constamment d’élargir le langage de l’art féministe. L’un de ses projets les plus importants est le «Projet Dongdouchuan» (2007-2009), une question sur la vie et le destin des femmes résidents de la base militaire américaine de Dongdouchuan. Depuis 2008, elle s’est consacrée à la création d’une actrice nationale dans l’art dramatique national (yeoseong gukgeuk, opéra traditionnel coréen). Avec ce projet, elle a remporté le Seoul Hermes Foundation Art Award (2013), le New Capital Art Award (2015) et le Korean Art Award (2018).

Livre de rêve, 2016
Zhu Xi
Zhu Xi est diplômé de l’Inter-media College de la China Academy of Art et est resté en tant qu’enseignant professionnel. Ses œuvres sont de styles variés, notamment la peinture, l’installation spatiale et le son multimédia.

Musée d’art contemporain de Shanghai
Fondé le 1er octobre 2012, le Musée d’art contemporain de Shanghai est le premier musée d’art contemporain public en Chine continentale et le lieu principal de la Biennale de Shanghai.

Il est situé sur la rivière Huangpu, dans la rivière mère de Shanghai, avec une surface de construction de 41 000 mètres carrés, une surface d’exposition de 15 000 mètres carrés et un porte-à-faux maximum de 27 mètres. La cheminée de 165 mètres est à la fois un monument emblématique de la ville et un espace d’exposition indépendant à Shanghai.

Le Musée d’art contemporain de Shanghai a été transformé de l’ancienne centrale électrique Nanshi. Lors de l’Expo universelle de Shanghai en 2010, il s’agissait autrefois du «Pavillon de l’avenir urbain». Il a été témoin des changements urbains à Shanghai, de l’ère industrielle à l’ère de l’information, et son style architectural industriel rude a fourni aux artistes une imagination riche et des possibilités créatives.

En tant qu ‘«atelier de production» de la nouvelle culture urbaine, c’est la vie de ce musée qui se renouvelle constamment et se maintient. Le Musée d’art contemporain de Shanghai s’efforce de fournir au public une plate-forme ouverte pour l’affichage et l’apprentissage culturels et artistiques contemporains; éliminer les obstacles à l’art et à la vie; promouvoir la coopération et la production de connaissances entre différentes cultures et arts.