“Proregress” è il gioco di gambe degli antichi rituali taoisti cinesi, rispondendo al titolo inglese con questa misteriosa danza tra l’avanzamento e la ritirata. “Proregress” spera di superare l’opposizione binaria occidentale. Il ritmo del camminare ci ricorderà l’importanza di un nuovo modo di pensare e la cultura ci porterà a sfondare il paradosso dell’opinione pubblica.

Medina crede che il costante mix di guadagni e perdite, apertura e paura, accelerazione e feedback non solo confermi l’era del nostro avanti e del nostro ritorno, ma anche il colore più profondo dell’opinione pubblica che conferisce a questa era una Sensibilità speciale. In questo contesto, vediamo che la cultura contemporanea è diventata una scena di eccesso e impotenza, superamento e oppressione, azione sociale e nichilismo, e l’arte contemporanea è composta da frammenti di forze diverse nella società. La cosa strana, è la testimonianza contraddittoria del momento, trasforma e trasforma le controversie e l’ansia di diverse latitudini nei metodi dell’esperienza soggettiva, aiutando i soggetti contemporanei in contraddizione ad adattarsi alle varie forze della vita contemporanea.

“Proregress” è il titolo inglese di questa Biennale, derivato da un vocabolario creato dal poeta americano EE Cummings in esperimenti di linguaggio di poesia (W [Viva], versetto 19, 1931). Il termine combina il significato di “Progresso” e “Regress”, che ricorda il sociologo polacco Zygmunt Bauman che descrive l’espressione culturale di oggi come “l’utopia della negazione”. Negativo e prende il nome da “Retrotopia”.

che non può essere ridotto a nessuna singola narrativa sullo sviluppo, né possiamo provvedere al decadimento o alla profezia prospera. Assistiamo C’è una rinascita di molti vecchi studi sulla discriminazione e l’oscurantismo. Nessuna trasformazione sociale non causa conflitti. Lo sviluppo del femminismo La sfida di nuove forme di erotismo femminile e violenza di genere. La migrazione geografica dell’economia industriale verso est e sud ha innescato movimenti di destra e xenofobia, nonché lo sviluppo vizioso di vari fondamentalismi religiosi e culturali. I conflitti culturali danno struttura corporea e familiare L’esperimento segna l’impronta. Lo sviluppo della scienza tecnica modella la prospettiva della nostra civiltà ed è inseparabile dai pericoli causati dal cambiamento climatico umano, che ci fa affrontare la minaccia della fine dell’era. Lo sviluppo dell’economia cinese e la definizione di produzione culturale La complessità del mondo di oggi ha un ruolo di coordinamento importante. La Biennale di Shanghai è il luogo ideale per l’arte contemporanea per mostrare il suo ruolo a due facce: una critica percettiva della relazione dialettica tra liberazione e potere.

Parlando della selezione delle opere della Biennale di quest’anno, il team curatoriale spera di catturare l’estasi e l’eccitazione acquisite da Cummings quando scopre la resilienza linguistica e si sforza di esplorare i tentativi poetici delle opere nella relazione globale di avanzamento e ritiro. . La Biennale di Shanghai migliora la percezione delle persone dell’attuale impermanenza politica, culturale ed economica attraverso la pratica artistica e opere concrete, dando forma a una nuova era senza narrazioni idealistiche.

La 12a Biennale di Shanghai conta 67 artisti / artisti di gruppo provenienti da 26 paesi, tra cui 20 artisti / gruppi cinesi e 31 artisti / gruppi asiatici. La Biennale di quest’anno è anche la prima mostra su larga scala di artisti latinoamericani contemporanei nella storia della Biennale di Shanghai.

Lavori

The Man in the Play, 2018
Alexander Apostol
Le creazioni di Alexander Apostol si concentrano sulla fotografia e sul video (compresi cortometraggi e lungometraggi). Il suo lavoro è stato esposto in diverse mostre o istituzioni internazionali, tra cui la Tate Gallery di Londra, il Queen Sofia Museum di Madrid, il Guggenheim Museum di New York, la Gwangju Biennale 2018 e la Biennale di Venezia 2011.

Ruler and Rhythm Study, 2007
Cevdet Erek
Jeff Dale Elek è un artista e musicista. Le sue installazioni e performance sono state esposte alla 13a Documenta di Kassel (2012) e alla Biennale di Istanbul (2003/2011/2015). Nel 2017 ha partecipato alla Biennale di Venezia per conto della Turchia con il lavoro di installazione ÇIN. Nel 2017 il suo album solista “Double Drum” è stato pubblicato da Subtext a Berlino.

Crash, 2005
Francis Alÿs
Nato ad Anversa, in Belgio, nel 1959, Francis Ellis attualmente vive e lavora in Messico. Nella sua pratica artistica, Ellis continua a porre domande sui temi dell’antropologia e della geopolitica con una percezione unica, poetica e fantasiosa, e a creare opere intorno all’osservazione e alla partecipazione della vita quotidiana. Come affermato dallo stesso artista, (la creazione) è una dispersione costituita da frammenti, metafore o favole.

The River of Attack, 2018,
Clemencia Echeverri
Dalla metà degli anni ’90, Clementia Echeeveri è stato ispirato dai contesti politici e sociali della sua vita, lavorando su installazioni video, suoni e creazioni interattive. Ha ricevuto numerosi premi nazionali e internazionali, nomination e contributi creativi, tra cui il British British Arts Council, la Daniel Langlo Foundation of Canada e il Columbia Art Biennale Awards.

Robespierre Building, 2018
Kader Attia
Prima di studiare a Parigi e Barcellona, ​​Attiya ha vissuto in Congo e in Sud America per diversi anni. La sua ricerca interculturale e interdisciplinare esplora il modo in cui diverse società vedono la propria storia, in particolare per quanto riguarda la privazione e la repressione, la violenza e la perdita e l’esperienza della tracciabilità della memoria collettiva. I suoi studi socioculturali lo portano al concetto di “riparazione”: la descrizione di un processo infinito strettamente correlato a perdita e ferimento, recupero e appropriazione indebita; la riparazione è molto più della stessa materia, ma è incorporata nella natura, nella cultura, nella mitologia e nell’evoluzione della storia. Nel 2016, Atiyah ha creato La Colonie a Parigi per creare uno spazio di incontro in grado di accogliere discussioni entusiaste. La Colonie si concentra sulla decolonizzazione di conoscenze, atteggiamenti e pratiche,

“Life Mask”, 2015/2018
Kiri Dalena
Come artista visiva e regista, Dalena è nota per aver esposto le disuguaglianze e le ingiustizie che continuano a verificarsi, specialmente nella società filippina. Il suo impegno a salvaguardare i diritti delle persone non è violato dal potere statale, che costituisce la base della sua creazione.

“Evil / Good”, 2017
Claire Fontaine
Claire Fontaine prende il nome da un famoso marchio di compiti a casa. Si definisce una “artista già pronta” e si impegna a sviluppare una nuova concept art che spesso vede le creazioni di altri nel suo lavoro. È cresciuta in un’era di “autori morti” ed era disposta a sperimentare vari accordi di creazione collettiva e creare strumenti e meccanismi per la condivisione di beni intellettuali e proprietà privata.

Ayochin Napa Project, 2017
Edificio forense (FA)
FA è composta da architetti, artisti, cineasti, giornalisti, ingegneri dello sviluppo software, scienziati, avvocati e molti altri collaboratori in vari campi e discipline. È una società di ricerca del Goldsmiths College, Università di Londra. Fondata nel 2010 dal professor Ibn Weizmann, la FA si dedica allo sviluppo e alla diffusione di nuove tecnologie forensi e conduce ricerche approfondite in materia di architettura e media per conto di procuratori internazionali, gruppi per i diritti umani e della società civile e organizzazioni di giustizia politica e ambientale.

“2016: musei, denaro e politica”, 2018
Andrea Fraser
Andre Fraser combina spettacoli, video, suoni, installazioni, libri e testi per condurre ricerche approfondite sulle economie sociali, finanziarie ed emotive di istituzioni, settori e gruppi culturali.

“100 阮”, 1994
Alfredo Jaar
Alfredo Hal è un artista, architetto e regista il cui lavoro è ampiamente esposto in tutto il mondo. Ha partecipato a numerose mostre internazionali come la Biennale di Venezia (1986, 2007/2009/2013), la Biennale di San Paolo (1987/1989/2010) e la Kassel Documenta (1987/2002). Nel 2018, ha vinto l’11 ° Hiroshima Art Prize.

Monumento, 2018
Voluspa Jarpa
La creazione di Boluspa Harpa è radicata in un’analisi dettagliata degli archivi declassificati e dei documenti trapelati che sono stati principalmente interferiti con paesi stranieri in Cile e altri paesi dell’America Latina (e in Europa) durante la Guerra Fredda. Trattando file fisici sfigurati, Halpa rivela la triste verità di questi interventi brutali, riflettendo sulla natura degli archivi, sulla memoria e sui concetti culturali del trauma. Tra le sue importanti mostre personali: “Political Body: Open and Secret Archives”, Gabriela Mistral Art Museum dell’Università del Cile (2017); “In una piccola area della nostra”, Buenos Aires Liz Museum of Latin American Art (2016); “Salco Effect”, Latin American House (2010). Ha anche partecipato a diverse mostre internazionali, tra cui “Arcade: Contemporary Art e Walter Benjamin”, Jewish Museum (New York, 2017); “Ribellione della mostra – Strategie estetiche sotto l’oppressione dell’America Latina”, Museo MiG Ross (Zurigo, 2016), ecc.

“Inserisci una persona in meno”, 2016-2018
Huang Jingyuan
Si è laureato presso il Dipartimento d’Arte della Concordia University (2006) con un master presso l’Art Institute di Chicago (2008). Dopo essere tornata in Cina nel 2010, il suo lavoro tenta di riflettere le varie (auto) contraddizioni e (auto) segregazione all’interno della società cinese e durante il dialogo con il mondo esterno. È anche una scrittrice prolifica.

“Prussian Blue”, 2012-2014
Yishai Jusidman
Negli ultimi tre decenni, Hu Xi Deman ha riassegnato il primo integrando il pensiero della pittura tradizionale nel sistema contemporaneo. Ha tenuto mostre personali in gallerie e gallerie nelle Americhe e in Europa, e ha partecipato a mostre internazionali come la Biennale di Venezia (2001), ARS 01 (2001, Helsinki) e la Biennale SITO di Santa Fe (2014). Il suo lavoro si trova in “Vitamin P” (Felton Press), “100 Latin American Artists” (EXIT), e in uscita dalla casa editrice “Landscape in the Present” (DAP).

“Vivrò più a lungo di te”, 2017
Claudia Martinez Garay
Il lavoro di Claudia Martinez Gallai si concentra sulla memoria e sulla storia sociale e politica del Perù e su come sono stabiliti negli archivi visivi di propaganda, immagini e artefatti ufficiali o non ufficiali. Ha costruito una narrazione e un significato in questa immagine nei suoi dipinti e installazioni.

Opere selezionate, 1971-
Alicia Mihai Gazcue
Le creazioni di Alicia Mikhail Garcque includono spettacoli, dipinti e lavori su carta. Ha partecipato a mostre collettive tra cui: “Exactly”, Espacio Mínimo Gallery (Madrid, 2018); “Urban Villagers”, Museo Soria (Montevideo, 2018); “Beyond My Feet”, Artium Museum (Victoria – Gascoyes, 2018); “The Strange Ring”, Boston Art Center (2009); In bianco e nero, Hosfelt Gallery (New York, 2010).

Progetto comunitario, 2018
Jiu Society
Il gruppo consists è composto da tre membri, sono Fang Di, Ji Ji e Jin Hao Vanadium. I tre giovani artisti sono la nuova generazione di persone di Shenzhen cresciute nella città immigrata di Shenzhen. Per loro, Shenzhen non è più il “luogo di guadagno” agli occhi dei loro genitori. Circondano la “Shenzhen”, la loro stessa città, con i giovani. Riesaminare e vocalizzare

“Due cadute nel cielo”, 2018
Leandro Katz
Leandro Katz è un artista, poeta e regista, noto soprattutto per i suoi film. Ha creato la forma d’arte dell’alfabeto e delle attrezzature fotografiche e, sulla base di ciò, ha implementato molti progetti a lungo termine relativi a studi storici, antropologia, arti visive e altri argomenti dell’America Latina, tra cui il Piano Catherine, l’Alfabeto fasi lunari, Vortice, “Il giorno che mi amerai” e così via.

Nero 莺, 2016-2017
Kang Suki Seokyeong
Kangrui utilizza una varietà di media come dispositivi e video per espandere il mezzo di pittura per consentire agli spettatori di sperimentarlo. Nel suo lavoro, la pittura media in materialità, spazio, tempo e narrativa per formare un insieme di mappe visive (musicali). In questo modo, delinea anche la struttura e la sequenza delle diverse situazioni che ogni individuo deve affrontare nella società.

Swinging, 2018
Fernando Sánchez Castillo
Sanchez Castillo ha criticato il discorso “monumentale” da più angolazioni; in questa critica, dissolse e dissipò il suo potere e il suo meccanismo simbolico. La sua creazione tenta di riscrivere la narrazione della storia (qui definita “storia del capitalismo”), o almeno di farci comprendere meglio la complessità e le tracce della sua storia, e mostrare che la storia è composta da molti poteri e molteplici forze. Costruito.

“I nemici invisibili non dovrebbero esistere” (serie “Restauro, smarrimento e furto”), 2007-2018
Michael Rakowitz
Crea tra “risoluzione dei problemi” e “problemi”.

Hunting Elephant and Leader, 2018
Arin Rungjang
Alin Lange è un pioniere nell’arte dell’installazione tailandese. Le sue creazioni sono profondamente intrecciate nella storia, nei simboli e nei ricordi del sud-est asiatico ed esplorano come i cambiamenti sociali, economici e politici influenzano la vita individuale. Ciò a cui è più bravo è rivisitare materiali storici, sovrapporre narrazioni macroscopiche e microscopiche in più epoche, regioni e lingue. Il suo interesse risiede nelle parti meno conosciute della storia tailandese e in come queste storie interagiscono con il presente nel luogo e nel contesto della sua pratica.

Chi suona la campana, 2017
Li Jizhong
La creazione di Li Jizhong si concentra su eventi storici, sistemi politici e ideologie; risponde a dichiarazioni politiche e storiche intrinseche e alla codificazione attraverso la ricerca, l’impegno sociale e il coinvolgimento. Nel 2016 fonda formalmente il gruppo di artisti “Everyone’s Archives”.

Shanghai Eclipse, 2018
Pablo Vargas Lugo
Il lavoro di Pablo Vargas Lugo copre una vasta gamma di media come installazioni, sculture e video. Dal 1991, il suo lavoro è stato ampiamente esposto in Messico, Sud America, Stati Uniti ed Europa. Tra le sue mostre recenti: “Nayatunic Caves”, il West Gayros Studio Art Center (Cuernavaca, 2018); “Atlas”, Museo Chopo dell’Università Nazionale Autonoma del Messico (Città del Messico, 2018).

In senso orario, 2016
Cristina Lucas
Christina Lucas si è laureata alla Art School dell’Università di Compton a Madrid. Dal 2006 al 2007, è stata artista residente presso la Royal Academy of Visual Arts nei Paesi Bassi. Tra le sue importanti mostre personali: “Transaction Transcend”, il Dagong Museum of Modern Art (Lussemburgo, 2016); “Global Edge”, OK Art Center (Linz, 2016); “Light and Shadow Years”, 2 maggio Art Center (Madrid, 2009).

Savage Economy, 2018
Miguel Ángel Rojas
Miguel Angel Rojas è un artista concettuale e scultoreo il cui lavoro ruota attorno all’esperienza soggettiva, all’identità e alla politica. I suoi progetti comportano denunce di traffico internazionale di stupefacenti e violenza, con particolare attenzione all’esperienza dei gruppi emarginati.

“Double”, 2018
Rafael Lozano-Hemmer
Come artista elettronico, Rafael Lozzano-Henmer si dedica alla creazione di un dispositivo tra architettura e arti dello spettacolo. È stato il primo artista a rappresentare ufficialmente il Messico alla Biennale di Venezia. Ha vinto due volte il British Film Academy Award, un Bauhaus Award e un Canadian Governor’s Award.

Knight of the World, 2018
Lu Yang
Lu Yang si è laureato presso il Dipartimento di arte dei nuovi media della China Academy of Art. Il suo lavoro coinvolge religione, biologia, neuroscienze, psicologia, tecnologia medica, ecc. E utilizza media come installazione, programmazione, giochi e video per mostrare il suo lavoro.

Mappa del gruppo Inquinamento dell’aria, 2018
Macarena Ruiz-Tagle
I dipinti e le sculture di Makarena Luis-Tagley sono progettati per esplorare l’accuratezza della linea di vista e pensare alla natura effimera della luce. Il suo lavoro è stato esposto in mostre e istituzioni come la 13a Biennale di Architettura di Venezia (2012), la Nuova Galleria Nazionale (Berlino, 2014) e il Museo delle Ferrovie di Amburgo (Berlino, 2017).

Proposta, 2018
Jill Magid
Majid è un artista, scrittore e regista. Ha tenuto mostre personali al Museum of Contemporary Art dell’Università Nazionale Autonoma del Messico, al San Francisco Art Institute, alla Tate Modern, al Whitney Museum of American Art, alla Tate Liverpool Art Gallery e alla National Security Intelligence Agency olandese. Premio Calder.

“Alla ricerca del sangue che scompare”, 2014
Nalini Malani
Per oltre 50 anni, Marani è stata un’artista senior e si è sempre impegnata a esplorare questioni sociali, politiche ed ecologiche. Nel 1969, ha sfondato il quadro della pittura classica e è passata all’arte sperimentale con il cinema e la fotografia come mezzo. Negli anni ’80, ha continuato a lavorare su opere drammatiche, pittura temporanea con pareti, cancellazioni e video / ombre.

“Qing Qing”, 2018
Vincent Meessen
Il lavoro di Mason riunisce diversi attori, pose e simboli che sono intrecciati in una controversa e sensibile rete di scritture storiche e di occidentalizzazione immaginativa. Si dedica al decentramento e alla diversificazione della visione e della prospettiva per esplorare i molti modi in cui la modernità coloniale influenza le strutture soggettive contemporanee.

Conversazione con … 2018
Tomoko Yoneda
La creazione di Mita si è sempre concentrata su ricordi e storia legati a luoghi ed eventi. Il suo ultimo lavoro, uno dei reperti della Biennale di Shanghai, “Dialogue with Albert Camus”, utilizza immagini relative ai luoghi in cui Camus (l’autore di “outsider” ha vissuto) per riflettere ed evocare il presente e il passato. La sua famosa serie “Scene” si concentra sul paesaggio delle turbolente regioni della storia, mentre “Between Visible and Invisible” si concentra sugli occhiali di importanti intellettuali del 20 ° secolo. Estratti dalla mostra: Manfred Foundation (2020); Centro culturale giapponese di Parigi (2018); “Raccontami una storia: località e narrativa”, Shanghai Bund Art Museum (2016); 10a Biennale di Gwangju (2014) “Ci incontreremo in luoghi dove non c’è oscurità”, Tokyo Metropolitan Museum of Photography (2015);

“Death”, 2018, arti dello spettacolo
Ilya Noé
Ilya Noe è un’artista visiva e performativa – ricercatrice, deambulatrice e ama la “ricerca lenta” e la “teoria caotica”. Nata e cresciuta a Città del Messico, ha viaggiato tra l’Atlantico e l’Oceano Pacifico, seguendo le linee e costruendo spazi con mani e piedi. Ilya Noe vive a Berlino adesso, adora la città, vi interviene e vi ruota.

“Nothing about Nothing”, 2018, Arti dello spettacolo
Reynier Leyva Novo
Renell Leyva Novo è stato invitato alla Biennale dell’Avana, alla Biennale di Venezia e alla Triennale d’Arte di Frestas. Il suo lavoro è stato raccolto da molte istituzioni famose, tra cui la Havana National Gallery, il Bronx Museum of Art di New York, il Gijon Museum e il Sculpture Park di Washington, DC, e il Walker Art Center di Minneapolis; Cisneros Fontanars Art Foundation (Europa) e Miami Perez Art Museum.

Jekys, 2018
Amalia Pica
Usa una varietà di media come scultura, performance, installazione e fotografia per esplorare le sottigliezze della comunicazione. Di recente ha tenuto una mostra personale presso il Perth Centre for Contemporary Art (2018), il Brisbane Modern Art Centre (2017-2018) e la Toronto Power Plant Art Gallery (2017). Ha anche partecipato al Museum of Modern Art di San Francisco (SFMOMA, 2017-2018), al Gent Municipal Museum of Contemporary Art (SMAK, 2016), al Centre Pompidou (Parigi, 2015) e al Guggenheim Museum (New York, 2014). Mostre collettive organizzate da istituzioni. Inoltre, i suoi lavori sono stati esposti all’11a Biennale di Gwangju (2016) e alla 54a Biennale di Venezia (2011).

Ridistribuzione, 2007-
Prezzo di Seth
Seth Price è un artista transfrontaliero che esplora concetti contemporanei con una varietà di media come scultura, musica, scrittura e video. Il suo lavoro è stato esposto in mostre o istituzioni come Documenta a Kassel, la Biennale di Venezia, la Whitney Biennale, il London Centre for Contemporary Art e la filiale PS1 del Museum of Modern Art di New York. Di recente, la sua retrospettiva “Integrazione sociale” è stata esposta al Museo della città di Amsterdam e al Museo Brandhaus di Monaco.

Prendiamo l’avventura n. 3, 2013-2017
Chiba Masaya
Esperienza espositiva di Amaria Pickup: “Collection 006: Materials and Boundaries – Sapukawa + Chiba Masaya”, Mori Art Museum (Tokyo, 2017); “Harmony of Disharmony”, Museo di arte moderna della città di Hiroshima (2015); “Roppongi intersezione 2013: fuori dubbio”, Mori Art Museum (Tokyo, 2013).

Death Garden
2010-2017
Qiu
Negli ultimi anni, Qiu ha viaggiato nell’area delle pianure centrali, osservando la terra come un giardino, cercando di trovare il proprio “scarafaggio elefante” attraverso le tessere lasciate dagli antenati (Hakkas). Le opere di Qiu sono raccolte da molte istituzioni o individui d’arte ed esposte in patria e all’estero, tra cui Tokyo, Daegu, Arles, Siegen, Bruxelles, Pechino e Guangzhou.

“Boomerang Time: From the Ocean Atoll to the Future Death Star”, 2013-
Uudam Tran Nguyen
Chen Wuda si è laureato presso l’Università della California a Los Angeles nel 2001 e ha conseguito un master presso la School of Visual Arts di New York nel 2005. Il suo lavoro copre temi contemporanei come i confini, l’ambiente, l’identità, la tecnologia e in particolare la robotica. Le sue opere sono ampiamente esposte in tutto il mondo.

“Self Drinking”, 2017
Yasumasa Morimura
Morimura Taichang è ossessionata dalla forma dell ‘”autoritratto”. Dal suo primo selfie, Autoritratto – Van Gogh (1985), si è trasformato in una varietà di soggetti, in particolare classici della cultura occidentale, tra cui dipinti famosi, cultura pop o immagini sui mass media. La sua creazione si basa su uno studio approfondito di queste immagini. Il suo lavoro non solo sfida identità e genere, ma si riflette anche sulla fotografia e sul dipinto stesso.

Progetto Rift Valley Crossing, 2015-2017
Simon Starling
Simon Starling si è laureato alla Glasgow School of Art e ha insegnato alla National Academy of Fine Arts di Francoforte dal 2003 al 2013. Ha vinto il Turner Prize nel 2005 e l’Hugo Boss Award nel 2004; ha rappresentato la Scozia alla Biennale di Venezia nel 2003.

“Una scala e un uomo”, 2017
Abbas Nadim
Nata a Hong Kong nel 1980, Donna sta esplorando le tecniche di percezione e costruendo una serie di scene complesse in cui gli oggetti esistono nella loro relazione con le loro immagini e il corpo soccombe alla tentazione dello spazio. Nel 2014, Donna ha ricevuto l’Altius Scholarship dell’Asian Cultural Association e l’Art Rookie Award di Hong Kong Arts Development Award dall’Hong Kong Arts Development Council. Le mostre recenti includono: P-Scape Public Sculpture Project (Hong Kong, 2018); “Pretender”, VITRINE Space (Londra, 2017); “Eudemons”, Antenna Space (Shanghai, 2016); “Final Media”, Ullens Center for Contemporary Art (Pechino, 2016); “Circondando il pubblico”, New Art Museum Triennial (New York, 2015) e Busan Biennale (2014).

Forest Law, 2014
Ursula Biemann.
Sulla base della ricerca, Ursula Bierman ha viaggiato in Amazzonia, nell’Artico e in altre regioni per indagare sui cambiamenti climatici, problemi ecologici come giochi mobili, ghiacciai e foreste. Le sue opere video sono esposte in numerosi musei e biennali d’arte in tutto il mondo.
Paulo Tavares
Paul Tavares insegna attualmente nel Dipartimento di Architettura e Pianificazione urbana di Brasilia. È ricco di scrittura ed è partner a lungo termine di “Forensic Architecture”. Attualmente ricercatore presso il Canadian Building Research Center e co-curatore della Chicago Architecture Biennale 2019.

“New Winds after the Storm / Seven Great Sins”, 2018
Koizumi Meiro
Le installazioni di imaging di Koizumi si basano spesso su scene di performance e costruzione, esplorando un aspetto importante della sua cultura giapponese nativa, il confine tra privato e pubblico. Ha studiato al Chelsea College of Art and Design di Londra e alla Royal Academy of Visual Arts di Amsterdam. Tra le mostre personali recenti: “Battlefield”, Perez Art Museum (Miami, 2018); “Oggi il mio impero canta”, Hall Museum (Haarlem, 2016); “Ritratto di un silenzio fallito”, Museo Nazionale Autonomo dell’Università del Messico (Città del Messico, 2015); “La voce assonnata farà tacere il sogno”, il Maebashi Art Museum in Giappone (2015) e così via. Le mostre collettive recenti includono: “Key Mediation”, Asian Art Biennale (Taipei, 2017); “Storia del restauro”, Museo nazionale d’arte moderna e contemporanea, Corea (Gwacheon, 2017); “Big Terrace”, Montreal Biennale, Canada (2016)) Aspetta.

Bianco e nero – Malay, 2018
Xu Jiawei
Xu Jiawei si è laureato presso il National National Art Art Studio francese nel 2016. Il lavoro si concentra sulla mobilità dietro la creazione di immagini e attraverso la creazione di eventi al di fuori dell’obiettivo, il rapporto tra persone, materia e luogo che non è descritto dalla storia è linked.

“Lack of Game”, 2018
Xu Wei
Ha ricevuto l’Associazione culturale asiatica Visual Arts Awards 2016. Le mostre importanti includono: “Mostra personale tra quiete e induzione”, Antenna Space. (Shanghai, 2014); “L’intuizione non richiede la fonte”, Morning Art Space (Shanghai, 2014); “ON | OFF: il concetto e la pratica dei giovani artisti cinesi”, Ullens Center for Contemporary Art (Pechino, 2013).

“Craniotomy”, 2018
Hsu Che-Yu
Le opere di animazione, video e installazione di Xu Zheyu si concentrano sul rapporto tra media e memoria. Per i creatori, che si tratti di intimità personale o memoria di gruppo, non è solo l’esperienza che può essere rintracciata attraverso i media, ma anche la memoria. Come essere costruito con il processo visualizzato.

“Sì, l’unico modo”, arti dello spettacolo
Yang Fudong
Yang Fudong si è laureato presso il Dipartimento di pittura ad olio della China Academy of Art. Dalla fine degli anni ’90, è stato impegnato nella creazione di opere video. Che si tratti di fotografia, film o installazione, ha creato un’interpretazione visiva culturale unica con molteplici prospettive culturali ed esperienze intrecciate di tempo e spazio. Le sue opere hanno evidenti caratteristiche di prospettiva multipla, discutendo la struttura e la forma dell’identità nella mitologia, nella memoria personale e nell’esperienza di vita. Ogni pezzo è un’esperienza drammatica di sopravvivenza e una sfida. Yang Fudong ha partecipato a diverse importanti mostre internazionali di arte contemporanea come Kassel Document (2002), Venice International Art Biennale (2003/2007), Asia-Pacific Contemporary Art Triennial (2006), Lyon Biennale (2013) e così via. .

Silencer # 22: The Ciajkovskij Fifth Symphony of Silence, 2018
Yang Jiahui
Le composizioni, i dipinti, le installazioni, le trasmissioni e le esibizioni di Yang Jiahui coinvolgono argomenti come problemi passati e presenti come conflitti militari, identità, immigrazione e confini politici. Il suono e le sue politiche culturali sono al centro della pratica di racconti multipli e allusioni di Yang Jiahui. Yang Jiahui ha conseguito un dottorato di ricerca in musica all’università di Princeton nel 2013.

“Giant God Connection”, 2016-2017
Yao Ruizhong
Nato a Taipei nel 1969, Yao Ruizhong ha una vasta gamma di argomenti, tra cui fotografia, installazione e pittura. La fotografia è sempre il vocabolario artistico principale. Ha partecipato a mostre internazionali come la Biennale di Venezia, la Triennale d’Arte Asiatica di Manchester, la Biennale di Sydney e ha vinto l’Asia-Pacific Art Prize Public Award (Singapore) e il Cluster Art Award (Hong Kong).

Dintorni, 2018
Enrique Ježik
Enrique Yezek esplora il tema della violenza e del potere con l’azione e l’installazione come mezzo principale. Tra le mostre personali recenti: “Autodifesa”, Fondazione OSDE (Buenos Aires, 2018); “Potential Warnings”, ex Teresa Monastery Center for Contemporary Art China (Città del Messico, 2017). Ha vinto il National Art Creator Fund of Mexico (2015) e il Buenos Aires Art Fair – Brazil Petroleum Visual Arts Award (2013).

“Bright Cave”, 2014-2018
Yuan Yuan
Yuan Yuan si è laureato presso la China Academy of Art ed è noto per i suoi dipinti. Dipinge un paesaggio architettonico piatto e scuro attraverso pennellate sottili e ingombranti. Ha stabilito uno stile personale basato sulla figurazione. La sua recente mostra personale: “Alternative Reality”, Palazzo Tezi (Italia) Bergamo, 2018).

“Il mare delle persone”, 2013
Barca
Zhang si è laureato al Goldsmiths College, Università di Londra. Vede l’arte come la possibilità che i giochi e gli individui reagiscano ad ogni situazione, piuttosto che come produzione estetica visiva. Le opere vengono create ed esposte in Cina, Giappone e Regno Unito. È anche membro del gruppo artistico giapponese TEAM YAMEYO.

Serie “Spiegel”, 2017-2018
Zhang Xuzhan
La pratica artistica di Zhang Xuzhan utilizza l’animazione come mezzo principale e quindi espande le possibilità di esperienza visiva. Negli ultimi anni ha combinato la sua esperienza d’infanzia con la cultura funebre radicata nelle abilità tradizionali della famiglia e ha risposto alle esperienze della vita contemporanea esplorando varie riflessioni sulla mobilità culturale.

“Shanghai” Bottom of the Bed “Art Common Sense Quiz”, 2018
Zhang Jiali e Zheng Yimin
C&G è un gruppo artistico composto da Clara CHEUNG e Cheng Yee Man, Gum (Cheng Yimin) che ha fondato lo spazio artistico “C&G Artpartment” a Hong Kong nel 2007. C&G ha sempre desiderato concentrarsi sull’ecologia artistica locale di Hong Kong e rispondere a questioni sociali e culturali con la creazione artistica. Sono bravi a creare arte in modo ridicolo e ruggente. La maggior parte delle attività pianificate sono caratterizzate dalla partecipazione collettiva e vengono discusse sull’attuale ecologia dell’arte e sugli eventi sociali a Hong Kong. La competizione di Shanghai “Bottom Bottom” Art Common Sense Quiz “, in programma per la Biennale di Shanghai, si è tenuta al Museo di Arte Contemporanea (PSA) di Shanghai a metà settembre e sarà presentata sotto forma di installazioni video.

“Il gioco preferito di mio padre (gira il cielo)”, 2018
Yuken Teruya
Secondo le opere di Yoshiyuki, gli oggetti quotidiani sono usati come materiali di base e vengono discusse importanti questioni della società contemporanea come la cultura del consumo, la globalizzazione e l’ambiente ecologico. Esprime anche visivamente le complesse controversie nella sua città natale, Okinawa. Ci sono molte idee brillanti e abilità superbe, che illuminano il pubblico in silenzio.

Otto scene, 2015
Siren Eun Young Jung
Zheng Enyi ha studiato arti visive e teoria femminista alla Ewha Women’s University in Corea e alla Leeds University nel Regno Unito. La sua creazione si concentra su come i desideri di individui senza nome bramano intersezioni con gli eventi attuali e in che modo tali contatti si trasformano in resistenza, storia e politica. Inoltre cerca costantemente di espandere il linguaggio dell’arte femminista. Uno dei suoi progetti più importanti è il “Progetto Dongdouchuan” (2007-2009), una domanda sulla vita e il destino delle donne residenti nella base militare americana di Dongdouchuan. Dal 2008, si è dedicata alla creazione di un’attrice teatrale nazionale femminile nella creazione del dramma nazionale femminile (yeoseong gukgeuk, opera tradizionale coreana). Con questo progetto, ha vinto il Seoul Hermes Foundation Art Award (2013), il New Capital Art Award (2015) e il Korean Art Award (2018).

Dream Book, 2016
Zhu Xi
Zhu Xi si è laureato presso l’International Media College della China Academy of Art ed è rimasto come insegnante professionista. Le sue opere sono di diverso stile, tra cui pittura, installazione spaziale e audio multimediale.

Museo d’arte contemporanea di Shanghai
Fondato il 1 ° ottobre 2012, il Museo di arte contemporanea di Shanghai è il primo museo di arte contemporanea pubblica nella Cina continentale e sede principale della Biennale di Shanghai.

Si trova sul fiume Huangpu nel fiume madre di Shanghai, con un’area edificabile di 41.000 metri quadrati, un’area espositiva di 15.000 metri quadrati e un sbalzo massimo di 27 metri. Il camino di 165 metri è sia un punto di riferimento della città sia uno spazio espositivo indipendente a Shanghai.

Il Museo d’Arte Contemporanea di Shanghai è stato trasformato dall’ex centrale elettrica di Nanshi. Durante l’Expo mondiale di Shanghai del 2010, un tempo era il “padiglione del futuro urbano”. Ha assistito ai cambiamenti urbani a Shanghai dall’era industriale a quella dell’informazione, e il suo robusto stile architettonico industriale ha fornito agli artisti una ricca immaginazione e possibilità creative.

Come “laboratorio di produzione” della nuova cultura urbana, è la vita di questo museo che si rinnova costantemente e si mantiene in progresso. Il Museo d’Arte Contemporanea di Shanghai sta lavorando duramente per offrire al pubblico una piattaforma aperta per la visualizzazione e l’apprendimento culturale e artistico contemporaneo; eliminare gli ostacoli all’arte e alla vita; promuovere la cooperazione e la produzione di conoscenza tra culture e arti diverse.