„Proregress“ ist die Grundlage der alten chinesischen taoistischen Rituale, die auf den englischen Titel mit diesem mysteriösen Tanz zwischen Fortschreiten und Zurückziehen reagieren. „Proregress“ will die westliche Binäropposition übertreffen. Das Tempo des Gehens wird uns an die Bedeutung einer neuen Denkweise erinnern, und die Kultur wird uns dazu bringen, das Paradoxon der öffentlichen Meinung zu durchbrechen.

Medina glaubt, dass die ständige Vermischung von Gewinnen und Verlusten, Offenheit und Angst, Beschleunigung und Rückmeldung nicht nur die Ära unseres Vorwärts- und Rückwärtsfahrens bestätigt, sondern auch die tiefere Farbe der öffentlichen Meinung, die dieser Ära eine besondere Sensibilität verleiht. In diesem Zusammenhang sehen wir, dass die zeitgenössische Kultur zu einer Szene des Übermaßes und der Ohnmacht, des Überschreitens und der Unterdrückung, des sozialen Handelns und des Nihilismus geworden ist, und dass die zeitgenössische Kunst aus Fragmenten verschiedener gesellschaftlicher Kräfte besteht. Das Seltsame, es ist das widersprüchliche Zeugnis des Augenblicks, es transformiert und transformiert die Auseinandersetzungen und Ängste verschiedener Breiten in Methoden subjektiver Erfahrung und hilft den zeitgenössischen Subjekten im Widerspruch, sich an die verschiedenen Kräfte im zeitgenössischen Leben anzupassen.

„Proregress“ ist der englische Titel dieser Biennale, abgeleitet von einem Vokabular, das der amerikanische Dichter EE Cummings in poetischen Sprachexperimenten erstellt hat (W [Viva], Vers 19, 1931). Der Begriff verbindet die Bedeutung von „Fortschritt“ und „Regress“ und erinnert an den polnischen Soziologen Zygmunt Bauman, der den heutigen kulturellen Ausdruck als „Utopie der Negation“ beschreibt. Negativ und benannt nach „Retrotopia“.

Das lässt sich weder auf eine einzige Erzählung über die Entwicklung reduzieren, noch können wir auf den Verfall oder die blühende Prophezeiung eingehen. Wir sind Zeuge des Wiederauflebens vieler alter Studien zu Diskriminierung und Obskurantismus. Keine soziale Transformation verursacht keine Konflikte. Die Entwicklung des Feminismus Die Herausforderung neuer Formen weiblicher Erotik und geschlechtsspezifischer Gewalt. Die geografische Abwanderung der gewerblichen Wirtschaft nach Osten und Süden hat Rechtsbewegungen und Fremdenfeindlichkeit sowie die bösartige Entwicklung verschiedener religiöser und kultureller Fundamentalismen ausgelöst. Kulturelle Konflikte geben Körper- und Familienstruktur Das Experiment markiert den Abdruck. Die Entwicklung der technischen Wissenschaften prägt die Perspektive unserer Zivilisation und ist untrennbar mit den Gefahren des menschlichen Klimawandels verbunden. Das lässt uns der Bedrohung des Endes der Ära begegnen. Die Entwicklung der chinesischen Wirtschaft und die Definition der kulturellen Produktion Die Komplexität der heutigen Welt spielt eine wichtige koordinierende Rolle. Die Shanghai Biennale ist der ideale Ort für zeitgenössische Kunst, um ihre doppelte Rolle zu zeigen – eine perzeptive Kritik des dialektischen Verhältnisses zwischen Befreiung und Macht.

Wenn es um die Auswahl der Werke der diesjährigen Biennale geht, hofft das Kuratorenteam, die Ekstase und Aufregung einzufangen, die Cummings erlangt hat, als es die Sprachresilienz entdeckt, und versucht, die poetischen Versuche der Werke in der globalen Aufstiegs- und Rückzugsbeziehung zu erforschen . Die Shanghai Biennale verbessert die Wahrnehmung der Menschen für die aktuelle politische, kulturelle und wirtschaftliche Unbeständigkeit durch künstlerische Praxis und konkrete Arbeiten und läutet damit eine neue Ära ein, in der idealistische Narrative nicht gesagt werden.

Die 12. Shanghai Biennale hat 67 Künstler / Gruppen aus 26 Ländern, darunter 20 chinesische Künstler / Gruppen und 31 asiatische Künstler / Gruppen. Die diesjährige Biennale ist auch die erste große Ausstellung zeitgenössischer lateinamerikanischer Künstler in der Geschichte der Shanghai Biennale.

Funktioniert

Der Mann im Spiel, 2018
Alexander Apostol
Alexander Apostols Schöpfungen konzentrieren sich auf Fotografie und Video (einschließlich Kurz- und Spielfilme). Seine Arbeiten wurden in verschiedenen internationalen Ausstellungen oder Institutionen ausgestellt, darunter in der Tate Gallery in London, im Queen Sofia Museum in Madrid, im Guggenheim Museum in New York, auf der Gwangju Biennale 2018 und auf der Biennale in Venedig 2011.

Lineal- und Rhythmusstudie, 2007
Cevdet Erek
Jeff Dale Elek ist Künstler und Musiker. Seine Installationen und Performances wurden auf der 13. Documenta in Kassel (2012) und der Istanbul Biennale (2003/2011/2015) ausgestellt. 2017 nahm er im Auftrag der Türkei mit den Installationsarbeiten ÇIN an der Biennale in Venedig teil. 2017 erschien sein Soloalbum „Double Drum“ bei Subtext in Berlin.

Absturz, 2005
Francis Alÿs
Der 1959 im belgischen Antwerpen geborene Francis Ellis lebt und arbeitet derzeit in Mexiko. In seiner künstlerischen Praxis stellt Ellis weiterhin Fragen zu den Themen Anthropologie und Geopolitik mit einer einzigartigen, poetischen und einfallsreichen Wahrnehmung und schafft Arbeiten rund um die Beobachtung und Teilhabe des Alltags. Wie der Künstler selbst sagte, ist (die Schöpfung) eine Streuung aus Fragmenten, Metaphern oder Fabeln.

Der Fluss des Angriffs, 2018,
Clemencia Echeverri
Clementia Echeeveri lässt sich seit Mitte der 1990er Jahre von den politischen und sozialen Kontexten seines Lebens inspirieren und arbeitet an Videoinstallationen, Sounds und interaktiven Kreationen. Sie erhielt zahlreiche nationale und internationale Auszeichnungen, Nominierungen und kreative Stipendien, darunter den London British Arts Council, die Daniel Langlo Foundation of Canada und die Columbia Art Biennale Awards.

Robespierre-Gebäude, 2018
Kader Attia
Vor seinem Studium in Paris und Barcelona lebte Attiya mehrere Jahre im Kongo und in Südamerika. In seiner interkulturellen und interdisziplinären Forschung untersucht er, wie verschiedene Gesellschaften ihre eigene Geschichte betrachten, insbesondere in Bezug auf Entbehrung und Unterdrückung, Gewalt und Verlust sowie die Erfahrung der kollektiven Rückverfolgbarkeit des Gedächtnisses. Seine soziokulturellen Studien führen ihn zum Konzept der „Reparatur“: Beschreiben eines unendlichen Prozesses, der eng mit Verlust und Verwundung, Genesung und Veruntreuung zusammenhängt; Reparieren ist viel mehr als das Thema selbst, sondern ist eingebunden in Natur, Kultur, Mythologie und die Evolution der Geschichte. Im Jahr 2016 gründete Atiyah das La Colonie in Paris, um einen Tagungsraum für eifrige Diskussionen zu schaffen. La Colonie konzentriert sich auf die Entkolonialisierung von Wissen, Einstellungen und Praktiken,

„Lebensmaske“, 2015/2018
Kiri Dalena
Als bildende Künstlerin und Filmregisseurin ist Dalena dafür bekannt, die Ungleichheiten und Ungerechtigkeiten aufzudecken, die insbesondere in der philippinischen Gesellschaft weiterhin vorkommen. Ihr Engagement für die Wahrung der Rechte des Volkes wird von der Staatsmacht, die die Grundlage ihrer Schöpfung bildet, nicht verletzt.

„Böse / Gut“, 2017
Claire Fontaine
Claire Fontaine ist nach einer beliebten Hausaufgabenmarke benannt. Sie nennt sich selbst eine „fertige Künstlerin“ und ist bestrebt, eine neue Konzeptkunst zu entwickeln, in der oft die Kreationen anderer in ihrer Arbeit zu sehen sind. Sie wuchs in einer Zeit auf, in der „Autoren tot sind“, und war bereit, mit verschiedenen Kollektivvereinbarungen zu experimentieren und Werkzeuge und Mechanismen für den Austausch von geistigem Eigentum und privatem Eigentum zu entwickeln.

Ayochin Napa Projekt, 2017
Forensisches Gebäude (FA)
FA besteht aus Architekten, Künstlern, Filmemachern, Journalisten, Softwareentwicklern, Wissenschaftlern, Anwälten und vielen anderen Mitarbeitern in verschiedenen Bereichen und Disziplinen. Es ist eine Forschungsfirma am Goldsmiths College der Universität von London. FA wurde 2010 von Professor Ibn Weizmann gegründet und widmet sich der Entwicklung und Verbreitung neuer forensischer Technologien. Im Auftrag von internationalen Staatsanwälten, Menschenrechts- und Zivilgesellschaftsverbänden sowie politischen und umweltrechtlichen Organisationen betreibt FA eingehende Architektur- und Medienforschung.

„2016: Museen, Geld und Politik“, 2018
Andrea Fraser
Andre Fraser kombiniert Performances, Videos, Sounds, Installationen, Bücher und Texte, um die sozialen, finanziellen und emotionalen Ökonomien kultureller Institutionen, Sektoren und Gruppen eingehend zu erforschen.

„100 阮“, 1994
Alfredo Jaar
Alfredo Hal ist ein Künstler, Architekt und Filmregisseur, dessen Arbeiten auf der ganzen Welt ausgestellt sind. Er hat an zahlreichen internationalen Ausstellungen wie der Biennale von Venedig (1986, 2007/2009/2013), der Biennale von São Paulo (1987/1989/2010) und der Kassel Documenta (1987/2002) teilgenommen. 2018 gewann er den 11. Hiroshima-Kunstpreis.

Denkmal, 2018
Voluspa Jarpa
Die Gründung von Boluspa Harpa basiert auf einer detaillierten Analyse der freigegebenen Archive und durchgesickerten Dokumente, die während des Kalten Krieges hauptsächlich von Ausländern in Chile und anderen lateinamerikanischen Ländern (und Europa) gestört wurden. Durch den Umgang mit unleserlichen Akten enthüllt Halpa die traurige Wahrheit dieser brutalen Interventionen und reflektiert gleichzeitig die Art der Archive, die Erinnerung und die kulturellen Konzepte des Traumas. Zu ihren wichtigsten Einzelausstellungen gehören: „Political Body: Open and Secret Archives“, Gabriela Mistral Art Museum der Universität von Chile (2017); „In einer kleinen Gegend von uns“, Buenos Aires Liz Museum für lateinamerikanische Kunst (2016); „Salco Effect“, Lateinamerikanisches Haus (2010). Sie hat auch an mehreren internationalen Ausstellungen teilgenommen, darunter „Arcade: Contemporary Art und Walter Benjamin“, Jüdisches Museum (New York, 2017); „Rebellion der Ausstellung – Ästhetische Strategien unter der Unterdrückung Lateinamerikas“, MiG Ross Museum (Zürich, 2016), etc.

„Eine Person weniger einfügen“, 2016-2018
Huang Jingyuan
Er absolvierte die Kunstabteilung der Concordia University (2006) mit einem Master-Abschluss des Art Institute of Chicago (2008). Nach ihrer Rückkehr nach China im Jahr 2010 versucht sie, die verschiedenen (Selbst-) Widersprüche und (Selbst-) Segregationen in der chinesischen Gesellschaft und im Dialog mit der Außenwelt zu reflektieren. Sie ist auch eine produktive Schriftstellerin.

„Preußisch Blau“, 2012-2014
Yishai Jusidman
In den letzten drei Jahrzehnten hat Hu Xi Deman das erstere neu zugeordnet, indem er traditionelles Malereidenken in das zeitgenössische System integriert hat. Er hat Einzelausstellungen in Galerien und Galerien in Nord- und Südamerika und Europa durchgeführt und an internationalen Ausstellungen wie der Biennale von Venedig (2001), der ARS 01 (2001, Helsinki) und der Santa Fe SITE Biennale (2014) teilgenommen. Seine Arbeiten sind in „Vitamin P“ (Felton Press), „100 Latin American Artists“ (EXIT) und im Verlag „Landscape in the Present“ (DAP) zu finden.

„Ich werde länger leben als du“, 2017
Claudia Martinez Garay
Claudia Martinez Gallais Arbeit konzentriert sich auf das soziale und politische Gedächtnis und die Geschichte Perus und wie sie in visuellen Archiven offizieller oder inoffizieller Propaganda, Bilder und Artefakte verankert sind. Sie konstruierte eine Erzählung und Bedeutung in diesem Bild in ihren eigenen Gemälden und Installationen.

Ausgewählte Werke, 1971-
Alicia Mihai Gazcue
Alicia Mikhail Garcques Kreationen umfassen Performances, Gemälde und Papierarbeiten. Teilnahme an Gruppenausstellungen, darunter: „Exactly“, Galerie Espacio Mínimo (Madrid, 2018); „Städtische Dorfbewohner“, Soria Museum (Montevideo, 2018); „Jenseits meiner Füße“, Artium Museum (Victoria – Gascoyes, 2018); „The Strange Ring“, Boston Art Center (2009); Schwarz und Weiß, Hosfelt Gallery (New York, 2010).

Gemeinschaftsprojekt, 2018
Jiu Gesellschaft
Die 啾-Gruppe besteht aus drei Mitgliedern: Fang Di, Ji Ji und Jin Hao Vanadium. Die drei jungen Künstler sind die neue Generation von Shenzhenern, die in der Einwanderungsstadt Shenzhen aufgewachsen sind. Für sie ist Shenzhen in den Augen ihrer Eltern nicht länger der „Ort des Geldverdienens“. Sie umgeben die Stadt Shenzhen mit jungen Menschen. Untersuchen und vokalisieren

„Zwei Fälle im Himmel“, 2018
Leandro Katz
Leandro Katz ist ein Künstler, Dichter und Filmemacher, der vor allem für seine Filme bekannt ist. Er schuf die Kunstform des Alphabets und der fotografischen Ausrüstung und realisierte auf dieser Grundlage viele langfristige Projekte im Zusammenhang mit lateinamerikanischen Geschichtsstudien, Anthropologie, bildender Kunst und anderen Themen, einschließlich des Catherine-Plans, des Mondphasen-Alphabets. Vortex, „Der Tag, an dem du mich lieben wirst“ und so weiter.

Schwarz 莺, 2016-2017
Kang Suki Seokyeong
Kangrui verwendet eine Vielzahl von Medien wie Geräte und Videos, um das Medium Malerei zu erweitern, damit der Betrachter es erleben kann. In ihrer Arbeit vermittelt die Malerei Materialität, Raum, Zeit und Erzählung, um eine Reihe von visuellen (Musik-) Karten zu bilden. Auf diese Weise skizziert sie auch die Struktur und Abfolge der unterschiedlichen Situationen, mit denen jeder Einzelne in der Gesellschaft konfrontiert ist.

Schwingen, 2018
Fernando Sánchez Castillo
Sanchez Castillo kritisierte den „monumentalen“ Diskurs aus mehreren Blickwinkeln; In dieser Kritik löste und zerstreute er seine Macht und seinen symbolischen Mechanismus. Seine Schöpfung versucht, die Erzählung der Geschichte (im Folgenden als „Geschichte des Kapitalismus“ bezeichnet) umzuschreiben oder zumindest die Komplexität und die Spuren ihrer Geschichte klarer zu verstehen und zu zeigen, dass die Geschichte aus vielen Mächten und Vielfachen besteht Kräfte. Gebaut.

„Unsichtbare Feinde sollten nicht existieren“ (Serie „Restoration, Loss and Stolen“), 2007-2018
Michael Rakowitz
Schaffe zwischen „Probleme lösen“ und „Probleme machen“.

Jagd auf Elefanten und Anführer, 2018
Arin Rungjang
Alin Lange ist ein Pionier der thailändischen Installationskunst. Seine Kreationen sind tief in die Geschichte, Symbole und Erinnerungen Südostasiens verstrickt und untersuchen, wie sich soziale, wirtschaftliche und politische Veränderungen auf das individuelle Leben auswirken. Was er am besten kann, ist die Wiederholung historischer Materialien, die makroskopische und mikroskopische Erzählungen in mehreren Epochen, Regionen und Sprachen überlagern. Sein Interesse gilt den weniger bekannten Teilen der thailändischen Geschichte und der Wechselwirkung dieser Geschichten mit der Gegenwart an Ort und Stelle seiner Praxis.

Wer ist die Glocke läuten, 2017
Li Jizhong
Li Jizhongs Schöpfung konzentriert sich auf historische Ereignisse, politische Systeme und Ideologien. Er reagiert auf inhärente politische, historische Aussagen und Kodifizierungen durch Forschung, soziales Engagement und Engagement. 2016 gründete er offiziell die Künstlergruppe „Everyone’s Archives“.

Shanghai-Sonnenfinsternis, 2018
Pablo Vargas Lugo
Pablo Vargas Lugos Arbeiten umfassen eine breite Palette von Medien wie Installationen, Skulpturen und Videos. Seit 1991 wurde seine Arbeit in Mexiko, Südamerika, den Vereinigten Staaten und Europa ausgestellt. Zu seinen jüngsten Ausstellungen gehören: „Nayatunic Caves“, das West Gayros Studio Art Center (Cuernavaca, 2018); „Atlas“, Chopo Museum der Nationalen Autonomen Universität von Mexiko (Mexiko-Stadt, 2018).

Im Uhrzeigersinn, 2016
Cristina Lucas
Christina Lucas absolvierte die Art School der Compton University in Madrid. Von 2006 bis 2007 war sie Künstlerin an der Royal Academy of Visual Arts in den Niederlanden. Zu seinen wichtigsten Einzelausstellungen gehören: „Transaction Transcend“, das Dagong Museum of Modern Art (Luxemburg, 2016); „Global Edge“, OK Art Center (Linz, 2016); „Licht- und Schattenjahre“, 2. Mai Kunstzentrum (Madrid, 2009).

Savage Economy, 2018
Miguel Ángel Rojas
Miguel Angel Rojas ist ein konzeptueller und skulpturaler Künstler, dessen Werk sich um subjektive Erfahrungen, Identität und Politik dreht. Seine Projekte beinhalten Beschwerden über internationalen Drogenhandel und Gewalt, unter besonderer Berücksichtigung der Erfahrungen von Randgruppen.

„Double“, 2018
Rafael Lozano-Hemmer
Rafael Lozzano-Henmer widmet sich als elektronischer Künstler der Schaffung eines Geräts zwischen Architektur und darstellender Kunst. Er war der erste Künstler, der Mexiko auf der Biennale von Venedig offiziell vertrat. Er hat zweimal den British Film Academy Award, einen Bauhaus Award und einen Canadian Governor’s Award gewonnen.

Ritter der Welt, 2018
Lu Yang
Lu Yang schloss das New Media Art Department der China Academy of Art mit einem Bachelor ab. Seine Arbeit umfasst Religion, Biologie, Neurowissenschaften, Psychologie, Medizintechnik usw. und verwendet Medien wie Installation, Programmierung, Spiele und Video, um seine Arbeit zu zeigen.

Karte der Luftverschmutzungsgruppe, 2018
Macarena Ruiz-Tagle
Makarena Luis-Tagleys Gemälde und Skulpturen sollen die Genauigkeit der Sichtlinie untersuchen und über die Vergänglichkeit des Lichts nachdenken. Seine Arbeiten wurden in Ausstellungen und Institutionen wie der 13. Architekturbiennale von Venedig (2012), der Neuen Nationalgalerie (Berlin, 2014) und dem Hamburger Eisenbahnkunstmuseum (Berlin, 2017) ausgestellt.

Vorschlag, 2018
Jill Magid
Majid ist Künstler, Schriftsteller und Filmemacher. Sie hat Einzelausstellungen im Museum für zeitgenössische Kunst der Nationalen Autonomen Universität von Mexiko, im San Francisco Art Institute, in der Tate Modern, im Whitney Museum für amerikanische Kunst, in der Tate Liverpool Art Gallery und im National Security Intelligence Agency der Niederlande durchgeführt. Calder Award.

„Auf der Suche nach dem verschwundenen Blut“, 2014
Nalini Malani
Marani ist seit über 50 Jahren eine hochrangige Künstlerin und hat sich stets der Erforschung sozialer, politischer und ökologischer Fragen verschrieben. 1969 durchbrach sie den Rahmen der klassischen Malerei und wechselte zur experimentellen Kunst mit Film und Fotografie als Medium. In den 1980er Jahren arbeitete sie weiter an Dramen, temporären Wandmalereien, Radiervorgängen und Video- / Schattenvorgängen.

„Qing Qing“, 2018
Vincent Meessen
Masons Werk vereint verschiedene Darsteller, Posen und Symbole, die zu einem kontroversen und einfühlsamen Netzwerk aus historischer Schrift und phantasievoller Verwestlichung verwoben sind. Er widmet sich der Dezentralisierung und Diversifizierung von Visionen und Perspektiven, um die vielfältigen Auswirkungen der kolonialen Moderne auf die subjektiven Strukturen der Gegenwart zu untersuchen.

Gespräch mit … 2018
Tomoko Yoneda
Mitas Schöpfung konzentrierte sich immer auf Erinnerungen und Geschichte in Bezug auf Orte und Ereignisse. Ihre neueste Arbeit, eine der Ausstellungen der Shanghai Biennale, „Dialog mit Albert Camus“, verwendet Bilder, die sich auf Orte beziehen, an denen Camus (der Autor von „Außenseitern“) lebte, um die Gegenwart und Vergangenheit zu reflektieren und zu beschwören. Seine berühmte Serie „Scene“ konzentriert sich auf die Landschaft der turbulenten Regionen der Geschichte, während „Between Visible and Invisible“ sich auf die Brille wichtiger Intellektueller des 20. Jahrhunderts konzentriert. Auszüge aus der Ausstellung: Manfred-Stiftung (2020); Pariser japanisches Kulturzentrum (2018); „Erzähl mir eine Geschichte: Lokalität und Erzählung“, Shanghai Bund Art Museum (2016); 10. Gwangju Biennale (2014) „Wir werden uns an Orten treffen, an denen es keine Dunkelheit gibt“, Tokyo Metropolitan Museum of Photography (2015);

„Tod“, 2018, darstellende Künste
Ilya Noé
Ilya Noe ist eine bildende und darstellende Künstlerin – Forscherin, Reverse Walkerin und liebt „langsame Forschung“ und „chaotische Theorie“. In Mexiko-Stadt geboren und aufgewachsen, reiste sie zwischen dem Atlantik und dem Pazifik, verfolgte Linien und baute Räume mit beiden Händen und Füßen. Ilya Noe lebt jetzt in Berlin, sie liebt die Stadt, greift ein und dreht sich darin.

„Nichts über nichts“, 2018, Performing Arts
Reynier Leyva Novo
Renell Leyva Novo wurde zur Biennale von Havanna, zur Biennale von Venedig und zur Kunsttriennale von Frestas eingeladen. Seine Arbeiten wurden von vielen bekannten Institutionen gesammelt, darunter der Havana National Gallery, dem Bronx Museum of Art in New York, dem Gijon Museum und Sculpture Park in Washington, DC und dem Walker Art Center in Minneapolis. Cisneros Fontanars Art Foundation (Europa) und Miami Perez Art Museum.

Jekys, 2018
Amalia Pica
Sie nutzt eine Vielzahl von Medien wie Skulptur, Performance, Installation und Fotografie, um die Feinheiten der Kommunikation zu erkunden. Sie veranstaltete kürzlich eine Einzelausstellung im Perth Centre for Contemporary Art (2018), im Brisbane Modern Art Centre (2017-2018) und in der Toronto Power Plant Art Gallery (2017). Sie nahm auch am Museum für moderne Kunst in San Francisco (SFMOMA, 2017-2018), am Stadtmuseum für zeitgenössische Kunst in Gent (SMAK, 2016), am Centre Pompidou (Paris, 2015) und am Guggenheim Museum (New York, USA) teil. 2014). Gruppenausstellungen von Institutionen organisiert. Darüber hinaus wurde ihre Arbeit auf der 11. Gwangju Biennale (2016) und der 54. Biennale von Venedig (2011) ausgestellt.

Umverteilung, 2007-
Seth Price
Seth Price ist ein grenzüberschreitender Künstler, der zeitgenössische Konzepte mit einer Vielzahl von Medien wie Skulptur, Musik, Schreiben und Video untersucht. Seine Arbeiten wurden in Ausstellungen oder Institutionen wie der Documenta in Kassel, der Biennale in Venedig, der Whitney Biennale, dem Londoner Zentrum für zeitgenössische Kunst und der PS1-Abteilung des Museum of Modern Art in New York ausgestellt. Kürzlich wurde seine Retrospektive „Social Integration“ im Amsterdamer Stadtmuseum und im Münchner Brandhaus ausgestellt.

Nehmen wir das Abenteuer Nr. 3, 2013-2017
Chiba Masaya
Ausstellungserfahrung von Amaria Pickup: „Sammlung 006: Materialien und Grenzen – Sapukawa + Chiba Masaya“, Mori Art Museum (Tokio, 2017); „Harmonie der Disharmonie“, Hiroshima City Museum of Modern Art (2015); „Roppongi-Kreuzung 2013: Ohne Zweifel“, Mori Art Museum (Tokio, 2013).

Todesgarten
2010-2017
Qiu
In den letzten Jahren ist Qiu in die Central Plains gereist, hat das Land wie einen Garten betrachtet und versucht, seine eigene „Elefantenkakerlake“ durch die Kacheln zu finden, die von den Vorfahren (Hakkas) hinterlassen wurden. Qius Werke werden von vielen Kunstinstitutionen oder Einzelpersonen gesammelt und im In- und Ausland ausgestellt, darunter Tokio, Daegu, Arles, Siegen, Brüssel, Peking und Guangzhou.

„Bumerang-Zeit: Vom Ozean-Atoll zum zukünftigen Todesstern“, 2013-
Uudam Tran Nguyen
Chen Wuda schloss 2001 sein Studium an der University of California in Los Angeles ab und schloss 2005 sein Studium an der School of Visual Arts in New York mit einem Master ab. Seine Arbeiten umfassen aktuelle Themen wie Grenzen, Umwelt, Identität, Technologie und insbesondere Robotik. Seine Werke werden weltweit ausgestellt.

„Self Drinking“, 2017
Yasumasa Morimura
Morimura Taichang ist von der Form des „Selbstporträts“ besessen. Von seinem frühesten Selfie, Self-Portrait – Van Gogh (1985), verwandelte er sich in eine Vielzahl von Themen, insbesondere Klassiker der westlichen Kultur, darunter berühmte Gemälde, Popkultur oder Bilder in den Massenmedien. Sein Schaffen basiert auf einer eingehenden Untersuchung dieser Bilder. Seine Arbeit hinterfragt nicht nur Identität und Geschlecht, sondern reflektiert auch die Fotografie und das Bild selbst.

Rift Valley Crossing Project, 2015-2017
Simon Starling
Simon Starling absolvierte die Glasgow School of Art und unterrichtete von 2003 bis 2013 an der National Academy of Fine Arts in Frankfurt. 2005 gewann er den Turner-Preis und 2004 den Hugo Boss-Preis. 2003 vertrat er Schottland auf der Biennale in Venedig.

„Eine Leiter und ein Mann“, 2017
Abbas Nadim
Donna wurde 1980 in Hongkong geboren und erforscht die Wahrnehmungstechniken und konstruiert eine Reihe komplexer Szenen, in denen Objekte in ihrer eigenen Beziehung zu ihren Bildern existieren und der Körper der Versuchung des Raums erliegt. 2014 wurde Donna vom Hong Kong Arts Development Council mit dem Altius-Stipendium der Asian Cultural Association und dem Art Rookie Award des Hong Kong Arts Development Award ausgezeichnet. Zu den jüngsten Ausstellungen gehören: P-Scape Public Sculpture Project (Hongkong, 2018); „Pretender“, VITRINE Space (London, 2017); „Eudemons“, Antenna Space (Shanghai, 2016); „Final Media“, Ullens Zentrum für zeitgenössische Kunst (Peking, 2016); „Um das Publikum“, New Art Museum Triennale (New York, 2015) und Busan Biennale (2014).

Forstgesetz, 2014
Ursula Biemann.
Ursula Bierman ist auf der Grundlage von Forschungen in den Amazonas, in die Arktis und in andere Regionen gereist, um den Klimawandel, ökologische Probleme wie Handyspiele, Gletscher und Wälder zu untersuchen. Ihre Videoarbeiten werden in verschiedenen Museen und Kunstbiennalen auf der ganzen Welt ausgestellt.
Paulo Tavares
Paul Tavares unterrichtet derzeit in der Abteilung für Architektur und Stadtplanung in Brasilia. Er ist reich an Texten und langjähriger Partner von „Forensic Architecture“. Derzeit wissenschaftlicher Mitarbeiter am Canadian Building Research Center und Co-Kurator der Chicago Architecture Biennale 2019.

„Neue Winde nach dem Sturm / Sieben große Sünden“, 2018
Koizumi Meiro
Koizumis Imaging-Installationen basieren oft auf Performances und Konstruktionen, die einen wichtigen Aspekt seiner japanischen Heimatkultur untersuchen – die Grenze zwischen privat und öffentlich. Er studierte am Chelsea College für Kunst und Design in London und an der Royal Academy of Visual Arts in Amsterdam. Jüngste Einzelausstellungen: „Battlefield“, Perez Art Museum (Miami, 2018); „Today my empire singing“, Hall Museum (Haarlem, 2016); „Porträt einer gescheiterten Stille“, Kunstmuseum der Nationalen Autonomen Universität von Mexiko (Mexiko-Stadt, 2015); „Die schläfrige Stimme wird den Traum zum Schweigen bringen“, Japans Maebashi Art Museum (2015) und so weiter. Zu den jüngsten Gruppenausstellungen gehören: „Key Mediation“, Asian Art Biennale (Taipei, 2017); „Restaurierungsgeschichte“, Nationalmuseum für moderne und zeitgenössische Kunst, Korea (Gwacheon, 2017); “Big Terrace”, Montreal Biennale, Kanada (2016)) Warte.

Schwarzweiss – Malaysisch, 2018
Xu Jiawei
Xu Jiawei absolvierte 2016 das französische Studio für zeitgenössische Kunst. Der Schwerpunkt der Arbeit liegt auf der Mobilität hinter der Schaffung von Bildern und durch die Etablierung von Ereignissen außerhalb der Linse auf der Beziehung zwischen Menschen, Materie und Ort, die nicht durch die Geschichte beschrieben wird verknüpft.

„Mangel an Spiel“, 2018
Xu Wei
Er wurde 2016 mit dem Asian Cultural Association Visual Arts Award ausgezeichnet. Zu den wichtigen Ausstellungen gehören: „Einzelausstellung zwischen Ruhe und Induktion“, Antennenraum. (Shanghai, 2014); „Intuition fragt nicht nach der Quelle“, Morning Art Space (Shanghai, 2014); „ON | OFF: Das Konzept und die Praxis chinesischer junger Künstler“, Ullens Zentrum für zeitgenössische Kunst (Peking, 2013).

„Craniotomy“, 2018
Hsu Che-Yu
Xu Zheyus Animations-, Video- und Installationsarbeiten konzentrieren sich auf die Beziehung zwischen Medien und Erinnerung. Für die Schöpfer, sei es persönliche Intimität oder Gruppenerinnerung, ist es nicht nur die Erfahrung, die durch die Medien zurückverfolgt werden kann, sondern auch die Erinnerung. Wie man mit dem betrachteten Prozess konstruiert.

„Ja, der einzige Weg“, darstellende Kunst
Yang Fudong
Yang Fudong absolvierte die Ölgemäldeabteilung der China Academy of Art. Seit den späten 1990er Jahren beschäftigt er sich mit der Erstellung von Videoarbeiten. Ob Fotografie, Film oder Installation, er hat eine einzigartige kulturelle visuelle Interpretation mit mehreren kulturellen Perspektiven und ineinander verschlungenen Zeit- und Raumerfahrungen geschaffen. Seine Arbeiten zeichnen sich durch mehrere Perspektiven aus und diskutieren die Struktur und Form der Identität in Mythologie, persönlichem Gedächtnis und Lebenserfahrung. Jedes Stück ist eine dramatische Überlebenserfahrung und eine Herausforderung. Yang Fudong nahm an mehreren wichtigen internationalen Ausstellungen zeitgenössischer Kunst teil, darunter Kassel Document (2002), Venice International Art Biennale (2003/2007), Asia-Pacific Contemporary Art Triennale (2006) und Lyon Biennale (2013). .

Schalldämpfer Nr. 22: Die fünfte Symphonie des Schweigens von Tschaikowsky, 2018
Yang Jiahui
Yang Jiahuis Kompositionen, Gemälde, Installationen, Sendungen und Performances umfassen Themen wie vergangene und gegenwärtige Themen wie militärische Konflikte, Identität, Einwanderung und politische Grenzen. Klang und seine Kulturpolitik stehen im Mittelpunkt von Yang Jiahuis Praxis multipler Narrative und Anspielungen. Yang Jiahui promovierte 2013 in Musik an der Princeton University.

„Giant God Connection“, 2016-2017
Yao Ruizhong
Yao Ruizhong wurde 1969 in Taipeh geboren und hat eine breite Palette von Themen, darunter Fotografie, Installation und Malerei. Fotografie ist immer das wichtigste künstlerische Vokabular. Er hat an internationalen Ausstellungen wie der Biennale von Venedig, der Manchester Asian Art Triennale und der Sydney Biennale teilgenommen und den Asia-Pacific Art Prize Public Award (Singapur) und den Cluster Art Award (Hongkong) gewonnen.

Umgebung, 2018
Enrique Ježik
Enrique Yezek thematisiert Gewalt und Macht mit Aktion und Installation als Hauptmedium. Jüngste Einzelausstellungen: „Self-defense“, OSDE Foundation (Buenos Aires, 2018); „Potenzielle Warnungen“, ehemaliges Teresa-Kloster-Zentrum für zeitgenössische Kunst China (Mexiko-Stadt, 2017). Er wurde mit dem National Art Creator Fund of Mexico (2015) und dem Brazil Petroleum Visual Arts Award (2013) der Buenos Aires Art Fair ausgezeichnet.

„Helle Höhle“, 2014-2018
Yuan Yuan
Yuan Yuan absolvierte die China Academy of Art und ist bekannt für seine Gemälde. Er malt eine flache und dunkle architektonische Landschaft durch subtile und schwerfällige Pinselstriche. Er hat einen persönlichen Stil entwickelt, der auf Figurationen basiert. Seine letzte Einzelausstellung: „Alternative Reality“, Tezi Palace (Italien) Bergamo, 2018).

„Das Meer der Menschen“, 2013
Boot
Zhang absolvierte das Goldsmiths College der University of London. Sie sieht Kunst als die Möglichkeit, dass Spiele und Individuen auf jede Situation reagieren und nicht als visuelle ästhetische Produktion. Die Werke werden in China, Japan und Großbritannien geschaffen und ausgestellt. Sie ist auch Mitglied der japanischen Kunstgruppe TEAM YAMEYO.

Serie „Spiegel“, 2017-2018
Zhang Xuzhan
Zhang Xuzhans künstlerische Praxis verwendet Animation als Hauptmedium und erweitert so die Möglichkeiten des Seherlebnisses. In den letzten Jahren hat er seine Kindheitserfahrung mit der Bestattungskultur kombiniert, die in den traditionellen Fähigkeiten der Familie verwurzelt ist, und auf zeitgenössische Lebenserfahrungen reagiert und dabei verschiedene Überlegungen zur kulturellen Mobilität untersucht.

„Shanghai“ Bottom of the Bed „Gesunder Menschenverstand-Quiz“, 2018
Zhang Jiali und Zheng Yimin
C & G ist eine Kunstgruppe aus Clara CHEUNG und Cheng Yee Man, Gum (Cheng Yimin), die 2007 den Kunstraum „C & G Artpartment“ in Hongkong gründeten. C & G war stets bemüht, sich auf die lokale Kunstökologie in Hongkong zu konzentrieren und darauf zu reagieren soziale und kulturelle Themen mit künstlerischem Schaffen. Sie sind gut darin, Kunst auf lächerliche und brüllende Weise zu schaffen. Die meisten ihrer geplanten Aktivitäten sind von kollektiver Beteiligung geprägt und werden über die aktuelle Kunstökologie und soziale Ereignisse in Hongkong diskutiert. Der für die Shanghai Biennale geplante Wettbewerb „Shanghai“ Bottom Bottom Art Common Sense Quiz “fand Mitte September im Shanghai Museum of Contemporary Art (PSA) statt und wird in Form von Videoinstallationen präsentiert.

„Das Lieblingsspiel meines Vaters (dreht den Himmel um)“, 2018
Yuken Teruya
Nach Yoshiyukis Werken werden Alltagsgegenstände als Grundmaterialien verwendet und wichtige Themen der heutigen Gesellschaft wie Konsumkultur, Globalisierung und ökologische Umwelt diskutiert. Er drückt auch visuell die komplexen Streitigkeiten in seiner Heimatstadt Okinawa aus. Es gibt viele scharfe Ideen und hervorragende Fähigkeiten, die das Publikum in der Stille erleuchten.

Acht Szenen, 2015
Sirene Eun Young Jung
Zheng Enyi studierte Bildende Kunst und feministische Theorie an der Ewha Women’s University in Korea und der Leeds University in Großbritannien. Ihr Schaffen konzentriert sich darauf, wie sich die Wünsche namenloser Individuen nach Schnittpunkten mit aktuellen Ereignissen sehnen und wie sich solche Kontakte in Widerstand, Geschichte und Politik verwandeln. Sie ist auch ständig bemüht, die feministische Kunstsprache zu erweitern. Eines ihrer wichtigsten Projekte ist das „Dongdouchuan-Projekt“ (2007-2009), eine Frage zu Leben und Schicksal von weiblichen Bewohnern der US-Militärbasis Dongdouchuan. Seit 2008 widmet sie sich der Schaffung eines weiblichen nationalen Schauspielers bei der Schaffung des weiblichen nationalen Schauspiels (Yeoseong Gukgeuk, traditionelle koreanische Oper). Mit diesem Projekt hat sie den Seoul Hermes Foundation Art Award (2013), den New Capital Art Award (2015) und den Korean Art Award (2018) gewonnen.

Traumbuch, 2016
Zhu Xi
Zhu Xi absolvierte das Inter-Media College der China Academy of Art und blieb als professioneller Lehrer. Seine Arbeiten sind unterschiedlich im Stil, einschließlich Malerei, Rauminstallation und Klangmultimedia.

Shanghai Museum für zeitgenössische Kunst
Das Shanghai Museum of Contemporary Art wurde am 1. Oktober 2012 gegründet und ist das erste öffentliche Museum für zeitgenössische Kunst auf dem chinesischen Festland und der Hauptveranstaltungsort der Shanghai Biennale.

Es befindet sich am Huangpu-Fluss im Mutterfluss von Shanghai mit einer Gebäudefläche von 41.000 Quadratmetern, einer Ausstellungsfläche von 15.000 Quadratmetern und einem maximalen Ausleger von 27 Metern. Der 165 Meter lange Schornstein ist sowohl ein Wahrzeichen der Stadt als auch ein unabhängiger Ausstellungsraum in Shanghai.

Das Shanghai Museum of Contemporary Art wurde aus dem ehemaligen Kraftwerk Nanshi umgebaut. Während der Shanghai World Expo 2010 war es einst der „Urban Future Pavilion“. Es hat die städtebaulichen Veränderungen in Shanghai vom Industrie- zum Informationszeitalter miterlebt, und sein robuster industrieller Architekturstil hat Künstlern eine reiche Vorstellungskraft und kreative Möglichkeiten eröffnet.

Als „Produktionswerkstatt“ der neuen Stadtkultur ist es das Leben dieses Museums, das sich ständig erneuert und weiterentwickelt. Das Shanghai Museum of Contemporary Art arbeitet intensiv daran, der Öffentlichkeit eine offene Plattform für zeitgenössisches kulturelles und künstlerisches Zeigen und Lernen zu bieten. Hindernisse für Kunst und Leben beseitigen; Förderung der Zusammenarbeit und Wissensproduktion zwischen verschiedenen Kulturen und Künsten.