La peinture Kalighat ou Kalighat Pat est née au 19ème siècle au Bengale, à proximité du temple Kalighat Kali, Kalighat, Kolkata, Inde, et en tant que souvenir pris par les visiteurs du temple Kali, les peintures se sont développées une école distincte de peinture indienne. À partir de la représentation des dieux hindous, de dieu et d’autres personnages mythologiques, les peintures de Kalighat se sont développées pour refléter une variété de thèmes.
Histoire
Au dix-neuvième siècle, la seule école de peinture florissante au Bengale était l’art traditionnel des peintures sur rouleau, populaires dans les zones rurales. Ces peintures ont été réalisées sur des tissus ou des patas. Ils ont dépeint des images conventionnelles de dieux et de déesses et des scènes d’épopées comme Rama charita manas de Tulsidas. Les artistes étaient des villageois qui voyageaient d’un endroit à l’autre avec leurs peintures sur rouleau et chantaient les scènes des épopées représentées dans les peintures lors de rassemblements de village et de festivals. Ces artistes, appelés patuas ou «peintres sur toile», seraient à moitié hindous et à moitié musulmans et pratiquaient l’islam.
Les Britanniques: comme mécènes de cet art
Pendant ce temps, les Britanniques, s’étant établis dans le pays, ont commencé à manifester de l’intérêt pour l’art, la littérature et la musique. Ils ont mis en place des institutions qui donnent un style européen de formation académique aux artistes indiens. L’école d’art de Calcutta était l’une de ces écoles et attirait les artistes traditionnels, les patuas, vers la ville. Au début, ces artistes étaient concentrés autour du temple de Kalighat où il y avait une demande pour l’art religieux. Peu à peu, ils ont commencé à apprendre des nouvelles techniques et ont découvert que celles-ci pouvaient les aider à augmenter leurs revenus. Ils ont commencé à créer de nouvelles formes d’art et la peinture Kalighat est née.
Kalighat oriental et occidental
L’école Kalighat était un mélange agréable et unique de deux styles de peinture différents – l’Oriental et l’Occidental – et a progressivement gagné en popularité. Parmi les divinités que peignaient les artistes Kalighat, la déesse Kali était un favori. Les images de Durga, Lakshmi et Annapurna étaient également populaires, en particulier lors du festival Durga Puja. Les artistes ont également représenté des thèmes tels que Sita-Rama, Radha-Krishna et les exploits de Hanuman. Un autre thème, cher à l’éthique bengali, était celui de Chaitanya Mahaprabhu et de ses disciples. Mais les artistes Kalighat ne se sont pas limités aux thèmes religieux. Leurs peintures représentant différentes professions et costumes étaient également populaires auprès des touristes. Même des événements contemporains comme le crime ont fait l’objet de nombreuses peintures. Les artistes ont également choisi de représenter des thèmes et des personnalités laïques et ont joué un rôle dans le mouvement pour l’indépendance. Ils ont peint des personnages héroïques comme Tipu Sultan et Rani Lakshmibai.
Capturer la vie quotidienne
Une réalisation importante des artistes Kalighat était qu’ils réalisaient de simples peintures et dessins, qui pouvaient facilement être reproduits par lithographie. Ces empreintes ont ensuite été colorées à la main. Cette tendance s’est poursuivie jusqu’au début du XXe siècle et ces peintures se sont retrouvées dans des musées et des collections privées. Le charme des peintures Kalighat réside dans le fait qu’elles ont capturé l’essence de la vie quotidienne et qu’elles influencent encore les artistes modernes comme le regretté Jamini Roy.
Les peintures ou dessins de style Kalighat ont été réalisés sur papier et les artistes qui se sont consacrés à la réalisation de ces dessins ont été appelés « patuas » (peintres traditionnels du Bengale qui ont voyagé de ville en village avec des rouleaux de papier a été chanté aux habitants). Les peintures ont été vendues autour du célèbre temple Khaligat, entre le XIXe et le début du XXe siècle.
La date de naissance de ce style n’est pas connue avec précision, mais pour le type de papier utilisé et les premières peintures achetées par les Européens, il est possible de conclure qu’il a dû commencer peu après la construction du temple actuel dans les années 1930. Le dix-neuvième siècle.
Entre 1880 et 1890, les dessins des aedas étaient très populaires et la plupart de ceux que l’on peut voir dans les musées sont plus ou moins de cette époque.
Présence aux musées
Le musée qui compte le plus grand nombre de dessins de ce type est le Victory and Albert Museum de Londres, constituant la plus grande collection au monde de ces peintures, totalisant 645 originaux.
En outre, la bibliothèque Bodleian d’Oxford en compte 110; le musée Gurasaday, Calcutta, 70; le musée Pouchkine de Moscou 62 et le musée d’archéologie et d’anthropologie de l’université de Philadelphie 57; et vous pouvez toujours trouver d’autres musées, répartis dans le monde entier, qui ont de petites collections d’aquarelles.