Quand la société sophistiquée de Vienne se kitted avec une nouvelle garde-robe, colliers hautes, raides caractérisent la période, comme le font de larges chapeaux de femmes et pleines coiffures « Gibson Girl ». Une nouvelle silhouette colonnaire introduite par les couturiers de Paris fin de la décennie a marqué l’abandon approche du corset comme un vêtement indispensable.
L’élégance et l’opulence étaient au sommet de la liste de souhaits. Les tendances de la mode majeurs de la « ère Ringstrasse » font une entrée remarquée au musée Wien: robes de bal extravagant et chapeaux effusives, robes de mariée et les mauvaises herbes de la veuve, des corsets et des bottines.
Avec le déclin de l’agitation, les manches ont commencé à augmenter la taille et la silhouette des années 1830 d’une forme de sablier est devenu populaire à nouveau. La silhouette en vogue au début du 20ème siècle était celui d’une femme confiante, avec la poitrine et les hanches bas pleine curvy. Le « corset de santé » de cette période de pression retiré de l’abdomen et a créé une silhouette courbe S.
la silhouette amincie et allongée par une quantité considérable. Blouses et robes étaient pleines devant et soufflées en forme de « poitrine de pigeon » du début du 20ème siècle qui donnait sur la taille étroite, qui inclinée d’arrière en avant et a été souvent accentuée avec une ceinture ou à la ceinture. Décolletés ont été soutenus par des colliers très haute désossés.
Jupes brossés le sol, souvent avec un train, même pour les robes de jour, à la mi-décennie. Les maisons de mode de Paris ont commencé à montrer une nouvelle silhouette, avec une taille plus épaisse, buste plat et des hanches plus étroites. À la fin de la décennie, les jupes les plus en vogue défrichées le sol et ont approché la cheville. La silhouette générale rétrécie et redressait, en commençant une tendance qui se poursuivra.
«Que dois – je porter, et quand?
Pour les dames et les messieurs qui faisaient partie de la « société », ce fut une question sans fin, quelle que soit la saison et quelle que soit l’occasion. Il y avait une tenue en visite pour recevoir ou faire des appels sociaux; une robe de thé ou de costume pour le thé de l’ après – midi; un « turftoilette » pour assister aux courses; un équipement de promenading pour prendre l’air; et un ensemble spécial de vêtements, connu comme un « costume Firnis », porté uniquement pour les ouvertures d’exposition.
Une dame était seulement « correctement » habillé lorsqu’il est équipé d’un chapeau, des gants et un ventilateur, et ne jamais quitter la maison sans être accompagné par ces accessoires. Affichage d’une puissance de dépenses, ainsi que l’adhésion à une étiquette stricte, régie la vie quotidienne des familles les plus prospères de la fin du XIXe siècle; et une capacité à comprendre les nuances les plus fines du goût et de l’apparence a été l’une des clés de la réussite sociale.
Vêtements pour femme était décoratif, symbolique et très flamboyant.
la mode masculine, en revanche, devrait se conformer aux idéaux bourgeois de travail acharné et de frugalité, et ainsi est généralement caractérisée par un style simple et fonctionnel et des couleurs sobres.
Négligé, parfois encore connu sous le nom deshabillé au XIXe siècle, fait référence à une élégante maison et robe Matinee. Ce vêtement, souvent conçu avec plissées minutieusement et patches carrés de broderie, a été porté par la dame de la maison au petit déjeuner.
Seulement des amis proches des femmes et des hommes mariés ont été autorisés à la voir dans cette robe; il n’a jamais été porté pour des visites officielles. La coupe était semblable à une robe de jour, mais un peu plus à l’aise, et il était pas un hasard si le Négligé était connu comme « la robe de la victoire » d’une femme.
Le Trotteur (du français pour « run », « trot », «propice à la marche), un costume sévèrement coupé en tissus de laine tissage dense, est devenu le terme le plus commun pour les costumes anglais sur mesure à la fin du XIXe siècle.
En arrivant comme la « mesure » de l’Angleterre en 1887, le Trotteur est devenu de plus en plus populaire. Il était destiné à être porté uniquement au moment de quitter la maison pour faire des courses ou faire des appels le matin, et était accompagné d’une chemise appropriée. Le Trotteur a été le prédécesseur de costume d’aujourd’hui.
L’un des grands plaisirs de la société viennoise était la promenade quotidienne le long de la Ringstrasse, une continuation de la tradition plus ancienne de la marche le long des murs de la ville.
Le célèbre Sirk-Ecke (coin Sirk) a toujours été le plus achalandé place, et critique Ludwig Hevesi a écrit: « Tous les soirs, le court tronçon de la chaussée entre Kärntner Gate et Schwarzenberg place (mais seulement du côté de la ville), devient une masse terrifiante les gens, un essaim de l’humanité urbaine, bras dessus bras dessous avec lui-même, de verser sur et sur lui-même comme une vague, comme si un complot rampaient sur Vienne sous le couvert de l’obscurité. A l’angle notoire, où, comme obéissant à une commande invisible, tout le monde se comme l’un pour revenir à nouveau, les différents groupes pressent inexorablement vers l’autre, empêchant tout autre mouvement: l’Ordre des Chevaliers de la mode, l’aristocratie Bemonocled, la Creased-Trouserocracy « .
Carl Schuster qui est né à Purkersdorf et a créé cette peinture était un artiste et illustrateur à Vienne.
Vers 1850, la mode masculine a vu l’arrivée de la redingote à double boutonnage avec manteau-queues qui se chevauchent-longueur du genou de la taille. Comme daywear formelle, ce a conservé sa popularité jusque vers 1930, le plus souvent avec le manteau lui-même entièrement en noir et le pantalon en tissu rayé verticalement noir et gris.
Tailleur généralement appelé une robe ou un costume dans un style français, ce qui implique une coupe féminine et l’utilisation de tissus mous tels que le velours ou taffetas – choisi en fonction du temps de l’année – agrémenté de rubans, de tressage et de pierres précieuses.
Les femmes portaient une telle robe en marchant dehors à midi ou pour rencontrer des amis à la pâtisserie, et accompagné avec une blouse fantastiquement élaborée en dentelle, mousseline ou de soie, ainsi que d’un boa de fourrure ou de plumes, d’or ou de porte-monnaie d’argent et, Bien sûr, un chapeau et des gants à la mode.
Ce printemps enchanteur ou robe d’été aurait été idéal pour se promener dans le parc de la ville ou le Prater ou pour une promenade dans le jardin. La « taille de guêpe » est caractérisé par de larges manches jambe de-mouton, une robe supérieure près du corps, une taille de guêpe étroite lacé et une jupe qui étirée en douceur et serré sur les hanches au genou avant évasement en cloche jupe similaire.
Les costumes pour hommes ont fait un pas en avant dans les années 1860. La chemise a cédé la place à la frac veste droite, de façon lâche coupé et porté avec un pantalon dans le même tissu.
À la fin du XIXe siècle, ce genre de costume a été porté sur mesure près du corps avec un petit revers, le précurseur des costumes de tous les jours du vingtième siècle.
En fonction de la mode, le costume pourrait (et encore peut) être porté simple ou double boutonnage, avec un revers étroit ou large, vaguement coupés ou sur mesure, avec ou sans les épaules rembourrées.
Visite ou appel vêtements étaient requis pour les introductions sociales ou pour assister à thé l’après-midi. La coupe et la couleur de chaque robe a été adaptée à la mode du temps, mais un petit train était essentiel. Ces robes ont été minutieusement fabriqués à partir de taffetas, gros grain, satin, tulle et matériaux souples wollen. Cette robe bleue bigarrée, avec ses manches plissées et taille ajustée, est typique du genre de robes première à porter avec une tournure.
Une tournure, ou l’agitation, pourraient être créés à l’aide soit d’un petit coussin en forme de croissant, bourré de crin de cheval, ou en utilisant un cadre semi-circulaire d’anneaux en acier incorporés dans le centre du jupon à l’arrière. Sa fonction était de soutenir le rembourrage et la cueillette de la robe supérieure afin de créer une trop grande derrière.
Le si populaire était tournure que son nom est devenu synonyme non seulement avec la robe elle-même, mais aussi avec toute l’histoire de vêtements à ce moment.
La règle non écrite que l’on doit porter une tenue différente pour chaque type d’activité sociale la journée a donné lieu à des tenues spéciales créées même pour assister à l’ouverture d’une exposition. De tels événements ont été connus à Vienne comme « Firnisstage » (jours Varnish). Ceux-ci ont été considérés comme des occasions où les membres de certains milieux sociaux, qui souvent bien connaître les uns aux autres déjà, pourraient se rencontrer dans un cadre plus intime que d’habitude.
Les vêtements pour un Firnisstag devrait être un peu plus complexe que sa tenue vestimentaire habituelle, même un peu plus audacieux. Cette robe de soie est un exemple typique; noter la façon dont elle épouse étroitement le corps, sa remarquable, la couleur des flamants-roses, le filet de crème en dentelle de tulle, le col et désossée fonction de rosette de coquetterie.
Le terme « toilette de gazon » fait référence à une robe extravagante qui était destinée à être portée aux courses. A Vienne, le premier jour de mai était la date la plus importante dans le calendrier des courses. Si le temps était bon, l’ensemble de la société aristocratique, de l’Empereur à la gentry, conduirait jusqu’à Freudenau via le Prater Hauptallee dans leurs plus intelligents voitures, souvent applaudi par le reste de la ville.
« Le plus de sang bleu des princesses, accompagné de muses de Thalia et de Gloriette de Terpsichore », a écrit un visiteur contemporain « est apparu dans les plus récents, les vêtements de printemps les plus coûteux de prendre part à cette magnifique. »
Toutes sortes de règles vestimentaires gouvernées une apparition au théâtre, l’opéra ou un concert. Les facteurs importants à considérer étaient le temps de l’année, les sièges (boîte ou stalles?), La performance (une opérette, ou quelque chose de plus intello?) Et le moment de la journée. Chapeaux peuvent être portés dans une boîte, mais pas dans les stalles. Des robes doivent être boutonné jusqu’au cou, sauf pendant la saison (temps de carnaval), quand ils ont été autorisés à révéler un peu de décolleté.
L’étiquette a exigé que l’on devrait habiller plus sérieusement pour le théâtre, et avec une élégance discrète pour une opérette ou revue, comme à ces occasions la mode devrait être laissée aux voyantes, le demi-monde des femmes qui ne pourrait jamais entrer dans la société.
Une robe de bal, d’autre part, a permis à une femme de tirer le meilleur parti de ses attractions, mais là aussi, bien sûr, elle a dû se rappeler les exigences de l’étiquette sociale.
L’encolure, qui était souvent large, n’a été autorisé à révéler un soupçon de sein, et les jeunes filles ont été invités à être modestes. La robe devrait généralement manches courtes ou bretelles, et être souvent décorée de la manière la plus extravagante prodigalité avec dentelle, glands, fleurs artificielles, des perles et des bijoux en pâte.
Les tissus lourds ont été parfois préférées, mais robes peuvent aussi être faits de matériaux délicats tels que peau de soie, brocart, velours, taffetas, moiré, mousselines, tulle et organdi, souvent combinées, et pourrait être mat ou brillant dans une variété de couleurs enivrantes .
Les fans ont été nécessaires à la promenade, des excursions et quand l’équitation; lorsqu’il est assis dans une loge au théâtre; au bal; pour le flirt et de sortir en public sans être reconnu. Idéalement, cet accessoire important serait adapté en couleur et le tissu à l’occasion et aux vêtements un portait. Le ventilateur montré ici est un ventilateur à bille conçu minutieusement en matériau coûteux. Les fans, connus à Vienne Waderl, ont atteint la hauteur de leur popularité au XVIIIe siècle, mais est resté un élément indispensable, si fragile, accessoire pour la parure, la collecte, l’utilisation pratique et flirts dans le XXe siècle.
robes de mariée blanches ont d’abord été portés au XIXe siècle. Ils sont devenus à la mode en partie à cause de l’influence des Classicisme, où les femmes étaient souvent représentés vêtus de blanc, mais aussi après un certain nombre d’épouses aristocratiques ont choisi de les porter.
La reine Victoria d’Angleterre, l’impératrice Eugénie de la France et de l’impératrice Elisabeth d’Autriche portaient tous blancs à leurs mariages. La pureté symbolisée couleur, la chasteté et la virginité.
Bien sûr, il était seulement bien au large des familles qui pouvaient se permettre une robe blanche pour le « jour le plus important » dans la vie de leurs filles.
Ceci est un exemple d’une robe de mariée particulièrement à la mode dans le style du créateur Paul Poiret (1879-1944), qui a été inspiré par les Ballets Russes et ses costumes orientaux. Il a une taille assez haut sur un corsage de dentelle qui est sans manches en haut, laissant place à des panneaux légèrement drapée sur les côtés.
Le dos de la robe est soulignée avec une armure particulièrement importante. Conformément aux exigences de l’étiquette, la coupe couvre le corps. La robe est fermée avec un col haut désossée et manches trois-quart.
Cette combinaison est typique de la tenue portée conventionnelle lors des mariages et des réceptions. Lors du mariage, le marié portait un petit bouquet de romarin ou de myrte dans son boutonnières. robe de cérémonie du marié développé à partir du frac après 1850, mais ses origines se trouvent dans la coupe, la veste d’équitation anglaise du début du XIXe siècle.
La coupe était un habit à queue cut-back, un peu comme une couche de queue d’aronde. Il a toujours été simple boutonnage avec un revers conique, dans un tissu noir ou gris, porté vers 1900 avec un pantalon sans revers rayé noir et gris.
Il peut sembler étrange aujourd’hui que la mariée doit porter du noir, mais au XIXe siècle, il était un spectacle commun. La « soie noire » était souvent plus belle robe d’une femme si elle était pas d’une famille riche.
Il pourrait remplir une variété de fonctions. Il pourrait être porté comme pour faire et recevoir des appels, il pourrait être combiné avec des bijoux pour les fêtes et, le cas échéant, il pourrait même être porté comme le deuil.
De cette façon, il est un prédécesseur direct de « petite robe noire » d’aujourd’hui, et en tant que telle forme une partie essentielle de toute jeune mariée de trousseaux. Cependant, quand il est venu aux mariages, les épouses encore plus pauvres aimaient porter un voile blanc et porter un bouquet approprié.
revues de mode constamment discuté de la nouvelle robes de mariée, mais les épouses généralement conseillé qu’ils ne doivent en aucun porter une robe blanche pure, car ceux-ci vous fera paraître pâle. Au lieu de cela, une robe « blanc cassé » a été recommandé en satin, peau de soie, taffetas ou crêpe de chine.
Robes de mariée étaient souvent ornés de myrte et de romarin, symboles à feuilles persistantes de l’amour, et la fleur d’oranger, qui représentait la fécondité.
Deuil symbolisait l’humilité et de respect pour les morts. L’obligation d’être considérée comme le deuil était un fardeau particulier pour les femmes, qui devaient porter pendant au moins une année « mauvaises herbes de veuve ». veuves nobles comme la reine Victoria et Marie-Thérèse portaient leur deuil jusqu’à leur mort.
Une tenue de deuil devait être noir et réalisé dans un matériau mat qui ne reflète pas la lumière. Crêpe a été particulièrement associé au deuil, mais alors que pour les hommes d’une simple bande de crêpe noir autour du bras était suffisante, les femmes étaient obligés de porter des robes noires, chapeaux et voiles de heavy crepe.
Il a fallu attendre la deuxième année de deuil qui a permis à une femme de porter à nouveau les couleurs, et seulement des couleurs discrètes telles que le gris ou mauve.
Une « fourrure de la ville » était un symbole de statut pour un homme de distinction. Ce fut un manteau d’hiver typique en tissu de laine lourde avec un col de fourrure, et une fixation passemente doublure en fourrure.
Rudolf von Alt, fils de l’artiste Jakob Alt, dépeint des scènes de son époque dans plus de mille aquarelles. Beaucoup d’entre eux disposent de Vienne, et son style se prête particulièrement à révéler l’atmosphère d’un lieu.
Ici, nous voyons un tableau de « Rich and Poor » en face de la maison d’opéra; un officier en uniforme, un homme du monde dans sa redingote et chapeau haut, une élégante dame viennoise de soie enivrante, portant un petit chapeau de chapeau rond et portant un parasol filigrané, et une pauvre fille, la vente de violettes.
Toute la vie se répand devant nous: au carrefour de l’Opéra national de Vienne.