Museo de Arte Popular de la Ciudad de México, México.

El Museo de Arte Popular es una institución dedicada a promover y preservar el arte popular mexicano. Está ubicado en el Centro Histórico de la Ciudad de México en un sitio que perteneció a una antigua estación de bomberos, el museo contiene una colección que incluye alfombras, cerámicas, anteojos , piñatas, alebrijes, muebles, juguetes, utensilios de cocina, entre otros objetos. Sin embargo, el museo es conocido principalmente como patrocinador del desfile anual Alebrijes Night, en el que se construyen criaturas fantásticas a escala monumental y luego desfilan desde el Zócalo hasta el Monumento a la Independencia, compitiendo por premios.

Desde su apertura al público, en marzo de 2006, el MAP ha propuesto ser una referencia indiscutible del arte popular mexicano, promoviéndolo a través de sus exposiciones permanentes, temporales e itinerantes; así como talleres para niños, artesanos y público en general; concursos, seminarios y actividades extra wall.

Hoy es un magnífico escaparate de nuestras raíces, tradiciones y habilidades artísticas, que busca revalorizar su riqueza y el trabajo de unos ocho millones de personas involucradas en procesos artesanales, para el conocimiento y disfrute de las generaciones actuales y futuras.

El público encuentra en el MAPA un espacio único en su tipo; que cuando lo visita, es como si estuviera haciendo un recorrido por las diferentes regiones de México, que posee entornos naturales, sociales, costumbres, tradiciones y estéticos propios. Nos permite descubrir la estrecha relación que mantiene el trabajo de artesanos y artistas, con respecto a la exuberante biodiversidad ubicada en nuestro territorio. Además de crear conciencia en la sociedad sobre la complejidad de los suministros y la fabricación de piezas artesanales.

Arte popular mexicano
La artesanía mexicana y el arte popular son una colección compleja de artículos hechos con diversos materiales y destinados a fines utilitarios, decorativos u otros. Algunos de los artículos producidos a mano en este país incluyen cerámica, tapices, jarrones, muebles, textiles y mucho más. En México, ambas artesanías creadas con fines utilitarios y el arte popular se conocen colectivamente como “artesanía”, ya que ambas tienen una historia similar y ambas son una parte valiosa de la identidad nacional de México.

La tradición artesanal de México es una mezcla de técnicas y diseños indígenas y europeos. Esta combinación, llamada “mestizo” fue particularmente enfatizada por la élite política, intelectual y artística de México a principios del siglo XX después de que la Revolución mexicana derrocó a la presidencia centrada en la modernización y el estilo francés de Porfirio Díaz. Hoy, la artesanía mexicana se exporta y es una de las razones por las que los turistas se sienten atraídos por el país. Sin embargo, la competencia de productos manufacturados y las imitaciones de países como China han causado problemas a los artesanos de México.

La artesanía mexicana y el arte popular es una colección compleja de artículos hechos con diversos materiales y diseñados para fines utilitarios, decorativos u otros, como tapices, jarrones, juguetes y artículos creados para celebraciones, festividades y ritos religiosos. Estas artes y oficios se denominan colectivamente “artesanía” en español mexicano. Este término fue inventado en español durante el siglo XX para distinguir las mercancías hechas por métodos tradicionales de las fabricadas por métodos industriales / de línea de ensamblaje. La palabra también se usa para promover productos tradicionales a los turistas y como fuente de identidad nacional mexicana. La artesanía mexicana tiene sus fundamentos en la artesanía de las muchas culturas prehispánicas dentro del país, pero 500 años de influencia europea la han transformado en una mezcla de los dos y exclusiva de México. La mayoría de la artesanía producida aquí muestra influencias tanto europeas como nativas en la elaboración, el diseño o ambos.

Artesanía se puede definir como aquellos artículos creados por personas comunes, utilizando métodos tradicionales que están bien fundados en el pasado. La mayoría de los artesanos no tienen capacitación escolar en su oficio, sino que la aprenden a través de un aprendizaje formal o informal. El término “gente común” para México generalmente se aplica a las personas nativas de las zonas rurales y las personas que están fuera de las clases altas y medias.

Para México, la artesanía está fuertemente ligada a la identidad nacional, así como a las identidades indígenas, y esta idea a menudo se juega en películas y televisión en el país. Desde principios del siglo XX hasta nuestros días, el arte popular mexicano ha inspirado a artistas famosos como Diego Rivera, Rufino Tamayo, José Clemente Orozco, Fernández Ledezma, Luis Nishizawa y muchos otros. Miguel Covarrubias y Salvador Novo definieron la verdadera artesanía mexicana como una mezcla de tradiciones europeas e indígenas, con artículos producidos para el consumo interno, principalmente para la clase media mexicana. Esta definición se aplica mejor a la producción de cerámica, cuero, textiles y juguetes.

Esta definición se fundó a principios de la era de la Revolución mexicana cuando los artistas e intelectuales se preocuparon por crear una identidad nativa para México, que giraba en torno al concepto de “mestizo” o la mezcla de razas europeas e indígenas. Incluso algunos de sus defensores, como el Dr. Atl, pensaron que cualquier cambio en la artesanía de México conduciría a su degradación y a la identidad que representan.

La mayor parte de la artesanía producida en México son cosas ordinarias hechas para el uso diario, pero aún se consideran artísticas porque la mayoría contienen detalles decorativos y / o están pintadas en colores brillantes con fines estéticos. El uso audaz de colores en artesanías y otras construcciones se remonta a la época prehispánica. Las pirámides, templos, murales, textiles y objetos religiosos fueron pintados o coloreados de rojo ocre, verde brillante, naranja quemado, varios amarillos y turquesas. A estos se unirían otros colores introducidos por el contacto europeo y asiático, pero siempre en tonos llamativos. Incluso la producción de colores se relaciona con la historia de la fabricación artesanal. El pigmento rojo desde la época prehispánica se ha formado a partir del insecto cochinilla, que se tritura, se seca y se tritura en polvo para mezclarlo en una base líquida.

Los motivos de diseño pueden variar de puramente indígenas a europeos en su mayoría con algunos otros elementos incorporados. Los diseños geométricos son frecuentes y están más directamente relacionados con el pasado prehispánico de México y / o artículos hechos por las comunidades puramente indígenas restantes del país. Los motivos de la naturaleza son tan populares, si no más, que los patrones geométricos en diseños con influencia prehispánica y europea. Son especialmente frecuentes en tapices y cerámicas. La artesanía mexicana también muestra influencia de culturas distintas a la europea. La famosa cerámica de Talavera de Puebla es una mezcla de influencias de diseño chinas, árabes, españolas e indígenas. Los muebles lacados eran desconocidos en México hasta que los galeones de Manila trajeron aquí productos de madera lacada, que los artesanos locales copiaron.

Muchas artesanías mexicanas se consideran de estilo “barroco”, con la definición de “un estilo decorativo caracterizado por el uso y el abuso ocasional de adornos en los que predomina la línea curva”. Esto es el resultado de los estilos español plateresco y churrigueresco que se usaron durante los períodos coloniales y posiblemente también de algunas tradiciones prehispánicas muy ornamentadas.

Tipos
Las artesanías en México varían ampliamente de los materiales utilizados, las técnicas y el empleo y los estilos preferidos. La artesanía más frecuente de México es la cerámica / cerámica. La cerámica se consideraba una de las formas artísticas más importantes durante el Imperio azteca, y se sabía que la fabricación de cerámica provenía del propio dios Quetzalcóatl. La cerámica prehispánica se hizo enrollando la arcilla en un círculo, luego por los lados, luego raspando y moldeando el trabajo en espiral hasta que ya no se pudieron detectar las bobinas. Los españoles introdujeron la rueda de alfarero y las nuevas técnicas de acristalamiento. La cerámica vidriada de mayólica fue introducida por los españoles.

Puebla en particular es conocida por su variedad de mayólica, que se llama Talavera. Una característica distintiva de esta ciudad es que muchas cocinas y edificios están decorados con azulejos de Talavera intrincadamente detallados. Las baldosas son un subconjunto de la cerámica y se usaron ampliamente en la era colonial de México. Estas baldosas se dispararon primero a baja temperatura, luego se pintaron a mano con diseños intrincados, luego se dispararon a alta temperatura para fijar el esmalte. Todavía se fabrican, pero la mayoría de las baldosas decorativas utilizadas en México son de fábrica. La cerámica sin esmaltar todavía se hace, pero generalmente es solo para fines decorativos y copia los diseños de las culturas prehispánicas.

La metalurgia en Mesoamérica, especialmente de plata, oro y cobre, estaba muy avanzada cuando llegaron los españoles. El oro fue incrustado en cobre y los metales fueron martillados a la delgadez del papel y fundidos usando el método de cera perdida. Se produjeron algunas herramientas de cobre y hierro, pero las artesanías de metal prehispánicas estaban dominadas por joyas y adornos. Los españoles introdujeron nuevas técnicas, como el trabajo de filigrana, donde se unen pequeños hilos de metal para hacer joyas. Durante el período colonial, a los pueblos indígenas se les prohibió trabajar con metales preciosos. Hoy, los diseños antiguos han sido revividos con Taxco como el centro de la platería. La platería es ahora una de las principales exportaciones de México. El trabajo del cobre es particularmente abundante en Michoacán. Un objeto tradicional de cobre martillado es un recipiente grande en el que se extrae grasa de cerdo o se carameliza con azúcar para hacer dulces. Todos los años, durante el mes de agosto, Santa Clara del Cobre celebra un festival del cobre.

Muchas fibras diferentes están retorcidas, anudadas y tejidas en textiles y objetos. Los materiales incluyen juncos, juncos, hilos, cuerdas de plástico y cuerdas, así como muchos más. Históricamente, las fibras se tiñen con pigmentos creados a partir de plantas y animales. Los tintes sintéticos han reemplazado a los naturales para muchos artesanos, pero todavía hay algunos, especialmente en el estado de Oaxaca, que todavía usan tintes tradicionales. Los materiales tejidos en México comenzaron con la cestería y la fabricación de alfombras. La planta de agave era una fuente importante de fibras e hilo y todavía se usa hoy en día para hilo y papel. También se usó algodón, hilado en hilo solo o combinado con plumas o pieles de animales para proporcionar calor.

Las mujeres mexicanas muy tradicionales todavía hilan su propio hilo, que está hecho de algodón o lana y puede ser muy fino o muy grueso. Los textiles tienen una larga historia de tradición. Los diseños bordados de colores brillantes en las prendas femeninas pueden identificar la tribu, la edad y el estado civil del usuario. Las telas tejidas eran conocidas por las culturas prehispánicas durante cientos de años antes de la llegada de los españoles, utilizando un telar de correa para la espalda sujeto entre un árbol y la espalda del tejedor. Los españoles introdujeron el telar de pedal, que puede hacer piezas de tela más grandes.

El tejido es una artesanía practicada por hombres, mujeres y niños en México, y casi todas las fibras disponibles están elaboradas en objetos utilitarios como manteles, cestas, sombreros y bolsos. Muchos de los materiales utilizados se dejan en su color natural, pero algunos pueden teñirse con colores vivos. Además, se comienzan a utilizar fibras de plástico.

El papel se hace y se usa para hacer artesanías en México. La fabricación de papel es una habilidad que se remonta a la época prehispánica. La corteza de dos árboles se usa principalmente, la de la familia morus o morera para papel blanco y la de la familia ficus o higo para variedades más oscuras. Tradicionalmente, los hombres cortaban y raspaban la corteza, pero las mujeres hacían el papel en sí. El proceso comienza lavando la corteza y luego hirviéndola con cenizas. Luego se enjuaga y se bate hasta que las fibras se unen, luego se seca al sol. Banderolas, o pancartas de papel cortado, se cuelgan en las calles para ocasiones especiales.

El trabajo del cuero en México está estrechamente relacionado con la tradición del charro / vaquero, o vaquero, centrándose en la creación de sillas de montar, cinturones y botas. Sin embargo, el cuero también se puede ver en las fundas de los asientos, como las de las sillas equipale y las pantallas de las lámparas. La marroquinería está tradicionalmente decorada con patrones fluidos utilizando el método de perforación y herramienta que requiere mucha mano de obra y coloreada con tinte o barniz.

Los palacios y la noble casa de los aztecas tenían muebles ornamentados. Trozos enteros de madera dura serían tallados en bancos y mesas, y otros artículos. Los muebles estaban incrustados con oro y algunos cubiertos con pieles de animales. Una especie de goma laca o laca existía en el México prehispánico y se usaba en muchas cerámicas. El Códice Mendocino lo menciona como un tipo de aceite impermeable extraído de un gusano llamado “hacha” y mezclado con aceite de la semilla de amapola espinosa o semillas y pigmentos de salvia mexicana, lo que resultó en una pintura. Después de la conquista, los españoles exigieron muebles de estilo europeo, que generalmente eran hechos por artesanos indígenas. Como el México colonial era la puerta de entrada de España a Asia, las técnicas orientales como el parquet y otros tipos de incrustaciones también se hicieron comunes. El estado de Michoacán es un importante productor de muebles hechos a mano, que pueden ser simplemente barnizados, teñidos o pintados en colores brillantes.

Los objetos ceremoniales se producen en todas las regiones del país en diferentes formas, tamaños y colores, cuyo único propósito es celebrar a los santos y las fiestas y honrar a los muertos. Una de las fiestas más importantes para la artesanía es el Día de los Muertos. Los objetos se crean para decorar casas y crear “ofrendas” (altares para los fallecidos) como calaveras de caramelo, esqueletos decorados, muchos de los cuales están vestidos para imitar profesiones como los médicos. Grandes cantidades de flores y otras plantas para crear adornos para ofrendas y tumbas. También hay una cerámica negra bruñida especial que se usa para objetos relacionados con el Día de los Muertos.

Otra fiesta importante para la artesanía es la temporada navideña, donde las ventas de piñatas pico y belenes ornamentados se construyen en los hogares. Para el Domingo de Ramos, se tejen cruces intrincadas de hojas de palma. En algunos lugares de México durante la Semana Santa, grandes efigies de papel maché de Judas Iscariote se queman ritualmente. Para los días de fiesta de los santos patronos, se cuelgan pancartas de papel cortadas sobre las carreteras y se cuelgan en las ventanas.

Los juguetes artesanales mexicanos son en su mayoría representaciones en miniatura de cosas de la vida, como pájaros, muebles, sirenas, escenas taurinas, carros y mucho más, hechos con materiales a mano como espadaña, madera, tela, arcilla y plomo. Fueron hechos principalmente para niños de las clases bajas mexicanas. Se consideran artísticos no por su originalidad, sino por el ingenio de crear algo especial de prácticamente nada. Estos juguetes, la mayoría de los cuales sobreviven son del siglo XIX y principios del siglo XX, son cada vez más valorados por los coleccionistas, pero desprecian a la población mexicana en general. Desde la década de 1950, con la influencia de las películas y la televisión, la mayoría de los niños dejaron de querer este tipo de juguetes para productos en masa producidos en el extranjero y basados ​​en lo que ven en los medios. La mayoría de los juguetes que se venden a los turistas ahora son imitaciones baratas de lo que solía ser común.

El Museo
El Museo de Arte Popular abrió sus puertas en marzo de 2006. Su propósito es servir de referencia para las artesanías mexicanas, así como promoverlas a través de talleres y otros eventos para el turismo mexicano y extranjero. y dignificar la artesanía mexicana a través de la restauración de obras más antiguas y la promoción de su creación tanto dentro como fuera del museo.

El edificio se considera el segundo edificio Art Deco más importante de la Ciudad de México, siendo el primero las oficinas principales de la Secretaría de Salud en Chapultepec. Fue donado al proyecto del museo por el gobierno de la Ciudad de México. El edificio fue construido en 1927 por el arquitecto Vicente Mendiola como parte de los esfuerzos del gobierno para modernizar la infraestructura de la ciudad en ese momento. El edificio tiene un patio central en el que se estacionaron los camiones de bomberos, y tres pisos para oficinas y cuartos. En su exterior, tiene una torre en la esquina que da a la intersección con una luz en la parte superior que se utiliza para señalar una emergencia. Otra característica del edificio son los relieves con motivos prehispánicos que decoran la fachada en piedra. El patio interior está cubierto por una moderna cúpula de cristal.

En la década de 1980, el crecimiento de la ciudad había vuelto inadecuada la estación y fue abandonada. Luego se deterioró debido al terremoto de 1985 y al deterioro general del centro histórico. En la década de 1990, el gobierno de la ciudad decidió rescatar el edificio y usarlo para recolectar y almacenar una importante colección de artesanías mexicanas. Este proyecto fue entregado a Teodoro González de León, quien restauró el edificio actualizando su interior.

Colección
La colección permanente contiene piezas artesanales antiguas y nuevas de las diversas tradiciones que conforman la cultura mexicana. La colección se reunió a través de la generosidad de donantes individuales. Algunos de los principales donantes privados incluyen a Alfonso Romo del Grupo Savia, quien había promovido la artesanía durante varios años. Donó 1,400 piezas para la apertura del museo. La segunda donante fue Carlota Mapeli, quien vino a México desde Italia en la década de 1970 y se dedicó a coleccionar prendas bordadas y otros textiles. Ella donó 400 piezas, muchas de las cuales fueron tejidas en telares de correa.

La colección está organizada en cinco salas permanentes divididas por tema y dos dedicadas a “grandes maestros”, cada una de las cuales contiene varios tipos de artesanías. Las cinco salas temáticas se llaman “Las raices del arte mexicano”, “Las raices del arte popular”, “Lo cotidiano”, “Lo cotidiano”, “Lo religioso” ( Artículos religiosos) y “Lo fantasmagico” (Cosas fantásticas y mágicas). La colección llena tres de los cuatro niveles del edificio, para un total de 7,000 metros cuadrados. También hay una sala de exposiciones temporales y una sala de “interpretación” que tiene piezas de las 32 entidades federales (estados y Distrito Federal) de México. Las artesanías que se muestran aquí son de muchos tipos diferentes, incluyendo cerámica, cestería, tallado en madera, trabajo con metales preciosos, cristalería, textiles, papel maché y otros. El museo también tiene un centro de investigación con una biblioteca y un archivo periódico.

Arte popular y vida cotidiana.
La visita continúa en esta segunda sala, donde es posible observar cómo el arte de las personas está presente en la vida cotidiana de los mexicanos, porque muchas de las manifestaciones del arte popular suelen estar presentes, a través de objetos con funciones utilitarias y decorativas.

Estas piezas, surgidas de las manos de artesanos mexicanos, les permiten retratarse a sí mismos, así como representar a su sociedad, su entorno y los personajes que desempeñan roles esenciales o que forman parte de su vida cotidiana.

Arte popular y sagrado
Aquí se descubre que a pesar de la llegada de la religión católica, con los españoles, los artistas indígenas encontraron una manera de manifestarse dentro del nuevo orden sincrético. Los ritos sagrados de las comunidades indígenas actuales contienen importantes dosis de fervor y elementos mágicos. Los objetos del arte popular son parte de ellos, concentran la simbología y expresan los conceptos de trascendencia, magia, vida y muerte, y el misterio de las divinidades.

La cosmovisión y los significantes ideológicos están constantemente representados por artistas populares, que manifiestan en sus objetos la profunda relación que se establece con lo sagrado en oposición a lo profano, como el principio fundamental de la religión y el mito; extrayendo de los actos y seres, lo esencial y trascendente como materia de su creación. Fuego, aire, agua y tierra se convierten en la base de las representaciones terrenales y espirituales.

El arte popular y lo fantástico
El recorrido por la exposición permanente del MAP finaliza en esta sala, donde el desbordamiento de la imaginación y el potencial plástico del artesano y el artista, se reflejan en la originalidad de sus piezas. Los objetos que elaboran van más allá de ser simplemente fantasiosos, ya que tienen una gran carga histórica. Su proceso de elaboración está estrechamente vinculado al imaginario colectivo; son piezas que implícitamente llevan la noción de que lo mágico permanece vivo dentro de la tradición.

Los artesanos y artistas han utilizado técnicas como el bordado, el tallado, la escultura, el estampado o el metal y el papeleo para expresar su identificación con sus creencias, materializando la ideología de las comunidades a las que pertenecen.

Las representaciones estilizadas de escenas de la naturaleza son para ellos una fuente de inspiración y a veces están relacionadas con usos rituales. También son consecuencia de la necesidad que surge de apropiarse de su entorno y reproducirlo, utilizando los materiales que obtienen de su hábitat natural.

Desinhibición expresiva, estética de ensueño y el encanto de la ingenuidad; Los colores vibrantes de las piezas y la intención de sus autores de sorprender son solo algunos de los aspectos característicos de estas piezas.

Esencia del arte popular mexicano
En este espacio, puede ver cómo la riqueza cultural de México, integrada por su patrimonio histórico y artístico, refleja la identidad de sus culturas y conecta su pasado con el presente y el futuro.

La producción artesanal está vinculada al entorno en el que tiene lugar, ya que el artista observa y concibe la naturaleza que lo rodea. Así, hacer del arte popular el resultado de un triángulo dinámico de interacción entre la naturaleza, el hombre y la sociedad, en el que cada vértice constituye una entidad viviente que influye directamente en la creación. Por ejemplo, las fibras vegetales que podemos encontrar en el país, son prueba del uso de los recursos naturales, que el artista toma prestados de la naturaleza y luego los devuelve en forma de objetos fabulosos.

Además, puede ver el mural pintado en 1947 por Miguel Covarrubias, que es la representación de un mapa que muestra la estrecha relación entre la producción artesanal y el medio ambiente. Asimismo, se proyecta un video donde se observa la variedad del entorno natural, representado a través de diferentes piezas artesanales.

La exposición ocupa tres de los cuatro pisos del edificio, en un área total de 7000 m². También hay una sala para exposiciones temporales y una sala de “interpretación” con piezas de los 32 estados (los estados y el Distrito Federal) en el país. Aquí se presentan varios tipos de artesanías, que incluyen cerámica, cestería, tallado en madera, metalistería, cristalería, textiles, papel maché y otros. También hay un centro de investigación con biblioteca y biblioteca de periódicos.

El desfile monumental de Alebrije
El museo es mejor conocido por su desfile anual de “alebrijes monumentales” que comenzó como un evento anual en 2007. Un alebrije es una criatura fantástica, que generalmente incluye varias partes de la vida real o criaturas fantásticas. Estos no solo incluyen criaturas como moscas con cola de dragón y leones de varias cabezas, las obras también llevan nombres fantásticos como “La Mula de Seis”, “Alebrijos” (combinación de alebrije e “hijos” (hijos )), “AH1N1” y “La Gárgola de la Atlántida” (La gárgola de la Atlántida). Los alebrijes normales son pequeñas esculturas hechas de cartón o madera, pintadas en colores brillantes y hechas principalmente en el centro de México y el estado de Oaxaca. Los alebrejes monumentales son flotadores y el más alto hasta ahora tiene cuatro metros de alto por tres de ancho.

El evento se llama La Noche de los Alebrijes y está organizado por el Museo de Arte Popular en colaboración con el gobierno de la Ciudad de México con el apoyo de CONACULTA y varias instituciones privadas y particulares. El propósito del desfile es promover el trabajo de artistas y artesanos mexicanos modernos. El proceso de creación de los alebrijes comienza en junio, con el desfile a finales de octubre. La mayoría de los alebrijes monumentales se crean con cartón, excepto los de Oaxaca, que están parcialmente hechos de madera, y se abren paso desde la plaza principal (Zócalo), a través del centro histórico hasta el Paseo de la Reforma que termina en el Ángel de la Independencia. Los alebrijes compiten por el primer, segundo y tercer premio de 50,000, 30,000 y 20,000 pesos. Después del desfile, más tarde en el día, se eligen los ganadores y se llevan a cabo otros eventos como el Concurso de títeres de Alebrije y el Concurso de cuentos de Alebrije.

El desfile de 2007 contó con treinta y cinco alebrijes con 200,000 espectadores llenando las calles del centro de la ciudad. En 2008, hubo setenta y cinco alebrijes con más de dos millones de espectadores. El desfile de 2009 tenía 120 carrozas registradas, provenientes de la Ciudad de México, el Estado de México, Puebla, Oaxaca y Morelos. También participaron bandas de música como la banda de la Armada y las bandas estatales de los estados de México y Morelos y bandas privadas como El Reflejo Sinaloense, La Usurpadora, Cerro Verde y La Coqueta. Todos los alebrijes fueron creados recientemente para el evento y fueron diseñados por más de 100 artistas. Después del desfile, los alebrijes se exhiben durante aproximadamente dos semanas en el Paseo de la Reforma entre el Ángel de la Independencia y la Fuente de Diana. El director del museo declaró que cada año han mejorado tanto el número como la calidad de los alebrijes.

Taller
Todos los fines de semana, el museo tiene talleres para niños entre seis y doce años en diversas artesanías con el objetivo de preservar estas artesanías. Los talleres incluyen aquellos sobre corte de papel, papel de amate (corteza) y papel maché. Para ocasiones especiales como el Día de Muertos, los talleres han incluido aquellos sobre cómo hacer figuras de Catrina, calaveras de azúcar y dulces tradicionales.

Tienda de regalos
La tienda de regalos contiene una amplia variedad de artesanías para la venta, desde las reinterpretaciones más tradicionales hasta las más recientes de diversas artesanías, que contienen artículos como muebles, textiles y juguetes de todas partes de la República de México. La tienda del museo es sin fines de lucro, diseñada para ayudar a los artesanos a obtener mejores precios por sus productos. Muchos de los productos provienen de aldeas en Michoacán, a menudo pobladas solo por mujeres y niños cuando los hombres van a trabajar a lugares como Estados Unidos. Las ventas de sus productos han sido lo suficientemente buenas como para atraer a varios hombres a regresar a casa y trabajar en las artesanías.