El Barroco en Brasil fue el estilo artístico dominante durante la mayor parte del período colonial, encontrando un terreno receptivo para una rica floración. Hizo su aparición en el país a principios del siglo XVII, introducido por los misioneros católicos, especialmente jesuitas, que fueron a catequizar y aculturar a los indígenas y ayudar a los portugueses en el proceso de colonización. Durante todo el período colonial hubo una asociación íntima entre la Iglesia y el Estado, pero como en la colonia no había un tribunal que sirviera de patrón, ya que las élites no se molestaron en construir palacios o patrocinar las artes profanas hasta el final del período. y dado que la religión ejerció una enorme influencia en la vida cotidiana de todos, de este conjunto de factores deriva que la gran mayoría del legado barroco brasileño está en el arte sacro: estatuaria, pintura y trabajo de talla para la decoración de iglesias y conventos o para culto privado.

Las características más típicas del Barroco, generalmente descritas como un estilo dinámico, narrativo, ornamental, dramático, que cultiva los contrastes y una plasticidad seductora, transmiten un contenido programático articulado con refinamientos de retórica y gran pragmatismo. El arte barroco era un arte esencialmente funcional, que funcionaba muy bien para los propósitos que se le prestaban: además de su función puramente decorativa, facilitaba la absorción de la doctrina católica y las costumbres tradicionales por parte de los neófitos, al ser un instrumento pedagógico y catequético eficaz. Pronto los indios pacificados más hábiles, y luego los negros importados como esclavos, expusieron masivamente a la cultura portuguesa, de meros espectadores de sus expresiones artísticas pasadas a agentes productores, siendo responsables, principalmente los negros, por gran parte del barroco producido en el país. Ellos y los artesanos populares, en una sociedad en proceso de integración y estabilización, comenzaron a dar al Barroco europeo características nuevas y originales, y por esta razón se considera que esta aclimatación constituye uno de los primeros testimonios de la formación de un genuino Cultura brasileña

Artes visuales
Sistema de producción
La condición social de los artistas y las circunstancias de su actuación en el Brasil colonial siguen siendo objeto de controversia. No se sabe con exactitud si su actividad se mantuvo subordinada al estatuto de las artes mecánicas y artesanales o si ya se consideraba parte de las artes liberales. Parece que una forma corporativa similar al gremio prevaleció hasta el advenimiento del Imperio, organizada de la siguiente manera: el maestro estaba en la parte superior de la jerarquía, era el responsable último de las obras y de la capacitación y habilitación de nuevos aprendices; debajo estaba el oficial, un profesional entrenado, pero no graduado para sacar trabajos importantes; Luego vinieron los ayudantes, los jóvenes aprendices, y los esclavos estaban en la base. También hay buena evidencia para creer que si bien hubo algún progreso en la condición social de los artistas cerca del final del Barroco, los trabajadores manuales como ellos, donde se incluyeron muchos esclavos, todavía enfrentaban un gran desprecio por parte de las élites.

Grupos temáticos
La pintura y la escultura barroca se desarrollaron como artes coadjutoras para obtener el efecto escénico completo de la arquitectura sagrada, la iglesia donde todas las especialidades conjugavam esfuerzos en busca de un impacto kinestésico barrer. Dado que el arte barroco es esencialmente narrativo, vale la pena mencionar los principales grupos temáticos cultivados en Brasil. El primero se extrae del Antiguo Testamento, que ofrece visualizaciones didácticas de la cosmogénesis, la creación del hombre y los fundamentos de la fe dados por los patriarcas hebreos. El segundo grupo deriva del Nuevo Testamento, centrado en Jesús Cristián y su doctrina de la Salvación, temática elaborada a través de muchas escenas que muestran sus milagros, sus parábolas, su Pasión y Resurrección, elementos que consolidan y justifican el cristianismo y lo diferencian de la religión judía. El tercer grupo gira en torno a retratos de funcionarios de la Iglesia, los antiguos patriarcas, mártires, santos y santos, notables clérigos, y finalmente viene el grupo temático del culto mariano, retratando a la madre de Jesús en sus múltiples invocaciones.

Pintura
Como en todas las artes, la Iglesia Católica fue el mayor mecenas de la pintura colonial. Para la Iglesia, la pintura tenía la función básica de ayudar a la catequesis y confirmar la fe de los devotos. La necesidad de ser fácilmente entendidos por las personas sin educación significaba que el dibujo prevalecía sobre el color. El dibujo, en la conceptualización de la época, pertenecía a la esfera de la razón y definía la idea de ser transmitida, y el color proporcionaba el énfasis emocional necesario para la mejor eficiencia funcional del dibujo. De esta manera, toda la pintura barroca es figurativa, retórica y moralizante. Cada escena traía una serie de elementos simbólicos que constituían un lenguaje visual, siendo utilizados como palabras en la construcción de una frase. El significado de tales elementos era, en ese momento, de dominio público. Las imágenes de los santos mostraban sus atributos típicos, como los instrumentos de su tormento, u objetos que estaban vinculados a su carrera o ilustraban sus virtudes. Por ejemplo, San Francisco puede aparecer rodeado de objetos asociados con la penitencia y la fugacidad de la vida: el cráneo, el reloj de arena, el rosario, el libro, el flagelo y el cilicio.

La mayoría de las pinturas barrocas brasileñas fueron hechas en temple o aceite en madera o lona, ​​y se insertaron en la decoración de talla. Algunos ejemplos raros de la técnica de los frescos en el Monasterio de São Bento en Río y la Iglesia de Terésios en Cachoeira do Paraguaçu sobreviven, pero no hay ningún registro de popularización de la técnica. Desde el principio, los exvotos eran comunes, y en el siglo XVIII se difundirían aún más. Por lo general, eran una factura rústica, ordenada por los devotos a los artesanos populares, o ejecutada por la gente misma, pagaba alguna gracia recibida o en prenda de alguna promesa. Los exvotos tuvieron un papel importante en el primer desarrollo de la pintura colonial porque eran una práctica frecuente, que se explica por el paisaje aún salvaje donde se organizaron los asentamientos, donde no había peligros de varias órdenes, contra los cuales la invocación de los poderes celestiales de ayuda y protección fueron una constante.

Desde el período inicial, algunos de los primeros pintores brasileños que saben algo son dignos de mención: Baltazar de Campos, activo en Maranhão, produjo lienzos sobre la Vida de Cristo para la sacristía de la Iglesia de San Francisco Javier; João Felipe Bettendorff, también en Maranhão, decoró las iglesias de Gurupatuba e Inhaúba, y Frei Ricardo do Pilar, activo en Río con una técnica que se acerca a la escuela flamenca, fue autor de un celebrado Señor de los Mártires. Lourenço Veloso, Domingos Rodrigues, Jacó da Silva Bernardes y Antonio Gualter de Macedo trabajaron en varios lugares entre Pernambuco y Río de Janeiro. Frei Eusebio da Soledade, considerado el fundador de la escuela de Bahía, pudo haber estudiado con Frans Post y Albert Eckhout, artistas de la corte de Pernambuco de John Maurice de Nassau, durante la dominación holandesa del noreste.

El siglo XVIII vio la pintura de flores en casi todas las regiones del país, formando los gérmenes de las escuelas regionales y sobreviviendo a un mayor número de identidades individuales conocidas. Ya circulaban una gran cantidad de grabados de obras europeas, que reproducían obras de maestros célebres u ofrecían otros modelos iconográficos. Estos grabados fueron la principal fuente de inspiración para los pintores coloniales brasileños, varios estudios ya han documentado su apropiación masiva de dichos modelos, adaptándolos a las necesidades y posibilidades de cada lugar. Incluso los sirvieron como escuela, ya que no había academias de arte formales y pocos artistas estaban bien preparados. De estos, casi solo los misioneros educados en Europa, los primeros maestros de pintura de Brasil. Sin embargo, dado que esta colección iconográfica importada tenía un perfil muy heterogéneo, compuesto por imágenes de diferentes períodos y estilos, la pintura barroca brasileña tiene un carácter igualmente dinámico y multifacético, y no es posible estudiarlo desde un prisma de unidad y coherencia formal. .

Estatuaria
El Barroco originó una gran producción de estatuas sagradas. Una parte integral de la práctica religiosa, las estatuas devocionales encontraron espacio tanto en el templo como en el hogar privado. Cabral ya había traído consigo una estatua de Nuestra Señora de los Navegantes, y las primeras piezas del país que quedaban eran de importación portuguesa, viniendo con los misioneros. A lo largo del Barroco, la importación de obras continuó, y muchas de las que aún existen en iglesias y colecciones de museos son de origen europeo. Pero desde el siglo XVI empezaron a formarse escuelas locales de escultura, compuestas principalmente por religiosos franciscanos y benedictinos, pero con algunos artesanos seculares, que trabajaron principalmente en la arcilla. Las primeras imágenes de arcilla cocida creadas en Brasil que son noticias seguras son obra de João Gonçalo Fernandes, que data de la década de 1560 y que afortunadamente sobrevivió a la época. Esta era la técnica en la que los nativos podían contribuir más activamente, enseñando las técnicas blancas de la pintura cerámica y el conocimiento sobre los pigmentos naturales tales como tabatinga y tauá que habían dominado durante milenios. Los indios también colaboraron como santeiros, especialmente en las reducciones del sur y algo del noreste, y en estos casos, muchas huellas étnicas indias se encuentran a menudo en los rostros de las imágenes, como se puede ver en algunas de las esculturas del Siete pueblos de las misiones. Los jesuitas ya preferían la madera, que a partir de finales del siglo XVII también predominaría, determinando también los cambios en la forma de las piezas. La técnica del tiempo requería que las piezas de arcilla se modelaran de forma compacta, con un bajo relieve y sin partes proyectadas, que pudieran romperse fácilmente durante la cocción. Wood, por otro lado, habilitó la escultura con formas abiertas, aleteantes y dinámicas, mucho más libres en el espacio tridimensional. La mayoría de las estatuas barrocas brasileñas finalmente se crearon en madera policromada. La arcilla se usó principalmente al principio, aunque nunca se abandonó, y la piedra era rara, más reservada para la decoración de fachadas y monumentos públicos.

Creado en Brasil o importado, difícilmente habría una casa que no tuviera al menos algún santo de devoción tallada: las estatuas se convirtieron en una mercancía, casi omnipresente, mucho más común que la pintura, con grandes ejemplares, en tamaño natural o incluso más grande, para piezas miniaturizadas para uso práctico en viajes. Salvador, en particular, se convirtió en un centro de exportación de estatuas hasta los puntos más distantes del país, creando una escuela regional de tal fortaleza que no conocía ninguna solución para la continuidad hasta el siglo XX. Otra importante escuela del noreste fue la de Pernambuco, con una producción de alta calidad pero aún poco estudiada. La mayoría de las obras sobrevivientes permanecen anónimas; no fueron usualmente firmados, y los análisis de estilo a menudo no son suficientes para determinar su origen con precisión, ya que la iconografía siguió las convenciones estándar que valían en todas partes y el intercambio de obras en todo el país fue grande, pero algunos nombres se preservaron por tradición oral o por recibos de pago de obras. Entre ellos podemos mencionar a Agustín de Jesús, activo en Río y São Paulo; Frei Agostinho da Piedade, José Eduardo García, Francisco das Chagas, Cabra, Félix Pereira Guimarães y Manuel Inácio da Costa, activos en Salvador; Veiga Valle, en Pirenópolis; Francisco Xavier de Brito, que actúa entre Río y Minas, Manoel da Silva Amorim, en Pernambuco, Bernardo da Silva, de la escuela Maranhão, Simão da Cunha y Mestre Valentim, en Río de Janeiro. En la escuela de Minas, Francisco Vieira Servas, José Coelho Noronha, Felipe Vieira, Valentim Correa Paes y Ben Sabino da Boa Morte, entre otros.

Con la sedimentación de la cultura nacional a mediados del siglo XVIII, y con la multiplicación de artesanos más capaces, hay un refinamiento creciente en las formas y el acabado de las piezas, y aparecen imágenes de gran expresividad. Sin embargo, la importación de estatuas directamente desde Portugal continuó e incluso creció con el enriquecimiento de la colonia, ya que las clases altas preferían especímenes más finos y maestros más eruditos. Al mismo tiempo, las escuelas regionales se multiplicaron, con énfasis en las de Rio, São Paulo, Maranhão, Pará y Minas, donde la participación de negros y mulatos era esencial y donde se desarrollaban características regionales más típicas, que podían incorporar elementos arcaicos o de varias escuelas en síntesis eclécticas. Tal como lo describe Ailton de Alcântara, «es en este contexto que los hombres humildes pero hábiles, basándose en la perspectiva formal que captan a través de sus embarazos, guiados únicamente por la tradición oral y por el ejercicio de la repetición, serán identificados en el entorno en el que vivieron como los creadores de los santos y otros objetos de devoción «. Aleijadinhore representa la culminación y la gran manifestación final de la escultura barroca brasileña, con una obra densa y magistral difundida en la región de Ouro Preto, especialmente en el Santuario de Bom Jesus de Matosinhos, enCongonhas, que tiene una serie de grandes grupos escultóricos en las estaciones del Via Crucis , en madera policromada, y los famosos Doce Profetas, hechos de esteatita, en el cementerio.

Talla dorada y otras modalidades esculturales
La talla dorada, una forma esencialmente decorativa de escultura, debe abordarse por separado en vista de su gran riqueza en Brasil y su extraordinaria importancia a lo largo del desarrollo del Barroco, a menudo adquiriendo proporciones monumentales y modificando la percepción de los espacios arquitectónicos internos. Como los volúmenes estructurales de las iglesias siempre permanecieron bastante simples y estáticos, atestiguando la longevidad y el vigor de la tradición de la arquitectura chan, fue en la decoración de los interiores, en los retablos y altares, donde domina el tallado, que el El Barroco brasileño podría expresarse con su fuerza total y ser más «típicamente barroco»: suntuoso, extravagante, dinámico y dramático. Fue en el noreste, primero en Salvador y en Recife, donde se dieron sus primeros frutos importantes. La Catedral de Salvador y la Catedral de São Luís do Maranhão, ambos descendientes directamente del Manierismo, se formaron tallas barrocas actualizando otros arcaísmos, como el arcos concéntricos plenarios dispuestos en profundidad, comunes en los portales de las iglesias románicas, abundantes en todo el territorio portugués, y las colunetas retorcidas, ya existentes en el período gótico. Los espacios entre estos elementos estructurales de los retablos, así como sus superficies, fueron tallados con profusa ornamentación policromada y dorada en forma de ramas y guirnaldas de flores, intercaladas en ejemplos más ricos de ángeles, escudos de armas, insignias, pájaros , Atlantes y cariátides, con gran homogeneidad estilística.

Este marco, que tenía un carácter escenográfico y era equivalente en concepto y función a los arcos del triunfo de la Antigüedad, creó un nicho, lleno con un pedestal para la estatua de un santo. La base de los retablos era una caja o mesa también decorada, que podía ser reemplazada por columnas de soporte. Los retablos principales en las chancels podrían tener gran grandeza. Esta conformación específica recibió el nombre de «Estilo Nacional Portugués», que se convirtió en el modelo dominante para la decoración de interiores desde mediados del siglo XVII hasta principios del siglo XVIII. Naturalmente, hubo varias interpretaciones del modelo, y las diferentes órdenes religiosas adoptaron sus propias variaciones que se volvieron típicas; Los jesuitas tendían a ser más sobrios y los franciscanos preferían el lujo exuberante. A lo largo del Estilo Nacional, el tallado en regla poco proyectado en el espacio, siguiendo de cerca la conformación de la arquitectura. Los techos, el Estilo Nacional, cristalizaron en la fórmula de «papeleras» o «bóvedas», un trabajo tallado con fundiciones de áreas poligonales, que fueron parte de pinturas. Ilustrativos de esta etapa son la Capilla Dorada de Recife, una de las primeras en este estilo, y la Iglesia de San Francisco de Salvador, una de las más ricas de Brasil; su exuberante talla dorada cubre por completo todas las superficies internas con un llamativo efecto de unión.

Literatura
Contexto educativo y lingüístico
Debido a las peculiaridades de su formación como colonia, en Brasil la cultura literaria costó desarrollarse. Portugal no hizo ningún esfuerzo por educar a los territorios colonizados; de hecho, por diversos medios se esforzó por no educarlos, ya que el gran interés era la explotación de sus recursos y se temía que una colonia educada pudiera rebelarse contra el poder central y convertirse en independiente. Las bibliotecas y las escuelas públicas no existían, y lo que se aprendió -cuando se aprendió- fue una instrucción elemental bajo la tutela de la Iglesia, especialmente de los jesuitas, fuertemente dirigida a la catequesis, y la educación terminó allí, sin perspectivas de profundización o de mejorar el gusto literario a menos que los alumnos terminen uniéndose a las filas de la Iglesia, lo que les daría una mejor preparación. Además, una gran parte de la población era analfabeta y la transmisión de la cultura se basaba casi por completo en la oralidad, la prensa estaba prohibida, los manuscritos eran raros porque el papel era caro, lunar y almanaques, compendios de latín, lógica y legislación, de modo que además de ser pocos lectores, no había casi nada que leer. Así, la escasa literatura producida durante el Barroco nació principalmente entre los sacerdotes, algunos de ellos muy ilustrados, o entre alguna familia noble o acomodada, entre funcionarios del gobierno, que podían permitirse estudiar en la metrópoli, y que se consumía en este mismo reducido circulo. Lo que ha podido florecer en este contexto pauperístico ha seguido ampliamente el Barroco literario europeo, caracterizado por una retórica exuberante, atractivo emocional, discurso polisémico, asimetría, gusto por las figuras y contrastes del lenguaje, y por el uso intensivo de conceptos e imágenes relacionados con el otro las artes y los diversos sentidos corporales, buscando un efecto sinestésico.

Añádase a esto el hecho de que hasta mediados del siglo XVIII, cuando el marqués de Pombal introdujo reformas importantes en la educación y trató de homogeneizar el panorama lingüístico nacional, lo que menos se hablaba en Brasil era el portugués. En el contexto de un territorio conquistado cuyos habitantes originales se expresaron en una multitud de otras lenguas, los primeros colonos europeos tuvieron que conocerlos, y terminaron usándolos en gran escala en público e incluso en un ambiente doméstico donde los esclavos indios siempre circulados y mestizos, a menudo creando líneas híbridas, como la lengua general de São Paulo, que predominaba en el sur, y nheengatu, que fue la lengua franca de la Amazonía durante mucho tiempo. Este mestizaje también ocurrió en el campo pastoral, dando frutos literarios en obras originales o traducciones hechas por los misioneros para trabajar con los indios, incluyendo sermones, poemas y libros sagrados, así como también trabajos técnicos tales como catecismos, diccionarios y gramáticas. Ver nota: durante la Unión Ibérica, y bajo la influencia de las colonias hispanas vecinas, de donde surgieron muchas en busca de mejores oportunidades, Spanis también tuvo una circulación significativa en el sur de Brasil y Sao Paulo, pero a diferencia de las lenguas indígenas, no se arraigó, rápidamente extinguido En algunos puntos de la costa, durante un breve período, también se escucharon neerlandés y francés. Los discursos de los esclavos africanos, por otro lado, deben registrarse, fueron reprimidos severamente, pero pudieron sobrevivir en pequeña escala de manera encubierta, solos, y en festivales y ritos africanos practicados en las zapatillas de los blancos . Finalmente, debe decirse que el lenguaje de la erudición en ese momento era el latín, el idioma oficial de la Iglesia, de la Ley y la Ciencia, y que monopolizaba todo el sistema de educación superior. Había poco espacio para que los portugueses fueran cultivados con más intensidad, estando restringidos casi exclusivamente al alcance oficial, y además de los escritores pioneros raros, algunos de los cuales pronto se mencionarán, solo a mediados del siglo dieciocho es que la literatura brasileña en El portugués comenzará a adquirir una característica más rica y más claramente nativa, acompañando el crecimiento de las ciudades costeras, la aparición de las primeras academias literarias y la aparición del ciclo del oro en Minas Gerais, pero al mismo tiempo la transición al arcadismo, dirigiendo el estilo a los valores clasicistas de economía y simplicidad.

Poesía
En el campo de la poesía, el precursor Bento Teixeira se destaca con su épica Prosopopeia, inspirada en la tradición clásico-manierista de Camões, seguida por Manuel Botelho de Oliveira, autor de Parnassos Music, el primer libro impreso de autor nacido en Brasil, colección de poemas en Portugués y español en estricta orientación cultista y conceptual, en la poesía de Góngora, y más tarde el fraile Manuel de Santa María, también de la escuela camoniana. Pero el mejor poeta del barroco brasileño es Gregorio de Matos, de gran veta satírica, e igualmente penetrante en religión, filosofía y amor, a menudo con una carga erótica cruda. También hizo uso de un lenguaje culto lleno de figuras del lenguaje, al tiempo que muestra influencias clasicistas y manieristas. Fue bautizado como La Boca del Infierno por sus mordaces críticas a las costumbres de la época. En su lírica religiosa, los problemas del pecado y la culpa son importantes, como lo es el conflicto de la pasión con la dimensión espiritual del amor.

Prosa
En prosa, el gran exponente es el padre António Vieira, con sus sermones, de los cuales destaca el Sermón del Primer Domingo de Cuaresma, donde defendió a los nativos de la esclavitud, comparándolos con los hebreos esclavizados en Egipto. En el mismo tono está el Sermón 14 del Rosario, que condena la esclavitud de los africanos y la compara con el Calvario de Cristo. Otras piezas importantes de su oratoria son el Sermón de San Antonio Piscis, el Sermón del Mandato, pero tal vez el más célebre es el Sermón de la Sexagésima, de 1655. En él no solo defiende a los indios, sino también, y sobre todo , ataca a sus verdugos, los dominicanos, por medio de una cadena inteligente de imágenes evocadoras. Sus escritos estaban animados por el deseo de establecer un imperio portugués y católico gobernado por el celo cívico y la justicia, pero su voz fue interpretada como una amenaza al orden establecido, lo que le trajo problemas políticos y atrajo sobre él la sospecha de herejía. También fue autor de la primera narración utópica escrita en portugués, la Historia del futuro, donde trató de revivir el mito del Quinto Imperio, un imperio cristiano y portugués que domina el mundo.

Las artes escénicas

Música
La música es el arte cuya trayectoria durante el Barroco en Brasil es la menos conocida y la que menos deja reliquias: casi todo se perdió. De la producción musical nativa solo sobrevivieron obras notables de finales del siglo XVIII, es decir, cuando el Barroco ya estaba dando paso a la escuela neoclásica. No es que no hubiera habido vida musical en la colonia en siglos anteriores; sin embargo, los puntajes se perdieron, sobreviviendo no más de 2,500 composiciones conocidas, en la estimación de Régis Duprat, mayormente datadas al final del período, pero los testimonios literarios no dejan dudas sobre la intensa actividad musical brasileña desde el comienzo del Barroco, especialmente en el noreste. A fines del siglo XVIII, había más músicos activos en la colonia que en Portugal, lo que habla de la intensidad de la práctica desarrollada en Brasil.

Las primeras actividades musicales registradas en el país estuvieron vinculadas a la catequesis, contando con la participación activa de los indios. En algunas reducciones del sur floreció una rica vida musical, pero en general la música practicada por los misioneros entre los nativos era bastante simple, empleando básicamente el canto homofónico, que a menudo formaba parte de representaciones teatrales didácticas. Poco después se introdujo un elemental instrumental compuesto básicamente por flautas y violas de alambre. Con el crecimiento de la colonia, mejores condiciones materiales proporcionaron un enriquecimiento generalizado, apareciendo coros, orquestas y escuelas. Fue entonces cuando los negros y los mulatos, que llegaron a dominar a los músicos coloniales, se hicieron mucho más importantes, musicalmente. Hay varios informes admirados de viajeros en orquestas negras y mulatas que tocan a la perfección piezas eruditas europeas. Muchos de ellos, además de interpretar, crearon y, entre ellos, algunos de los mejores compositores de la época, aunque en su producción no se detectan rastros de la cultura original de su origen étnico, todo orientado a modelos europeos.

Como la Iglesia siguió siendo la gran patrona de las artes, fue natural la proliferación de hermandades musicales, que adquirieron una enorme importancia en la vida musical de la colonia. Algunos se han vuelto muy ricos, logran administrar orquestas completas y poseen sus propios templos decorados con lujo. Aunque las cofradías se organizaron espontáneamente, la práctica musical que desarrollaron nació de encargos, y estuvo siempre bajo la tutela de la Iglesia, que atribuyó a cada uno la responsabilidad de la musicalización de ceremonias y fiestas específicas, contratando a su principal maestro para el ejecución de música durante todo un año. Esta forma de contratación se llamaba estanca, y equivalía a un monopolio. A fines del siglo XVIII, se presentó la subasta de los contratos. Las formas de música sacra cultivadas en Brasil eran equivalentes a las de Europa: misas, letanías, motetes, salmos, responsos, himnos, entre otros, y tenían, como las otras artes barrocas, una naturaleza funcional: tenían como objetivo estimular la devoción de los fieles. un importante elemento catalizador y evocador en un culto ritualizado y espectacularizado, que tiene lugar en el suntuoso escenario de las iglesias o en las coloridas y concurridas festividades al aire libre.

Sin embargo, la música profana también experimentó una floración rica y sofisticada. Además de estar presentes en muchas situaciones domésticas, en festividades cívicas, en ceremonias oficiales, mezclándose con música popular, los informes también acusan a la puesta en escena de óperas completas en Bahía y Pernambuco a fines del siglo XVII, así como en el siglo siguiente en Río (1767 ) y teatros de São Paulo (1770), con un repertorio básicamente italiano. El portugués Antônio Teixeira, que interpretó las sátiras de Antônio José da Silva, el judío, de gran difusión y éxito, aunque escrito en Portugal, se destacó. La partitura vocal profana más antigua escrita en Brasil en portugués que duró fue la Cantata Académica Heroe, atroz, erudita, peregrina, de hecho solo una pareja recitativa + aria de un compositor anónimo, quien en 1759 saludó con elegancia y música expresiva al dignatario portugués José Mascarenhas y deploró las dificultades que había tenido en esta tierra. Su autoría a veces se atribuye a Caetano de Melo de Jesús, un maestro de capilla en la Catedral de Salvador.

Debe incluir la cita de algunos otros nombres importantes. En São Luís, desde 1629, se nota la presencia de Manuel da Motta Botelho como maestro de capilla. Frei Mauro das Chagas trabajó un poco antes en Salvador, y después de él vinieron José de Jesús María São Paio, Frei Félix, Manuel de Jesús María, Eusébio de Matos y varios otros, especialmente João de Lima, el primer teórico musical del Nordeste, polifonista, multiinstrumentista y maestro de capilla de la Catedral de Salvador entre 1680 y 1690, y luego asumiendo el de Olinda. Una de las principales figuras del pico musical de Salvador fue el Padre. Agostinho de Santa Mónica, de gran fama mientras vivió, autor de más de 40 misas, algunas de estilo policial y otras composiciones. Caetano de Melo de Jesús, mencionado anteriormente, fue otro gran personaje en la música de la capital de Bahía, autor de una Escuela de Órgano Canción («canto de órgano» se entendió como canto polifónico), en dos volúmenes, que aunque nunca se publicó, es hoy considerado uno de los tratados más notables de la teoría musical escrita en lengua portuguesa de su tiempo, compitiendo con los célebres musicólogos europeos, destacando por su extensión, comprensión enciclopédica y erudición «en los diversos dominios del conocimiento que, a partir de la la base pedagógica del trivium y el quadrivium, abarca virtualmente el conocimiento filosófico y humanístico disponible en el momento para una Capilla del Maestro de la Catedral realizada «, dijo la investigadora Mariana de Freitas.

Los otros centros principales de la época, Recife, Belém y São Paulo, solo pudieron mantener una actividad constante desde el siglo XVIII. A pesar de su relativa demora, la calidad de su vida musical alcanzó un nivel que interesó incluso a los expertos de Metropolis. Varios de sus jugadores fueron nombrados en el Diccionario de Músicos Portugués de Joseph Mazza, entre ellos José Costinha, Luis de Jesús, José da Cruz, Manoel da Cunha, Inácio Ribeiro Noia y Luis Alvares Pinto. Muchos historiadores clasifican la obra Misfolded Love, producida en Recife en 1780 por Luís Álvares Pinto, como el primer drama montado públicamente en Brasil por un autor nativo; y aunque la pieza no estaba destinada a ser cantada (hay un coro interpretado por la canción), tiene una trama similar a la mejor ópera seria de la época.

Teatro y festividades
Las primeras manifestaciones teatrales importantes en Brasil ocurren en la transición del Manierismo al Barroco, emergido como un instrumento en la obra de catequizar al Gentil. Tales son las obras de José de Anchieta, el primer y más grande dramaturgo del siglo XVI en Brasil. Su producción es parte de la concepción jesuita de la catequesis escénica, sistematizada por el padre Francisco Lang en su Dissertatio de actione scenica. Para formular sus preceptos, Lang se basó en la tradición teatral italiana en registros antiguos de misterios medievales y en los requisitos de los Ejercicios Espirituales de San Ignacio de Loyola, que estipulaba la «composición del lugar» para una mejor eficacia de la meditación espiritual. En el caso de Anchieta, el teatro de Gil Vicente fue otra referencia importante.

Las tramas generalmente provenían de la Biblia y de la hagiografía católica, y la historia de la Pasión de Cristo a lo largo del Camino de la Cruz fue una de las más importantes. Las piezas de Anchieta ya muestran una de las características del teatro religioso barroco que se mantendría a lo largo de los siglos siguientes, el sincretismo, con personajes retirados de varios periodos históricos y mezclados con figuras legendarias.En el Auto de São Lourenço, por ejemplo, aparecen los emperadores romanos Décio y Valeriano, los ángeles, los santos, Sebastião y Lourenço, una anciana, muchachos y demonios indios, y en esta mezcla queda claro, como señaló Karnal, el propósito de » relativizar el tiempo y el espacio en función del marco divino de referencia, que es eterno y absoluto concomitante y, a pesar de la existencia de una historia de salvación, los valores verdaderos no son históricos ni lineales «. En el siglo XVII, la forma del teatro sagrado desarrollado, paisajes enriquecidos y escenarios del escenario, y el público objetivo ya no es principalmente el indio, sino toda la población.

Al principio no había casas de teatro, y el lugar para las representaciones era generalmente el aire libre, en las plazas antes de las iglesias, o en las tareas, con la ayuda de escenarios móviles instalados en flotadores que acompañaban la ruta. Las procesiones en particular se basaron en la participación popular animada en un movimiento integrado entre los actores y el público. A menudo usaban símbolos o imágenes sagradas de un tipo especial, las estatuas de piedra, vestidas como personas y articuladas para que se adapten a la acción que se desarrollaba, donde desempeñaban un papel evocador fundamental.

Además de las representaciones organizadas por la Iglesia y las Hermandades, el teatro está presente en la escena oficial en la forma de las autoridades civiles y militares y las otras ceremonias, generalmente con textos retóricos mezclados con alegorías clásicas y referencias bíblicas. Pero el teatro profano también sucedió como teatro espontáneo, ya sea en el espacio público o en privado, donde los caracteres eran de uso frecuente e improvisación, una práctica. Salvador fue la primera etapa de este teatro popular; pronto otros centros también indican su aparición, siendo frecuente el uso del derecho mezclado con el español y el vernáculo nativo. Aunque este teatro del pueblo era apreciado por la espontaneidad y tenía un carácter eminentemente folclórico, a menudo se usaba textos y preparados de Lisboa,ya que la prensa estaba prohibida en Brasil. Estos textos, traducido y editado de manera oscura y de aficionado en la Metrópolis, fueron adaptaciones hechas de famosos trabajos académicos, y se vendieron a bajo costo en la semejanza de la literatura de cordel, con un buen mercado. Del mismo modo que ya estaban adulterados y «popularizados», se preparó a muchas otras adaptaciones e improvisaciones de acuerdo con las posibilidades en cada ocasión.se prestaron muchas otras adaptaciones e improvisaciones de acuerdo con las posibilidades en cada ocasión.se prestaron muchas otras adaptaciones e improvisaciones de acuerdo con las posibilidades en cada ocasión.

El teatro profano erudito solo comenzará a florecer con la estabilización y el enriquecimiento de la colonia, la estandarización de la norma lingüística y el avance de la colonización hacia el interior. En esta fase, desde mediados del siglo XVIII, comienza la construcción de varias casas de espectáculo por la costa y en algunos centros interiores, como Ouro Preto y Mariana. Sirvió principalmente para representar piezas de música, óperas, melodramas y comedias. Al mismo tiempo, apareció el deseo de profesionalización del teatro brasileño, hasta entonces de base amateur y popular, con el resultado de que los tablados itinerantes dieran lugar al auditorio fijo. El repertorio todavía se importa en gran parte de Europa, con obras de Molière, Goldoni, Corneille, Voltaire,pero también algunos de los temas musicales y las sátiras musicales de António José da Silva, el judío, ganaron enorme popularidad. A pesar de la gran popularidad del teatro en el Barroco de Brasil, los actores, que incluyen muchos más, se colocan entre las clases más bajas de la sociedad.

De las casas de teatro barrocas de Brasil, la más antigua que aún existe en el Teatro Municipal de Ouro Preto, de 1770, que es también el más antiguo de las Américas que aún se usa. Otro ejemplo importante sobrevivió en Sabará, el segundo más antiguo de Brasil aún activo. En Río hay registros de teatros más antiguos, como la Ópera de Padre Bonaventura, erigida posiblemente en 1747, que no sobrevivió. Sin embargo, las historias se caracterizan por la riqueza de sus elementos decorativos y vestuarios, el uso de los cables y su estructura mecánica escénica, un equipo esencial para la creación de los efectos especiales tan apreciados en la escena en escena del Barroco. El propio padre Bonaventura gobernó los espectáculos. Otro teatro fue erigido en Río alrededor de 1755, el Teatro de Manoel Luiz; en ella,la actividad de uno de los primeros escenarios profesionales de Brasil, Francisco Muzzi, y un repertorio con piezas de Molière, Goldoni, Metastasio, Maffei, Alvarenga Peixoto y especialmente las piezas del juicio. Funcionó hasta la llegada de la familia real portuguesa a Brasil.

Se considera que la herencia escénica del barroco permanece hasta nuestros días en las expresiones populares sincréticas de larga y rica tradición que sobreviven en varias partes del país, como las letanías, la conga, los trajes de los Reyes, e incluso es visible en el carnaval. moderno, una fiesta asociada al calendario religioso y una de las expresiones populares contemporáneas que actualizan la exuberante escenografía de la altura del teatro y las fiestas barrocas.