Römische Kunst bezieht sich auf die bildende Kunst im alten Rom und in den Gebieten des Römischen Reiches. Die römische Kunst ist die Kunst, die in den Gebieten des alten Roms von der Gründung Roms (753 v. Chr., Nach der traditionellen Chronologie, teilweise durch die Archäologie bestätigt) bis zum Fall des westlichen Reiches (476 n. Chr.) Produziert wurde. Es nahm wirklich Kontakt mit der griechischen Kunst auf, als Kunsthistoriker, das 19. Jahrhundert, ihn zur Nachahmung kritisierten und neue Einflüsse in Regionen fanden, die vom Reich betroffen waren.

Die römische Kunst umfasst Architektur, Malerei, Skulptur und Mosaikarbeiten. Luxusgegenstände in Metallarbeiten, Edelsteingravuren, Elfenbeinschnitzereien und Glas werden in modernen Begriffen manchmal als Nebenformen der römischen Kunst angesehen, obwohl dies bei Zeitgenossen nicht unbedingt der Fall gewesen wäre. Die Skulptur wurde von den Römern vielleicht als die höchste Kunstform angesehen, aber auch die Figurenmalerei wurde sehr geschätzt. Die beiden Formen hatten sehr unterschiedliche Überlebensraten, wobei ein sehr großer Skulpturenkörper ab etwa dem 1. Jahrhundert v. Chr. Überlebte, wenn auch nur sehr wenig von früher, aber nur sehr wenig Malerei übrig blieb und wahrscheinlich nichts, was ein Zeitgenosse in Betracht gezogen hätte von höchster Qualität sein.

Antike römische Keramik war kein Luxusprodukt, aber eine riesige Produktion von „feinen Waren“ in Terra Sigillata wurde mit Reliefs verziert, die den neuesten Geschmack widerspiegelten, und versorgte eine große Gruppe in der Gesellschaft mit stilvollen Gegenständen zu einem offensichtlich erschwinglichen Preis. Römische Münzen waren ein wichtiges Propagandamittel und haben in enormer Zahl überlebt.

Nach dem Untergang des Reiches setzt sich die römische Kunst in der byzantinischen Kunst und der mittelalterlichen christlichen Kunst fort. Er beeinflusste stark die Künstler der Renaissance, dann des Klassizismus und des Neoklassizismus. Diese Kunst entwickelt Porträts, Mosaike, Theater und innoviert mit Thermalbädern, Büsten, Aquädukten und sogar Triumphbögen. Die römische Malerei hat vier Perioden.

Einführung
Während die traditionelle Ansicht der alten römischen Künstler ist, dass sie oft von griechischen Präzedenzfällen entlehnt und diese kopiert haben (viele der heute bekannten griechischen Skulpturen sind in Form von römischen Marmorkopien), hat eine neuere Analyse gezeigt, dass die römische Kunst eine hohe Bedeutung hat kreative Pastiche, die sich stark auf griechische Modelle stützt, aber auch etruskische, kursive und sogar ägyptische visuelle Kultur umfasst. Stilistischer Eklektizismus und praktische Anwendung sind die Markenzeichen vieler römischer Kunst.

Plinius, der wichtigste Kunsthistoriker des antiken Rom, berichtete, dass fast alle Kunstformen – Skulptur, Landschaft, Porträtmalerei, sogar Genremalerei – in der griechischen Zeit und in einigen Fällen weiter fortgeschritten waren als in Rom. Obwohl nur sehr wenige Überreste der griechischen Wandkunst und Porträtmalerei vorhanden sind, bestätigt dies sicherlich die griechische Skulptur und Vasenmalerei. Diese Formen wurden von römischen Künstlern in Bezug auf Design und Ausführung wahrscheinlich nicht übertroffen. Als ein weiteres Beispiel für das verlorene „Goldene Zeitalter“ hob er Peiraikos hervor, „dessen Kunst nur von sehr wenigen übertroffen wird … Er malte Friseurläden und Schuhmacherstände, Esel, Gemüse und dergleichen und kam aus diesem Grund dazu als „Maler vulgärer Untertanen“ bezeichnet werden, doch diese Werke sind insgesamt entzückend, und sie wurden zu höheren Preisen verkauft als die größten Gemälde vieler anderer Künstler. “ Das Adjektiv „vulgär“ wird hier in seiner ursprünglichen Definition verwendet, was „gewöhnlich“ bedeutet.

Die griechischen Vorläufer der römischen Kunst waren legendär. Mitte des 5. Jahrhunderts v. Chr. Waren Polygnotos, bekannt für seine Wandmalereien, und Apollodoros, der Urheber des Helldunkels, die bekanntesten griechischen Künstler. Die Entwicklung einer realistischen Technik wird Zeuxis und Parrhasius zugeschrieben, die nach der antiken griechischen Legende einmal an einer tapferen Darstellung ihrer Talente teilgenommen haben sollen, den frühesten Beschreibungen der Trompe l’oeil-Malerei in der Geschichte. In der Bildhauerei waren Skopas, Praxiteles, Phidias und Lysippos die bedeutendsten Bildhauer. Es scheint, dass römische Künstler viel antike griechische Kunst kopieren konnten, da der Kunsthandel im ganzen Reich lebhaft war und ein Großteil des griechischen künstlerischen Erbes durch Bücher und Lehre in die römische Kunst gelangte. Es ist bekannt, dass antike griechische Abhandlungen über die Künste in der Römerzeit existierten, aber jetzt verloren sind.

Die hohe Anzahl römischer Kopien der griechischen Kunst spricht auch für die Wertschätzung römischer Künstler für die griechische Kunst und vielleicht für ihre seltenere und höhere Qualität. Viele der von den Römern verwendeten Kunstformen und -methoden – wie Hoch- und Flachrelief, freistehende Skulptur, Bronzeguss, Vasenkunst, Mosaik, Cameo, Münzkunst, edler Schmuck und Metallarbeiten, Grabskulptur, perspektivisches Zeichnen, Karikatur, Genre- und Porträtmalerei, Landschaftsmalerei, Architekturskulptur und Trompe l’oeil-Malerei – alle wurden von antiken griechischen Künstlern entwickelt oder verfeinert. Eine Ausnahme bildet die römische Büste ohne Schultern.

Die traditionelle Kopf-Schulter-Büste könnte eine etruskische oder frührömische Form gewesen sein. Nahezu jede künstlerische Technik und Methode, die 1900 Jahre später von Künstlern der Renaissance angewendet wurde, wurde von antiken griechischen Künstlern demonstriert, mit Ausnahme von Ölfarben und mathematisch korrekter Perspektive. Wo griechische Künstler in ihrer Gesellschaft hoch verehrt wurden, waren die meisten römischen Künstler anonym und galten als Handwerker. Wie im antiken Griechenland gibt es keine Aufzeichnung der großen Meister der römischen Kunst und praktisch keine signierten Werke. Wo die Griechen die ästhetischen Qualitäten der großen Kunst verehrten und ausführlich über die künstlerische Theorie schrieben, war die römische Kunst dekorativer und bezeichnend für Status und Reichtum und anscheinend nicht Gegenstand von Gelehrten oder Philosophen.

Zum Teil aufgrund der Tatsache, dass die römischen Städte in Macht und Bevölkerung weitaus größer waren als die griechischen Stadtstaaten und im Allgemeinen weniger provinziell, nahm die Kunst im alten Rom einen breiteren und manchmal nützlicheren Zweck an. Die römische Kultur assimilierte viele Kulturen und war größtenteils tolerant gegenüber den Wegen eroberter Völker. Römische Kunst wurde in weitaus größeren Mengen in Auftrag gegeben, ausgestellt und besessen und für mehr Zwecke als in der griechischen Zeit angepasst. Wohlhabende Römer waren materialistischer; Sie schmückten ihre Wände mit Kunst, ihr Zuhause mit dekorativen Gegenständen und sich selbst mit edlem Schmuck.

In der christlichen Ära des späten Reiches, von 350 bis 500 n. Chr., Gedeihen Wandmalerei, Mosaikdecken- und Bodenarbeiten und Grabskulpturen, während Skulpturen in voller Größe in der Rund- und Tafelmalerei wahrscheinlich aus religiösen Gründen ausstarben. Als Konstantin die Hauptstadt des Reiches nach Byzanz verlegte (umbenannt in Konstantinopel), bezog die römische Kunst östliche Einflüsse ein, um den byzantinischen Stil des späten Reiches hervorzubringen. Als Rom im 5. Jahrhundert entlassen wurde, zogen Handwerker in die östliche Hauptstadt und fanden dort Arbeit. Die Kirche der Hagia Sophia in Konstantinopel beschäftigte fast 10.000 Arbeiter und Handwerker in einem letzten Ausbruch römischer Kunst unter Kaiser Justinian (527–565 n. Chr.), Der auch die Schaffung der berühmten Mosaike der Basilika San Vitale in der Stadt Ravenna anordnete .

Soziologie der Künstler

Sponsoren im Rampenlicht
Die römische Gesellschaft hat nie Entwicklungen erlebt, die vom v. Jahrhundert vor Christus profitiert haben. AD, griechische Künstler. Die besten von ihnen wurden zu Lebzeiten anerkannt, sie hinterließen berühmte Werke und brachten ihre Namen in ihre Leistungen ein. In seiner Naturgeschichte, insbesondere im Buch XXXV, zitiert Plinius der Ältere Dutzende von Künstlernamen, klassifiziert sie nach Schulen, unterscheidet ihre Originalität und erzählt Anekdoten über sie. Sie sind fast ausschließlich griechische Künstler, mit Ausnahme von Fabius Pictor und Pacuvius. Die Unsicherheit, die über dem ersteren hängt, ist aufschlussreich: Das Kognom „Bild“ bedeutet „Maler“, aber es ist einer Familie hochrömischer Richter des III. Jahrhunderts vor Christus gemeinsam. Fabius Pictor ist er ein Maler oder ein Richter, der den Tempel des Salus gemalt hat? Text von Plinius zeigt perfekt, dass,

Kunst des Sprechens
Diese Anonymität ist offensichtlich nicht auf die Mittelmäßigkeit römischer Künstler zurückzuführen. Es ist aus kulturellen, sozialen und historischen Gründen zu suchen. Die erste dieser Ursachen ist, dass für die Römer die Literatur die erste der Künste ist, vor jeder plastischen Leistung, wie schön sie auch sein mag. Die Ausbildung junger Römer ist in erster Linie ein Erlernen von Sprache, Sprache, Denken und Rechnen. Dieser Geschmack für Sprache kommt von dem Platz, den die Politik unter den Eliten einnimmt: Sie bauen Ihre Karriere auf, indem Sie wissen, wie man spricht, plädiert, argumentiert, sogar auf dem Schlachtfeld (der berühmten Harangue oder Adlocutio). Wenn so viele Statuen – einschließlich Grabstatuen von Capsa, die die Fortsetzung ihrer Rede enthalten – ist es so, dass die Redekunst – und auch die Musik, aber es ist fast dasselbe – für die Höhe des Genies in Betracht gezogen wird.

Ein relativ bescheidener Status
In der römischen Gesellschaft hat das Wort „Künstler“ nicht die gleiche Bedeutung wie heute, es bedeutet mehr „Handwerker“ als „Schöpfer“. Die Gewohnheit, berühmte Modelle zu kopieren, die in der hellenistischen griechischen Kunst bereits sehr präsent sind und von römischen Künstlern / Handwerkern aufgegriffen wurden, verwirrt das Wasser. Obwohl es sich nie um identische Kopien handelt, sondern um Anpassungen oder sogar Variationen eines Hauptwerkes, hat dieser Ansatz aus der Antike dazu beigetragen, den Status des Handwerkers / Künstlers zu schmälern, dessen freie Meinungsäußerung anscheinend ausgelöscht ist. Schließlich war die künstlerische Reflexion, die intellektuelle und sensible Arbeit, die einen Künstler heute auszeichnet, eine Befriedigung, die oft erbracht wurde, aber überhaupt nicht erforderlich war.

Das Kunstwerk im modernen Sinne war daher nur eine Produktion mit geringem Mehrwert, die kaum mehr wert war als die Materialien, aus denen der Hersteller sie gemacht hatte. Die Arbeit war daher kostengünstig. Sie war nur für die niedrigsten Aufgaben unterwürfig, die nicht als „künstlerisch“ bezeichnet werden können. Der Künstler / Handwerker hingegen war manchmal ein frei geborener Mann, oft ein befreiter Mann, sehr oft ein Ausländer. Im 1. Jahrhundert vor Christus. AD haben wir Beispiele von Künstlern, die als Kriegsgefangene nach Rom gekommen sind. Im Jahr 301 verdient der Pictor Parietarius, Maler großer Wandflächen, zusätzlich zu seiner Nahrung 75 Denare; Der Pictor Imaginarius, Maler komplexer Szenen, verdient unter den gleichen Bedingungen 150 Denare. Der Mosaiker, der die Böden herstellt, verdient 50 Denier, der Mosaiker der Gewölbe oder Wände 60 Denier. Der Marmorschneider (Bildhauer?) Verdient 60 Denare. Ein Zimmermann verdient 50 Denare, wie der Eisenarbeiter, der Bäcker, der Chaufournier, der Färber. All dies hat nichts mit einem Professor für öffentliches Sprechen (250 Denare) oder einem Anwalt zu tun, der einen Prozess plädiert (1000 Denare).

Es ist jedoch sicher, dass die Kunden die besten und die am wenigsten begabten Künstler sehr gut unterschieden. Ein gewisser Ruf umgab sie, Mode war günstig oder nicht, und ihre Dienstleistungen konnten hohe Preise erreichen. Offensichtlich hatte das kaiserliche Gefolge auf die Besten zurückgegriffen. Diese brachten manchmal ihre Unterschriften auf hellenistische Weise an ihren Werken an. Dies ist der Fall auf dem Marcellus des Louvre, einer Grabporträtstatue des Neffen und Schwiegersohns von Augustus, Marcus Claudius Marcellus. Die immense Qualität dieser Arbeit lässt keinen Zweifel an der Nähe seines Sponsors zum Kaiser. Das Tier ist nicht sein Attribut. Es würde eher mit Venus in Verbindung gebracht, deren Iulii behaupten, Nachkommen zu sein. Es wäre daher eine symbolische Erinnerung an ihre Verwandtschaft mit der Göttlichkeit und ein Zeichen der Legitimität. Auf dem Panzer lesen wir auf Griechisch:

An die Umgebung anpassen
Mit Ausnahme des Bestattungssektors wird plastische Kunst vor allem als Dekoration, als Ornament betrachtet. Ciceros Korrespondenz zeigt dies sehr gut: Es geht nicht darum, Statuen der besten athenischen Meister zu bringen, um sie zu bewundern, sondern sein Palast zu schmücken. Die Inszenierung und das Layout sind unerlässlich. Man hat den Eindruck, dass der römische Standpunkt zur Kunst der Standpunkt eines Architekten ist. Archäologische Entdeckungen (zum Beispiel in Bavay im Norden) zeigen, dass die Sponsoren nicht zögern, Statuen zu finanzieren, die von griechischen Meisterwerken kopiert wurden, um unerwartete Gruppierungen zu bilden (aber nicht ohne Bedeutung) oder sogar Gruppen auszubrechen, die als Einheiten konzipiert sind – wie z. B. Einladung zu dem auf Münzen von Cyzicus im 2. Jahrhundert v. Chr. bekannten Tanz. AD -in beabsichtigt, einen Ort zu dekorieren, nicht ohne Raum für neue Bedeutungen zu lassen.

Ökonomische Faktoren
Ein weiterer Faktor behindert die Entstehung starker künstlerischer Persönlichkeiten, insbesondere in der Bildhauerei: Es scheint, dass die Arbeitsteilung in den Werkstätten in Rom mehr als in Griechenland auf das Äußerste getrieben wurde. Wir wissen seit langem, dass die Aufgabe, ein Gesicht aus Marmor und einen Körper aus Toga zu formen, nur selten auf dieselbe Hand fallen kann, wie der Augustus der Via Labicana deutlich zeigt. Aber es scheint sogar, dass die Pflege der Haarformung weniger begabten oder spezialisierteren Armen vorbehalten war. Es ist nicht sicher, ob Horace in seinem Brief an die Pisons übertreibt, wenn er schreibt: „In der Nähe des emilianischen Zirkus wird nur ein Künstler wissen, wie man die Nägel macht und in der Bronze die Geschmeidigkeit der Haare nachahmt, unglückliche Perfektion der Kunst Weil er niemals ein Ganzes machen kann.

Diese Arbeitsteilung geht Hand in Hand mit einer Praxis, die in hellenistischer Zeit skizziert, aber im Reich ausgiebig angewendet wurde: der Praxis, Köpfe durch Verbinden mehrerer Marmorstücke – im Allgemeinen des Gesichts, der Schädelkappe und des Hinterkopfes – zu kleben oder zu stemmen zusammen. Es ist eine Frage, wenn einer der Lautsprecher einen Fehler macht, in der Lage zu sein, leicht „reparieren“ zu können, um so viel wie möglich einen Rohstoff zu sparen, der aufgrund der geringen Handfläche den Selbstkostenpreis stark wiegt Kunstwerk.

Eine kostenlose und erschwingliche künstlerische Produktion
Zusammenfassend kann man sich fragen, ob die Auslöschung der Künstler hinter ihren Kunden keine Chance für die römische Kunst war. Erstens ermöglichte es eine echte Verallgemeinerung der Kunst, ohne von „Demokratisierung“ sprechen zu können. Es ist sicher, dass selbst in den entferntesten Provinzen, selbst in Kreisen, die den finanziellen oder intellektuellen Eliten fremd sind, Kunst nicht als einer privilegierten Kategorie der Bevölkerung vorbehalten angesehen wird. Neben der Existenz von „öffentlich zugänglichen“ Galerien (wie dem Atrium Libertatis) wurden bescheidene Residenzen, sogar Keller, häufig mit Fresken geschmückt.

Auf der anderen Seite haben die Vielfalt der Klientel und die Tatsache, dass sie sich wenig mit richtig künstlerischen Fragen befasst fühlten, sicherlich den Freiheitsspielraum des Künstlers / Handwerkers vergrößert. Der Erfindungsreichtum, die Vielfalt und die Spontanität der römischen Kunst waren von dieser Situation abhängig. Wir können annehmen, dass sich ein Rand der Kundschaft wenig um den mehr oder weniger akademischen Charakter der auf einer Sarkophagfront gemeißelten Szene kümmerte. Wenn die Typologie (Jagdszenen, Werke von Herkules, College of the Muses …) ihr gefiel, wollte sie die Innovationen, die kleinen Details, die stilistischen Details, die den Charme vieler Reliefs und vieler Fresken ausmachen, nicht sehen oder kritisieren und Mosaike, viele Silbervasen.

Gemälde
Von dem riesigen Bestand der römischen Malerei haben wir nur noch wenige Überlebensnester, von denen viele dokumentierte Typen überhaupt nicht oder nur vom Ende der Periode an überleben. Die bekannteste und wichtigste Tasche sind die Wandgemälde aus Pompeji, Herculaneum und anderen nahe gelegenen Orten, die zeigen, wie die Bewohner eines wohlhabenden Badeortes ihre Wände etwa im Jahrhundert vor dem tödlichen Ausbruch des Vesuvs im Jahr 79 n. Chr. Dekorierten. Eine Reihe datierter Stile wurde von modernen Kunsthistorikern beginnend mit August Mau definiert und analysiert, was eine zunehmende Ausarbeitung und Raffinesse zeigt.

Ab dem 3. Jahrhundert n. Chr. Und bis ca. 400 haben wir eine große Anzahl von Gemälden aus den Katakomben von Rom, keineswegs alle Christen, die die spätere Fortsetzung der häuslichen dekorativen Tradition in einer Version zeigen, die angepasst – wahrscheinlich nicht stark angepasst – für Verwendung in Grabkammern, in einem wahrscheinlich eher bescheidenen sozialen Umfeld als in den größten Häusern in Pompeji. Ein Großteil von Neros Palast in Rom, die Domus Aurea, hat als Grotte überlebt und gibt uns Beispiele, von denen wir sicher sein können, dass sie die feinste Qualität der Wandmalerei in ihrem Stil darstellen und die möglicherweise eine bedeutende Innovation im Stil darstellt. Es gibt eine Reihe anderer Teile bemalter Räume, die aus Rom und anderswo erhalten sind, was dazu beiträgt, die Lücken unseres Wissens über Wandmalerei zu schließen. Aus dem römischen Ägypten gibt es eine große Anzahl von sogenannten Fayum-Mumienporträts, Büstenporträts auf Holz, die von einer romanisierten Mittelschicht an der Außenseite von Mumien angebracht wurden. Trotz ihres sehr ausgeprägten lokalen Charakters sind sie wahrscheinlich weitgehend repräsentativ für den römischen Stil in gemalten Porträts, die ansonsten völlig verloren gehen.

Von den im 4. und 5. Jahrhundert nach Rom importierten griechischen Gemälden oder von den in dieser Zeit in Italien gemalten Holzmalereien ist nichts mehr übrig. Insgesamt beschränkt sich das Probenspektrum auf nur etwa 200 Jahre der etwa 900 Jahre römischen Geschichte sowie der Provinz- und Dekorationsmalerei. Der größte Teil dieser Wandmalerei wurde mit der Secco-Methode („trocken“) gemalt, aber einige Freskenbilder gab es auch in der Römerzeit. Es gibt Hinweise aus Mosaiken und einigen Inschriften, dass einige römische Gemälde Adaptionen oder Kopien früherer griechischer Werke waren. Zu der Verwirrung trägt jedoch die Tatsache bei, dass Inschriften möglicherweise die Namen von griechischen Einwandererkünstlern aus der Römerzeit und nicht von kopierten antiken griechischen Originalen enthalten. Den Römern fehlte eine Tradition der figurativen Vasenmalerei, die mit der der alten Griechen vergleichbar war.

Vielzahl von Themen
Die römische Malerei bietet eine Vielzahl von Themen: Tiere, Stillleben, Szenen aus dem Alltag, Porträts und einige mythologische Themen. Während der hellenistischen Zeit rief es die Freuden der Landschaft hervor und stellte Szenen von Hirten, Herden, rustikalen Tempeln, ländlichen Gebirgslandschaften und Landhäusern dar. Erotische Szenen sind ebenfalls relativ häufig. Im späten Reich, nach 200 n. Chr., Überleben frühchristliche Themen, gemischt mit heidnischen Bildern, an Katakombenwänden.

Landschaft und Ausblicke
Die Hauptinnovation der römischen Malerei im Vergleich zur griechischen Kunst war die Entwicklung von Landschaften, insbesondere unter Einbeziehung von Perspektiventechniken, obwohl sich die wahre mathematische Perspektive 1500 Jahre später entwickelte. Oberflächentexturen, Schattierungen und Färbungen sind gut angewendet, aber Skalierung und räumliche Tiefe wurden immer noch nicht genau wiedergegeben. Einige Landschaften waren reine Naturszenen, insbesondere Gärten mit Blumen und Bäumen, während andere architektonische Ausblicke auf städtische Gebäude darstellten. Andere Landschaften zeigen Episoden aus der Mythologie, die berühmtesten Demonstrationsszenen aus der Odyssee.

Nach traditioneller Auffassung hätte die Kunst des alten Ostens die Landschaftsmalerei nur als Hintergrund für zivile oder militärische Erzählszenen gekannt. Diese Theorie wird von Franz Wickhoff verteidigt, ist umstritten. In Platons Critias (107b – 108b) sind Hinweise auf griechische Kenntnisse der Landschaftsdarstellung zu sehen:
… und wenn wir uns das Porträt von göttlichen und menschlichen Körpern ansehen, wie es von Malern ausgeführt wird, in Bezug auf die Leichtigkeit oder Schwierigkeit, mit der es ihnen gelingt, ihre Motive nach Meinung der Betrachter nachzuahmen, werden wir dies zunächst feststellen In Bezug auf die Erde und die Berge und Flüsse und Wälder und den ganzen Himmel mit den Dingen, die darin existieren und sich bewegen, sind wir zufrieden, wenn ein Mann sie auch nur mit einem geringen Grad an Ähnlichkeit darstellen kann …

Stillleben
Römische Stilllebensthemen werden oft in illusionistische Nischen oder Regale gestellt und zeigen eine Vielzahl von Alltagsgegenständen, darunter Obst, lebende und tote Tiere, Meeresfrüchte und Muscheln. Beispiele für das Thema des mit Wasser gefüllten Glases wurden gekonnt gemalt und dienten später als Vorbilder für dasselbe Thema, das oft in der Renaissance und im Barock gemalt wurde.

Porträts
Plinius beklagte sich über den rückläufigen Zustand der römischen Porträtkunst: „Das Gemälde von Porträts, das im Laufe der Jahrhunderte die genauen Ähnlichkeiten von Menschen übermittelte, ist völlig erloschen … Trägheit hat die Künste zerstört.“

In Griechenland und Rom galt Wandmalerei nicht als hohe Kunst. Die prestigeträchtigste Kunstform neben der Skulptur war die Tafelmalerei, dh Tempera- oder Enkaustikmalerei auf Holztafeln. Da Holz ein verderbliches Material ist, sind leider nur sehr wenige Beispiele solcher Gemälde erhalten, nämlich das Severan Tondo aus dem Jahr c. 200 n. Chr., Ein sehr routinemäßiges offizielles Porträt eines Regierungsbüros der Provinz, und die bekannten Fayum-Mumienporträts, alle aus dem römischen Ägypten und mit ziemlicher Sicherheit nicht von höchster zeitgenössischer Qualität. Die Porträts waren an Grabmumien im Gesicht angebracht, von denen sich inzwischen fast alle gelöst haben. Sie zeigen normalerweise eine einzelne Person, die den Kopf oder den Kopf und die obere Brust von vorne betrachtet zeigt. Der Hintergrund ist immer monochrom, manchmal mit dekorativen Elementen. In Bezug auf die künstlerische Tradition, Die Bilder stammen eindeutig mehr aus griechisch-römischen als aus ägyptischen Traditionen. Sie sind bemerkenswert realistisch, obwohl sie in ihrer künstlerischen Qualität unterschiedlich sind, und weisen möglicherweise auf eine ähnliche Kunst hin, die anderswo weit verbreitet war, aber nicht überlebte. Einige auf Glas gemalte Porträts und Medaillen aus dem späteren Reich sind erhalten geblieben, ebenso Münzporträts, von denen einige ebenfalls als sehr realistisch gelten.

Goldglas
Goldglas oder Goldsandwichglas war eine Technik zum Befestigen einer Blattgoldschicht mit einem Design zwischen zwei verschmolzenen Glasschichten, die aus hellenistischem Glas entwickelt und im 3. Jahrhundert nach Christus wiederbelebt wurden. Es gibt nur sehr wenige große Entwürfe, darunter eine sehr feine Gruppe von Porträts aus dem 3. Jahrhundert mit zusätzlicher Farbe, aber die große Mehrheit der rund 500 Überlebenden sind Rundungen, die den abgeschnittenen Boden von Weinbechern oder Gläsern darstellen, mit denen und markiert wurden dekoriere Gräber in den Katakomben von Rom, indem du sie in den Mörser drückst.

Sie stammen überwiegend aus dem 4. und 5. Jahrhundert. Die meisten sind Christen, obwohl es viele heidnische und einige jüdische Beispiele gibt. Es ist wahrscheinlich, dass sie ursprünglich als Geschenke für die Ehe oder zu festlichen Anlässen wie Neujahr gegeben wurden. Ihre Ikonographie wurde viel studiert, obwohl sie künstlerisch relativ unkompliziert sind. Ihre Motive ähneln den Katakombengemälden, unterscheiden sich jedoch in ihrer Ausgewogenheit und umfassen mehr Porträts. Im Laufe der Zeit nahm die Darstellung von Heiligen zu. Die gleiche Technik wurde Mitte des 1. Jahrhunderts in Rom für Goldsteinchen für Mosaike verwendet, und bis zum 5. Jahrhundert waren diese zum Standardhintergrund für religiöse Mosaike geworden.

Die frühere Gruppe gehört „zu den lebendigsten Porträts, die seit frühchristlicher Zeit erhalten sind. Sie starren uns mit außerordentlicher strenger und melancholischer Intensität an“ und ist das beste erhaltene Indiz dafür, was eine hochwertige römische Porträtmalerei in Farbe bewirken kann. Das Gennadios-Medaillon im Metropolitan Museum of Art in New York ist ein schönes Beispiel für ein alexandrinisches Porträt auf blauem Glas, das eine komplexere Technik und einen naturalistischeren Stil verwendet als die meisten spätrömischen Beispiele, einschließlich des Malens auf das Gold, um Schattierungen zu erzeugen mit der griechischen Inschrift, die lokale Dialektmerkmale zeigt. Vielleicht hatte er das Stück erhalten oder in Auftrag gegeben, um den Sieg in einem Musikwettbewerb zu feiern. Eines der berühmtesten Porträtmedaillons im alexandrinischen Stil mit einer Inschrift in ägyptischem Griechisch, wurde später in einer frühmittelalterlichen Crux Gemmata in Brescia montiert, in dem falschen Glauben, dass sie die fromme Kaiserin und gotische Königin Galla Placida und ihre Kinder zeigte; Tatsächlich kann der Knoten im Kleid der zentralen Figur einen Anhänger von Isis markieren.

Dies ist eines aus einer Gruppe von 14 Stücken aus dem 3. Jahrhundert n. Chr., Alle individualisierten weltlichen Porträts von hoher Qualität. Die Inschrift auf dem Medaillon ist im alexandrinischen Dialekt des Griechischen geschrieben und zeigt daher höchstwahrscheinlich eine Familie aus dem römischen Ägypten. Das Medaillon wurde auch mit anderen Werken zeitgenössischer römisch-ägyptischer Kunstwerke verglichen, wie beispielsweise den Mumienporträts von Fayum. Es wird angenommen, dass das winzige Detail solcher Teile nur mit Linsen erreicht werden kann. Die späteren Brillen aus den Katakomben haben eine rudimentäre Porträtstufe mit Merkmalen, Frisuren und Kleidungsstücken, die alle stereotypen Stilen folgen.

Genreszenen
Römische Genreszenen zeigen Römer im Allgemeinen in ihrer Freizeit und umfassen Glücksspiel, Musik und sexuelle Begegnungen. Einige Szenen zeigen Götter und Göttinnen in aller Ruhe.

Triumphbilder
Ab dem 3. Jahrhundert v. Chr. Erschien ein bestimmtes Genre, das als Triumphbilder bekannt ist, wie von Plinius angegeben (XXXV, 22). Dies waren Gemälde, die nach militärischen Siegen triumphale Einträge zeigten, Episoden des Krieges darstellten und Regionen und Städte eroberten. Zusammenfassende Karten wurden gezeichnet, um die wichtigsten Punkte der Kampagne hervorzuheben. Josephus beschreibt das Gemälde, das anlässlich von Vespasian und Titus ‚Entlassung Jerusalems ausgeführt wurde:

Es war auch geschmiedetes Gold und Elfenbein um sie alle befestigt; und viele Ähnlichkeiten des Krieges, und zwar auf verschiedene Weise, und eine Vielzahl von Erfindungen, die ein äußerst lebendiges Porträt von sich selbst bieten. Denn es war zu sehen, wie ein glückliches Land verwüstet und ganze Geschwader von Feinden getötet wurden; während einige von ihnen wegliefen und einige in Gefangenschaft gebracht wurden; mit Mauern von großer Höhe und Größe, die von Maschinen gestürzt und zerstört wurden; mit den stärksten Befestigungen und den Mauern der bevölkerungsreichsten Städte auf den Hügeln, die erobert wurden, und einer Armee, die sich innerhalb der Mauern ergoss; wie auch jeder Ort voller Schlachtung und Flehen der Feinde, wenn sie nicht mehr in der Lage waren, ihre Hände gegen den Widerstand zu erheben.

Hier wurde auch Feuer dargestellt, das auf Tempel gesandt wurde, und Häuser wurden gestürzt und fielen auf ihre Besitzer. Auch Flüsse liefen, nachdem sie aus einer großen und melancholischen Wüste herausgekommen waren, herab, weder in ein kultiviertes Land noch als Getränk für Männer oder für Vieh, aber durch ein Land, das immer noch auf allen Seiten in Flammen steht; denn die Juden erzählten, dass sie so etwas während dieses Krieges durchgemacht hatten. Jetzt war die Verarbeitung dieser Darstellungen bei der Konstruktion der Dinge so großartig und lebendig, dass sie zeigten, was getan worden war, ohne es zu sehen, als ob sie dort wirklich präsent gewesen wären. Auf jeden dieser Festzüge wurde der Kommandeur der Stadt gesetzt, die genommen wurde, und die Art und Weise, wie er genommen wurde.

Diese Gemälde sind verschwunden, aber sie haben wahrscheinlich die Zusammensetzung der historischen Reliefs beeinflusst, die auf militärischen Sarkophagen, dem Titusbogen und der Trajansäule geschnitzt sind. Diese Beweise unterstreichen die Bedeutung der Landschaftsmalerei, die manchmal zu perspektivischen Plänen tendierte.

Ranuccio beschreibt auch das älteste Gemälde in Rom in einem Grab auf dem Esquiline-Hügel:

Es beschreibt eine historische Szene auf klarem Hintergrund, die in vier übereinanderliegenden Abschnitten gemalt ist. Es werden mehrere Personen identifiziert, darunter Marcus Fannius und Marcus Fabius. Diese sind größer als die anderen Figuren … In der zweiten Zone links befindet sich eine Stadt mit Zinnenmauern, vor der sich ein großer Krieger befindet, der mit einem ovalen Buckler und einem gefiederten Helm ausgestattet ist. In seiner Nähe ist ein Mann in einer kurzen Tunika, bewaffnet mit einem Speer … Um diese beiden herum sind kleinere Soldaten in kurzen Tuniken, bewaffnet mit Speeren … In der unteren Zone findet eine Schlacht statt, in der ein Krieger mit ovalem Buckler und Ein gefiederter Helm ist größer als die anderen, deren Waffen vermuten lassen, dass es sich wahrscheinlich um Samniten handelt.

Diese Episode ist schwer zu lokalisieren. Eine von Ranuccios Hypothesen ist, dass sie sich auf einen Sieg des Konsuls Fabius Maximus Rullianus während des zweiten Krieges gegen Samniten im Jahr 326 v. Chr. Bezieht. Die Darstellung der Figuren mit Größen, die proportional zu ihrer Bedeutung sind, ist typisch römisch und befindet sich in plebejischen Reliefs. Dieses Gemälde steckt noch in den Kinderschuhen der Triumphmalerei und wäre zu Beginn des 3. Jahrhunderts v. Chr. Zur Verzierung des Grabes entstanden.

Skulptur
Die frührömische Kunst wurde von der Kunst Griechenlands und der benachbarten Etrusker beeinflusst, die selbst stark von ihren griechischen Handelspartnern beeinflusst wurden. Eine etruskische Spezialität waren fast lebensgroße Grabbilder aus Terrakotta, die normalerweise auf einem Sarkophagdeckel lagen, der in dieser Zeit in der Haltung eines Restaurants auf einem Ellbogen gestützt war. Als die expandierende Römische Republik begann, das griechische Territorium zu erobern, zuerst in Süditalien und dann in der gesamten hellenistischen Welt mit Ausnahme des parthischen Fernen Ostens, wurde die offizielle und patrizische Skulptur weitgehend zu einer Erweiterung des hellenistischen Stils, von dem spezifisch römische Elemente schwer zu bekommen sind entwirren, zumal so viel griechische Skulptur nur in Kopien der Römerzeit erhalten bleibt. Bis zum 2. Jahrhundert v. Chr. Waren „die meisten in Rom arbeitenden Bildhauer“ Griechen, oft versklavt in Eroberungen wie der von Korinth (146 v. Chr.), und Bildhauer waren weiterhin hauptsächlich Griechen, oft Sklaven, deren Namen sehr selten aufgezeichnet werden. Eine große Anzahl griechischer Statuen wurde nach Rom importiert, sei es als Beute oder als Ergebnis von Erpressung oder Handel, und Tempel wurden oft mit wiederverwendeten griechischen Werken geschmückt.

Ein italienischer Stil ist in den Grabdenkmälern der wohlhabenden Römer der Mittelklasse zu sehen, in denen sehr oft Porträtbüsten zu sehen waren, und die Porträtmalerei ist wohl die Hauptstärke der römischen Skulptur. Es gibt keine Überlebenden aus der Tradition der Masken von Vorfahren, die bei Prozessionen bei den Beerdigungen der großen Familien getragen und ansonsten im Haus ausgestellt wurden, aber viele der überlebenden Büsten müssen Ahnenfiguren darstellen, vielleicht aus den großen Familiengräbern wie dem Grab der Scipios oder der späteren Mausoleen außerhalb der Stadt. Der berühmte Bronzekopf, der angeblich von Lucius Junius Brutus stammt, ist sehr unterschiedlich datiert, wird jedoch als sehr seltenes Überleben des kursiven Stils unter der Republik im bevorzugten Medium Bronze angesehen.

Ähnlich strenge und kraftvolle Köpfe sind in den Münzen der Konsuln zu sehen, und in der Kaiserzeit waren Münzen sowie Büsten, die um das Imperium geschickt wurden, um in den Basiliken der Provinzstädte platziert zu werden, die wichtigste visuelle Form der imperialen Propaganda. Sogar Londinium hatte eine fast kolossale Statue von Nero, obwohl weit kleiner als der 30 Meter hohe Koloss von Nero in Rom, der jetzt verloren ist. Das Grab von Eurysaces the Baker, ein erfolgreicher Freigelassener (ca. 50-20 v. Chr.), Hat einen Fries, der ein ungewöhnlich großes Beispiel für den „plebejischen“ Stil darstellt. Die kaiserliche Porträtmalerei war ursprünglich hellenisiert und stark idealisiert, wie im Blacas Cameo und anderen Porträts des Augustus.

Die Römer versuchten im Allgemeinen nicht, mit freistehenden griechischen Werken heldenhafter Heldentaten aus der Geschichte oder Mythologie zu konkurrieren, sondern produzierten von Anfang an historische Reliefwerke, die in den großen römischen Triumphsäulen gipfelten, um die sich fortlaufende narrative Reliefs schlängelten Das Gedenken an Trajan (113 n. Chr.) und Marcus Aurelius (193) überlebt in Rom, wo der Ara Pacis („Altar des Friedens“, 13 v. Chr.) den offiziellen griechisch-römischen Stil in seiner klassischsten und raffiniertesten Form darstellt und die Sperlonga-Skulpturen ihn darstellen in seiner barocksten Form. Einige spätrömische öffentliche Skulpturen entwickelten einen massiven, vereinfachten Stil, der manchmal den sozialistischen Realismus der Sowjetunion vorwegnimmt. Weitere wichtige Beispiele sind die früher wiederverwendeten Reliefs auf dem Konstantinsbogen und der Basis der Säule des Antoninus Pius (161).

Alle Formen der kleinen Luxus-Skulptur wurden weiterhin unterstützt, und die Qualität konnte extrem hoch sein, wie im silbernen Warren Cup, im Glas-Lycurgus-Cup und in großen Kameen wie der Gemma Augustea, Gonzaga Cameo und der „Great Cameo of France“. Für einen viel größeren Teil der Bevölkerung wurden Reliefdekorationen aus Keramikgefäßen und kleinen Figuren in großer Menge und oft in beträchtlicher Qualität hergestellt.

Nachdem die römische Kunst im 3. Jahrhundert eine „Barock“ -Phase des späten 2. Jahrhunderts durchlaufen hatte, gab sie die Skulptur in der klassischen Tradition weitgehend auf oder wurde einfach nicht mehr in der Lage, sie zu produzieren, eine Veränderung, deren Ursachen noch viel diskutiert werden. Sogar die wichtigsten kaiserlichen Denkmäler zeigten jetzt gedrungene, großäugige Figuren in einem harten Frontalstil in einfachen Kompositionen, die die Macht auf Kosten der Gnade betonen. Der Kontrast ist berühmt im Konstantinsbogen von 315 in Rom, der Abschnitte im neuen Stil mit Rondellen im früheren vollständig griechisch-römischen Stil aus anderen Ländern und den vier Tetrarchen (ca. 305) aus der neuen Hauptstadt von Rom kombiniert Konstantinopel, jetzt in Venedig. Ernst Kitzinger fand in beiden Denkmälern die gleichen „stumpfen Proportionen, Winkelbewegungen,

Diese Stilrevolution ging kurz der Zeit voraus, in der das Christentum vom römischen Staat und der großen Mehrheit des Volkes angenommen wurde, was zum Ende der großen religiösen Skulptur führte. Große Statuen wurden nur noch für Kaiser verwendet, wie in den berühmten Fragmenten eines kolossale akrolithische Statue von Konstantin und der Koloss von Barletta aus dem 4. oder 5. Jahrhundert. Reiche Christen gaben jedoch weiterhin Reliefs für Sarkophage in Auftrag, wie im Sarkophag von Junius Bassus, und sehr kleine Skulpturen, insbesondere in Elfenbein, wurden von Christen nach dem Vorbild des konsularischen Diptychons weitergeführt.

Die traditionelle römische Skulptur ist in fünf Kategorien unterteilt: Porträtmalerei, historisches Relief, Grabreliefs, Sarkophage und Kopien antiker griechischer Werke. Entgegen der Überzeugung der frühen Archäologen waren viele dieser Skulpturen große polychrome Terrakotta-Bilder wie der Apollo von Veii (Villa Givlia, Rom), aber die bemalte Oberfläche vieler von ihnen hat sich mit der Zeit abgenutzt.

Erzählreliefs
Während griechische Bildhauer traditionell militärische Heldentaten mithilfe mythologischer Allegorien illustrierten, verwendeten die Römer einen dokumentarischeren Stil. Römische Reliefs von Kampfszenen, wie die auf der Trajan-Säule, wurden zur Verherrlichung der römischen Macht geschaffen, bieten aber auch eine Darstellung von Militärkostümen und militärischer Ausrüstung aus erster Hand. Trajans Kolumne dokumentiert die verschiedenen dakischen Kriege, die Trajan im heutigen Rumänien geführt hat. Es ist das bedeutendste Beispiel für ein römisches historisches Relief und einer der großen künstlerischen Schätze der Antike. Diese beispiellose Leistung, über 650 Fuß spiralförmig lang, präsentiert nicht nur realistisch gerenderte Individuen (über 2.500 von ihnen), sondern auch Landschaften, Tiere, Schiffe und andere Elemente in einer kontinuierlichen visuellen Geschichte – praktisch ein alter Vorläufer eines Dokumentarfilms. Es überlebte die Zerstörung, als es als Basis für christliche Skulpturen adaptiert wurde. Während der christlichen Ära nach 300 n. Chr. Wurde die Dekoration von Türverkleidungen und Sarkophagen fortgesetzt, aber die Skulptur in voller Größe starb aus und schien in frühen Kirchen kein wichtiges Element zu sein.

Kleinere Künste

Keramik und Terrakotten
Die Römer erbten eine Kunsttradition in einem breiten Spektrum der sogenannten „kleinen Künste“ oder dekorativen Kunst. Die meisten davon blühten auf luxuriösem Niveau am eindrucksvollsten auf, aber eine große Anzahl religiöser und weltlicher Terrakotta-Figuren sowie einige größere Campana-Reliefs aus Terrakotta wurden weiterhin billig hergestellt. In der römischen Kunst wurde die Vasenmalerei nicht wie bei den alten Griechen verwendet, aber Gefäße in antiker römischer Keramik waren oft stilvoll mit geformten Reliefs verziert. Die Produzenten der Millionen verkaufter kleiner Öllampen scheinen sich auf eine attraktive Dekoration verlassen zu haben, um die Konkurrenz zu schlagen, und jedes Thema der römischen Kunst außer Landschaft und Porträt ist in Miniatur zu finden.

Glas
Zu den Luxuskünsten gehörte schickes römisches Glas in einer Vielzahl von Techniken, von denen viele kleinere wahrscheinlich für einen guten Teil der römischen Öffentlichkeit erschwinglich waren. Dies war sicherlich nicht der Fall bei den extravagantesten Glasarten wie den Käfigbechern oder der Diatreta, von denen der Lycurgus-Becher im British Museum ein nahezu einzigartiges figuratives Beispiel für Glas ist, das seine Farbe ändert, wenn es durch Licht hindurchgeht . Die Augustan Portland Vase ist das Meisterwerk des römischen Cameo-Glases und ahmte den Stil der großen gravierten Edelsteine ​​(Blacas Cameo, Gemma Augustea, Große Cameo von Frankreich) und anderer Hartsteinschnitzereien nach, die zu dieser Zeit ebenfalls am beliebtesten waren.

Mosaik
Das römische Mosaik war eine kleine Kunst, wenn auch oft in sehr großem Maßstab, bis zum Ende der Zeit, als Christen des späten 4. Jahrhunderts begannen, es für große religiöse Bilder an Wänden in ihren neuen großen Kirchen zu verwenden. In früheren römischen Kunstwerken wurde Mosaik hauptsächlich für Fußböden, gekrümmte Decken sowie Innen- und Außenwände verwendet, die nass werden sollten. Die berühmte Kopie eines hellenistischen Gemäldes im Alexander-Mosaik in Neapel wurde ursprünglich in einem Stockwerk in Pompeji platziert. Dies ist eine Arbeit von viel höherer Qualität als die meisten römischen Mosaike, obwohl auch sehr feine Tafeln, oft von Stilllebensthemen in kleinen oder mikromosaischen Steinchen, erhalten geblieben sind.

Die Römer unterschieden zwischen normalem Opus Tessellatum mit meist über 4 mm breiten Tesserae, das vor Ort verlegt wurde, und feinerem Opus Vermiculatum für kleine Paneele, das vermutlich in einer Werkstatt außerhalb des Geländes hergestellt und als fertige Baustelle gebracht wurde Panel. Letzteres war ein hellenistisches Genre, das in Italien zwischen etwa 100 v. Chr. Und 100 n. Chr. Zu finden ist. Die meisten signierten Mosaike haben griechische Namen, was darauf hindeutet, dass die Künstler größtenteils griechisch blieben, obwohl wahrscheinlich oft Sklaven in Werkstätten ausgebildet wurden. Das Nilmosaik von Palestrina aus dem späten 2. Jahrhundert v. Chr. Ist ein sehr großes Beispiel für das beliebte Genre der nilotischen Landschaft, während das Gladiator-Mosaik aus dem 4. Jahrhundert in Rom mehrere große Figuren im Kampf zeigt. Orpheus-Mosaike, oft sehr groß, waren ein weiteres beliebtes Thema für Villen, mit mehreren wilden Tieren, die von Orpheus ‚Musik gezähmt wurden.

Metallarbeiten
Metallarbeiten waren hoch entwickelt und eindeutig ein wesentlicher Bestandteil der Häuser der Reichen, die Silber aßen, während sie oft aus Glas tranken, und auf ihren Möbeln, Schmuck und kleinen Figuren aufwändige Gussbeschläge hatten. Eine Reihe wichtiger Schätze, die in den letzten 200 Jahren gefunden wurden, hauptsächlich von den gewalttätigeren Rändern des späten Reiches, haben uns eine viel klarere Vorstellung von der römischen Silberplatte gegeben. Der Mildenhall Treasure und Hoxne Hoard stammen beide aus East Anglia in England. Es gibt nur wenige Überreste hochwertiger antiker römischer Möbel, aber diese zeigen raffiniertes und elegantes Design und Ausführung.

Münzen und Medaillen
Nur wenige römische Münzen erreichen die künstlerischen Gipfel der besten griechischen Münzen, aber sie sind in großer Zahl erhalten, und ihre Ikonographie und Inschriften bilden eine entscheidende Quelle für das Studium der römischen Geschichte und die Entwicklung der kaiserlichen Ikonographie und enthalten viele schöne Beispiele dafür Porträtmalerei. Sie drangen in die ländliche Bevölkerung des gesamten Imperiums und darüber hinaus ein, und Barbaren am Rande des Imperiums machten ihre eigenen Kopien. Im Imperium wurden Medaillons aus Edelmetallen in kleinen Auflagen als kaiserliche Geschenke hergestellt, die Münzen ähneln, jedoch größer und in der Regel feiner ausgeführt sind. Bilder in Münzen folgten ursprünglich griechischen Stilen mit Göttern und Symbolen, aber in den Todeskämpfen der Republik erschienen zuerst Pompeius und dann Julius Cäsar auf Münzen. und Porträts des Kaisers oder seiner Familienmitglieder wurden zum Standard der kaiserlichen Münzprägung. Die Inschriften wurden für Propaganda verwendet, und im späteren Reich trat die Armee dem Kaiser als Nutznießer bei.

Die Architektur
Auf dem Gebiet der Architektur brachte die römische Kunst ihre größten Innovationen hervor. Weil sich das Römische Reich über ein so großes Gebiet erstreckte und so viele städtische Gebiete umfasste, entwickelten römische Ingenieure Methoden für den Bau von Städten im großen Stil, einschließlich der Verwendung von Beton. Massive Gebäude wie das Pantheon und das Kolosseum hätten niemals mit früheren Materialien und Methoden errichtet werden können. Obwohl der Beton tausend Jahre zuvor im Nahen Osten erfunden worden war, erweiterten die Römer seine Nutzung von Befestigungen auf ihre beeindruckendsten Gebäude und Denkmäler und nutzten dabei die Stärke und die geringen Kosten des Materials. Der Betonkern wurde mit einem Putz-, Ziegel-, Stein- oder Marmorfurnier bedeckt, und oft wurden dekorative polychrome und goldvergoldete Skulpturen hinzugefügt, um einen schillernden Effekt von Macht und Reichtum zu erzielen.

Aufgrund dieser Methoden ist die römische Architektur für die Langlebigkeit ihrer Konstruktion legendär. Viele Gebäude stehen noch und einige sind noch in Gebrauch, hauptsächlich Gebäude, die während der christlichen Ära zu Kirchen umgebaut wurden. Viele Ruinen wurden jedoch von ihrem Marmorfurnier befreit und haben ihren Betonkern freigelegt. Dadurch wirken sie etwas kleiner und prächtiger als das ursprüngliche Erscheinungsbild, wie beispielsweise die Basilika von Konstantin.

Während der republikanischen Ära kombinierte die römische Architektur griechische und etruskische Elemente und brachte Innovationen wie den runden Tempel und den gebogenen Bogen hervor. Als die römische Macht im frühen Reich wuchs, eröffneten die ersten Kaiser die großflächige Nivellierung von Slums, um große Paläste auf dem Palatin und in nahe gelegenen Gebieten zu errichten, was Fortschritte bei den technischen Methoden und beim großflächigen Design erforderte. Römische Gebäude wurden dann in der kommerziellen, politischen und sozialen Gruppierung errichtet, die als Forum bekannt ist, wobei Julius Cäsar der erste war und einige später hinzugefügt wurden, wobei das Forum Romanum das berühmteste war.

Die größte Arena der römischen Welt, das Kolosseum, wurde um 80 n. Chr. Am anderen Ende dieses Forums fertiggestellt. Es hatte über 50.000 Zuschauer, hatte einziehbare Stoffbezüge für Schatten und konnte massive Brillen veranstalten, darunter riesige Gladiatorenwettbewerbe und Schein-Seeschlachten. Dieses Meisterwerk der römischen Architektur verkörpert die Effizienz der römischen Ingenieurskunst und umfasst alle drei architektonischen Ordnungen – dorisch, ionisch und korinthisch. Weniger gefeiert, aber genauso wichtig, wenn nicht sogar wichtiger für die meisten römischen Bürger, war die fünfstöckige Insel oder der Stadtblock, das römische Äquivalent eines Wohnhauses, in dem Zehntausende Römer lebten.

Während der Regierungszeit von Trajan (98–117 n. Chr.) Und Hadrian (117–138 n. Chr.) Erreichte das Römische Reich seine größte Ausdehnung und Rom selbst befand sich auf dem Höhepunkt seiner künstlerischen Pracht – erreicht durch massive Bauprogramme von Denkmälern , Versammlungshäuser, Gärten, Aquädukte, Bäder, Paläste, Pavillons, Sarkophage und Tempel. Die römische Nutzung des Bogens, die Verwendung konkreter Bauweisen und die Verwendung der Kuppel ermöglichten den Bau von Gewölbedecken und ermöglichten den Bau dieser öffentlichen Räume und Komplexe, einschließlich der Paläste, öffentlichen Bäder und Basiliken des „Goldenen Zeitalters“. des Reiches. Hervorragende Beispiele für den Bau von Kuppeln sind das Pantheon, die Diokletianbäder und die Caracalla-Bäder.

Die Höhe der Decke entspricht genau dem Innendurchmesser des Gebäudes, wodurch ein Gehäuse entsteht, das eine riesige Kugel enthalten kann. Diese großartigen Gebäude dienten später als inspirierende Vorbilder für Architekten der italienischen Renaissance wie Brunelleschi. Im Zeitalter Konstantins (306-337 n. Chr.) Fanden die letzten großen Bauprogramme in Rom statt, darunter die Errichtung des Konstantinsbogens in der Nähe des Kolosseums, bei dem einige Steinarbeiten aus dem nahe gelegenen Forum recycelt wurden, um eine vielseitige Mischung zu erzeugen von Stilen.

Römische Aquädukte, die ebenfalls auf dem Bogen basierten, waren im Reich alltäglich und wichtige Wassertransporter in große städtische Gebiete. Besonders beeindruckend sind die stehenden Mauerwerksreste wie der Pont du Gard (mit drei Bögen) und das Aquädukt von Segovia, die als stummes Zeugnis für die Qualität ihrer Konstruktion und Konstruktion dienen.