L’art romain fait référence aux arts visuels fabriqués dans la Rome antique et dans les territoires de l’Empire romain. L’art romain est l’art produit dans les territoires de la Rome antique, depuis la fondation de Rome (753 avant JC, selon la chronologie traditionnelle, partiellement confirmée par l’archéologie) jusqu’à la chute de l’Empire d’Occident (476 après JC). Il décolla vraiment au contact de l’art grec que les historiens de l’art, au XIXe siècle, lui reprochèrent d’imiter, et trouvèrent de nouvelles influences dans les régions touchées par l’empire.

L’art romain comprend l’architecture, la peinture, la sculpture et la mosaïque. Les objets de luxe en métal ouvré, en gravure sur pierres précieuses, en ivoire et en verre sont parfois considérés en termes modernes comme des formes mineures de l’art romain, bien que cela n’ait pas nécessairement été le cas pour les contemporains. La sculpture était peut-être considérée comme la forme d’art la plus élevée par les Romains, mais la peinture figurative était également très appréciée. Les deux formes ont eu des taux de survie très contrastés, avec un très grand corps de sculpture survivant à partir du 1er siècle avant JC environ, bien que très peu d’avant, mais il reste très peu de peinture, et probablement rien qu’un contemporain aurait considéré être de la plus haute qualité.

La poterie romaine antique n’était pas un produit de luxe, mais une vaste production de « produits raffinés » en terra sigillata était décorée de reliefs reflétant les goûts les plus récents, et fournissait à un grand groupe de la société des objets élégants à ce qui était évidemment un prix abordable. Les pièces de monnaie romaines étaient un important moyen de propagande et ont survécu en très grand nombre.

Après la chute de l’Empire, l’art romain se poursuit dans l’art byzantin et l’art chrétien médiéval. Il a fortement influencé les artistes de la Renaissance puis du classicisme et du néoclassicisme. Cet Art développe des portraits, des mosaïques, des théâtres et innove avec des thermes, des bustes, des aqueducs et même des arcs de triomphe. La peinture romaine a quatre périodes.

introduction
Alors que la vision traditionnelle des artistes romains antiques est qu’ils empruntent souvent et copient des précédents grecs (une grande partie des sculptures grecques connues aujourd’hui sont sous la forme de copies romaines en marbre), une analyse plus récente a indiqué que l’art romain est un pastiche créatif reposant fortement sur des modèles grecs, mais englobant également la culture visuelle étrusque, italienne et même égyptienne. L’éclectisme stylistique et l’application pratique sont les caractéristiques de beaucoup d’art romain.

Pline, l’historien le plus important de la Rome antique concernant les arts, a enregistré que presque toutes les formes d’art – sculpture, paysage, peinture de portrait, même peinture de genre – étaient avancées à l’époque grecque, et dans certains cas, plus avancées qu’à Rome. Bien qu’il ne reste que très peu d’art mural et de portrait grec, la sculpture et la peinture sur vase grecques le confirment. Ces formes n’étaient probablement pas dépassées par les artistes romains en termes de finesse de conception ou d’exécution. Comme autre exemple de l ‘«âge d’or» perdu, il a distingué Peiraikos, «dont le talent artistique n’est surpassé que par très peu … Il a peint des salons de coiffure et des étals de cordonniers, des ânes, des légumes, etc., et pour cette raison est venu à être appelé le «peintre de sujets vulgaires»; pourtant, ces œuvres sont tout à fait délicieuses, et ils ont été vendus à des prix plus élevés que les plus grands tableaux de nombreux autres artistes. » L’adjectif «vulgaire» est utilisé ici dans sa définition originale, qui signifie «commun».

Les antécédents grecs de l’art romain étaient légendaires. Au milieu du Ve siècle avant JC, les artistes grecs les plus célèbres étaient Polygnotos, connu pour ses peintures murales, et Apollodoros, l’initiateur du clair-obscur. Le développement de la technique réaliste est attribué à Zeuxis et Parrhasius, qui, selon la légende grecque antique, auraient participé à une démonstration de bravoure de leurs talents, les premières descriptions de l’histoire de la peinture en trompe-l’œil. En sculpture, Skopas, Praxitèle, Phidias et Lysippos étaient les plus grands sculpteurs. Il semble que les artistes romains avaient beaucoup à copier de l’art grec ancien, car le commerce de l’art était dynamique dans tout l’empire, et une grande partie du patrimoine artistique grec a trouvé sa place dans l’art romain à travers les livres et l’enseignement. Les traités grecs antiques sur les arts sont connus pour avoir existé à l’époque romaine, bien qu’ils soient maintenant perdus.

Le nombre élevé d’exemplaires romains de l’art grec témoigne également de l’estime que les artistes romains avaient pour l’art grec, et peut-être de sa qualité plus rare et plus élevée. Beaucoup de formes d’art et de méthodes utilisées par les Romains – tels que haut et bas-relief, sculpture autonome, moulage en bronze, art de vase, mosaïque, camée, pièces de monnaie, haute joaillerie et ferronnerie, sculpture funéraire, dessin en perspective, caricature, la peinture de genre et de portrait, la peinture de paysage, la sculpture architecturale et la peinture en trompe-l’œil – toutes ont été développées ou raffinées par des artistes de la Grèce antique. Une exception est le buste romain, qui n’incluait pas les épaules.

Le buste traditionnel à tête et épaules peut avoir été une forme étrusque ou romaine primitive. Pratiquement toutes les techniques et méthodes artistiques utilisées par les artistes de la Renaissance 1900 ans plus tard ont été démontrées par des artistes de la Grèce antique, à l’exception notable des couleurs à l’huile et de la perspective mathématique exacte. Là où les artistes grecs étaient très vénérés dans leur société, la plupart des artistes romains étaient anonymes et considérés comme des commerçants. Il n’y a pas d’enregistrement, comme dans la Grèce antique, des grands maîtres de l’art romain, et pratiquement aucune œuvre signée. Là où les Grecs vénéraient les qualités esthétiques du grand art et écrivaient beaucoup sur la théorie artistique, l’art romain était plus décoratif et révélateur du statut et de la richesse, et apparemment pas le sujet des érudits ou des philosophes.

En partie en raison du fait que les villes romaines étaient beaucoup plus grandes que les cités-États grecques en termes de puissance et de population, et généralement moins provinciales, l’art de la Rome antique a pris un but plus large et parfois plus utilitaire. La culture romaine a assimilé de nombreuses cultures et a été pour la plupart tolérante aux voies des peuples conquis. L’art romain a été commandé, exposé et détenu en bien plus grandes quantités et adapté à plus d’utilisations qu’à l’époque grecque. Les Romains riches étaient plus matérialistes; ils ont décoré leurs murs avec de l’art, leur maison avec des objets décoratifs et eux-mêmes avec de beaux bijoux.

À l’époque chrétienne de la fin de l’Empire, de 350 à 500 CE, la peinture murale, les travaux de plafond et de sol en mosaïque et la sculpture funéraire ont prospéré, tandis que la sculpture en taille réelle dans la peinture ronde et sur panneau s’est éteinte, probablement pour des raisons religieuses. Lorsque Constantin a déplacé la capitale de l’empire à Byzance (rebaptisée Constantinople), l’art romain a incorporé des influences orientales pour produire le style byzantin de l’empire tardif. Lorsque Rome a été saccagée au 5ème siècle, les artisans ont déménagé et trouvé du travail dans la capitale orientale. L’église Sainte-Sophie de Constantinople employait près de 10 000 ouvriers et artisans, dans un dernier élan d’art romain sous l’empereur Justinien (527-565 CE), qui a également ordonné la création des célèbres mosaïques de la basilique de San Vitale dans la ville de Ravenne .

Sociologie des artistes

Sponsors à l’honneur
La société romaine n’a jamais connu de développements qui ont bénéficié du Ve siècle av. AD, artistes grecs. Les meilleurs d’entre eux ont été reconnus de leur vivant, ils ont laissé des œuvres célèbres et apposé leurs noms sur leurs réalisations. Dans son Histoire naturelle, notamment le livre XXXV, Pline l’Ancien cite des dizaines de noms d’artistes, les classe par écoles, distingue leurs originalités et raconte des anecdotes à leur sujet. Ce sont presque exclusivement des artistes grecs, à l’exception de Fabius Pictor et Pacuvius. L’incertitude qui pèse sur le premier est révélatrice: le cognomen «pictor» signifie «peintre», mais il est commun à une famille de hauts magistrats romains du iii e siècle avant Jésus-Christ. Fabius Pictor est-il un peintre ou un magistrat qui avait peint le Temple de Salus? Le texte de Pline montre parfaitement que,

L’art de parler
Cet anonymat n’est évidemment pas dû à la médiocrité des artistes romains. Elle est à rechercher dans les causes culturelles, sociales et historiques. La première de ces causes est que pour les Romains, la littérature est la première des arts, avant toute réalisation plastique, si belle soit-elle. L’éducation des jeunes Romains est d’abord un apprentissage du langage, de la parole, du raisonnement et de l’arithmétique. Ce goût du langage vient de la place occupée par la politique parmi les élites: vous construisez votre carrière en sachant parler, plaider, argumenter, même sur le champ de bataille (la fameuse harangue ou adlocutio). Si tant de statues – y compris des statues funéraires de capsa contenant la suite de leur discours, c’est que l’art oratoire – et aussi musical, mais c’est presque la même chose – est considéré pour la hauteur du génie.

Un statut relativement humble
Dans la société romaine, le mot « artiste » n’a pas le même sens qu’aujourd’hui, il signifie plus « artisan » que « créateur ». L’habitude de copier des modèles illustres, déjà très présente dans l’art grec hellénistique et reprise par des artistes / artisans romains, embrouille les eaux. Bien qu’il ne s’agisse jamais de copies identiques, mais plutôt d’adaptations, voire de variations autour d’une œuvre majeure, cette approche, de l’Antiquité, a contribué à amoindrir le statut de l’artisan / artiste, dont la libre expression est apparemment anéantie. Enfin, la réflexion artistique, le travail intellectuel et sensible qui caractérisent aujourd’hui un artiste a été une gratification souvent fournie, mais pas du tout requise.

L’œuvre d’art au sens moderne n’est donc qu’une production à faible valeur ajoutée qui ne vaut guère plus que les matériaux dont la faber l’avait faite. Le travail était donc peu coûteux. Elle n’était servile que pour les tâches les plus basses, qui ne peuvent pas être qualifiées d ‘ »artistiques ». L’artiste / artisan, d’autre part, était parfois un homme né libre, souvent un homme libéré, très souvent un étranger. Au I er siècle avant JC. J.-C., nous avons des exemples d’artistes qui sont arrivés à Rome comme prisonniers de guerre. En 301, le peintre parietarius, peintre de grandes surfaces murales, gagne, en plus de sa nourriture, 75 deniers; le pictor imaginarius, peintre de scènes complexes, gagne, dans les mêmes conditions, 150 deniers; le mosaïste qui fait les planchers gagne 50 deniers, le mosaïste des voûtes ou des murs, 60 deniers. Le tailleur de marbre (sculpteur?) Gagne 60 deniers. Un charpentier gagne 50 deniers, comme le ferronnier, le boulanger, le chaufournier, le teinturier. Tout cela n’a rien à voir avec un professeur de parole en public (250 deniers) ou un avocat qui plaide pour un procès (1000 deniers).

Il est cependant certain que les clients distinguaient très bien les meilleurs artistes et les moins doués. Une certaine réputation les entourait, la mode était favorable ou non, et leurs services pouvaient atteindre des prix élevés. De toute évidence, l’entourage impérial a eu recours au meilleur. Ceux-ci ont parfois apposé leurs signatures sur leurs œuvres, à la manière hellénistique. C’est le cas sur le Marcellus du musée du Louvre, portrait-statue funéraire du neveu et gendre d’Auguste, Marcus Claudius Marcellus. L’immense qualité de ce travail ne laisse aucun doute quant à la proximité de son parrain avec l’empereur., L’animal n’est pas son attribut. Il serait plutôt associé à Vénus, dont les Iulii prétendent être des descendants. Ce serait donc un rappel symbolique de leur parenté avec la divinité, et une marque de légitimité. Sur la carapace, on lit en grec:

S’adapter à l’environnement
à l’exception du secteur funéraire, l’art plastique est avant tout considéré comme une décoration, un ornement. La correspondance de Cicéron le montre très bien: il ne s’agit pas d’amener des statues des meilleurs maîtres athéniens pour les admirer, mais pour décorer sa palestre. La mise en scène et la mise en page sont essentielles. On a l’impression que le point de vue romain sur l’art est le point de vue d’un architecte. Les découvertes archéologiques (par exemple à Bavay, dans le Nord), montrent que les sponsors n’hésitent pas à financer des statues copiées à partir de chefs-d’œuvre grecs pour former des regroupements inattendus (mais non dénués de sens), ou même à décomposer des groupes conçus comme des unités – comme l’Invitation à la danse connue sur les monnaies de Cyzique du II e siècle av. AD -dans l’intention de décorer un lieu, non sans laisser de la place à de nouvelles significations.

Facteurs économiques
Un autre facteur entrave l’émergence de fortes personnalités artistiques, particulièrement évidentes dans la sculpture: il semble qu’à Rome plus qu’en Grèce, la division du travail dans les ateliers a été poussée à l’extrême. Nous savons depuis longtemps que la charge de sculpter un visage en marbre et celle de sculpter un corps en toge ne peuvent que rarement tomber dans la même main, comme le montre clairement l’Auguste de la Via Labicana. Mais il semble même que le soin de sculpter les cheveux était réservé aux bras moins doués ou plus spécialisés. Il n’est pas certain qu’Horace exagère dans son épître aux prisons, quand il écrit: « Près du cirque émilien, un seul artiste saura faire les ongles, et imiter dans le bronze la souplesse des cheveux, malheureuse perfection de l’art ! Parce qu’il ne peut jamais faire un tout.

Cette division du travail va de pair avec une pratique esquissée à l’époque hellénistique, mais largement utilisée dans l’empire: la pratique de faire des têtes en joignant plusieurs morceaux de marbre – généralement le visage, la calotte crânienne et l’occiput – collé ou mortaisé ensemble. Il s’agit, si l’un des intervenants se trompe, de pouvoir « réparer » facilement, afin d’économiser au maximum une matière première qui pèse lourdement sur le prix de revient, du fait de la petitesse de la main de ouvrages d’art.

Une production artistique gratuite et abordable
En conclusion, on peut se demander si l’effacement des artistes derrière leurs clients n’était pas une chance pour l’art romain. Premièrement, elle a permis une véritable généralisation de l’art, à défaut de pouvoir parler de «démocratisation». Il est certain que, même dans les provinces les plus éloignées, même dans les milieux étrangers aux élites financières ou intellectuelles, l’art n’est pas considéré comme réservé à une catégorie privilégiée de la population. Outre l’existence de « galeries » ouvertes au public (comme l’Atrium Libertatis), de modestes résidences, voire des caves, étaient fréquemment décorées de fresques.

En revanche, la multiplicité des clientèles et le fait qu’elles se sentent peu concernées par les questions proprement artistiques ont certainement accru la marge de liberté de l’artiste / artisan. L’inventivité, la variété et la spontanéité de l’art romain dépendaient de cette situation. On peut supposer qu’une frange de la clientèle se fichait peu du caractère plus ou moins académique de la scène sculptée sur un front de sarcophage. Si la typologie (scènes de chasse, œuvres d’Hercule, collège des Muses …) lui a plu, elle n’a pas cherché à voir ni à critiquer les innovations, les petits détails, les touches stylistiques qui font le charme de nombreux reliefs, de nombreuses fresques et des mosaïques, de nombreux vases en argent.

La peinture
Du vaste corps de la peinture romaine, nous n’avons maintenant que très peu de poches de survivances, de nombreux types documentés ne survivant pas du tout, ou ne le faisant qu’à partir de la toute fin de la période. La poche la plus connue et la plus importante est les peintures murales de Pompéi, d’Herculanum et d’autres sites à proximité, qui montrent comment les résidents d’une riche station balnéaire ont décoré leurs murs au cours du siècle environ avant l’éruption fatale du Vésuve en 79 EC. Une succession de styles datés ont été définis et analysés par les historiens de l’art moderne à partir d’August Mau, montrant une élaboration et une sophistication croissantes.

À partir du 3e siècle de notre ère et se terminant par environ 400, nous avons un grand corps de peintures des catacombes de Rome, en aucun cas tous chrétiens, montrant la poursuite ultérieure de la tradition décorative domestique dans une version adaptée – probablement pas très adaptée – pour utilisation dans les chambres funéraires, dans ce qui était probablement un milieu social plutôt plus humble que les plus grandes maisons de Pompéi. Une grande partie du palais de Néron à Rome, la Domus Aurea, a survécu sous forme de grottes et nous donne des exemples qui, nous pouvons en être sûrs, représentent la meilleure qualité de peinture murale dans son style, et qui pourraient bien avoir représenté une innovation significative dans le style. Il existe un certain nombre d’autres parties de pièces peintes survivant de Rome et d’ailleurs, qui contribuent quelque peu à combler les lacunes de notre connaissance de la peinture murale. De l’Égypte romaine, il existe un grand nombre de portraits de momies Fayum, des portraits de buste sur bois ajoutés à l’extérieur des momies par une classe moyenne romanisée; malgré leur caractère local très distinct, ils sont probablement largement représentatifs du style romain dans les portraits peints, qui sont par ailleurs entièrement perdus.

Il ne reste rien des peintures grecques importées à Rome aux IVe et Ve siècles, ni des peintures sur bois réalisées en Italie à cette époque. En résumé, l’éventail d’échantillons se limite à environ 200 ans sur les 900 ans de l’histoire romaine et de la peinture provinciale et décorative. La plupart de ces peintures murales ont été réalisées selon la méthode secco («sèche»), mais certaines fresques existaient également à l’époque romaine. Des mosaïques et quelques inscriptions montrent que certaines peintures romaines étaient des adaptations ou des copies d’œuvres grecques antérieures. Cependant, ce qui ajoute à la confusion est le fait que les inscriptions peuvent enregistrer les noms d’artistes grecs immigrants de l’époque romaine, et non des originaux grecs anciens qui ont été copiés. Les Romains manquaient entièrement d’une tradition de peinture sur vase figurative comparable à celle des Grecs anciens,

Variété de sujets
La peinture romaine propose une grande variété de thèmes: les animaux, les natures mortes, les scènes de la vie quotidienne, les portraits et certains sujets mythologiques. Pendant la période hellénistique, il évoquait les plaisirs de la campagne et représentait des scènes de bergers, de troupeaux, de temples rustiques, de paysages montagneux ruraux et de maisons de campagne. Les scènes érotiques sont également relativement courantes. À la fin de l’empire, après 200 après JC, des thèmes paléochrétiens mélangés à des images païennes survivent sur les murs des catacombes.

Paysage et vues
La principale innovation de la peinture romaine par rapport à l’art grec a été le développement des paysages, notamment en incorporant des techniques de perspective, bien que la véritable perspective mathématique se soit développée 1500 ans plus tard. Les textures de surface, l’ombrage et la coloration sont bien appliqués mais l’échelle et la profondeur spatiale n’étaient toujours pas restituées avec précision. Certains paysages étaient de pures scènes de la nature, en particulier des jardins avec des fleurs et des arbres, tandis que d’autres étaient des vues architecturales représentant des bâtiments urbains. D’autres paysages présentent des épisodes de la mythologie, les scènes de démonstration les plus célèbres de l’Odyssée.

Dans la vision traditionnelle, l’art de l’Orient ancien n’aurait connu la peinture de paysage que comme toile de fond de scènes narratives civiles ou militaires. Cette théorie est défendue par Franz Wickhoff, est discutable. Il est possible de voir des preuves de la connaissance grecque de la représentation du paysage dans les Critias de Platon (107b – 108b):
… et si nous regardons le portrait du corps divin et du corps humain exécuté par des peintres, en ce qui concerne la facilité ou la difficulté avec laquelle ils parviennent à imiter leurs sujets de l’avis des spectateurs, nous remarquerons en premier lieu que en ce qui concerne la terre et les montagnes et les rivières et les bois et l’ensemble du ciel, avec les choses qui existent et s’y déplacent, nous nous contentons si un homme est capable de les représenter même avec un petit degré de ressemblance …

Nature morte
Les sujets romains de nature morte sont souvent placés dans des niches ou des étagères illusionnistes et représentent une variété d’objets de tous les jours, notamment des fruits, des animaux vivants et morts, des fruits de mer et des coquillages. Des exemples du thème du bocal en verre rempli d’eau ont été habilement peints et ont ensuite servi de modèles pour le même sujet souvent peint à la Renaissance et au baroque.

Portraits
Pline se plaignait de l’état en déclin de l’art du portrait romain, « La peinture de portraits qui transmettait à travers les âges les ressemblances exactes des gens, a entièrement disparu … L’indolence a détruit les arts. »

En Grèce et à Rome, la peinture murale n’était pas considérée comme du grand art. Outre la sculpture, la forme d’art la plus prestigieuse est la peinture sur panneau, c’est-à-dire la détrempe ou la peinture à l’encaustique sur panneaux de bois. Malheureusement, comme le bois est un matériau périssable, seuls quelques exemples de ces peintures ont survécu, à savoir le Severan Tondo du v. 200 après JC, un portrait officiel très routinier d’un bureau du gouvernement provincial et les célèbres portraits de momies Fayoum, tous d’Égypte romaine, et presque certainement pas de la plus haute qualité contemporaine. Les portraits étaient attachés à des momies funéraires au visage, dont presque toutes ont maintenant été détachées. Ils représentent généralement une seule personne, montrant la tête, ou la tête et le haut de la poitrine, vus de face. Le fond est toujours monochrome, parfois avec des éléments décoratifs. En termes de tradition artistique, les images dérivent clairement davantage des traditions gréco-romaines que des traditions égyptiennes. Ils sont remarquablement réalistes, quoique de qualité artistique variable, et peuvent indiquer qu’un art similaire qui était répandu ailleurs mais n’a pas survécu. Quelques portraits peints sur verre et médailles de l’empire tardif ont survécu, de même que des portraits de pièces, dont certains sont également considérés comme très réalistes.

Verre doré
Le verre doré, ou verre sandwich doré, était une technique pour fixer une couche de feuille d’or avec un dessin entre deux couches de verre fusionnées, développée en verre hellénistique et relancée au 3ème siècle après JC. Il existe très peu de grands dessins, y compris un très beau groupe de portraits du 3ème siècle avec de la peinture ajoutée, mais la grande majorité des quelque 500 survivants sont des cocardes qui sont les fonds coupés des tasses à vin ou des verres utilisés pour marquer et décorer les tombes des catacombes de Rome en les enfonçant dans le mortier.

Ils datent principalement des IVe et Ve siècles. La plupart sont chrétiens, bien qu’il existe de nombreux exemples païens et quelques exemples juifs. Il est probable qu’ils aient été initialement offerts en cadeau lors d’un mariage ou lors d’occasions festives telles que le Nouvel An. Leur iconographie a été très étudiée, bien que artistiquement, elle soit relativement peu sophistiquée. Leurs sujets sont similaires aux peintures de catacombes, mais avec un équilibre différent comprenant plus de portraits. Au fil du temps, la représentation des saints a augmenté. La même technique a commencé à être utilisée pour les tesselles d’or pour les mosaïques au milieu du 1er siècle à Rome, et au 5ème siècle, elles étaient devenues le fond standard pour les mosaïques religieuses.

Le premier groupe est « parmi les portraits les plus vivants à avoir survécu à l’époque paléochrétienne. Ils nous regardent avec une intensité sévère et mélancolique extraordinaire », et représentent les meilleures indications de ce que le portrait romain de haute qualité pourrait réaliser dans la peinture. Le médaillon Gennadios du Metropolitan Museum of Art de New York, est un bel exemple de portrait alexandrin sur verre bleu, utilisant une technique et un style naturaliste plus complexes que la plupart des exemples romains tardifs, y compris la peinture sur l’or pour créer un ombrage, et avec l’inscription grecque montrant les caractéristiques du dialecte local. Il avait peut-être reçu ou commandé la pièce pour célébrer la victoire dans un concours musical. L’un des médaillons de portraits de style alexandrin les plus célèbres, avec une inscription en grec égyptien, a été plus tard monté dans un gemmata crux médiéval au début à Brescia, dans la croyance erronée qu’il montrait la pieuse impératrice et la reine gothique Galla Placida et ses enfants; en fait, le nœud dans la robe de la figure centrale peut marquer un passionné d’Isis.

Il s’agit d’un groupe de 14 pièces datant du 3ème siècle après JC, tous des portraits profanes individualisés de haute qualité. L’inscription sur le médaillon est écrite dans le dialecte alexandrin du grec et représente donc très probablement une famille d’Egypte romaine. Le médaillon a également été comparé à d’autres œuvres d’art romano-égyptien contemporaines, telles que les portraits de momie Fayum. On pense que le moindre détail de pièces comme celles-ci ne peut être obtenu qu’avec des lentilles. Les derniers verres des catacombes ont un niveau de portrait rudimentaire, avec des caractéristiques, des coiffures et des vêtements qui suivent tous des styles stéréotypés.

Scènes de genre
Les scènes de genre romaines dépeignent généralement les Romains à loisir et incluent le jeu, la musique et les rencontres sexuelles. Certaines scènes représentent des dieux et des déesses à loisir.

Peintures triomphales
À partir du 3ème siècle avant JC, un genre spécifique connu sous le nom de Triumphal Paintings est apparu, comme l’indique Pline (XXXV, 22). Ce sont des peintures qui montrent des entrées triomphales après des victoires militaires, représentent des épisodes de la guerre et conquièrent des régions et des villes. Des cartes récapitulatives ont été dessinées pour souligner les points clés de la campagne. Josephus décrit la peinture exécutée à l’occasion du sac de Jérusalem de Vespasien et Titus:

Il y avait aussi de l’or forgé et de l’ivoire attachés autour d’eux tous; et de nombreuses ressemblances de la guerre, et ceux de plusieurs façons, et la variété des artifices, offrant un portrait le plus vivant de lui-même. Car il y avait à voir un pays heureux dévasté, et des escadrons entiers d’ennemis tués; tandis que certains d’entre eux se sont enfuis et certains ont été emmenés en captivité; avec des murs de grande altitude et de grande ampleur renversés et ruinés par des machines; avec les fortifications les plus fortes prises, et les murs des villes les plus peuplées au sommet des collines saisies, et une armée se déversant à l’intérieur des murs; comme aussi tous les lieux de massacres et de supplications des ennemis, quand ils ne pouvaient plus lever la main pour s’opposer.

Le feu également envoyé sur les temples était ici représenté, et les maisons renversées et tombant sur leurs propriétaires: les rivières aussi, après être sorties d’un grand désert mélancolique, coulaient, non pas dans une terre cultivée, ni comme boisson pour les hommes, ou pour du bétail, mais à travers une terre encore en feu de tous côtés; car les Juifs ont raconté une telle chose qu’ils avaient subie pendant cette guerre. Or, l’exécution de ces représentations était si magnifique et si vivante dans la construction des choses, qu’elle montrait ce qui avait été fait à ceux qui ne le voyaient pas, comme si elles y avaient été réellement présentes. Au sommet de chacun de ces concours se trouvait le commandant de la ville qui avait été prise, et la manière dont il avait été pris.

Ces peintures ont disparu, mais elles ont probablement influencé la composition des reliefs historiques sculptés sur les sarcophages militaires, l’arc de Titus et la colonne de Trajan. Ces preuves soulignent l’importance de la peinture de paysage, qui tendait parfois à être des plans en perspective.

Ranuccio décrit également la plus ancienne peinture trouvée à Rome, dans une tombe sur la colline Esquiline:

Il décrit une scène historique, sur fond clair, peinte en quatre sections superposées. Plusieurs personnes sont identifiées, comme Marcus Fannius et Marcus Fabius. Celles-ci sont plus grandes que les autres figures … Dans la deuxième zone, à gauche, se trouve une ville entourée de murs crénelés, devant laquelle se trouve un grand guerrier équipé d’un bouclier ovale et d’un casque à plumes; près de lui est un homme en tunique courte, armé d’une lance … Autour de ces deux sont de plus petits soldats en tunique courte, armés de lances … Dans la zone inférieure, une bataille se déroule, où un guerrier avec bouclier ovale et un casque à plumes est montré plus grand que les autres, dont les armes permettent de supposer qu’il s’agit probablement de Samnites.

Cet épisode est difficile à cerner. L’une des hypothèses de Ranuccio est qu’elle se réfère à une victoire du consul Fabius Maximus Rullianus lors de la seconde guerre contre les Samnites en 326 av. La présentation des figures aux tailles proportionnelles à leur importance est typiquement romaine, et se retrouve dans les reliefs plébéiens. Cette peinture est à ses débuts de peinture triomphale, et aurait été réalisée au début du 3ème siècle avant JC pour décorer la tombe.

Sculpture
L’art romain primitif a été influencé par l’art de la Grèce et celui des Étrusques voisins, eux-mêmes grandement influencés par leurs partenaires commerciaux grecs. Une spécialité étrusque était des effigies de tombes grandeur nature en terre cuite, généralement couchées sur un couvercle de sarcophage calé sur un coude dans la pose d’un dîner à cette époque. Alors que la République romaine en expansion commençait à conquérir le territoire grec, d’abord dans le sud de l’Italie, puis dans tout le monde hellénistique, à l’exception de l’extrême-Orient parthe, la sculpture officielle et patricienne est devenue en grande partie une extension du style hellénistique, à partir duquel les éléments spécifiquement romains sont difficiles à démêler, d’autant plus que tant de sculptures grecques ne survivent que dans des copies de la période romaine. Au 2ème siècle avant JC, « la plupart des sculpteurs travaillant à Rome » étaient grecs, souvent asservis dans des conquêtes telles que celle de Corinthe (146 avant JC), et les sculpteurs sont restés majoritairement des Grecs, souvent des esclaves, dont les noms sont très rarement enregistrés. Un grand nombre de statues grecques ont été importées à Rome, que ce soit comme butin ou comme résultat d’extorsion ou de commerce, et les temples étaient souvent décorés avec des œuvres grecques réutilisées.

Un style italien natif peut être vu dans les monuments funéraires des romains prospères de la classe moyenne, qui comportaient très souvent des bustes de portrait, et le portrait est sans doute la principale force de la sculpture romaine. Il n’y a aucune survivance de la tradition des masques des ancêtres qui étaient portés lors des processions lors des funérailles des grandes familles et autrement exposés dans la maison, mais beaucoup de bustes qui survivent doivent représenter des figures ancestrales, peut-être des grandes tombes familiales comme les Tombeau des Scipios ou mausolée postérieure à l’extérieur de la ville. La célèbre tête de bronze prétendument de Lucius Junius Brutus est très différemment datée, mais considérée comme une survie très rare du style italique sous la République, dans le médium préféré du bronze.

De même, des têtes sévères et puissantes sont visibles dans les pièces des consuls, et à l’époque impériale, des pièces ainsi que des bustes envoyés autour de l’Empire pour être placés dans les basiliques des villes de province étaient la principale forme visuelle de la propagande impériale; même Londinium avait une statue presque colossale de Néron, bien que beaucoup plus petite que le Colosse de Néron de 30 mètres de haut à Rome, maintenant perdu. Le tombeau d’Eurysaces le boulanger, un affranchi réussi (vers 50-20 av. J.-C.) a une frise qui est un exemple inhabituellement grand du style « plébéien ». Le portrait impérial a été initialement hellénisé et hautement idéalisé, comme dans le Blacas Cameo et d’autres portraits d’Auguste.

Les Romains n’ont généralement pas tenté de concurrencer les œuvres grecques indépendantes d’exploits héroïques de l’histoire ou de la mythologie, mais ont produit dès le début des œuvres historiques en relief, culminant dans les grandes colonnes triomphales romaines avec des reliefs narratifs continus qui s’enroulaient autour d’eux, dont ceux commémorant Trajan (113 EC) et Marc Aurèle (par 193) survivent à Rome, où l’Ara Pacis (« Autel de la Paix », 13 avant JC) représente le style gréco-romain officiel à son plus classique et raffiné, et les sculptures Sperlonga il à son plus baroque. Certaines sculptures publiques romaines tardives ont développé un style massif et simplifié qui anticipe parfois le réalisme socialiste soviétique. Parmi les autres exemples majeurs figurent les reliefs antérieurs réutilisés sur l’Arc de Constantin et la base de la colonne d’Antonin Pie (161),

Toutes les formes de petites sculptures de luxe continuaient à être patronnées et la qualité pouvait être extrêmement élevée, comme dans la Coupe Warren en argent, la Coupe Lycurgus en verre et les grands camées comme la Gemma Augustea, le Gonzaga Cameo et le « Grand Camée de France ». Pour une partie beaucoup plus large de la population, des décorations en relief moulées de récipients en poterie et de petites figurines ont été produites en grande quantité et souvent en qualité considérable.

Après avoir traversé une phase « baroque » de la fin du IIe siècle, au IIIe siècle, l’art romain a largement abandonné, ou est tout simplement devenu incapable de produire, la sculpture dans la tradition classique, un changement dont les causes restent très discutées. Même les monuments impériaux les plus importants montraient maintenant des figures trapues aux grands yeux dans un style frontal dur, dans des compositions simples mettant l’accent sur le pouvoir au détriment de la grâce. Le contraste est illustré par l’Arc de Constantin de 315 à Rome, qui combine des sections dans le nouveau style avec des cocardes dans le style gréco-romain complet antérieur pris ailleurs, et les Quatre Tétrarques (c.305) de la nouvelle capitale de Constantinople, maintenant à Venise. Ernst Kitzinger a trouvé dans les deux monuments les mêmes « proportions tronquées, mouvements angulaires,

Cette révolution de style a précédé de peu la période au cours de laquelle le christianisme a été adopté par l’État romain et la grande majorité du peuple, conduisant à la fin de la grande sculpture religieuse, avec de grandes statues désormais utilisées uniquement pour les empereurs, comme dans les célèbres fragments d’un colossale statue acrolithique de Constantin, et le 4e ou 5e siècle Colosse de Barletta. Cependant, les riches chrétiens ont continué à demander des secours pour les sarcophages, comme dans le sarcophage de Junius Bassus, et les très petites sculptures, en particulier en ivoire, ont été poursuivies par les chrétiens, en s’appuyant sur le style du diptyque consulaire.

La sculpture romaine traditionnelle est divisée en cinq catégories: portrait, relief historique, reliefs funéraires, sarcophages et copies d’œuvres grecques anciennes. Contrairement à la croyance des premiers archéologues, beaucoup de ces sculptures étaient de grandes images en terre cuite polychrome, comme l’Apollon de Veii (Villa Givlia, Rome), mais la surface peinte de beaucoup d’entre elles s’est usée avec le temps.

Reliefs narratifs
Alors que les sculpteurs grecs illustraient traditionnellement les exploits militaires à travers l’allégorie mythologique, les Romains utilisaient un style plus documentaire. Les reliefs romains des scènes de bataille, comme ceux de la colonne de Trajan, ont été créés pour la glorification de la puissance romaine, mais fournissent également une représentation de première main des costumes et équipements militaires. La colonne de Trajan enregistre les différentes guerres daces menées par Trajan dans ce qui est la Roumanie moderne. C’est le premier exemple de relief historique romain et l’un des grands trésors artistiques du monde antique. Cette réalisation sans précédent, plus de 650 pieds de longueur en spirale, présente non seulement des individus rendus de façon réaliste (plus de 2500 d’entre eux), mais des paysages, des animaux, des navires et d’autres éléments dans une histoire visuelle continue – en fait un ancien précurseur d’un film documentaire. Il a survécu à la destruction quand il a été adapté comme base pour la sculpture chrétienne. Pendant l’ère chrétienne après 300 après JC, la décoration des panneaux de porte et des sarcophages s’est poursuivie, mais la sculpture en taille réelle s’est éteinte et ne semble pas être un élément important dans les premières églises.

Arts mineurs

Poterie et terres cuites
Les Romains ont hérité d’une tradition artistique dans un large éventail de ce que l’on appelle les «arts mineurs» ou l’art décoratif. La plupart de celles-ci ont prospéré de la manière la plus impressionnante au niveau du luxe, mais un grand nombre de figurines en terre cuite, à la fois religieuses et laïques, ont continué à être produites à bas prix, ainsi que des reliefs Campana plus grands en terre cuite. L’art romain n’utilisait pas la peinture sur vase à la manière des anciens Grecs, mais les récipients en poterie romaine antique étaient souvent élégamment décorés en relief moulé. Les producteurs des millions de petites lampes à huile vendues semblent avoir compté sur une décoration attrayante pour battre leurs concurrents et tous les sujets de l’art romain, à l’exception du paysage et du portrait, se trouvent sur eux en miniature.

Verre
Les arts de luxe incluaient le verre romain de fantaisie dans une large gamme de techniques, dont de nombreux types plus petits étaient probablement abordables pour une bonne partie du public romain. Ce n’était certainement pas le cas pour les types de verre les plus extravagants, tels que les tasses à cage ou la diatreta, dont la Lycurgus Cup au British Museum est un exemple figuratif presque unique en verre qui change de couleur lorsqu’il est vu avec la lumière qui le traverse . Le vase Augustan Portland est le chef-d’œuvre du verre camée romain et imite le style des grandes pierres précieuses gravées (Blacas Cameo, Gemma Augustea, Great Cameo of France) et d’autres sculptures en pierre dure qui étaient également les plus populaires à cette époque.

Mosaïque
La mosaïque romaine était un art mineur, bien que souvent à très grande échelle, jusqu’à la toute fin de la période, lorsque les chrétiens de la fin du IVe siècle ont commencé à l’utiliser pour de grandes images religieuses sur les murs de leurs nouvelles grandes églises; dans l’art romain antérieur, la mosaïque était principalement utilisée pour les sols, les plafonds courbes et les murs intérieurs et extérieurs qui allaient être mouillés. La célèbre copie d’une peinture hellénistique dans la mosaïque d’Alexandre à Naples a été à l’origine placée dans un étage à Pompéi; il s’agit d’un travail de bien meilleure qualité que la plupart des mosaïques romaines, bien que des panneaux très fins, souvent des sujets de nature morte en petites tesselles ou en micromosaïques, aient également survécu.

Les Romains ont fait la distinction entre un opus tessellatum normal avec des tesselles mesurant généralement plus de 4 mm de diamètre, qui a été posé sur le site, et un opus vermiculatum plus fin pour les petits panneaux, qui aurait été produit hors site dans un atelier, et amené sur le site comme fini panneau. Ce dernier était un genre hellénistique qui se trouve en Italie entre environ 100 avant JC et 100 après JC. La plupart des mosaïques signées ont des noms grecs, ce qui suggère que les artistes sont restés principalement grecs, bien que probablement souvent des esclaves formés dans des ateliers. La mosaïque du Nil de la fin du IIe siècle av.J.-C. de Palestrina est un très grand exemple du genre populaire du paysage nilotique, tandis que la mosaïque des gladiateurs du IVe siècle à Rome montre plusieurs grandes figures au combat. Les mosaïques d’Orphée, souvent très grandes, étaient un autre sujet de prédilection pour les villas, avec plusieurs animaux féroces apprivoisés par la musique d’Orphée.

Ferronnerie
La ferronnerie était très développée et constituait clairement une partie essentielle des maisons des riches, qui mangeaient de l’argent, tout en buvant souvent du verre, et avaient des raccords en fonte élaborés sur leurs meubles, bijoux et petites figurines. Un certain nombre de trésors importants trouvés au cours des 200 dernières années, principalement des bords les plus violents de l’empire tardif, nous ont donné une idée beaucoup plus claire de la plaque d’argent romaine. Le Mildenhall Treasure et Hoxne Hoard sont tous deux originaires d’East Anglia en Angleterre. Il y a peu de survivances des meubles romains antiques haut de gamme, mais ceux-ci montrent un design et une exécution raffinés et élégants.

Monnaies et médailles
Peu de pièces de monnaie romaines atteignent les sommets artistiques des meilleures pièces de monnaie grecques, mais elles survivent en grand nombre et leur iconographie et inscriptions constituent une source cruciale pour l’étude de l’histoire romaine et le développement de l’iconographie impériale, ainsi que de nombreux beaux exemples de portrait. Ils ont pénétré la population rurale de tout l’Empire et au-delà, avec des barbares en marge de l’Empire faisant leurs propres copies. Dans l’Empire, des médaillons en métaux précieux ont commencé à être produits en petites éditions sous forme de cadeaux impériaux, qui sont similaires aux pièces de monnaie, bien que plus grands et généralement plus fins en exécution. Les images dans les pièces de monnaie suivaient initialement les styles grecs, avec des dieux et des symboles, mais dans les affres de la République, Pompée puis Jules César apparurent sur les pièces de monnaie, et les portraits de l’empereur ou des membres de sa famille sont devenus la norme sur la monnaie impériale. Les inscriptions ont été utilisées pour la propagande, et dans le dernier Empire, l’armée a rejoint l’empereur en tant que bénéficiaire.

Architecture
C’est dans le domaine de l’architecture que l’art romain a produit ses plus grandes innovations. Parce que l’Empire romain s’étendait sur une si grande superficie et comprenait tant de zones urbanisées, les ingénieurs romains ont développé des méthodes de construction de la ville à grande échelle, y compris l’utilisation de béton. Des bâtiments massifs comme le Panthéon et le Colisée n’auraient jamais pu être construits avec des matériaux et des méthodes antérieurs. Bien que le béton ait été inventé mille ans plus tôt au Proche-Orient, les Romains ont étendu son utilisation des fortifications à leurs bâtiments et monuments les plus impressionnants, capitalisant sur la force du matériau et son faible coût. Le noyau en béton était recouvert d’un placage en plâtre, en brique, en pierre ou en marbre, et des sculptures décoratives polychromes et dorées étaient souvent ajoutées pour produire un effet éblouissant de puissance et de richesse.

En raison de ces méthodes, l’architecture romaine est légendaire pour la durabilité de sa construction; avec de nombreux bâtiments encore debout, et certains encore utilisés, principalement des bâtiments convertis en églises pendant l’ère chrétienne. De nombreuses ruines, cependant, ont été dépouillées de leur placage de marbre et sont laissées avec leur âme en béton exposée, apparaissant ainsi quelque peu réduite en taille et en grandeur par rapport à leur aspect d’origine, comme avec la basilique de Constantin.

À l’époque républicaine, l’architecture romaine combinait des éléments grecs et étrusques et produisait des innovations telles que le temple rond et l’arc incurvé. Alors que la puissance romaine se développait au début de l’empire, les premiers empereurs ont inauguré le nivellement en gros des bidonvilles pour construire de grands palais sur la colline du Palatin et les régions voisines, ce qui a nécessité des progrès dans les méthodes d’ingénierie et la conception à grande échelle. Les bâtiments romains ont ensuite été construits dans le groupe commercial, politique et social connu sous le nom de forum, celui de Jules César étant le premier et plusieurs ajoutés plus tard, le Forum Romanum étant le plus célèbre.

La plus grande arène du monde romain, le Colisée, a été achevée vers 80 après JC à l’extrémité de ce forum. Il détenait plus de 50 000 spectateurs, avait des couvertures rétractables en tissu pour l’ombre et pouvait organiser des spectacles massifs, y compris d’énormes combats de gladiateurs et des simulations de batailles navales. Ce chef-d’œuvre de l’architecture romaine incarne l’efficacité de l’ingénierie romaine et intègre les trois ordres architecturaux – dorique, ionique et corinthien. Moins célèbre mais tout aussi importante sinon plus pour la plupart des citoyens romains, était l’insula à cinq étages ou bloc de ville, l’équivalent romain d’un immeuble d’appartements, qui abritait des dizaines de milliers de Romains.

C’est sous le règne de Trajan (98–117 après JC) et d’Hadrien (117–138 après JC) que l’Empire romain a atteint son apogée et que Rome elle-même était au sommet de sa gloire artistique – grâce à des programmes de construction massifs de monuments , maisons de réunion, jardins, aqueducs, bains, palais, pavillons, sarcophages et temples. L’utilisation romaine de l’arche, l’utilisation de méthodes de construction en béton, l’utilisation du dôme ont permis la construction de plafonds voûtés et permis la construction de ces espaces publics et complexes, y compris les palais, les bains publics et les basiliques de « l’âge d’or » de l’empire. Des exemples remarquables de construction de dômes comprennent le Panthéon, les thermes de Dioclétien et les thermes de Caracalla.

La hauteur du plafond est exactement égale au diamètre intérieur du bâtiment, créant une enceinte pouvant contenir une sphère géante. Ces grands bâtiments ont ensuite servi de modèles inspirants aux architectes de la Renaissance italienne, tels que Brunelleschi. À l’âge de Constantin (306-337 après JC), les derniers grands programmes de construction à Rome ont eu lieu, y compris l’érection de l’Arc de Constantin construit près du Colisée, qui a recyclé des travaux en pierre du forum à proximité, pour produire un mélange éclectique des styles.

Les aqueducs romains, également basés sur l’arche, étaient monnaie courante dans l’empire et les transporteurs essentiels de l’eau vers les grandes zones urbaines. Leurs vestiges de maçonnerie debout sont particulièrement impressionnants, tels que le Pont du Gard (avec trois niveaux d’arches) et l’aqueduc de Ségovie, servant de témoignage muet de la qualité de leur conception et de leur construction.