El arte romano se refiere a las artes visuales realizadas en la antigua Roma y en los territorios del Imperio Romano. El arte romano es el arte producido en los territorios de la antigua Roma, desde la fundación de Roma (753 a. C., según la cronología tradicional, parcialmente confirmada por la arqueología) hasta la caída del Imperio Occidental (476 d. C.). Realmente despegó en contacto con el arte griego ya que los historiadores del arte, del siglo xix, lo criticaron por imitarlo y encontraron nuevas influencias en las regiones afectadas por el imperio.

El arte romano incluye obras de arquitectura, pintura, escultura y mosaicos. Los objetos de lujo en metalistería, grabado de gemas, tallas de marfil y vidrio a veces se consideran en términos modernos como formas menores de arte romano, aunque esto no hubiera sido necesariamente el caso de los contemporáneos. La escultura tal vez fue considerada como la forma más alta de arte por los romanos, pero la pintura de figuras también fue muy apreciada. Las dos formas han tenido tasas de supervivencia muy contrastantes, con un gran cuerpo de escultura que sobrevivió desde aproximadamente el siglo I a. C., aunque muy poco de antes, pero queda muy poca pintura, y probablemente nada que un contemporáneo hubiera considerado para ser de la más alta calidad.

La cerámica romana antigua no era un producto de lujo, pero una vasta producción de «productos finos» en terra sigillata estaba decorada con relieves que reflejaban el gusto más reciente y proporcionaba a un gran grupo de la sociedad objetos elegantes a un precio que evidentemente era asequible. Las monedas romanas fueron un importante medio de propaganda y han sobrevivido en enormes cantidades.

Después de la caída del Imperio, el arte romano continúa en el arte bizantino y el arte cristiano medieval. Influyó fuertemente en los artistas del Renacimiento y luego del clasicismo y el neoclasicismo. Este arte desarrolla retratos, mosaicos, teatros e innova con baños termales, bustos, acueductos e incluso arcos triunfales. La pintura romana tiene cuatro períodos.

Introducción
Si bien la visión tradicional de los antiguos artistas romanos es que a menudo tomaron prestados y copiaron los precedentes griegos (muchas de las esculturas griegas conocidas hoy en día tienen la forma de copias romanas de mármol), un análisis más reciente ha indicado que el arte romano es altamente pastiche creativo que depende en gran medida de modelos griegos, pero que también abarca la cultura visual etrusca, itálica nativa e incluso egipcia. El eclecticismo estilístico y la aplicación práctica son las características de gran parte del arte romano.

Plinio, el historiador más importante de la antigua Roma sobre las artes, registró que casi todas las formas de arte – escultura, paisaje, pintura de retratos, incluso pintura de género – fueron avanzadas en la época griega y, en algunos casos, más avanzadas que en Roma. Aunque quedan muy pocos restos de arte y retratos griegos, sin duda, la escultura griega y la pintura en jarrón lo confirman. Es probable que estas formas no fueran superadas por los artistas romanos en su finura de diseño o ejecución. Como otro ejemplo de la «Edad de Oro» perdida, destacó a Peiraikos, «cuyo arte es superado por muy pocos … Pintó peluquerías y puestos de zapateros, burros, vegetales y demás, y por esa razón llegó a ser llamado el «pintor de temas vulgares»; sin embargo, estas obras son del todo encantadoras, y se vendieron a precios más altos que las mejores pinturas de muchos otros artistas «. El adjetivo «vulgar» se usa aquí en su definición original, que significa «común».

Los antecedentes griegos del arte romano eran legendarios. A mediados del siglo V a. C., los artistas griegos más famosos fueron Polygnotos, conocido por sus murales, y Apollodoros, el creador del claroscuro. El desarrollo de una técnica realista se atribuye a Zeuxis y Parrhasius, quienes según la antigua leyenda griega, una vez compitieron en una exhibición de bravura de sus talentos, las primeras descripciones de la historia de la pintura trompe l’oeil. En escultura, Skopas, Praxiteles, Fidias y Lisipo fueron los escultores más destacados. Parece que los artistas romanos tenían mucho arte griego antiguo para copiar, ya que el comercio de arte era rápido en todo el imperio, y gran parte del patrimonio artístico griego se abrió paso en el arte romano a través de libros y enseñanzas. Se sabe que los antiguos tratados griegos sobre las artes existieron en la época romana, aunque ahora están perdidos.

La gran cantidad de copias romanas del arte griego también habla de la estima que los artistas romanos tenían por el arte griego, y quizás de su calidad más rara y más alta. Muchas de las formas y métodos de arte utilizados por los romanos, como el alto y bajo relieve, escultura independiente, fundición de bronce, arte en florero, mosaico, cameo, arte con monedas, joyería fina y metalistería, escultura funeraria, dibujo en perspectiva, caricatura, El género y la pintura de retratos, la pintura de paisajes, la escultura arquitectónica y la pintura trompe l’oeil, todas fueron desarrolladas o refinadas por artistas griegos antiguos. Una excepción es el busto romano, que no incluía los hombros.

El busto tradicional de cabeza y hombros puede haber sido una forma etrusca o romana temprana. Prácticamente todas las técnicas y métodos artísticos utilizados por los artistas del Renacimiento 1.900 años después, habían sido demostrados por artistas griegos antiguos, con las notables excepciones de los colores al óleo y la perspectiva matemáticamente precisa. Donde los artistas griegos eran muy venerados en su sociedad, la mayoría de los artistas romanos eran anónimos y se consideraban comerciantes. No hay grabación, como en la antigua Grecia, de los grandes maestros del arte romano, y prácticamente no hay obras firmadas. Donde los griegos adoraban las cualidades estéticas del gran arte, y escribían extensamente sobre teoría artística, el arte romano era más decorativo e indicativo de estatus y riqueza, y aparentemente no era el tema de eruditos o filósofos.

Debido en parte al hecho de que las ciudades romanas eran mucho más grandes que las ciudades-estado griegas en cuanto a poder y población, y en general menos provinciales, el arte en la antigua Roma adquirió un propósito más amplio y, a veces, más utilitario. La cultura romana asimiló muchas culturas y fue en su mayor parte tolerante con las formas de los pueblos conquistados. El arte romano fue comisionado, exhibido y poseído en cantidades mucho mayores, y adaptado a más usos que en la época griega. Los romanos ricos eran más materialistas; decoraron sus paredes con arte, su hogar con objetos decorativos y ellos mismos con joyas finas.

En la era cristiana del Imperio tardío, del 350 al 500 d. C., la pintura mural, el trabajo de mosaico en el techo y el piso, y la escultura funeraria prosperaron, mientras que la escultura de tamaño completo en la pintura redonda y en panel desapareció, probablemente por razones religiosas. Cuando Constantino trasladó la capital del imperio a Bizancio (rebautizado como Constantinopla), el arte romano incorporó influencias orientales para producir el estilo bizantino del imperio tardío. Cuando Roma fue saqueada en el siglo V, los artesanos se mudaron y encontraron trabajo en la capital oriental. La Iglesia de Hagia Sophia en Constantinopla empleó a casi 10,000 trabajadores y artesanos, en una explosión final de arte romano bajo el emperador Justiniano (527–565 CE), quien también ordenó la creación de los famosos mosaicos de la Basílica de San Vitale en la ciudad de Rávena .

Sociologia de los artistas

Patrocinadores en el centro de atención
La sociedad romana nunca ha conocido desarrollos que se hayan beneficiado del siglo V a. C. AD, artistas griegos. Los mejores de ellos fueron reconocidos durante su vida, dejaron obras famosas y colocaron sus nombres en sus logros. En su Historia Natural, especialmente en el libro XXXV, Plinio el Viejo cita docenas de nombres de artistas, los clasifica por escuelas, distingue sus originalidades y narra anécdotas sobre ellos. Son artistas casi exclusivamente griegos, con la excepción de Fabius Pictor y Pacuvius. La incertidumbre sobre el primero es reveladora: el cognomen «pictor» significa «pintor», pero es común a una familia de altos magistrados romanos del siglo III antes de Cristo. Fabius Pictor, ¿es pintor o magistrado que pintó el Templo de Salus? El texto de Plinio muestra perfectamente que,

Arte de hablar
Este anonimato obviamente no se debe a la mediocridad de los artistas romanos. Se debe buscar en causas culturales, sociales e históricas. La primera de estas causas es que, para los romanos, la literatura es la primera de las artes, antes de cualquier logro plástico, por hermosa que sea. La educación de los jóvenes romanos es ante todo un aprendizaje del lenguaje, el habla, el razonamiento y la aritmética. Este gusto por el lenguaje proviene del lugar ocupado por la política entre las élites: construyes tu carrera sabiendo hablar, defender, discutir, incluso en el campo de batalla (la famosa arenga o adlocutio). Si tantas estatuas, incluidas las estatuas funerarias de capsa que contienen la continuación de su discurso, es que el arte de la oratoria, y también el musical, pero es casi lo mismo, se considera para la altura del genio.

Un estado relativamente humilde
En la sociedad romana, la palabra «artista» no tiene el mismo significado que hoy, significa más «artesano» que «creador». La costumbre de copiar modelos ilustres, ya muy presentes en el arte griego helenístico y adoptada por artistas / artesanos romanos, confunde las aguas. Aunque estas nunca son copias idénticas, sino más bien adaptaciones, o incluso variaciones en torno a una obra importante, este enfoque, desde la Antigüedad, ayudó a disminuir el estatus del artesano / artista, cuya libre expresión aparentemente fue eliminada. Finalmente, la reflexión artística, el trabajo intelectual y sensible que caracteriza a un artista hoy en día fue una gratificación que a menudo se brinda, pero que no se requiere en absoluto.

Por lo tanto, la obra de arte en el sentido moderno era solo una producción con bajo valor agregado que valía poco más que los materiales con los que el faber la había hecho. El trabajo fue por lo tanto de bajo costo. Solo era servil para las tareas más bajas, que no pueden describirse como «artísticas». El artista / artesano, por otro lado, a veces era un hombre libre, a menudo un hombre liberado, a menudo un extranjero. En el siglo i a. C. AD, tenemos ejemplos de artistas que llegaron a Roma como prisioneros de guerra. En 301, el pintor parietario, pintor de grandes superficies de pared, gana, además de su comida, 75 denarios; el imaginario imaginario, pintor de escenas complejas, gana, en las mismas condiciones, 150 denarios; el mosaico que hace los pisos gana 50 negadores, el mosaico de bóvedas o paredes, 60 negadores. El sastre de mármol (¿escultor?) Gana 60 denarios. Un carpintero gana 50 denarios, como el herrero, el panadero, el chaufournier, el tintorero. Todo esto no tiene nada que ver con un profesor de hablar en público (250 denarios) o un abogado que aboga por un juicio (1000 denarios).

Sin embargo, es cierto que los clientes distinguieron muy bien a los mejores artistas y los menos dotados. Una cierta reputación los rodeaba, la moda era favorable o no, y sus servicios podían alcanzar precios altos. Obviamente, el séquito imperial recurrió a lo mejor. Estos a veces colocaron sus firmas en sus obras, de manera helenística. Es el caso del museo Marcelo del Louvre, un retrato-estatua funeraria del sobrino y yerno de Augusto, Marco Claudio Marcelo. La inmensa calidad de este trabajo no deja dudas sobre la proximidad de su patrocinador al emperador. El animal no es su atributo. Preferiría estar asociado con Venus, cuyos Iulii afirman ser descendientes. Por lo tanto, sería un recordatorio simbólico de su parentesco con la divinidad, y una marca de legitimidad. En el caparazón, leemos en griego:

Adaptarse al medio ambiente
Con la excepción del sector funerario, el arte plástico se considera sobre todo como una decoración, un adorno. La correspondencia de Cicero lo muestra muy bien: no se trata de traer estatuas de los mejores maestros atenienses para admirarlas, sino para decorar su palestra. La puesta en escena y el diseño son esenciales. Uno tiene la impresión de que el punto de vista romano sobre el arte es el punto de vista de un arquitecto. Los descubrimientos arqueológicos (por ejemplo, en Bavay, en el norte), muestran que los patrocinadores no dudan en financiar estatuas copiadas de obras maestras griegas para formar agrupaciones inesperadas (pero no desprovistas de significado), o incluso para separar grupos concebidos como unidades, como la invitación. a la danza conocida en monedas de Cyzicus del siglo II a. C. AD -in tiene la intención de decorar un lugar, no sin dejar espacio para nuevos significados.

Factores económicos
Otro factor dificulta la aparición de personalidades artísticas fuertes, particularmente evidentes en la escultura: parece que en Roma más que en Grecia, la división del trabajo en los talleres se ha llevado al extremo. Hemos sabido durante mucho tiempo que la carga de esculpir una cara en mármol y la de esculpir un cuerpo en toga rara vez podría caer en la misma mano, como lo demuestra claramente el Augusto de la Via Labicana. Pero incluso parece que el cuidado de esculpir el cabello estaba reservado para brazos menos dotados o más especializados. No es seguro que Horacio exagere en su Epístola a los Pisones, cuando escribe: «Cerca del circo Emiliano, solo un artista sabrá cómo hacer las uñas e imitará en el bronce la flexibilidad del cabello, desafortunada perfección del arte ¡Porque nunca puede hacer un todo!

Esta división del trabajo va de la mano con una práctica esbozada en la época helenística, pero utilizada ampliamente en el imperio: la práctica de hacer cabezas uniendo varias piezas de mármol, generalmente la cara, la tapa del cráneo y el occipucio, pegadas o mortadas juntos. Es una cuestión, si uno de los altavoces comete un error, de poder «reparar» fácilmente, a fin de ahorrar tanto como sea posible una materia prima que pesa mucho en el precio, debido a la pequeñez de la mano. obra de arte

Una producción artística gratuita y asequible.
En conclusión, uno puede preguntarse si la eliminación de los artistas detrás de sus clientes no fue una oportunidad para el arte romano. Primero, permitió una generalización real del arte, al no poder hablar de «democratización». Es cierto que, incluso en las provincias más distantes, incluso en círculos ajenos a las élites financieras o intelectuales, el arte no se considera reservado para una categoría privilegiada de la población. Además de la existencia de «galerías» abiertas al público (como el Atrium Libertatis), las residencias modestas, incluso las bodegas, con frecuencia estaban decoradas con frescos.

Por otro lado, la multiplicidad de la clientela y el hecho de que se sintieran poco preocupados por las cuestiones artísticas adecuadas ciertamente han aumentado el margen de libertad del artista / artesano. La inventiva, la variedad y la espontaneidad del arte romano dependían de esta situación. Podemos suponer que una franja de la clientela se preocupaba poco por el carácter más o menos académico de la escena esculpida en un frente de sarcófago. Si la tipología (escenas de caza, obras de Hércules, colegio de las Musas …) la complació, no buscó ver ni criticar las innovaciones, los pequeños detalles, los toques estilísticos que hacen el encanto de muchos relieves, muchos frescos y mosaicos, muchos jarrones de plata.

Pintura
Del vasto cuerpo de pintura romana ahora tenemos solo unos pocos focos de supervivencia, con muchos tipos documentados que no sobreviven en absoluto, o lo hacen solo desde el final del período. El bolsillo más conocido e importante son las pinturas murales de Pompeya, Herculano y otros sitios cercanos, que muestran cómo los residentes de un rico balneario decoraron sus paredes en el siglo más o menos antes de la erupción fatal del Vesubio en 79 EC. Una sucesión de estilos anticuados han sido definidos y analizados por los historiadores del arte moderno a partir de August Mau, mostrando una elaboración y sofisticación cada vez mayores.

Comenzando en el siglo III d. C. y terminando alrededor de 400, tenemos una gran cantidad de pinturas de las Catacumbas de Roma, de ninguna manera todas cristianas, que muestran la continuación de la tradición decorativa doméstica en una versión adaptada, probablemente no muy adaptada, para uso en cámaras funerarias, en lo que probablemente era un medio social bastante más humilde que las casas más grandes de Pompeya. Gran parte del palacio de Nerón en Roma, la Domus Aurea, sobrevivió como grutas y nos da ejemplos que podemos estar seguros de que representan la mejor calidad de pintura mural en su estilo, y que bien pueden haber representado una innovación significativa en el estilo. Hay una serie de otras partes de habitaciones pintadas que sobreviven desde Roma y otros lugares, que de alguna manera ayudan a llenar los vacíos de nuestro conocimiento de la pintura mural. Desde el Egipto romano hay una gran cantidad de lo que se conoce como retratos de momias Fayum, retratos de busto en madera añadidos al exterior de las momias por una clase media romanizada; a pesar de su carácter local muy distinto, probablemente son ampliamente representativos del estilo romano en los retratos pintados, que de otro modo se perderían por completo.

No queda nada de las pinturas griegas importadas a Roma durante los siglos IV y V ni de la pintura sobre madera realizada en Italia durante ese período. En resumen, el rango de muestras se limita a solo unos 200 años de los aproximadamente 900 años de la historia romana y de la pintura provincial y decorativa. La mayor parte de esta pintura mural se realizó utilizando el método secco («seco»), pero algunas pinturas al fresco también existieron en la época romana. Hay evidencia de mosaicos y algunas inscripciones de que algunas pinturas romanas fueron adaptaciones o copias de obras griegas anteriores. Sin embargo, a la confusión se suma el hecho de que las inscripciones pueden estar registrando los nombres de artistas inmigrantes griegos de la época romana, no de originales griegos antiguos que fueron copiados. Los romanos carecían por completo de una tradición de pintura de jarrones figurativa comparable a la de los antiguos griegos,

Variedad de temas
La pintura romana ofrece una amplia variedad de temas: animales, naturaleza muerta, escenas de la vida cotidiana, retratos y algunos temas mitológicos. Durante el período helenístico, evocaba los placeres del campo y representaba escenas de pastores, rebaños, templos rústicos, paisajes rurales montañosos y casas de campo. Las escenas eróticas también son relativamente comunes. En el imperio tardío, después de 200 DC, los primeros temas cristianos mezclados con imágenes paganas sobreviven en las paredes de las catacumbas.

Paisaje y vistas
La principal innovación de la pintura romana en comparación con el arte griego fue el desarrollo de paisajes, en particular incorporando técnicas de perspectiva, aunque la verdadera perspectiva matemática se desarrolló 1.500 años después. Las texturas superficiales, el sombreado y la coloración se aplican bien, pero la escala y la profundidad espacial aún no se representaron con precisión. Algunos paisajes eran escenas puras de la naturaleza, particularmente jardines con flores y árboles, mientras que otros eran vistas arquitectónicas que representaban edificios urbanos. Otros paisajes muestran episodios de la mitología, las escenas de demostración más famosas de la Odisea.

En la visión tradicional, el arte del antiguo Oriente habría conocido la pintura de paisajes solo como telón de fondo de escenas narrativas civiles o militares. Esta teoría es defendida por Franz Wickhoff, es discutible. Es posible ver evidencia del conocimiento griego de la representación del paisaje en los Critias de Platón (107b – 108b):
… y si observamos el retrato de los cuerpos divino y humano como ejecutados por pintores, con respecto a la facilidad o dificultad con la que logran imitar a sus sujetos en opinión de los espectadores, notaremos en primer lugar que En cuanto a la tierra, las montañas, los ríos, los bosques y todo el cielo, con las cosas que existen y se mueven en ellas, estamos contentos si un hombre es capaz de representarlas incluso con un pequeño grado de semejanza …

Naturaleza muerta
Los sujetos romanos de naturaleza muerta a menudo se colocan en nichos o estantes ilusionistas y representan una variedad de objetos cotidianos, como frutas, animales vivos y muertos, mariscos y conchas. Los ejemplos del tema del frasco de vidrio lleno de agua fueron pintados hábilmente y luego sirvieron como modelos para el mismo tema a menudo pintado durante los períodos del Renacimiento y el Barroco.

Retratos
Plinio se quejó del estado decadente del retrato romano: «La pintura de retratos que solía transmitir a través de los siglos las semejanzas exactas de las personas, se ha extinguido por completo … La indolencia ha destruido las artes».

En Grecia y Roma, la pintura mural no se consideraba un arte elevado. La forma de arte más prestigiosa además de la escultura era la pintura de paneles, es decir, la pintura al temple o encáustica sobre paneles de madera. Desafortunadamente, dado que la madera es un material perecedero, solo unos pocos ejemplos de tales pinturas han sobrevivido, a saber, el Severan Tondo de c. 200 AD, un retrato oficial muy rutinario de alguna oficina del gobierno provincial, y los famosos retratos de momias Fayum, todos del Egipto romano, y casi seguramente no de la más alta calidad contemporánea. Los retratos estaban adheridos a momias funerarias en la cara, de las cuales casi todos se han separado. Por lo general, representan a una sola persona, mostrando la cabeza, o la cabeza y la parte superior del pecho, vista frontalmente. El fondo es siempre monocromo, a veces con elementos decorativos. En términos de tradición artística, las imágenes derivan claramente más de las tradiciones grecorromanas que de las egipcias. Son notablemente realistas, aunque varían en calidad artística, y pueden indicar ese arte similar que se extendió en otros lugares pero no sobrevivió. Algunos retratos pintados en vidrio y medallas del imperio posterior han sobrevivido, al igual que los retratos en monedas, algunos de los cuales también se consideran muy realistas.

Vidrio dorado
El vidrio dorado, o vidrio sándwich dorado, era una técnica para fijar una capa de pan de oro con un diseño entre dos capas fusionadas de vidrio, desarrollada en vidrio helenístico y revivida en el siglo III DC. Hay muy pocos diseños grandes, incluido un grupo muy fino de retratos del siglo III con pintura agregada, pero la gran mayoría de las alrededor de 500 supervivientes son roundels que son el fondo cortado de copas de vino o vasos utilizados para marcar y decora tumbas en las catacumbas de Roma presionándolas contra el mortero.

Principalmente datan de los siglos IV y V La mayoría son cristianos, aunque hay muchos ejemplos paganos y algunos judíos. Es probable que originalmente se regalaran como matrimonio o en ocasiones festivas como Año Nuevo. Su iconografía ha sido muy estudiada, aunque artísticamente son relativamente poco sofisticadas. Sus temas son similares a las pinturas de catacumbas, pero con un equilibrio diferente que incluye más retratos. Con el paso del tiempo hubo un aumento en la representación de los santos. La misma técnica comenzó a usarse para las teselas de oro para mosaicos a mediados del siglo I en Roma, y ​​para el siglo V estos se habían convertido en el fondo estándar para los mosaicos religiosos.

El grupo anterior está «entre los retratos más vívidos para sobrevivir desde los primeros tiempos cristianos. Nos miran con una intensidad severa y melancólica extraordinaria», y representan los mejores indicios de lo que el retrato romano de alta calidad podría lograr en la pintura. El medallón de Gennadios en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, es un buen ejemplo de un retrato alejandrino sobre vidrio azul, que utiliza una técnica bastante más compleja y un estilo naturalista que la mayoría de los ejemplos de los romanos tardíos, incluida la pintura sobre el oro para crear sombras, y con la inscripción griega que muestra las características del dialecto local. Tal vez le habían dado o encargado la pieza para celebrar la victoria en una competencia musical. Uno de los medallones de retratos de estilo alejandrino más famosos, con una inscripción en griego egipcio, Más tarde se montó en una cruma gemmata medieval temprana en Brescia, en la creencia errónea de que mostraba a la piadosa emperatriz y la reina gótica Galla Placida y sus hijos; de hecho, el nudo en el vestido de la figura central puede marcar a un devoto de Isis.

Este es uno de un grupo de 14 piezas que datan del siglo III dC, todos los retratos seculares individualizados de alta calidad. La inscripción en el medallón está escrita en el dialecto alejandrino del griego y, por lo tanto, probablemente representa a una familia del Egipto romano. El medallón también se ha comparado con otras obras de arte contemporáneo romano-egipcio, como los retratos de momias Fayum. Se cree que el pequeño detalle de piezas como estas solo se puede lograr con lentes. Las gafas posteriores de las catacumbas tienen un nivel de retrato que es rudimentario, con rasgos, peinados y ropa, todos siguiendo estilos estereotípicos.

Escenas de género
Las escenas de género romano generalmente representan a los romanos en el tiempo libre e incluyen juegos de azar, música y encuentros sexuales. Algunas escenas representan dioses y diosas en el ocio.

Pinturas triunfales
Desde el siglo III a. C., apareció un género específico conocido como Pinturas triunfales, según lo indicado por Plinio (XXXV, 22). Eran pinturas que mostraban entradas triunfales después de victorias militares, representaban episodios de la guerra y conquistaban regiones y ciudades. Se dibujaron mapas resumidos para resaltar los puntos clave de la campaña. Josefo describe la pintura ejecutada con ocasión del saqueo de Jerusalén de Vespasiano y Tito:

También había oro forjado y marfil sujetos a todos ellos; y muchas semejanzas de la guerra, y de varias maneras, y una variedad de artilugios, lo que permite un retrato más vivo de sí mismo. Porque había que ver un país feliz devastado, y escuadrones enteros de enemigos muertos; mientras que algunos se escaparon y otros fueron llevados al cautiverio; con paredes de gran altitud y magnitud derribadas y arruinadas por máquinas; con las fortificaciones más fuertes tomadas, y las murallas de las ciudades más pobladas sobre las cimas de las montañas se apoderaron, y un ejército se derramó dentro de las murallas; como también todos los lugares llenos de matanzas y súplicas de los enemigos, cuando ya no podían levantar sus manos en oposición.

Aquí también se representaba el fuego enviado a los templos, y las casas derrocadas y cayendo sobre sus dueños: los ríos también, después de que salieron de un desierto grande y melancólico, corrieron, no hacia una tierra cultivada, ni como bebida para hombres, ni para ganado, pero a través de una tierra todavía en llamas por todos lados; porque los judíos relataron que tal cosa habían sufrido durante esta guerra. Ahora, la ejecución de estas representaciones era tan magnífica y animada en la construcción de las cosas, que exhibía lo que se había hecho a personas que no lo veían, como si hubieran estado allí realmente presentes. En la parte superior de cada uno de estos concursos se colocó al comandante de la ciudad que fue tomada, y la forma en que fue tomada.

Estas pinturas han desaparecido, pero probablemente influyeron en la composición de los relieves históricos tallados en sarcófagos militares, el Arco de Tito y la Columna de Trajano. Esta evidencia subraya la importancia de la pintura de paisajes, que a veces tiende a ser planes en perspectiva.

Ranuccio también describe la pintura más antigua que se encuentra en Roma, en una tumba en la colina de Esquilino:

Describe una escena histórica, sobre un fondo claro, pintada en cuatro secciones superpuestas. Se identifican varias personas, como Marcus Fannius y Marcus Fabius. Son más grandes que las otras figuras … En la segunda zona, a la izquierda, hay una ciudad rodeada de paredes almenadas, frente a la cual hay un gran guerrero equipado con un escudo ovalado y un casco emplumado; cerca de él hay un hombre con una túnica corta, armado con una lanza … Alrededor de estos dos hay soldados más pequeños con túnicas cortas, armados con lanzas … En la zona inferior está teniendo lugar una batalla, donde un guerrero con escudo ovalado y un casco emplumado se muestra más grande que los demás, cuyas armas permiten suponer que probablemente sean samnitas.

Este episodio es difícil de precisar. Una de las hipótesis de Ranuccio es que se refiere a una victoria del cónsul Fabius Maximus Rullianus durante la segunda guerra contra los samnitas en el 326 a. C. La presentación de las figuras con tamaños proporcionales a su importancia es típicamente romana, y se encuentra en relieves plebeyos. Esta pintura está en la infancia de la pintura triunfal, y se habría realizado a principios del siglo III a. C. para decorar la tumba.

Escultura
El arte romano temprano fue influenciado por el arte de Grecia y el de los vecinos etruscos, ellos mismos muy influenciados por sus socios comerciales griegos. Una especialidad etrusca eran las efigies de tumbas casi de tamaño natural en terracota, que por lo general yacían sobre la tapa de un sarcófago apoyado en un codo en la postura de un comensal en ese período. A medida que la República romana en expansión comenzó a conquistar el territorio griego, al principio en el sur de Italia y luego en todo el mundo helenístico, excepto en el Lejano Oriente de Partia, la escultura oficial y patricia se convirtió en gran medida en una extensión del estilo helenístico, del cual los elementos específicamente romanos son difíciles de entender. desenredar, especialmente porque gran parte de la escultura griega sobrevive solo en copias de la época romana. En el siglo II a. C., «la mayoría de los escultores que trabajaban en Roma» eran griegos, a menudo esclavizados en conquistas como la de Corinto (146 a. C.), y los escultores continuaron siendo en su mayoría griegos, a menudo esclavos, cuyos nombres rara vez se registran. Grandes cantidades de estatuas griegas fueron importadas a Roma, ya sea como botín o como resultado de extorsiones o comercio, y los templos a menudo estaban decorados con obras griegas reutilizadas.

Se puede ver un estilo italiano nativo en los monumentos de las tumbas de los romanos prósperos de clase media, que a menudo presentaban bustos de retratos, y el retrato es posiblemente la principal fortaleza de la escultura romana. No hay supervivientes de la tradición de las máscaras de antepasados ​​que se usaron en procesiones en los funerales de las grandes familias y que de otra manera se exhibieron en el hogar, pero muchos de los bustos que sobreviven deben representar figuras ancestrales, tal vez de las grandes tumbas familiares como el Tumba de los Scipios o la mausolea posterior fuera de la ciudad. La famosa cabeza de bronce supuestamente de Lucius Junius Brutus tiene una fecha muy diferente, pero se toma como una supervivencia muy rara del estilo itálico bajo la República, en el medio preferido de bronce.

Del mismo modo, se ven cabezas severas y contundentes en las monedas de los cónsules, y en el período imperial las monedas y los bustos enviados alrededor del Imperio para ser colocados en las basílicas de las ciudades provinciales eran la principal forma visual de propaganda imperial; incluso Londinium tenía una estatua casi colosal de Nerón, aunque mucho más pequeña que el Coloso de Nerón de 30 metros de altura en Roma, ahora perdida. La Tumba de Eurysaces the Baker, un liberto exitoso (c. 50-20 aC) tiene un friso que es un ejemplo inusualmente grande del estilo «plebeyo». El retrato imperial fue inicialmente helenizado y altamente idealizado, como en el Blacas Cameo y otros retratos de Augusto.

Los romanos generalmente no intentaron competir con obras griegas independientes de hazañas heroicas de la historia o la mitología, pero desde el principio produjeron obras históricas en relieve, que culminaron en las grandes columnas triunfales romanas con continuos relieves narrativos que se enrollaban a su alrededor, de las cuales esas que conmemora a Trajano (113 CE) y Marco Aurelio (en 193) sobreviven en Roma, donde el Ara Pacis («Altar de la paz», 13 a. C.) representa el estilo oficial grecorromano en su forma más clásica y refinada, y Sperlonga lo esculpe en su más barroco. Algunas esculturas públicas romanas tardías desarrollaron un estilo masivo y simplificado que a veces anticipa el realismo socialista soviético. Entre otros ejemplos importantes están los relieves reutilizados anteriores en el Arco de Constantino y la base de la Columna de Antonino Pío (161),

Todas las formas de pequeñas esculturas de lujo continuaron siendo patrocinadas, y la calidad podría ser extremadamente alta, como en la Copa Warren de plata, la Copa Lycurgus de vidrio y grandes cameos como Gemma Augustea, Gonzaga Cameo y el «Gran Cameo de Francia». Para una sección mucho más amplia de la población, la decoración en relieve moldeada de vasijas de cerámica y figuritas pequeñas se produjo en gran cantidad y, a menudo, de considerable calidad.

Después de pasar por una fase «barroca» de finales del siglo II, en el siglo III, el arte romano abandonó en gran medida, o simplemente se volvió incapaz de producir, la escultura en la tradición clásica, un cambio cuyas causas siguen siendo muy discutidas. Incluso los monumentos imperiales más importantes ahora mostraban figuras achaparradas de ojos grandes en un estilo frontal áspero, en composiciones simples que enfatizaban el poder a expensas de la gracia. El famoso contraste se ilustra en el Arco de Constantino de 315 en Roma, que combina secciones en el nuevo estilo con redondeles en el estilo grecorromano completo anterior tomado de otros lugares, y los Cuatro Tetrarcas (c. 305) de la nueva capital de Constantinopla, ahora en Venecia. Ernst Kitzinger encontró en ambos monumentos las mismas «proporciones rechonchas, movimientos angulares,

Esta revolución en el estilo precedió poco tiempo al período en que el cristianismo fue adoptado por el estado romano y la gran mayoría de la gente, lo que llevó al final de una gran escultura religiosa, con grandes estatuas que ahora solo se usan para los emperadores, como en los famosos fragmentos de un colosal estatua acrolítica de Constantino, y el Coloso de Barletta del siglo IV o IV. Sin embargo, los cristianos ricos continuaron encargando alivio para los sarcófagos, como en el sarcófago de Junius Bassus, y los cristianos continuaron con esculturas muy pequeñas, especialmente en marfil, basándose en el estilo del díptico consular.

La escultura romana tradicional se divide en cinco categorías: retrato, relieve histórico, relieves funerarios, sarcófagos y copias de obras griegas antiguas. Contrariamente a la creencia de los primeros arqueólogos, muchas de estas esculturas eran grandes imágenes policromadas de terracota, como el Apolo de Veii (Villa Givlia, Roma), pero la superficie pintada de muchas de ellas se ha desgastado con el tiempo.

Relieves narrativos
Mientras los escultores griegos ilustraban tradicionalmente las hazañas militares mediante el uso de alegorías mitológicas, los romanos usaban un estilo más documental. Los relieves romanos de las escenas de batalla, como los de la Columna de Trajano, se crearon para la glorificación del poder romano, pero también proporcionan representación de primera mano de trajes militares y equipo militar. La columna de Trajano registra las diversas guerras dacias conducidas por Trajano en lo que hoy es Rumania. Es el principal ejemplo del relieve histórico romano y uno de los grandes tesoros artísticos del mundo antiguo. Este logro sin precedentes, más de 650 pies de longitud en espiral, presenta no solo individuos realistas (más de 2,500 de ellos), sino también paisajes, animales, barcos y otros elementos en una historia visual continua, en efecto, un antiguo precursor de una película documental. Sobrevivió a la destrucción cuando se adaptó como base para la escultura cristiana. Durante la era cristiana después del año 300 DC, la decoración de los paneles de las puertas y los sarcófagos continuó, pero la escultura de gran tamaño desapareció y no parecía ser un elemento importante en las primeras iglesias.

Artes menores

Cerámica y terracota
Los romanos heredaron una tradición artística en una amplia gama de las llamadas «artes menores» o arte decorativo. La mayoría de estos florecieron de manera impresionante en el nivel de lujo, pero un gran número de figuras de terracota, tanto religiosas como seculares, continuaron produciéndose a bajo precio, así como algunos relieves Campana más grandes en terracota. El arte romano no usaba la pintura de jarrones a la manera de los antiguos griegos, pero las vasijas en la cerámica romana antigua a menudo estaban decoradas con estilo en relieve moldeado. Los productores de los millones de pequeñas lámparas de aceite vendidas parecen haber confiado en una decoración atractiva para vencer a los competidores y todos los temas del arte romano, excepto el paisaje y el retrato, se encuentran en miniatura.

Vaso
Las artes de lujo incluían el elegante vidrio romano en una gran variedad de técnicas, muchos de los cuales eran más asequibles para una buena proporción del público romano. Este ciertamente no fue el caso para los tipos de vidrio más extravagantes, como las copas de jaula o la diatreta, de los cuales la Copa Lycurgus en el Museo Británico es un ejemplo figurativo casi único en vidrio que cambia de color cuando se ve con la luz que lo atraviesa. . El Augustan Portland Vase es la obra maestra del vidrio de camafeo romano e imita el estilo de las grandes gemas grabadas (Blacas Cameo, Gemma Augustea, Great Cameo of France) y otras tallas de piedra dura que también fueron más populares en esta época.

Mosaico
El mosaico romano era un arte menor, aunque a menudo a gran escala, hasta el final del período, cuando los cristianos de finales del siglo IV comenzaron a usarlo para grandes imágenes religiosas en las paredes de sus nuevas iglesias grandes; en el arte romano anterior, el mosaico se usaba principalmente para pisos, techos curvos y paredes interiores y exteriores que se iban a mojar. La famosa copia de una pintura helenística en el mosaico de Alexander en Nápoles se colocó originalmente en un piso en Pompeya; Este es un trabajo de mucha mayor calidad que la mayoría de los mosaicos romanos, aunque también han sobrevivido paneles muy finos, a menudo de sujetos de naturaleza muerta en teselas pequeñas o micromosaicas.

Los romanos distinguieron entre opus tessellatum normal con teselas en su mayoría de más de 4 mm de ancho, que se colocó en el sitio, y opus vermiculatum más fino para paneles pequeños, que se cree que se produjo fuera del sitio en un taller, y se trajo al sitio como terminado panel. Este último era un género helenístico que se encuentra en Italia entre los años 100 a. C. y 100 d. C. La mayoría de los mosaicos firmados tienen nombres griegos, lo que sugiere que los artistas permanecieron mayormente griegos, aunque probablemente a menudo esclavos entrenados en talleres. El mosaico de Palestrina del Nilo a fines del siglo II a. C. es un gran ejemplo del género popular del paisaje nilótico, mientras que el mosaico de gladiadores del siglo IV en Roma muestra varias figuras grandes en combate. Los mosaicos de Orfeo, a menudo muy grandes, eran otro tema favorito para las villas, con varios animales feroces domesticados por la música de Orfeo.

Metalistería
La metalistería estaba altamente desarrollada y era claramente una parte esencial de los hogares de los ricos, que comían plata, mientras que a menudo bebían de vidrio, y tenían elaborados accesorios de fundición en sus muebles, joyas y pequeñas figuras. Una serie de acumulaciones importantes encontradas en los últimos 200 años, principalmente de los bordes más violentos del imperio tardío, nos han dado una idea mucho más clara de la placa de plata romana. Mildenhall Treasure y Hoxne Hoard son de East Anglia en Inglaterra. Hay pocas supervivencias de muebles romanos antiguos de lujo, pero estos muestran un diseño y ejecución refinados y elegantes.

Monedas y medallas
Pocas monedas romanas alcanzan los picos artísticos de las mejores monedas griegas, pero sobreviven en gran número y su iconografía e inscripciones forman una fuente crucial para el estudio de la historia romana y el desarrollo de la iconografía imperial, además de contener muchos ejemplos excelentes de retrato. Penetraron en la población rural de todo el Imperio y más allá, con bárbaros al margen del Imperio haciendo sus propias copias. En el Imperio, los medallones en metales preciosos comenzaron a producirse en pequeñas ediciones como obsequios imperiales, que son similares a las monedas, aunque más grandes y generalmente de ejecución más fina. Las imágenes en monedas inicialmente siguieron los estilos griegos, con dioses y símbolos, pero en la agonía de la República primero apareció Pompeyo y luego Julio César en monedas, y los retratos del emperador o los miembros de su familia se convirtieron en estándar en la moneda imperial. Las inscripciones se usaron para propaganda, y en el Imperio posterior el ejército se unió al emperador como beneficiario.

Arquitectura
Fue en el área de la arquitectura donde el arte romano produjo sus mayores innovaciones. Debido a que el Imperio Romano se extendió sobre un área tan grande e incluyó muchas áreas urbanizadas, los ingenieros romanos desarrollaron métodos para construir ciudades a gran escala, incluido el uso de concreto. Edificios masivos como el Panteón y el Coliseo nunca podrían haber sido construidos con materiales y métodos anteriores. Aunque el hormigón se había inventado mil años antes en el Cercano Oriente, los romanos extendieron su uso desde las fortificaciones hasta sus edificios y monumentos más impresionantes, aprovechando la resistencia del material y el bajo costo. El núcleo de hormigón estaba cubierto con yeso, ladrillo, piedra o chapa de mármol, y a menudo se agregaban esculturas decorativas policromadas y doradas para producir un deslumbrante efecto de poder y riqueza.

Debido a estos métodos, la arquitectura romana es legendaria por la durabilidad de su construcción; con muchos edificios aún en pie, y algunos todavía en uso, en su mayoría edificios convertidos en iglesias durante la era cristiana. Sin embargo, muchas ruinas han sido despojadas de su chapa de mármol y quedan con su núcleo de hormigón expuesto, por lo que parecen algo reducidas en tamaño y grandeza de su aspecto original, como en la Basílica de Constantino.

Durante la era republicana, la arquitectura romana combinó elementos griegos y etruscos, y produjo innovaciones como el templo redondo y el arco curvo. A medida que el poder romano creció en el imperio temprano, los primeros emperadores inauguraron la nivelación mayorista de barrios marginales para construir grandes palacios en el Monte Palatino y las áreas cercanas, lo que requirió avances en métodos de ingeniería y diseño a gran escala. Los edificios romanos se construyeron en la agrupación comercial, política y social conocida como foro, siendo Julio César el primero y varios más tarde, y el Foro Romano fue el más famoso.

La arena más grande del mundo romano, el Coliseo, se completó alrededor del año 80 DC en el otro extremo de ese foro. Contenía a más de 50,000 espectadores, tenía cubiertas de tela retráctiles para sombra, y podía organizar espectáculos masivos, incluyendo grandes concursos de gladiadores y simulacros de batallas navales. Esta obra maestra de la arquitectura romana personifica la eficiencia de la ingeniería romana e incorpora los tres órdenes arquitectónicos: dórico, jónico y corintio. Menos famosa pero igual de importante, si no más, para la mayoría de los ciudadanos romanos, fue la ínsula de cinco pisos o la manzana, el equivalente romano de un edificio de apartamentos, que albergaba a decenas de miles de romanos.

Fue durante el reinado de Trajano (98–117 d. C.) y Adriano (117–138 d. C.) que el Imperio Romano alcanzó su mayor extensión y que Roma misma estaba en la cima de su gloria artística, lograda a través de programas masivos de construcción de monumentos. , casas de reunión, jardines, acueductos, baños, palacios, pabellones, sarcófagos y templos. El uso romano del arco, el uso de métodos de construcción de hormigón, el uso de la cúpula permitieron la construcción de techos abovedados y permitieron la construcción de estos espacios y complejos públicos, incluidos los palacios, baños públicos y basílicas de la «Edad de Oro». del imperio Entre los ejemplos más destacados de construcción de cúpulas se incluyen el Panteón, los Baños de Diocleciano y los Baños de Caracalla.

La altura del techo es exactamente igual al diámetro interior del edificio, creando un recinto que podría contener una esfera gigante. Estos grandes edificios luego sirvieron como modelos inspiradores para arquitectos del Renacimiento italiano, como Brunelleschi. A la edad de Constantino (306-337 dC), se llevaron a cabo los últimos grandes programas de construcción en Roma, incluida la construcción del Arco de Constantino construido cerca del Coliseo, que recicló algunas obras de piedra del foro cercano, para producir una mezcla ecléctica de estilos

Los acueductos romanos, también basados ​​en el arco, eran comunes en el imperio y transportadores esenciales de agua a grandes áreas urbanas. Sus restos de mampostería son especialmente impresionantes, como el Pont du Gard (con tres niveles de arcos) y el acueducto de Segovia, que sirven como testimonio mudo de la calidad de su diseño y construcción.