L’arte romana si riferisce alle arti visive realizzate nell’antica Roma e nei territori dell’Impero romano. L’arte romana è l’arte prodotta nei territori dell’antica Roma, dalla fondazione di Roma (753 a.C., secondo la cronologia tradizionale, parzialmente confermata dall’archeologia) fino alla caduta dell’Impero occidentale (476 d.C.). Decollò davvero a contatto con l’arte greca mentre gli storici dell’arte, il xix secolo, lo criticavano per imitare e trovarono nuove influenze nelle regioni colpite dall’impero.

L’arte romana comprende opere di architettura, pittura, scultura e mosaico. Oggetti di lusso in metallo, incisioni di gemme, sculture in avorio e vetro sono talvolta considerati in termini moderni come forme minori di arte romana, anche se questo non sarebbe necessariamente il caso dei contemporanei. La scultura era forse considerata la più alta forma d’arte dai romani, ma anche la pittura di figure era molto apprezzata. Le due forme hanno avuto tassi di sopravvivenza molto contrastanti, con un corpo di scultura molto grande sopravvissuto dal 1 ° secolo a.C. in poi, anche se molto poco prima, ma rimane ben poco dipinto, e probabilmente nulla che un contemporaneo avrebbe considerato per essere di altissima qualità.

Le antiche ceramiche romane non erano un prodotto di lusso, ma una vasta produzione di “articoli di pregio” in terra sigillata erano decorati con rilievi che riflettevano il gusto più recente e fornivano a un grande gruppo nella società oggetti eleganti a un prezzo evidentemente accessibile. Le monete romane erano un importante mezzo di propaganda e sono sopravvissute in numero enorme.

Dopo la caduta dell’Impero, l’arte romana continua nell’arte bizantina e nell’arte cristiana medievale. Ha influenzato fortemente gli artisti del Rinascimento, poi del classicismo e del neoclassicismo. Questa arte sviluppa ritratti, mosaici, teatri e innova con bagni termali, busti, acquedotti e persino archi trionfali. La pittura romana ha quattro periodi.

introduzione
Mentre la visione tradizionale degli antichi artisti romani è che spesso prendevano in prestito e copiarono precedenti greci (gran parte delle sculture greche conosciute oggi sono in forma di copie romane in marmo), più di recenti analisi hanno indicato che l’arte romana è altamente pastiche creative che si basano fortemente su modelli greci ma che comprendono anche la cultura visiva etrusca, nativa italica e persino egiziana. L’eclettismo stilistico e l’applicazione pratica sono i segni distintivi di molta arte romana.

Plinio, lo storico più importante dell’arte antica di Roma, registrava che quasi tutte le forme d’arte – scultura, paesaggio, ritratto, persino pittura di genere – erano avanzate in epoca greca e, in alcuni casi, più avanzate che a Roma. Anche se ben pochi resti di arte murale e ritrattistica greca, certamente la scultura greca e la pittura su vaso lo confermano. Queste forme non furono probabilmente superate dagli artisti romani nella finezza del design o dell’esecuzione. Come altro esempio della “Golden Age” perduta, ha individuato Peiraikos, “il cui talento artistico è superato da pochissimi … Ha dipinto barbieri e bancarelle di calzolai, asini, verdure e simili, e per questo è venuto a essere chiamato il “pittore di soggetti volgari”, eppure queste opere sono del tutto deliziose, e furono venduti a prezzi più alti rispetto ai più grandi dipinti di molti altri artisti ”. L’aggettivo “volgare” è usato qui nella sua definizione originale, che significa “comune”.

Gli antecedenti greci dell’arte romana erano leggendari. A metà del V secolo a.C., gli artisti greci più famosi furono Poligoto, noto per i suoi murales e Apollodoro, il creatore del chiaroscuro. Lo sviluppo della tecnica realistica è attribuito a Zeuxis e Parrhasius, che secondo l’antica leggenda greca, una volta avrebbero gareggiato in un’esibizione di bravura dei loro talenti, le prime descrizioni della storia della pittura trompe l’oeil. Nella scultura, Skopas, Prassitele, Fidia e Lisippo erano i primi scultori. Sembra che gli artisti romani avessero molta arte greca antica da cui copiare, poiché il commercio di arte era vivace in tutto l’impero e gran parte del patrimonio artistico greco si fece strada nell’arte romana attraverso libri e insegnamenti. È noto che i trattati di arte antica greca esistevano in epoca romana, anche se ora sono persi.

L’alto numero di copie romane di arte greca parla anche della stima che gli artisti romani avevano per l’arte greca e forse della sua qualità più rara e superiore. Molte delle forme d’arte e dei metodi utilizzati dai romani – come alto e basso rilievo, scultura autoportante, fusione in bronzo, arte del vaso, mosaico, cammeo, arte della moneta, gioielleria e oggetti in metallo, scultura funeraria, disegno prospettico, caricatura, genere e ritratto, pittura di paesaggio, scultura architettonica e pittura a trompe l’oeil – tutti sono stati sviluppati o perfezionati da artisti greci antichi. Un’eccezione è il busto romano, che non includeva le spalle.

Il busto tradizionale di testa e spalle potrebbe essere stato una forma etrusca o romana. Praticamente ogni tecnica e metodo artistico utilizzato dagli artisti del Rinascimento 1.900 anni dopo, era stato dimostrato da artisti greci antichi, con le notevoli eccezioni dei colori ad olio e la prospettiva matematicamente accurata. Laddove gli artisti greci erano molto venerati nella loro società, la maggior parte degli artisti romani erano anonimi e considerati commercianti. Non vi è alcuna registrazione, come nell’antica Grecia, dei grandi maestri dell’arte romana, e praticamente nessuna opera firmata. Laddove i Greci adoravano le qualità estetiche della grande arte e scrivevano ampiamente sulla teoria artistica, l’arte romana era più decorativa e indicativa di status e ricchezza e apparentemente non oggetto di studiosi o filosofi.

In parte a causa del fatto che le città romane erano molto più grandi delle città-stato greche per potenza e popolazione, e generalmente meno provinciali, l’arte nell’antica Roma assunse uno scopo più ampio, e talvolta più utilitaristico. La cultura romana ha assimilato molte culture ed è stata per la maggior parte tollerante nei confronti dei popoli conquistati. L’arte romana fu commissionata, esposta e posseduta in quantità molto maggiori e adattata a più usi che in epoca greca. I ricchi romani erano più materialisti; decoravano le loro pareti con l’arte, la loro casa con oggetti decorativi e se stessi con gioielli raffinati.

Nell’era cristiana del tardo Impero, dal 350 al 500 d.C., prosperarono la pittura murale, i soffitti a mosaico e il pavimento e la scultura funeraria, mentre la scultura a grandezza naturale nella tonda e la pittura a pannelli si estinsero, molto probabilmente per motivi religiosi. Quando Costantino trasferì la capitale dell’impero a Bisanzio (ribattezzata Costantinopoli), l’arte romana incorporò influenze orientali per produrre lo stile bizantino del tardo impero. Quando Roma fu saccheggiata nel V secolo, gli artigiani si trasferirono e trovarono lavoro nella capitale orientale. La Chiesa di Santa Sofia a Costantinopoli impiegò quasi 10.000 operai e artigiani, in un ultimo scoppio di arte romana sotto l’imperatore Giustiniano (527-565 d.C.), che ordinò anche la creazione dei famosi mosaici della Basilica di San Vitale nella città di Ravenna .

Sociologia degli artisti

Sponsor sotto i riflettori
La società romana non ha mai conosciuto sviluppi che hanno beneficiato del V secolo a.C. D.C., artisti greci. I migliori di loro sono stati riconosciuti durante la loro vita, hanno lasciato opere famose e hanno apposto i loro nomi ai loro successi. Nella sua storia naturale, in particolare il libro XXXV, Plinio il Vecchio cita dozzine di nomi di artisti, li classifica per scuola, ne distingue l’originalità e narra aneddoti su di loro. Sono quasi esclusivamente artisti greci, ad eccezione di Fabius Pictor e Pacuvio. L’incertezza che incombe sul primo è rivelatrice: il “pictor” significa “pittore”, ma è comune a una famiglia di alti magistrati romani del III secolo prima di Cristo. Fabius Pictor è un pittore o un magistrato che aveva dipinto il Tempio di Salus? Il testo di Plinio mostra perfettamente che,

Arte di parlare
Questo anonimato non è ovviamente dovuto alla mediocrità degli artisti romani. Deve essere cercato in cause culturali, sociali e storiche. La prima di queste cause è che, per i romani, la letteratura è la prima delle arti, prima di qualsiasi realizzazione plastica, per quanto bella possa essere. L’educazione dei giovani romani è innanzitutto un apprendimento della lingua, della parola, del ragionamento e dell’aritmetica. Questo gusto per la lingua viene dal posto occupato dalla politica tra le élite: costruisci la tua carriera sapendo come parlare, supplicare, discutere, anche sul campo di battaglia (la famosa harangue, o adlocutio). Se così tante statue – comprese le statue funerarie di capsa contenenti la continuazione del loro discorso, è che l’arte dell’oratorio – e anche musicale, ma è quasi la stessa cosa – è considerata per l’altezza del genio.

Uno stato relativamente modesto
Nella società romana, la parola “artista” non ha lo stesso significato di oggi, significa più “artigiano” che “creatore”. L’abitudine di copiare modelli illustri, già molto presenti nell’arte ellenistica greca e ripresi da artisti / artigiani romani, confonde le acque. Sebbene queste non siano mai copie identiche, ma piuttosto adattamenti, o persino variazioni attorno a un’opera importante, questo approccio, dell’antichità, ha contribuito a ridurre lo status di artigiano / artista, la cui espressione libera è apparentemente cancellata. Infine, la riflessione artistica, il lavoro intellettuale e sensibile che caratterizzano un artista oggi è stata una gratificazione spesso fornita, ma per nulla richiesta.

L’opera d’arte in senso moderno era quindi solo una produzione a basso valore aggiunto che valeva poco più dei materiali di cui il faber l’aveva fatta. Il lavoro era quindi poco costoso. Era servile solo per i compiti più bassi, che non possono essere descritti come “artistici”. L’artista / artigiano, d’altra parte, era talvolta un uomo nato libero, spesso un uomo liberato, molto spesso uno straniero. Nel I secolo a.C. D.C., abbiamo esempi di artisti arrivati ​​a Roma come prigionieri di guerra. Nel 301, il pittore parietario, pittore di grandi superfici murarie, guadagna, oltre al suo cibo, 75 denari; il pittore imaginarius, pittore di scene complesse, guadagna, nelle stesse condizioni, 150 denari; il mosaicista che realizza i pavimenti guadagna 50 denari, il mosaicista di volte o muri, 60 denari. Il sarto di marmo (scultore?) Guadagna 60 denari. Un falegname guadagna 50 denari, come il falegname, il fornaio, il chaufournier, il tintore. Tutto ciò non ha nulla a che fare con un professore di lingua pubblica (250 denari) o un avvocato che chiede un processo (1000 denari).

È tuttavia certo che i clienti hanno distinto molto bene i migliori artisti e i meno dotati. Una certa reputazione li circondava, la moda era favorevole o no e i loro servizi potevano raggiungere prezzi elevati. Ovviamente, l’entourage imperiale faceva ricorso al meglio. Questi a volte apponevano le loro firme alle loro opere, in modo ellenistico. È il caso del Marcello del Museo del Louvre, un ritratto funerario del nipote e genero di Augusto, Marco Claudio Marcello. L’immensa qualità di quest’opera non lascia dubbi sulla vicinanza del suo sponsor all’imperatore. L’animale non è il suo attributo. Preferirebbe essere associato a Venere, i cui Iulii affermano di essere discendenti. Sarebbe quindi un promemoria simbolico della loro parentela con la divinità e un segno di legittimità. Sul carapace leggiamo in greco:

Adattarsi all’ambiente
ad eccezione del settore funerario, l’arte della plastica è soprattutto considerata come una decorazione, un ornamento. La corrispondenza di Cicerone lo dimostra molto bene: non si tratta di portare statue dei migliori maestri ateniesi per ammirarle, ma per decorare la sua palestra. La messa in scena e il layout sono essenziali. Si ha l’impressione che il punto di vista romano sull’arte sia il punto di vista di un architetto. Scoperte archeologiche (ad esempio a Bavay, nel nord), mostrano che gli sponsor non esitano a finanziare statue copiate da capolavori greci per formare raggruppamenti inaspettati (ma non privi di significato), o addirittura a spezzare gruppi concepiti come unità – taliInvitazione alla danza conosciuta sulle monete di Cizico nel II secolo a.C. D.C.-intendono decorare un luogo, non senza lasciare spazio a nuovi significati.

Fattori economici
Un altro fattore ostacola l’emergere di forti personalità artistiche, particolarmente evidenti nella scultura: sembra che a Roma, più che in Grecia, la divisione del lavoro nelle officine sia stata portata all’estremo. Sappiamo da molto tempo che l’accusa di scolpire una faccia in marmo e quella di scolpire un corpo in toga poteva raramente cadere nella stessa mano, come dimostra chiaramente l’Augusto della Via Labicana. Ma sembra anche che la cura di scolpire i capelli fosse riservata a braccia meno dotate o più specializzate. Non è certo che Orazio esageri nella sua Lettera alle Carceri, quando scrive: “Vicino al circo emiliano, un solo artista saprà come fare le unghie e imitare nel bronzo la morbidezza dei capelli, sfortunata perfezione dell’arte ! Perché non può mai fare un tutto.

Questa divisione del lavoro va di pari passo con una pratica delineata in epoca ellenistica, ma ampiamente utilizzata nell’impero: la pratica di creare teste unendo diversi pezzi di marmo – generalmente la faccia, il cappuccio del cranio e l’occipite – incollati o mortati insieme. È una questione, se uno degli oratori commette un errore, di poter facilmente “riparare”, al fine di risparmiare il più possibile una materia prima che pesa pesantemente sul prezzo di costo, a causa della piccolezza della mano di opera d’arte.

Una produzione artistica gratuita e conveniente
In conclusione, ci si potrebbe chiedere se la cancellazione degli artisti dietro i loro clienti non fosse una possibilità per l’arte romana. In primo luogo, ha permesso una vera generalizzazione dell’arte, non riuscendo a parlare di “democratizzazione”. È certo che, anche nelle province più lontane, anche in ambienti estranei alle élite finanziarie o intellettuali, l’arte non è considerata riservata a una categoria privilegiata della popolazione. Oltre all’esistenza di “gallerie” aperte al pubblico (come l’Atrium Libertatis), residenze modeste, persino cantine, erano spesso decorate con affreschi.

D’altra parte, la molteplicità della clientela e il fatto che si sentissero poco interessati a domande adeguatamente artistiche hanno certamente aumentato il margine di libertà dell’artista / artigiano. L’inventiva, la varietà e la spontaneità dell’arte romana dipendevano da questa situazione. Possiamo supporre che una frangia della clientela si preoccupasse poco del carattere più o meno accademico della scena scolpito su un fronte di sarcofago. Se la tipologia (scene di caccia, opere di Ercole, collegio delle Muse …) le piaceva, non cercava di vedere o criticare le innovazioni, i piccoli dettagli, i tocchi stilistici che rendono il fascino di molti rilievi, molti affreschi e mosaici, molti vasi d’argento.

Pittura
Del vasto corpo della pittura romana ora abbiamo solo pochissime tasche di sopravvissuti, con molti tipi documentati che non sopravvivono affatto, o lo fanno solo dalla fine del periodo. La tasca più nota e più importante sono i dipinti murali di Pompei, Ercolano e altri siti nelle vicinanze, che mostrano come gli abitanti di una ricca località balneare decorarono le loro pareti nel secolo circa prima dell’eruzione fatale del Vesuvio nel 79 d.C. Una serie di stili datati è stata definita e analizzata dagli storici dell’arte moderna a partire da August Mau, mostrando una crescente elaborazione e raffinatezza.

A partire dal III secolo d.C. e terminando verso il 400 circa, abbiamo un grande corpus di dipinti provenienti dalle Catacombe di Roma, per nulla cristiani, che mostrano la successiva continuazione della tradizione decorativa domestica in una versione adattata – probabilmente non molto adattata – per uso nelle camere funerarie, in quello che probabilmente era un ambiente sociale piuttosto più umile delle case più grandi di Pompei. Gran parte del palazzo di Nerone a Roma, la Domus Aurea, è sopravvissuto come grotte e ci fornisce esempi che possiamo sicuramente rappresentare la migliore qualità della pittura murale nel suo stile e che potrebbe aver rappresentato una significativa innovazione nello stile. Ci sono un certo numero di altre parti di stanze dipinte sopravvissute da Roma e altrove, che in qualche modo aiutano a colmare le lacune della nostra conoscenza della pittura murale. Dall’Egitto romano esiste un gran numero di quelli che sono noti come ritratti di mummie di Fayum, ritratti di busti su legno aggiunti all’esterno di mummie da una classe media romanizzata; nonostante il loro carattere locale molto distinto, sono probabilmente ampiamente rappresentativi dello stile romano nei ritratti dipinti, che altrimenti sarebbero completamente persi.

Non rimane nulla dei dipinti greci importati a Roma durante il 4 ° e 5 ° secolo, o del dipinto su legno fatto in Italia in quel periodo. In breve, la gamma di campioni è limitata a circa 200 anni dai 900 anni di storia romana e alla pittura provinciale e decorativa. La maggior parte di questo dipinto murale è stato realizzato con il metodo secco (“a secco”), ma alcuni affreschi esistevano anche in epoca romana. Ci sono prove da mosaici e alcune iscrizioni che alcuni dipinti romani erano adattamenti o copie di precedenti opere greche. Tuttavia, si aggiunge alla confusione il fatto che le iscrizioni potrebbero registrare i nomi di artisti greci immigrati di epoca romana, non di originali greci antichi che sono stati copiati. I romani mancavano completamente di una tradizione di pittura figurativa in vaso paragonabile a quella degli antichi greci,

Varietà di soggetti
La pittura romana offre una vasta gamma di temi: animali, nature morte, scene della vita quotidiana, ritratti e alcuni temi mitologici. Durante il periodo ellenistico, evocava i piaceri della campagna e rappresentava scene di pastori, branchi, templi rustici, paesaggi montuosi rurali e case di campagna. Le scene erotiche sono anche relativamente comuni. Nel tardo impero, dopo il 200 d.C., i temi paleocristiani mescolati con immagini pagane sopravvivono sulle pareti delle catacombe.

Panorama e panorami
La principale innovazione della pittura romana rispetto all’arte greca fu lo sviluppo dei paesaggi, in particolare incorporando tecniche di prospettiva, sebbene la vera prospettiva matematica si sviluppò 1500 anni dopo. Le trame di superficie, l’ombreggiatura e la colorazione sono ben applicate ma la scala e la profondità spaziale non sono ancora state riprodotte con precisione. Alcuni paesaggi erano pure scene della natura, in particolare giardini con fiori e alberi, mentre altri erano panorami architettonici raffiguranti edifici urbani. Altri paesaggi mostrano episodi della mitologia, le scene dimostrative più famose dell’Odissea.

Nella visione tradizionale, l’arte dell’antico Oriente avrebbe conosciuto la pittura di paesaggio solo come sfondo di scene narrative civili o militari. Questa teoria è difesa da Franz Wickhoff, è discutibile. È possibile vedere prove della conoscenza greca della rappresentazione paesaggistica nei Critia di Platone (107b-108b):
… e se guardiamo alla ritrattistica del divino e dei corpi umani come eseguita dai pittori, per quanto riguarda la facilità o la difficoltà con cui riescono a imitare i loro soggetti nell’opinione degli spettatori, noteremo in primo luogo che per quanto riguarda la terra, le montagne, i fiumi, i boschi e tutto il cielo, con le cose che esistono e si muovono al loro interno, siamo contenti se un uomo è in grado di rappresentarli anche con un piccolo grado di somiglianza …

Natura morta
I soggetti di natura morta romana sono spesso collocati in nicchie o scaffali illusionisti e raffigurano una varietà di oggetti di uso quotidiano tra cui frutta, animali vivi e morti, frutti di mare e conchiglie. Esempi del tema del vaso di vetro riempito con acqua furono abilmente dipinti e successivamente servirono come modelli per lo stesso soggetto spesso dipinto durante il Rinascimento e il Barocco.

ritratti
Plinio si lamentava del declino dello stato dell’arte del ritratto romano, “La pittura di ritratti che trasmetteva attraverso i secoli le accurate somiglianze delle persone, è completamente uscita … L’indolenza ha distrutto le arti”.

In Grecia e a Roma, la pittura murale non era considerata arte alta. La forma d’arte più prestigiosa oltre alla scultura era la pittura su pannello, cioè la tempera o la pittura encaustica su pannelli di legno. Sfortunatamente, poiché il legno è un materiale deperibile, sono sopravvissuti solo pochi esempi di tali dipinti, vale a dire il Severan Tondo del c. 200 d.C., un ritratto ufficiale molto ordinario di alcuni uffici del governo provinciale, e i famosi ritratti di mummie di Fayum, tutti provenienti dall’Egitto romano, e quasi certamente non della più alta qualità contemporanea. I ritratti erano attaccati alle mummie funerarie sul viso, da cui quasi tutti sono stati ora staccati. Di solito raffigurano una sola persona, che mostra la testa, o la testa e la parte superiore del torace, visualizzate frontalmente. Lo sfondo è sempre monocromatico, a volte con elementi decorativi. In termini di tradizione artistica, le immagini derivano chiaramente più dalle tradizioni greco-romane che da quelle egiziane. Sono notevolmente realistici, sebbene variabili in termini di qualità artistica, e possono indicare quell’arte simile che era diffusa altrove ma non sopravvisse. Alcuni ritratti dipinti su vetro e medaglie dell’impero successivo sono sopravvissuti, così come i ritratti di monete, alcuni dei quali sono considerati anche molto realistici.

Vetro dorato
Il vetro dorato, o vetro sandwich dorato, era una tecnica per fissare uno strato di foglia d’oro con un disegno tra due strati di vetro fuso, sviluppato in vetro ellenistico e rianimato nel III secolo d.C. Ci sono pochissimi disegni di grandi dimensioni, tra cui un gruppo molto fine di ritratti del 3 ° secolo con vernice aggiunta, ma la maggior parte dei circa 500 sopravvissuti sono tondi che sono i fondi tagliati di bicchieri di vino o bicchieri usati per segnare e decorare tombe nelle Catacombe di Roma premendole nel mortaio.

Esse risalgono prevalentemente al IV e al V secolo. La maggior parte sono cristiani, anche se ci sono molti esempi pagani e alcuni ebrei. È probabile che siano stati originariamente offerti come regali per il matrimonio o occasioni festive come Capodanno. La loro iconografia è stata molto studiata, sebbene artisticamente siano relativamente poco sofisticati. I loro soggetti sono simili ai dipinti di catacombe, ma con un equilibrio di differenza che include più ritrattistica. Col passare del tempo c’è stato un aumento della rappresentazione dei santi. La stessa tecnica iniziò ad essere utilizzata per tessere d’oro per i mosaici a metà del I secolo a Roma, e nel V secolo questi divennero lo sfondo standard per i mosaici religiosi.

Il gruppo precedente è “tra i ritratti più vividi per sopravvivere fin dai primi tempi del cristianesimo. Ci fissano con una straordinaria severità e malinconia”, e rappresentano le migliori indicazioni sopravvissute di ciò che un ritratto romano di alta qualità potrebbe realizzare nella pittura. Il medaglione Gennadios nel Metropolitan Museum of Art di New York, è un bell’esempio di ritratto alessandrino su vetro blu, usando una tecnica piuttosto complessa e uno stile naturalistico rispetto alla maggior parte degli esempi tardo-romani, incluso dipingere sull’oro per creare ombre e con la scritta greca che mostra le caratteristiche del dialetto locale. Forse gli era stato dato o commissionato il pezzo per celebrare la vittoria in una competizione musicale. Uno dei più famosi medaglioni di ritratto in stile alessandrino, con un’iscrizione in greco egiziano, fu successivamente montato in un punto cruciale del primo medioevo a Brescia, nell’erronea convinzione che mostrasse la pia imperatrice e regina gotica Galla Placida e i suoi figli; infatti il ​​nodo nell’abito della figura centrale può segnare un devoto di Iside.

Questo fa parte di un gruppo di 14 pezzi risalenti al III secolo d.C., tutti ritratti secolari personalizzati di alta qualità. L’iscrizione sul medaglione è scritta nel dialetto alessandrino del greco e quindi molto probabilmente raffigura una famiglia dall’Egitto romano. Il medaglione è stato anche confrontato con altre opere d’arte contemporanea romano-egiziana, come i ritratti di mummie di Fayum. Si pensa che i minuscoli dettagli di pezzi come questi possano essere stati raggiunti solo usando le lenti. Gli occhiali successivi delle catacombe hanno un livello di ritrattistica che è rudimentale, con caratteristiche, acconciature e vestiti tutti seguendo stili stereotipati.

Scene di genere
Le scene di genere romano descrivono generalmente i romani nel tempo libero e includono giochi d’azzardo, musica e incontri sessuali. Alcune scene raffigurano divinità e dee nel tempo libero.

Quadri trionfali
A partire dal III secolo a.C., apparve un genere specifico noto come dipinti trionfali, come indicato da Plinio (XXXV, 22). Questi erano dipinti che mostravano voci trionfali dopo vittorie militari, rappresentavano episodi della guerra e conquistarono regioni e città. Sono state disegnate mappe di riepilogo per evidenziare i punti chiave della campagna. Giuseppe Flavio descrive il dipinto eseguito in occasione del saccheggio di Gerusalemme di Vespasiano e Tito:

C’erano anche oro battuto e avorio fissati su tutti; e molte somiglianze della guerra, e quelle in vari modi, e una varietà di accorgimenti, offrendo un ritratto più vivace di se stesso. Perché c’era da vedere un paese felice devastato e interi squadroni di nemici uccisi; mentre alcuni di loro scapparono e alcuni furono portati in cattività; con pareti di grande altitudine e magnitudo rovesciate e rovinate dalle macchine; con le fortificazioni più forti prese, e le mura della maggior parte delle città popolose sulle cime delle colline si impadronirono e un esercito si riversò all’interno delle mura; come anche ogni luogo pieno di massacri e suppliche dei nemici, quando non erano più in grado di alzare le mani in segno di opposizione.

Qui veniva rappresentato anche il fuoco inviato sui templi e case rovesciate e cadute sui loro proprietari: anche i fiumi, dopo essere usciti da un grande e malinconico deserto, corsero, non in una terra coltivata, né come bevanda per gli uomini, o per bestiame, ma attraverso una terra ancora in fiamme su ogni lato; per gli ebrei riferirono che una cosa simile avevano subito durante questa guerra. Ora la lavorazione di queste rappresentazioni era così magnifica e vivace nella costruzione delle cose, che mostrava ciò che era stato fatto per non vederlo, come se fossero stati davvero presenti. Sulla cima di ognuno di questi concorsi fu posto il comandante della città che fu presa e il modo in cui fu preso.

Questi dipinti sono scomparsi, ma hanno probabilmente influenzato la composizione dei rilievi storici scolpiti su sarcofagi militari, l’Arco di Tito e la Colonna di Traiano. Questa evidenza sottolinea il significato della pittura di paesaggio, che a volte tendeva ad essere piani prospettici.

Ranuccio descrive anche il dipinto più antico che si trova a Roma, in una tomba sul colle Esquilino:

Descrive una scena storica, su uno sfondo chiaro, dipinta in quattro sezioni sovrapposte. Vengono identificate diverse persone, come Marcus Fannius e Marcus Fabius. Questi sono più grandi delle altre figure … Nella seconda zona, a sinistra, è una città circondata da mura merlate, davanti alla quale è un grande guerriero dotato di un ovale ovale e un elmo piumato; vicino a lui c’è un uomo con una tunica corta, armato di lancia … Intorno a questi due soldati più piccoli con tuniche corte, armati di lance … Nella zona inferiore si sta svolgendo una battaglia, in cui un guerriero con un buckler ovale e un elmo piumato è mostrato più grande degli altri, le cui armi permettono di supporre che si tratti probabilmente di sanniti.

Questo episodio è difficile da individuare. Una delle ipotesi di Ranuccio è che si riferisce a una vittoria del console Fabius Maximus Rullianus durante la seconda guerra contro i sanniti nel 326 a.C. La presentazione delle figure con dimensioni proporzionali alla loro importanza è tipicamente romana e si trova in rilievi plebei. Questo dipinto è agli inizi della pittura trionfale e sarebbe stato realizzato all’inizio del III secolo a.C. per decorare la tomba.

Scultura
L’arte romana antica fu influenzata dall’arte della Grecia e da quella dei vicini Etruschi, essi stessi fortemente influenzati dai loro partner commerciali greci. Una specialità etrusca era vicino a effigi tomba a grandezza naturale in terracotta, di solito giaceva sopra un coperchio di sarcofago appoggiato su un gomito nella posa di una tavola calda in quel periodo. Mentre la repubblica romana in espansione iniziava a conquistare il territorio greco, dapprima nell’Italia meridionale e poi in tutto il mondo ellenistico ad eccezione dell’estremo oriente dei Parti, la scultura ufficiale e patrizia divenne in gran parte un’estensione dello stile ellenistico, dal quale sono difficili da individuare elementi specificamente romani districare, soprattutto perché tanta scultura greca sopravvive solo nelle copie del periodo romano. Nel II secolo a.C. “la maggior parte degli scultori che lavoravano a Roma” erano greci, spesso schiavizzato in conquiste come quella di Corinto (146 a.C.), e gli scultori continuarono ad essere per lo più greci, spesso schiavi, i cui nomi sono raramente registrati. Vaste quantità di statue greche furono importate a Roma, sia come bottino che come risultato di estorsioni o commercio, e i templi erano spesso decorati con riutilizzate opere greche.

Uno stile nativo italiano può essere visto nei monumenti tombali dei prosperi romani della classe media, che molto spesso presentavano busti di ritratti, e la ritrattistica è probabilmente il principale punto di forza della scultura romana. Non ci sono sopravvissuti alla tradizione delle maschere degli antenati che venivano indossati in processioni ai funerali delle grandi famiglie e altrimenti esposti in casa, ma molti dei busti che sopravvivono devono rappresentare figure ancestrali, forse dalle grandi tombe di famiglia come le Tomba degli Scipioni o la mausolea successiva fuori città. La famosa testa di bronzo presumibilmente di Lucio Giunio Bruto è molto variamente datata, ma considerata una rarissima sopravvivenza dello stile italico sotto la Repubblica, nel mezzo preferito del bronzo.

Allo stesso modo si vedono teste severe e forti nelle monete dei consoli, e nel periodo imperiale monete e busti inviati intorno all’Impero per essere collocati nelle basiliche delle città provinciali erano la principale forma visiva della propaganda imperiale; persino Londinium aveva una statua quasi colossale di Nerone, sebbene molto più piccola del Colosso di Nerone alto 30 metri a Roma, ora perduto. The Tomb of Eurysaces the Baker, un liberatore di successo (50-20 a.C. circa) ha un fregio che è un insolitamente grande esempio di stile “plebeo”. La ritrattistica imperiale fu inizialmente ellenizzata e fortemente idealizzata, come nel Cammeo di Blacas e in altri ritratti di Augusto.

I romani non tentarono generalmente di competere con le opere greche indipendenti di exploit eroici della storia o della mitologia, ma fin dall’inizio produssero opere storiche in rilievo, culminando nelle grandi colonne trionfali romane con continui rilievi narrativi che si snodano attorno a loro, di cui quelli che Commemorazione di Traiano (113 d.C.) e Marco Aurelio (del 193) sopravvivono a Roma, dove l’Ara Pacis (“Altare della Pace”, 13 a.C.) rappresenta lo stile greco-romano ufficiale nella sua forma più classica e raffinata, e le sculture Sperlonga nella sua forma più barocca. Alcune sculture pubbliche tardo-romane svilupparono uno stile massiccio e semplificato che a volte anticipa il realismo socialista sovietico. Tra gli altri importanti esempi ci sono i rilievi precedentemente riutilizzati sull’arco di Costantino e la base della colonna di Antonino Pio (161),

Tutte le forme di piccole sculture di lusso hanno continuato a essere frequentate e la qualità potrebbe essere estremamente elevata, come nella Warren Cup in argento, nella Coppa in vetro di Lycurgus e nei grandi cameo come la Gemma Augustea, il Gonzaga Cameo e il “Grande Cammeo di Francia”. Per una parte molto più ampia della popolazione, sono state prodotte decorazioni in rilievo modellate di vasi di ceramica e piccole figurine in grande quantità e spesso di notevole qualità.

Dopo essersi spostato attraverso una fase “barocca” della fine del II secolo, nel III secolo l’arte romana ha in gran parte abbandonato, o semplicemente non è stato in grado di produrre, scultura nella tradizione classica, un cambiamento le cui cause rimangono molto discusse. Anche i più importanti monumenti imperiali mostrano ora figure tozze e con gli occhi grandi in un aspro stile frontale, in composizioni semplici che enfatizzano il potere a spese della grazia. Il contrasto è notoriamente illustrato nell’Arco di Costantino del 315 a Roma, che combina sezioni nel nuovo stile con tondi nel precedente stile greco-romano preso da altrove e i Quattro Tetrarchi (c. 305) dalla nuova capitale di Costantinopoli, ora a Venezia. Ernst Kitzinger trovò in entrambi i monumenti le stesse “proporzioni tozze, movimenti angolari,

Questa rivoluzione in stile ha preceduto brevemente il periodo in cui il cristianesimo fu adottato dallo stato romano e dalla grande maggioranza del popolo, portando alla fine della grande scultura religiosa, con grandi statue ora utilizzate solo per gli imperatori, come nei famosi frammenti di un colossale statua acrolitica di Costantino e colosso di Barletta del IV o V secolo. Tuttavia i cristiani ricchi continuarono a commissionare rilievi per i sarcofagi, come nel sarcofago di Giunio Basso, e la scultura molto piccola, specialmente in avorio, fu continuata dai cristiani, costruendo sullo stile del dittico consolare.

La scultura romana tradizionale è divisa in cinque categorie: ritrattistica, rilievo storico, rilievi funerari, sarcofagi e copie di antiche opere greche. Contrariamente alla credenza dei primi archeologi, molte di queste sculture erano grandi immagini in terracotta policroma, come l’Apollo di Veii (Villa Givlia, Roma), ma la superficie dipinta di molti di loro si è logorata nel tempo.

Rilievi narrativi
Mentre gli scultori greci hanno tradizionalmente illustrato gli exploit militari attraverso l’uso dell’allegoria mitologica, i romani hanno usato uno stile più documentario. Rilievi romani di scene di battaglia, come quelli sulla Colonna di Traiano, furono creati per la glorificazione della potenza romana, ma forniscono anche una rappresentazione di prima mano di costumi militari e attrezzature militari. La colonna di Traiano riporta le varie guerre daciche condotte da Traiano nell’odierna Romania. È il principale esempio di rilievo storico romano e uno dei grandi tesori artistici del mondo antico. Questo risultato senza precedenti, oltre 650 piedi di lunghezza a spirale, presenta non solo individui resi realisticamente (oltre 2.500 di essi), ma paesaggi, animali, navi e altri elementi in una storia visiva continua – in effetti un antico precursore di un film documentario. Sopravvisse alla distruzione quando fu adattato come base per la scultura cristiana. Durante l’era cristiana dopo il 300 d.C., la decorazione dei pannelli delle porte e dei sarcofagi continuò, ma la scultura di dimensioni standard si estinse e non sembrò essere un elemento importante nelle prime chiese.

Arti minori

Ceramiche e terrecotte
I romani ereditarono una tradizione d’arte in una vasta gamma delle cosiddette “arti minori” o arte decorativa. La maggior parte di questi fiorì in modo impressionante a livello di lusso, ma un gran numero di figurine in terracotta, sia religiose che secolari, continuarono a essere prodotte a buon mercato, così come alcuni più grandi rilievi Campana in terracotta. L’arte romana non utilizzava la pittura su vaso alla maniera degli antichi greci, ma i vasi in ceramica antica romana erano spesso decorati con stile in rilievo modellato. I produttori di milioni di piccole lampade a olio vendute sembrano aver fatto affidamento su decorazioni attraenti per battere i concorrenti e ogni soggetto dell’arte romana, tranne il paesaggio e la ritrattistica, si trova in miniatura.

Bicchiere
Le arti di lusso includevano fantasiosi vetri romani in una vasta gamma di tecniche, molte delle quali più piccole erano probabilmente accessibili a una buona parte del pubblico romano. Questo non era certamente il caso dei più stravaganti tipi di vetro, come i bicchieri a gabbia o la diatreta, di cui la Lycurgus Cup nel British Museum è un esempio figurativo quasi unico nel vetro che cambia colore quando visto con la luce che lo attraversa . Il vaso Augustan Portland è il capolavoro del cammeo romano e imitava lo stile delle grandi gemme incise (Blacas Cameo, Gemma Augustea, Great Cameo of France) e altre sculture in pietra dura che erano anche più popolari in questo periodo.

Mosaico
Il mosaico romano era un’arte minore, sebbene spesso su larga scala, fino alla fine del periodo, quando i cristiani della fine del IV secolo iniziarono a usarla per grandi immagini religiose sui muri delle loro nuove grandi chiese; nell’antica arte romana il mosaico veniva utilizzato principalmente per pavimenti, soffitti curvi e pareti interne ed esterne che si sarebbero bagnate. La famosa copia di un dipinto ellenistico nel mosaico di Alessandro a Napoli fu originariamente collocata in un pavimento a Pompei; questo è un lavoro di qualità molto più elevata rispetto alla maggior parte dei mosaici romani, sebbene siano sopravvissuti pannelli molto fini, spesso di soggetti di natura morta in tessere piccole o micromosaiche.

I romani distinguevano tra il normale opus tessellatum con tessere per lo più di oltre 4 mm di larghezza, che era posato sul posto, e l’opus vermiculatum più fine per piccoli pannelli, che si pensa sia stato prodotto fuori sede in un laboratorio e portato al sito come finito pannello. Quest’ultimo era un genere ellenistico che si trova in Italia tra il 100 a.C. e il 100 d.C. circa. La maggior parte dei mosaici firmati hanno nomi greci, il che suggerisce che gli artisti rimasero per lo più greci, sebbene probabilmente gli schiavi si formassero in officine. Il mosaico del Nilo di Palestrina, risalente alla fine del II secolo a.C., è un grande esempio del genere popolare del paesaggio nilotico, mentre il Mosaico del Gladiatore del IV secolo a Roma mostra diverse grandi figure in combattimento. I mosaici di Orfeo, spesso molto grandi, erano un’altra materia preferita per le ville, con diversi animali feroci domati dalla musica di Orfeo.

Lavoro in metallo
La lavorazione dei metalli era altamente sviluppata e chiaramente una parte essenziale delle case dei ricchi, che mangiavano argento, bevendo spesso dal vetro, e avevano elaborati accessori in fusione su mobili, gioielli e piccole figurine. Un certo numero di importanti orde ritrovate negli ultimi 200 anni, principalmente dai bordi più violenti del tardo impero, ci hanno dato un’idea molto più chiara del piatto d’argento romano. The Mildenhall Treasure e Hoxne Hoard sono entrambi dell’East Anglia in Inghilterra. Ci sono poche sopravvissute di lussuosi mobili antichi romani, ma questi mostrano design ed esecuzione raffinati ed eleganti.

Monete e medaglie
Poche monete romane raggiungono le vette artistiche delle migliori monete greche, ma sopravvivono in gran numero e la loro iconografia e le loro iscrizioni costituiscono una fonte cruciale per lo studio della storia romana e lo sviluppo dell’iconografia imperiale, oltre a contenere molti esempi di ritrattistica. Sono penetrati nella popolazione rurale di tutto l’Impero e oltre, con i barbari ai margini dell’Impero che ne hanno fatto le loro copie. Nell’Impero medaglioni in metalli preziosi iniziarono a essere prodotti in piccole edizioni come doni imperiali, che sono simili alle monete, sebbene più grandi e di solito più fini nell’esecuzione. Le immagini in monete inizialmente seguivano gli stili greci, con divinità e simboli, ma in preda alla morte della Repubblica prima Pompeo e poi Giulio Cesare apparvero sulle monete, e i ritratti dell’imperatore o dei membri della sua famiglia divennero standard sulla coniatura imperiale. Le iscrizioni furono usate per la propaganda e nell’impero successivo l’esercito si unì all’imperatore come beneficiario.

Architettura
Fu nell’area dell’architettura che l’arte romana produsse le sue più grandi innovazioni. Poiché l’impero romano si estendeva su un’area così vasta e includeva così tante aree urbanizzate, gli ingegneri romani svilupparono metodi per la costruzione di città su larga scala, compreso l’uso del cemento. Massicci edifici come il Pantheon e il Colosseo non avrebbero mai potuto essere costruiti con materiali e metodi precedenti. Sebbene il cemento fosse stato inventato mille anni prima nel Vicino Oriente, i romani ne estesero l’uso dalle fortificazioni ai loro edifici e monumenti più imponenti, sfruttando la forza del materiale e il basso costo. Il nucleo di cemento era ricoperto da un rivestimento in gesso, mattoni, pietra o marmo e spesso venivano aggiunte decorazioni decorative policrome e sculture dorate per produrre un effetto abbagliante di potere e ricchezza.

A causa di questi metodi, l’architettura romana è leggendaria per la durata della sua costruzione; con molti edifici ancora in piedi e alcuni ancora in uso, per lo più edifici convertiti in chiese durante l’era cristiana. Molte rovine, tuttavia, sono state spogliate della loro impiallacciatura di marmo e sono lasciate con il loro nucleo di cemento esposto, apparendo in tal modo un po ‘ridotto in dimensioni e grandezza dal loro aspetto originale, come con la Basilica di Costantino.

Durante l’era repubblicana, l’architettura romana combinò elementi greci ed etruschi e produsse innovazioni come il tempio rotondo e l’arco ricurvo. Mentre il potere romano cresceva nel primo impero, i primi imperatori inaugurarono il livellamento all’ingrosso di baraccopoli per costruire grandi palazzi sul Colle Palatino e nelle aree vicine, il che richiedeva progressi nei metodi di ingegneria e nella progettazione su larga scala. Furono quindi costruiti edifici romani nel raggruppamento commerciale, politico e sociale noto come un forum, quello di Giulio Cesare che fu il primo e alcuni aggiunti in seguito, con il Foro Romano il più famoso.

La più grande arena del mondo romano, il Colosseo, fu completata intorno all’80 d.C. all’estremità di quel forum. Ospitava oltre 50.000 spettatori, aveva una copertura in tessuto retrattile per l’ombra e poteva mettere in scena enormi spettacoli tra cui enormi contest di gladiatori e finte battaglie navali. Questo capolavoro dell’architettura romana incarna l’efficienza ingegneristica romana e incorpora tutti e tre gli ordini architettonici: dorico, ionico e corinzio. Meno celebrato ma altrettanto importante se non di più per la maggior parte dei cittadini romani, era l’insula a cinque piani o il blocco della città, l’equivalente romano di un condominio, che ospitava decine di migliaia di romani.

Fu durante il regno di Traiano (98-117 d.C.) e Adriano (117-138 d.C.) che l’Impero romano raggiunse il suo massimo grado e che Roma stessa era al culmine della sua gloria artistica – raggiunta attraverso massicci programmi di costruzione di monumenti , case di riunione, giardini, acquedotti, bagni, palazzi, padiglioni, sarcofagi e templi. L’uso romano dell’arco, l’uso di metodi di costruzione concreti, l’uso della cupola hanno permesso la costruzione di soffitti a volta e hanno permesso la costruzione di questi spazi e complessi pubblici, compresi i palazzi, i bagni pubblici e le basiliche dell ‘”età d’oro” dell’impero. Esempi eccezionali di costruzione di cupole includono il Pantheon, le Terme di Diocleziano e le Terme di Caracalla.

L’altezza del soffitto è esattamente uguale al diametro interno dell’edificio, creando un recinto che potrebbe contenere una sfera gigante. Questi grandi edifici servirono in seguito come modelli ispiratori per gli architetti del Rinascimento italiano, come il Brunelleschi. All’età di Costantino (306-337 d.C.), avvennero gli ultimi grandi programmi di costruzione a Roma, tra cui l’erezione dell’Arco di Costantino costruito vicino al Colosseo, che riciclò alcune opere in pietra dal foro vicino, per produrre un mix eclettico di stili.

Gli acquedotti romani, anch’essi basati sull’arco, erano all’ordine del giorno nell’impero e trasportatori essenziali di acqua verso le grandi aree urbane. I loro resti in muratura sono particolarmente impressionanti, come il Pont du Gard (con tre livelli di archi) e l’acquedotto di Segovia, che serve da muta testimonianza della loro qualità di progettazione e costruzione.