Moderne Kunst umfasst künstlerische Arbeiten, die in der Zeit von etwa 1860 bis in die 1970er Jahre entstanden sind, und bezeichnet die Stile und die Philosophie der Kunst, die zu dieser Zeit entstanden sind. Der Begriff wird normalerweise mit Kunst in Verbindung gebracht, in der die Traditionen der Vergangenheit in einem Experimentiergeist beiseite geworfen wurden. Moderne Künstler experimentierten mit neuen Sichtweisen und frischen Ideen über die Natur von Materialien und Funktionen von Kunst. Eine Tendenz weg von der Erzählung, die für die traditionellen Künste kennzeichnend war, hin zur Abstraktion ist charakteristisch für viele moderne Kunst. Neuere künstlerische Produktion wird oft als zeitgenössische Kunst oder postmoderne Kunst bezeichnet.

Moderne Kunst beginnt mit dem Erbe von Malern wie Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Georges Seurat und Henri de Toulouse-Lautrec, die alle für die Entwicklung der modernen Kunst wesentlich waren. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts revolutionierten Henri Matisse und einige andere junge Künstler, darunter die Präkubisten Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Jean Metzinger und Maurice de Vlaminck, die Pariser Kunstwelt mit „wilden“, vielfarbigen, expressiven Landschaften und figurieren Gemälde, die die Kritiker Fauvismus nannten. Matisse zwei Versionen von The Dance bedeutete einen wichtigen Punkt in seiner Karriere und in der Entwicklung der modernen Malerei. Es reflektierte Matisse ‚beginnende Faszination für die primitive Kunst: Die intensive warme Farbe der Figuren vor dem kühlen blaugrünen Hintergrund und die rhythmische Abfolge der tanzenden Akte vermitteln die Gefühle der emotionalen Befreiung und des Hedonismus.

Zunächst von Toulouse-Lautrec, Gauguin und anderen Innovatoren des späten 19. Jahrhunderts beeinflusst, fertigte Pablo Picasso seine ersten kubistischen Gemälde auf der Grundlage von Cézannes Idee, dass alle Darstellungen der Natur auf drei Körper reduziert werden können: Würfel, Kugel und Kegel. Mit dem Gemälde Les Demoiselles d’Avignon (1907) schuf Picasso dramatisch ein neues und radikales Bild einer rohen und primitiven Bordellszene mit fünf Prostituierten, gewaltsam gemalten Frauen, die an afrikanische Stammesmasken und eigene kubistische Erfindungen erinnern. Der analytische Kubismus wurde gemeinsam von Picasso und Georges Braque entwickelt, exemplarisch für Violine und Candlestick, Paris von etwa 1908 bis 1912. Dem analytischen Kubismus, der ersten klaren Manifestation des Kubismus, folgte der von Braque, Picasso, Fernand Léger praktizierte Synthetische Kubismus, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp und einige andere Künstler in den 1920er Jahren. Synthetischer Kubismus zeichnet sich durch die Einführung unterschiedlicher Texturen, Oberflächen, Collage-Elemente, Papier collé und eine große Vielfalt an zusammenhängenden Themen aus.

Der Begriff der modernen Kunst ist eng mit der Moderne verbunden.

Geschichte der modernen Kunst

Wurzeln im 19. Jahrhundert
Obwohl moderne Skulpturen und Architektur Ende des 19. Jahrhunderts entstanden sein dürften, können die Anfänge der modernen Malerei früher lokalisiert werden. Das Datum, das vielleicht am häufigsten als Geburtsdatum der modernen Kunst bezeichnet wird, ist das Jahr 1863, in dem Edouard Manet sein Gemälde Le déjeuner sur l’herbe im Salon des Refusés in Paris zeigte. Frühere Daten wurden ebenfalls vorgeschlagen, darunter 1855 (das Jahr, in dem Gustave Courbet das Atelier des Künstlers ausstellte) und 1784 (das Jahr, in dem Jacques-Louis David sein Gemälde Der Eid der Horatier vollendete). In den Worten des Kunsthistorikers H. Harvard Arnason: „Jedes dieser Daten hat eine Bedeutung für die Entwicklung der modernen Kunst, aber keines markiert einen ganz neuen Anfang …. Eine allmähliche Metamorphose fand im Laufe von hundert Jahren statt. “

Die Gedankengänge, die schließlich zur modernen Kunst führten, lassen sich bis zur Aufklärung und sogar bis ins 17. Jahrhundert zurückverfolgen. So nannte der bedeutende moderne Kunstkritiker Clement Greenberg Immanuel Kant „den ersten wirklichen Modernisten“, aber auch eine Unterscheidung: „Die von außen kritisierte Aufklärung …. Die Moderne kritisiert von innen.“ Die Französische Revolution von 1789 entwurzelte Annahmen und Institutionen, die jahrhundertelang wenig bezweifelt worden waren und die Öffentlichkeit an eine energische politische und soziale Debatte gewöhnten. Dies führte zu dem, was der Kunsthistoriker Ernst Gombrich als „Selbstbewusstsein“ bezeichnete, das die Menschen dazu brachte, den Stil ihres Gebäudes so auszuwählen, wie man das Muster einer Tapete wählt.

Die Pioniere der modernen Kunst waren Romantiker, Realisten und Impressionisten. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts begannen weitere Bewegungen, die in der modernen Kunst einflussreich sein sollten: Postimpressionismus und Symbolismus.

Die Einflüsse auf diese Bewegungen waren vielfältig: von der Exposition der östlichen dekorativen Künste, insbesondere der japanischen Druckgraphik, über die koloristischen Innovationen von Turner und Delacroix, bis hin zur Suche nach mehr Realismus in der Darstellung des gemeinsamen Lebens, wie es in Werken von Malern wie Jean zu finden ist Francois Millet. Die Vertreter des Realismus standen dem Idealismus der traditionsgebundenen akademischen Kunst, die öffentliche und offizielle Gunst genoss, entgegen. Die erfolgreichsten Maler des Tages arbeiteten entweder durch Aufträge oder durch große öffentliche Ausstellungen ihrer eigenen Arbeit. Es gab offizielle, von der Regierung gesponserte Malergewerkschaften, während die Regierungen regelmäßig öffentliche Ausstellungen neuer schöner und dekorativer Künste abhielten.

Die Impressionisten argumentierten, dass die Menschen keine Objekte sehen, sondern nur das Licht, das sie reflektieren, und deshalb sollten Maler in natürlichem Licht (en plein air) statt in Studios malen und die Auswirkungen von Licht in ihrer Arbeit einfangen. Impressionistische Künstler bildeten eine Gruppe, die Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs (Vereinigung der Maler, Bildhauer und Graveure), die trotz interner Spannungen eine Reihe unabhängiger Ausstellungen veranstaltete. Der Stil wurde von Künstlern in verschiedenen Nationen, bevorzugt einem „nationalen“ Stil, angenommen. Diese Faktoren begründeten die Ansicht, dass es sich um eine „Bewegung“ handelte. Diese Merkmale – Etablierung einer zur Kunst integrierenden Arbeitsmethode, Etablierung einer Bewegung oder sichtbarer aktiver Unterstützungskern und internationale Adoption – würden von künstlerischen Bewegungen in der Moderne in der Kunst wiederholt.

Frühes 20. Jahrhundert
Zu den Bewegungen, die im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts blühten, gehörten der Fauvismus, der Kubismus, der Expressionismus und der Futurismus.

In den Jahren zwischen 1910 und dem Ende des Ersten Weltkriegs und nach der Blütezeit des Kubismus entstanden in Paris mehrere Bewegungen. Giorgio de Chirico zog im Juli 1911 nach Paris, wo er sich seinem Bruder Andrea (dem Dichter und Maler Alberto Savinio) anschloss. Durch seinen Bruder lernte er Pierre Laprade kennen, ein Jurymitglied des Salon d’Automne, wo er drei seiner traumhaften Werke ausstellte: Enigma des Orakels, Enigma eines Nachmittags und Selbstbildnis. Im Jahr 1913 stellte er seine Arbeit im Salon des Indépendants und Salon d’Automne aus, und seine Arbeit wurde von Pablo Picasso, Guillaume Apollinaire und einigen anderen bemerkt. Seine fesselnden und mysteriösen Gemälde gelten als maßgeblich für die frühen Anfänge des Surrealismus. Das Lied der Liebe (1914) ist eines der berühmtesten Werke von de Chirico und ist ein frühes Beispiel für den surrealistischen Stil, obwohl es zehn Jahre vor der Gründung der Bewegung durch André Breton im Jahre 1924 gemalt wurde.

Der Erste Weltkrieg beendete diese Phase, deutete jedoch den Beginn einer Reihe von Anti-Kunst-Bewegungen an, wie Dada, einschließlich des Werkes von Marcel Duchamp, und des Surrealismus. Künstlergruppen wie de Stijl und Bauhaus entwickelten neue Ideen über die Wechselbeziehung von Kunst, Architektur, Design und Kunsterziehung.

Moderne Kunst wurde in den Vereinigten Staaten mit der Armory Show im Jahr 1913 und durch europäische Künstler eingeführt, die während des Ersten Weltkriegs in die USA zogen.

Ablehnung
Die Ablehnung der modernen Kunst war sehr stark, da das Konzept nicht nur in den sozialen und konservativen Umfeldern, die moderne Künstler zu verbreiten suchten, geprägt wurde, sondern auch unter Intellektuellen, die ihre Analyse in Spanien von Eugenio sehr ernst nahmen d’Ors, Autor der lapidaren Phrase: Alles was nicht Tradition ist, ist Plagiat; oder José Ortega y Gasset, der eines seiner Werke betitelte: Die Entmenschlichung der Kunst.

Der sowjetische Kommunismus und der italienische Faschismus, der seit seiner Gründung und in den 1920er Jahren eng mit der Avantgarde (Konstruktivismus, Futurismus) verbunden war, testeten ab 1930 die Notwendigkeit, ihre propagandistische Manipulation im Bereich der Ästhetik durch eine Kunst viel einfacher zu kanalisieren verdaulich von den Massen. Sie fanden fast identische Lösungen in dem, was als sozialistischer Realismus oder faschistische Kunst bekannt war. Im Fall des Nazismus identifizierte er die moderne Kunst mit dem, was er die entartete Kunst der wahnsinnigen und minderwertigen Rassen nannte, im Gegensatz zu den Werten einer beabsichtigten arischen Ästhetik oder arischen Kunst. Die Verfolgung der Juden und die deutsche Besetzung Europas während des Zweiten Weltkrieges ermöglichten jedoch die mehr oder minder verschleierte Plünderung vieler Stücke moderner Kunst durch die Naziführer (die sie nicht zerstörten, sondern sich eigneten).

Gleichzeitig nahm der amerikanische Kapitalismus die moderne Kunst mit großer Dynamik an, indem er sie in den Produktionsprozeß einbezog und ihre großen Marktmöglichkeiten ausnutzte.

Impressionismus und Avantgarde
Der Impressionismus und Post – Impressionismus und markiert ein entschieden, mit neuen Formen der Darstellung von Licht und Raum durch Farbe und Malerei Kunst und Schwingung der Materie in der Skulptur (Rodin) zu experimentieren. In den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg fand eine Explosion der Kreativität mit Phovismus, Kubismus, Expressionismus und Futurismus statt.

Der Erste Weltkrieg brachte das Ende dieser Phase mit sich, aber er wies auf den Beginn einer Reihe anti-künstlerischer Bewegungen hin, wie die von Marcel Duchamp und des Surrealismus. Auch Gruppen wie Stijl und Bauhaus hatten gerade begonnen, neue Ideen über die Wechselbeziehung von Kunst, Architektur, Design und künstlerischer Bildung zu entwickeln.

Vereinigte Staaten
Das avantgardistische Konzept der modernen Kunst wurde in den Vereinigten Staaten in der Armory Show von 1913 eingeführt, und besonders mit der Ankunft von Künstlern, die wegen des Ersten Weltkriegs aus Europa geflohen waren, wie Francis Picabia. Nichtsdestotrotz blieb Paris während der gesamten Zwischenkriegszeit die Hauptstadt der Kunst, eine Bedingung, die New York erst im Zweiten Weltkrieg erreichte. In den fünfziger, sechziger und siebziger Jahren erschienen erstmals in der Kunstgeschichte Stile in den Vereinigten Staaten (abstrakter Expressionismus, Op-Art, Pop-Art, Minimalismus, Happening, Fluxus, Land Art, Performancekunst, Konzeptkunst, Fotorealismus usw.)

Der Tod der Kunst und das Ende der Moderne
Die poststrukturalistische Theorie hat den Begriff „postmodern“ geprägt, um die Unmöglichkeit zu beschreiben, aus den Regeln der Originalität und Neuheit (eigene Elemente der Moderne) zu schaffen; stattdessen verweist er auf Elemente wie Neuinterpretationen und Resignifizierungen (die sogenannte „linguistic turn“) 10, um den Kunstbegriff zu erweitern und als kommunikativen Akt zu etablieren.

Die Infragestellung von Kunst als Institution war viel älter. Dies war die Position von Marcel Duchamp, der in seiner Arbeit Fuente (1917), einem täglichen Objekt, das dekontextualisiert und provokativ als Kunstwerk (ein auf den Kopf gestelltes Pissoir) ausgestellt wurde, veranschaulicht wurde. Die ästhetische Provokation, die sich aus dem von épater le bürgerlichen gewollten Verfluchtheitismus, Dandyismus und Dekadenz des 19. Jahrhunderts herleitete, wurde in der Zwischenkriegszeit zu einem gemeinsamen Ort (Dadaismus und Surrealismus) und wurde in Berlin erweitert die Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts mit Happenings, das Theater des Absurden und andere ästhetische Provokationen des existentialistischen kulturellen Umfelds, Beatniks und später Psychedelia und Pop Art. Die Unmöglichkeit, eine fiktive Trennung zwischen Kunst und den übrigen Produkten aufrechtzuerhalten, zeigte sich in Werken von Künstlern wie Robert Rauschemberg und Andy Warhol, die sie explizit mit den anderen Produkten des Massenkonsums identifizierten; der theoretische Ausdruck fand sich in den Schriften von Rosalind Krauss und der poststrukturalistischen Schule oder von Kritikern wie Giulio Carlo Argan (der das Konzept des Todes der Kunst prägte).

Im späten zwanzigsten Jahrhundert, im intellektuellen Kontext der „linguistic turn“ und der Debatte zwischen Moderne und Postmoderne, begann sich in der Welt der Kunst mit der Bezeichnung „postmodern“ (postmoderne Architektur, Postmoderne Malerei, postmoderne Skulptur) zu verbreiten. Die Avantgarde-Krise wurde proklamiert, und selbst die traditionellen Gattungen oder Künste (Malerei, Bildhauerei) hörten auf, das wichtigste Medium des künstlerischen Ausdrucks für diejenigen zu sein, die nach innovativen Mitteln suchten, zugunsten „künstlerischer Installationen“, „Interventionen“, Multimedia „(Videokunst, digitale Kunst, Medienkunst, etc.)

Nach dem Zweiten Weltkrieg
Erst nach dem Zweiten Weltkrieg wurden die USA zum Brennpunkt neuer künstlerischer Bewegungen. In den 1950er und 1960er Jahren entstanden der Abstrakte Expressionismus, die Farbfeldmalerei, Pop Art, Op-Art, Hard-Edge-Malerei, Minimal Art, Lyrische Abstraktion, Fluxus, Happening, Videokunst, Postminimalismus, Fotorealismus und verschiedene andere Bewegungen. In den späten 1960er und 1970er Jahren hatten Land Art, Performance Art, Conceptual Art und andere neue Kunstformen die Aufmerksamkeit von Kuratoren und Kritikern auf Kosten traditionellerer Medien auf sich gezogen. Größere Installationen und Performances wurden weit verbreitet.

Ende der 1970er Jahre, als die Kulturkritiker von „dem Ende der Malerei“ sprachen (der Titel eines provokativen Essays von Douglas Crimp aus dem Jahr 1981), war die Neue Medienkunst mit einer wachsenden Zahl von Künstlern zu einer eigenen Kategorie geworden Experimentieren mit technologischen Mitteln wie Videokunst. Die Malerei nahm in den 1980er und 1990er Jahren eine neue Bedeutung an, wie der Aufstieg des Neoexpressionismus und die Wiederbelebung der figurativen Malerei belegen.

Gegen Ende des 20. Jahrhunderts begannen einige Künstler und Architekten, die Idee des „Modernen“ in Frage zu stellen und typisch postmoderne Werke zu schaffen.

Präzedenzfälle
Präzedenzfälle moderner künstlerischer Ideen sind bereits in den Werken der großen Barockmeister (Velázquez oder Rembrandt) zu finden; von Autoren des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts, die der Romantik mehr oder weniger nahe stehen (Goya, David, Delacroix, Gericault, Friedrich, Turner, William Blake); und Autoren der Mitte des neunzehnten Jahrhunderts mehr oder weniger nah am Realismus (Corot, Millet, Courbet, Schule von Barbizon, William Morris). Für diese Daten beginnt die Wahrnehmung des modernen Künstlers als missverstandenes soziales, den Institutionen fremdes Wesen, üblich zu sein; obwohl es paradoxerweise endet, schafft es seine eigene alternative Institutionalität (Salon des Refusés, 1863 – allein von den Abgelehnten). Entscheidend war die Rolle der angesehenen Intellektuellen, die als Kunstkritiker agierten, wie Rimbaud.

Kunstbewegungen und Künstlergruppen

19. Jahrhundert
Romantik und die romantische Bewegung – Francisco de Goya, JMW Turner, Eugène Delacroix
Realismus – Gustave Courbet, Camille Corot, Jean-Francois Millet, Rosa Bonheur
Präraffaeliten – William Holman Jagd, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti
Macchiaioli – Giovanni Fattori, Silvester Lega, Telemaco Signorini
Impressionismus – Frédéric Bazille, Gustave Caillebotte, Mary Cassatt, Edgar Degas, Armand Guillaumin, Édouard Manet, Claude Monet, Berthe Morisot, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley
Post-Impressionismus – Georges Seurat, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec, Henri Rousseau, Henri-Jean Guillaume Martin, Albert Lebourg, Robert Antoine Pinchon
Pointillismus – Georges Seurat, Paul Signac, Maximilien Luce, Henri-Edmond Cross
Divisionismus – Gaetano Previati, Giovanni Segantini, Pellizza da Volpedo
Symbolismus – Gustave Moreau, Odilon Redon, Edvard Munch, James Whistler, James Ensor
Les Nabis – Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Félix Vallotton, Maurice Denis, Paul Serusier
Jugendstil und Varianten – Jugendstil, Secession, Moderner Stil, Modernismus – Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Gustav Klimt,
Art Nouveau Architektur und Design – Antoni Gaudí, Otto Wagner, Wiener Werkstätte, Josef Hoffmann, Adolf Loos, Koloman Moser
Bildhauer der frühen Moderne – Aristide Maillol, Auguste Rodin

Anfang des 20. Jahrhunderts (vor dem Ersten Weltkrieg)
Abstrakte Kunst – Francis Picabia, Wassily Kandinsky, František Kupka, Robert Delaunay, Léopold Survage, Piet Mondrian
Fauvismus – André Derain, Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, Georges Braque, Kees van Dongen
Expressionismus und verwandte – Die Brücke, Der Blaue Reiter – Ernst Ludwig Kirchner, Wassily Kandinsky, Franz Marc, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Emil Nolde, Axel Törneman, Karl Schmidt-Rottluff, Max Pechstein
Kubismus – Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Marcel Duchamp, Jacques Villon, Francis Picabia, Juan Gris
Futurismus – Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Gino Severini, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov
Orphismus – Robert Delaunay, Sonia Delaunay, František Kupka
Suprematismus – Kasimir Malewitsch, Alexander Rodtschenko, El Lissitzky
Synchroismus – Stanton MacDonald-Wright, Morgan Russell
Vortizismus – Wyndham Lewis
Skulptur – Constantin Brâncuşi, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz, Ossip Zadkine, Henri Laurens, Eile Nadelman, Chaim Gross, Chana Orloff, Jacob Epstein, Gustave Miklos
Fotografie – Piktorialismus, gerade Fotografie

Der Erste Weltkrieg bis zum Zweiten Weltkrieg
Dada – Jean Arp, Marcel Duchamp, Max Ernst, Francis Picabia, Kurt Schwitters
Surrealismus – Marc Chagall, René Magritte, Jean Arp, Salvador Dalí, Max Ernst, Giorgio de Chirico, André Masson, Joan Miró
Pittura Metafisica – Giorgio de Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi
De Stijl – Theo van Doesburg, Piet Mondrian
Neue Sachlichkeit – Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz
Figurative Malerei – Henri Matisse, Pierre Bonnard
Amerikanische Moderne – Stuart Davis, Arthur G. Dove, Marsden Hartley, Georgia O’Keeffe
Konstruktivismus – Naum Gabo, Gustav Klucis, László Moholy-Nagy, El Lissitzky, Kasimir Malewitsch, Vadim Meller, Alexander Rodtschenko, Wladimir Tatlin
Bauhaus – Wassily Kandinsky, Paul Klee, Josef Albers
Scottish Colourists – Francis Cadell, Samuel Peploe, Leslie Jäger, John Duncan Fergusson
Sozialer Realismus – Grant Wood, Walker Evans, Diego Rivera
Präzisionismus – Charles Sheeler, Charles Demuth
Skulptur – Alexander Calder, Alberto Giacometti, Gaston Lachaise, Henry Moore, Pablo Picasso, Julio Gonzalez

Nach dem Zweiten Weltkrieg
Figüratifs – Bernard Buffet, Jean Carzou, Maurice Boitel, Daniel du Janérand, Claude-Max Lochu
Skulptur – Henry Moore, David Smith, Tony Smith, Alexander Calder, Isamu Noguchi, Alberto Giacometti, Sir Anthony Caro, Jean Dubuffet, Isaac Witkin, René Iché, Marino Marini, Louise Nevelson, Albert Vrana
Abstrakter Expressionismus – Willem de Kooning, Jackson Pollock, Arshile Gorki, Hans Hofmann, Franz Kline, Robert Motherwell, Clyfford Still, Lee Krasner, Joan Mitchell
American Abstract Künstler – Ilya Bolotowsky, Ibram Lassaw, Ad Reinhardt, Josef Albers, Burgoyne Diller
Art Brut – Adolf Wölfli, August Natterer, Ferdinand Cheval, Madge Gill, Paul Salvator Goldengrün
Arte Povera – Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Mario Merz, Piero Manzoni, Alighiero Boetti
Farbfeldmalerei – Barnett Newman, Mark Rothko, Adolph Gottlieb, Sam Francis, Morris Louis, Kenneth Noland, Jules Olitski, Helen Frankenthaler
Tachismus – Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Hans Hartung, Ludwig Merwart
COBRA – Pierre Alechinsky, Karel Appel, Asger Jorn
Dekollage – Wolf Vostell, Mimmo Rotella
Neo-Dada – Robert Rauschenberg, Jasper Johns, John Chamberlain, Joseph Beuys, Lee Bontecou, ​​Edward Kienholz
Figurative Expressionismus – Larry Rivers, Grace Hartigan, Elaine de Kooning, Robert De Niro, Sr., Lester Johnson, George McNeil, Earle M. Pilgrim, Jan Müller, Robert Beauchamp, Bob Thompson
Fluxus – George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik, Daniel Spoerri, Dieter Roth, Carolee Schneeman, Alison Knowles, Charlotte Moorman, Dick Higgins
Happening – Allan Kaprow, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Rote Pfleger, Nam June Paik, Charlotte Moorman, Robert Whitman, Yoko Ono
Dau-al-Set – gegründet in Barcelona vom Dichter / Künstler Joan Brossa, – Antoni Tàpies
Grupo El Paso – in Madrid von Künstlern Antonio Saura, Pablo Serrano gegründet
Geometrische Abstraktion – Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Nadir Afonso, Manlio Rho, Mario Radice, Mino Argento
Hard-Edge-Malerei – John McLaughlin, Ellsworth Kelly, Frank Stella, Al Held, Ronald Davis
Kinetische Kunst – George Rickey, Getulio Alviani
Land Art – Christo, Richard Long, Robert Smithson, Michael Heizer
Les Automatistes – Claude Gauvreau, Jean-Paul Riopelle, Pierre Gauvreau, Fernand Leduc, Jean-Paul Mousseau, Marcelle Ferron
Minimale Kunst – Sol LeWitt, Donald Judd, Dan Flavin, Richard Serra, Agnes Martin
Postminimalismus – Eva Hesse, Bruce Nauman, Lynda Benglis
Lyrische Abstraktion – Ronnie Landfield, Sam Gilliam, Larry Zox, Dan Christensen, Natvar Bhavsar, Larry Poons
Neo-figurative Kunst – Fernando Botero, Antonio Berni
Neoexpressionismus – Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jörg Immendorff, Jean-Michel Basquiat
Transavanguardia – Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Sandro Chia, Enzo Cucchi
Figuration libre – Hervé Di Rosa, François Boisrond, Robert Combas
Neuer Realismus – Yves Klein, Pierre Restany, Arman
Op-Art – Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Jeffrey Steele
Outsider Art – Howard Finster, Großmutter Moses, Bob Justin
Fotorealismus – Audrey Flack, Chuck schließen, Duane Hanson, Richard Estes, Malcolm Morley
Pop-Art – Richard Hamilton, Robert Indiana, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Ed Ruscha, David Hockney
Europäische Nachkriegsfigurenmalerei – Lucian Freud, Francis Bacon, Frank Auerbach, Gerhard Richter
Neue europäische Malerei – Luc Tuymans, Marlene Dumas, Neo Rauch, Bracha Ettinger, Michaël Borremans, Chris Ofili
Geformte Leinwand – Frank Stella, Kenneth Noland, Ron Davis, Robert Mangold.
Sowjetische Kunst – Aleksandr Deyneka, Aleksandr Gerasimov, Ilya Kabakov, Komar & Melamid, Alexandr Shdanov, Leonid Sokov
Räumlichkeit – Lucio Fontana
Videokunst – Nam June Paik, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Bill Viola
Visionäre Kunst – Ernst Fuchs, Paul Lafoley, Michael Bowen

Wichtige moderne Kunstausstellungen und Museen

Belgien
SMAK, Gent

Brasilien
MASP, São Paulo, SP
MAM / SP, São Paulo, SP
MAM / RJ, Rio de Janeiro, RJ
MAM / BA, Salvador, Bahia

Kolumbien
MAMBO, Bogotá

Kroatien
Galerie Ivan Meštrović, Split
Moderne Galerie, Zagreb
Museum für zeitgenössische Kunst, Zagreb

Ecuador
Museo Antropologico y de Arte Contemporaneo, Guayaquil
La Capilla del Hombre, Quito

Finnland
EMMA, Espoo
Kiasma, Helsinki

Frankreich
Lille Métropole Museum für Moderne, Zeitgenössische Kunst und Outsider Art, Villeneuve d’Ascq
Musée d’Orsay, Paris
Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris
Musée National d’Art Moderne, Paris
Musée Picasso, Paris
Museum für moderne und zeitgenössische Kunst, Straßburg
Musée d’art Moderne de Troyes

Deutschland
documenta, Kassel (Deutschland), eine alle fünf Jahre stattfindende Ausstellung moderner und zeitgenössischer Kunst
Museum Ludwig, Köln
Pinakothek der Moderne, München

Indien
Nationalgalerie für Moderne Kunst – Neu-Delhi,
Nationalgalerie für moderne Kunst – Mumbai,
Nationalgalerie für moderne Kunst – Bangalore,

Ich rannte
Museum für zeitgenössische Kunst, Teheran

Irland
Hugh Lane Galerie, Dublin
Irisches Museum für moderne Kunst, Dublin

Italien
Palazzo delle Esposizioni
Galleria Nazionale d’Arte Moderna
Venedig Biennale, Venedig
Palazzo Pitti, Florenz

Mexiko
Museo de Arte Moderno, Mexiko DF

Niederlande
Van Gogh Museum, Amsterdam
Stedelijk Museum, Amsterdam

Norwegen
Astrup Fearnley Museum für Moderne Kunst, Oslo
Henie-Onstad Kunstzentrum, Oslo

Katar
Mathaf: Arabisches Museum für Moderne Kunst, Doha

Rumänien
Nationales Museum für zeitgenössische Kunst, Bukarest

Russland
Eremitage, Sankt Petersburg
Puschkin-Museum, Moskau
Tretjakow-Galerie, Moskau

Serbien
Museum für zeitgenössische Kunst, Belgrad

Spanien
Museu d’Art Contemporani de Barcelona, ​​Barcelona
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid
Museum Thyssen-Bornemisza, Madrid
Institut Valencià d’Art Modern, Valencia
Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria

Schweden
Moderna Museet, Stockholm

Taiwan
Asia Museum für moderne Kunst, Taichung
Großbritannien
Estorick Sammlung moderner italienischer Kunst, London
Saatchi Galerie, London
Tate Großbritannien, London
Tate Liverpool
Tate Modern, London
Tate St. Ives

USA
Albright-Knox Kunstgalerie, Buffalo, New York
Art Institute von Chicago, Chicago, Illinois
Guggenheim Museum, New York City, New York und Venedig, Italien; zuletzt in Berlin, Bilbao, Spanien und Las Vegas, Nevada
Hohes Museum, Atlanta, Georgia
Los Angeles County Kunstmuseum, Los Angeles, Kalifornien
McNay Art Museum, San Antonio, Texas
Menil Sammlung, Houston, Texas
Museum der Schönen Künste, Boston, Massachusetts
Museum für Moderne Kunst, New York City, New York
San Francisco Museum für moderne Kunst, San Francisco, Kalifornien
Das Bäcker-Museum, Neapel, Florida
Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota
Whitney Museum der amerikanischen Kunst, New York City, New York