L’arte moderna comprende opere artistiche prodotte durante il periodo che si estende approssimativamente dal 1860 agli anni ’70, e denota gli stili e la filosofia dell’arte prodotta durante quell’epoca. Il termine è solitamente associato all’arte in cui le tradizioni del passato sono state gettate da parte in uno spirito di sperimentazione. Gli artisti moderni hanno sperimentato nuovi modi di vedere e nuove idee sulla natura dei materiali e delle funzioni dell’arte. Una tendenza lontana dalla narrativa, che era caratteristica delle arti tradizionali, verso l’astrazione è caratteristica di molta arte moderna. La produzione artistica più recente è spesso chiamata arte contemporanea o arte postmoderna.

L’arte moderna inizia con l’eredità di pittori come Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Georges Seurat e Henri de Toulouse-Lautrec, tutti elementi essenziali per lo sviluppo dell’arte moderna. All’inizio del XX secolo Henri Matisse e molti altri giovani artisti tra cui i pre-cubisti Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Jean Metzinger e Maurice de Vlaminck hanno rivoluzionato il mondo artistico parigino con paesaggi selvaggi, multicolori, espressivi e dipingere quadri che i critici chiamavano Fauvismo. Le due versioni di Matisse di Matisse rappresentavano un punto chiave della sua carriera e nello sviluppo della pittura moderna. Riflette il fascino incipiente di Matisse con l’arte primitiva: l’intenso colore caldo delle figure contro il fresco sfondo blu-verde e la successione ritmata dei nudi danzanti trasmettono i sentimenti di liberazione emotiva ed edonismo.

Inizialmente influenzato da Toulouse-Lautrec, Gauguin e altri innovatori della fine del XIX secolo, Pablo Picasso realizzò i suoi primi dipinti cubisti basati sull’idea di Cézanne secondo cui ogni rappresentazione della natura può essere ridotta a tre solidi: cubo, sfera e cono. Con il dipinto Les Demoiselles d’Avignon (1907), Picasso crea drammaticamente un nuovo quadro radicale che rappresenta una scena del bordello crudo e primitivo con cinque prostitute, donne dipinte violentemente, che ricordano maschere tribali africane e le sue nuove invenzioni cubiste. Il cubismo analitico fu sviluppato congiuntamente da Picasso e Georges Braque, esemplificato da Violino e Candlestick, Parigi, dal 1908 al 1912. Il cubismo analitico, la prima chiara manifestazione del cubismo, fu seguito dal cubismo sintetico, praticato da Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e molti altri artisti negli anni ’20. Il cubismo sintetico è caratterizzato dall’introduzione di diverse trame, superfici, elementi di collage, papier collé e una grande varietà di soggetti uniti.

La nozione di arte moderna è strettamente correlata al modernismo.

Storia dell’arte moderna

Radici nel 19 ° secolo
Anche se si pensa che la scultura e l’architettura moderne siano emerse alla fine del XIX secolo, gli inizi della pittura moderna possono essere individuati prima. La data forse più comunemente identificata come quella che segna la nascita dell’arte moderna è il 1863, l’anno in cui Édouard Manet mostrava il suo dipinto Le déjeuner sur l’herbe nel Salon des Refusés a Parigi. Sono state proposte anche date precedenti, tra cui il 1855 (l’anno in cui Gustave Courbet espose The Artist’s Studio) e il 1784 (l’anno Jacques-Louis David completò il suo dipinto The Oath of the Horatii). Nelle parole dello storico dell’arte H. Harvard Arnason: “Ognuna di queste date ha un significato per lo sviluppo dell’arte moderna, ma nessuna segna categoricamente un inizio completamente nuovo … Una progressiva metamorfosi ha avuto luogo nel corso di cento anni. ”

I filoni di pensiero che alla fine portarono all’arte moderna possono essere fatti risalire all’Illuminismo e persino al XVII secolo. L’importante critico d’arte moderna Clement Greenberg, ad esempio, ha definito Immanuel Kant “il primo vero modernista”, ma ha anche fatto una distinzione: “L’illuminismo criticato dall’esterno … Il modernismo critica dall’interno”. La Rivoluzione francese del 1789 sradicò ipotesi e istituzioni che per secoli furono accettate con poca domanda e abituarono il pubblico a un vigoroso dibattito politico e sociale. Ciò ha dato origine a quello che lo storico dell’arte Ernst Gombrich ha definito una “autocoscienza che ha fatto sì che le persone selezionassero lo stile del loro edificio come si seleziona il modello di uno sfondo”.

I pionieri dell’arte moderna erano romantici, realisti e impressionisti. Verso la fine del XIX secolo cominciarono ad emergere ulteriori movimenti che dovevano essere influenti nell’arte moderna: il postimpressionismo e il simbolismo.

Le influenze su questi movimenti erano varie: dall’esposizione alle arti decorative orientali, in particolare alla stampa giapponese, alle innovazioni coloristiche di Turner e Delacroix, alla ricerca di un maggior realismo nella raffigurazione della vita comune, come si trova nel lavoro di pittori come Jean -François Millet. I sostenitori del realismo erano contrari all’idealismo dell’arte accademica legata alla tradizione che godeva del favore pubblico e ufficiale. I pittori di maggior successo della giornata lavoravano attraverso commissioni o attraverso grandi mostre pubbliche sul proprio lavoro. C’erano sindacati ufficiali di pittori sponsorizzati dal governo, mentre i governi organizzavano periodicamente mostre pubbliche di nuove arti decorative e decorative.

Gli impressionisti sostenevano che le persone non vedono gli oggetti ma solo la luce che riflettono, e quindi i pittori dovrebbero dipingere in luce naturale (en plein air) piuttosto che negli studi e dovrebbero catturare gli effetti della luce nel loro lavoro. Gli artisti impressionisti formarono un gruppo, Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs (“Associazione di pittori, scultori e incisori”) che, nonostante le tensioni interne, organizzò una serie di mostre indipendenti. Lo stile è stato adottato da artisti di diverse nazioni, preferendo uno stile “nazionale”. Questi fattori hanno stabilito che si trattava di un “movimento”. Questi tratti – l’instaurazione di un metodo di lavoro integrale nell’arte, l’istituzione di un movimento o un nucleo attivo visibile di supporto e l’adozione internazionale – sarebbero ripetuti dai movimenti artistici nel periodo moderno nell’arte.

Inizi del XX secolo
Tra i movimenti fioriti nel primo decennio del ventesimo secolo c’erano Fauvismo, Cubismo, Espressionismo e Futurismo.

Durante gli anni tra il 1910 e la fine della prima guerra mondiale e dopo l’apogeo del cubismo, diversi movimenti emersero a Parigi. Giorgio de Chirico si trasferì a Parigi nel luglio del 1911, dove si unì al fratello Andrea (il poeta e pittore noto come Alberto Savinio). Attraverso suo fratello incontra Pierre Laprade, membro della giuria al Salon d’Automne dove espone tre delle sue opere oniriche: Enigma of the Oracle, Enigma of an Afternoon e Self-Portrait. Nel 1913 espose le sue opere al Salon des Indépendants e al Salon d’Automne e le sue opere furono notate da Pablo Picasso, Guillaume Apollinaire e molti altri. I suoi dipinti avvincenti e misteriosi sono considerati strumentali ai primi inizi del Surrealismo. Song of Love (1914) è una delle opere più famose di de Chirico ed è uno dei primi esempi dello stile surrealista, sebbene fosse dipinto dieci anni prima che il movimento fosse “fondato” da André Breton nel 1924.

La prima guerra mondiale pose fine a questa fase, ma segnò l’inizio di una serie di movimenti anti-arte, come Dada, tra cui il lavoro di Marcel Duchamp e del Surrealismo. Gruppi di artisti come De Stijl e Bauhaus hanno sviluppato nuove idee sull’interrelazione tra arte, architettura, design e educazione artistica.

L’arte moderna fu introdotta negli Stati Uniti con l’Armory Show nel 1913 e attraverso artisti europei che si trasferirono negli Stati Uniti durante la prima guerra mondiale.

Rifiuto
Il rifiuto dell’arte moderna fu molto forte da quando il concetto cominciò a essere coniato, non solo negli ambienti sociali e conservativi che gli artisti moderni cercavano di diffondere, ma tra gli intellettuali che prendevano molto seriamente la loro analisi, come lo erano, in Spagna, da Eugenio d’Ors, autore della frase lapidaria: tutto ciò che non è tradizione è plagio; o José Ortega y Gasset, che ha intitolato una delle sue opere: la disumanizzazione dell’arte.

Il comunismo sovietico e il fascismo italiano, che sin dal suo inizio e negli anni ’20 erano strettamente legati all’avanguardia (costruttivismo, futurismo), testarono dal 1930 la necessità di canalizzare la loro manipolazione propagandistica nel campo dell’estetica attraverso un’arte molto più facilmente digeribile dalle masse. Trovarono soluzioni quasi identiche in quello che era noto come realismo socialista o arte fascista. Nel caso del nazismo, identificò l’arte moderna con quella che chiamò arte degenerata delle razze dementi e inferiori, in contrapposizione ai valori di un’estetica artistica di Aryan o dell’arte ariana. Tuttavia, la persecuzione degli ebrei e l’occupazione tedesca dell’Europa durante la seconda guerra mondiale diedero l’oppurtunity al saccheggio più o meno mascherato di molti pezzi di arte moderna da parte dei leader nazisti (che non lo distrussero, ma chi si appropriarono).

Allo stesso tempo, il capitalismo americano, d’altra parte, ha assunto l’arte moderna con grande dinamismo, coinvolgendolo nel processo produttivo e sfruttando le sue grandi possibilità per il mercato.

Impressionismo e avanguardia
L’impressionismo e il postimpressionismo hanno segnato la decisione di sperimentare nuove modalità di rappresentazione della luce e dello spazio attraverso il colore e l’arte pittorica e la vibrazione della materia nella scultura (Rodin). Negli anni che precedettero la prima guerra mondiale, ebbe luogo un’esplosione di creatività con Fovismo, Cubismo, Espressionismo e Futurismo.

La prima guerra mondiale portò con sé la fine di questa fase, ma indicava l’inizio di una serie di movimenti anti-artistici, come quello dato e il lavoro di Marcel Duchamp e il surrealismo. Inoltre gruppi come Stijl e Bauhaus avevano appena iniziato a sviluppare nuove idee sull’interrelazione tra arte, architettura, design e educazione artistica.

stati Uniti
Il concetto d’avanguardia di arte moderna fu introdotto negli Stati Uniti nell’Armory Show del 1913, e in particolare con l’arrivo di artisti fuggiti dall’Europa a causa della prima guerra mondiale, come Francis Picabia. Tuttavia, Parigi continuò ad essere la capitale dell’arte durante tutto il periodo tra le due guerre, condizione che non raggiunse New York fino alla Seconda Guerra Mondiale. Negli anni Cinquanta, sessanta e settanta apparvero, per la prima volta nella storia dell’arte, stili emersi negli Stati Uniti (espressionismo astratto, arte op, pop art, minimalismo, happening, Fluxus, land art, performance art, arte concettuale, fotorealismo, ecc.)

La morte dell’arte e la fine del moderno
La teoria post-strutturalista ha coniato il termine “postmoderno” per descrivere l’impossibilità di creare dai precetti dell’originalità e della novità (propri elementi della modernità); invece, indica elementi come reinterpretazioni e rassegnazioni (la cosiddetta “svolta linguistica”) 10 per ampliare il concetto di arte e stabilirlo come atto comunicativo.

L’interrogatorio sull’arte come istituzione era molto più antico. Tale era la posizione di Marcel Duchamp, esemplificato nella sua opera Fuente (1917), un oggetto quotidiano decontestualizzato e esibito provocatoriamente come opera d’arte (un orinatoio capovolto). La provocazione estetica, che proveniva dal dannato, dal dandyismo e dal decadentismo del diciannovesimo secolo (che era stato progettato da épater le borghese – scandalizzava i borghesi), divenne un luogo comune nel periodo tra le due guerre (dadaismo e surrealismo), e fu esteso in la metà del ventesimo secolo con gli avvenimenti, il teatro dell’assurdo e altre provocazioni estetiche dell’ambiente culturale esistenzialista, beatniks e poi psichedelia e pop art. L’impossibilità di continuare a mantenere una separazione fittizia tra l’arte e il resto dei prodotti fu evidenziata nel lavoro di artisti come Robert Rauschemberg e Andy Warhol, che lo identificarono esplicitamente con gli altri prodotti del consumo di massa; l’espressione teorica si è verificata negli scritti di Rosalind Kraussand la scuola post-strutturalista, o critici come Giulio Carlo Argan (che ha coniato il concetto di morte dell’arte).

Alla fine del XX secolo, nel contesto intellettuale della “svolta linguistica” e del dibattito tra modernismo e postmodernismo, iniziò a diffondersi nel mondo dell’arte etichettato “postmoderno” (arte postmoderna, architettura postmoderna, pittura postmoderna, scultura postmoderna). Fu proclamata la crisi delle avanguardie e persino i generi o le arti tradizionali (pittura, scultura) cessarono di essere il principale veicolo di espressione artistica per coloro che cercavano mezzi più innovativi, a beneficio di “installazioni artistiche”, “interventi”, multimedia “(video arte, arte digitale, media art, ecc.)

Dopo la seconda guerra mondiale
Fu solo dopo la seconda guerra mondiale, tuttavia, che gli Stati Uniti divennero il punto focale di nuovi movimenti artistici. Gli anni ’50 e ’60 hanno visto emergere l’espressionismo astratto, la pittura sul campo a colori, la pop art, l’op art, la pittura hard-edge, l’arte minimal, l’astrazione lirica, il fluxus, l’happening, la videoarte, il postminimalismo, il fotorealismo e vari altri movimenti. Tra la fine degli anni ’60 e gli anni ’70, Land art, Performance art, Conceptual art e altre nuove forme d’arte avevano attirato l’attenzione di curatori e critici, a spese dei media più tradizionali. Le installazioni e le prestazioni più grandi si sono diffuse.

Alla fine degli anni ’70, quando i critici culturali iniziarono a parlare della “fine della pittura” (il titolo di un saggio provocatorio scritto nel 1981 da Douglas Crimp), la new media art era diventata una categoria in sé, con un numero crescente di artisti sperimentare con mezzi tecnologici come la video arte. La pittura ha assunto un’importanza rinnovata negli anni ’80 e ’90, come dimostra l’ascesa del neo-espressionismo e la rinascita della pittura figurativa.

Verso la fine del 20 ° secolo, numerosi artisti e architetti hanno iniziato a mettere in discussione l’idea di “moderno” e hanno creato opere tipicamente postmoderne.

precedenti
Precedenti di idee artistiche moderne possono essere già viste nell’opera dei grandi maestri del barocco (Velázquez o Rembrandt); di autori della fine del diciottesimo e dell’inizio del diciannovesimo secolo più o meno vicini al romanticismo (Goya, David, Delacroix, Géricault, Friedrich, Turner, William Blake); e autori della metà del diciannovesimo secolo più o meno vicini al realismo (Corot, Millet, Courbet, scuola di Barbizon, William Morris). Per queste date, la percezione dell’artista moderno come sociale incompreso, estraneo alle istituzioni, comincia a essere normale; anche se paradossalmente, finisce per creare una propria istituzione alternativa (Salon des Refusés, 1863 – solo dei respinti-). Crucial era il ruolo di prestigiosi intellettuali che fungevano da critici d’arte, come Rimbaud.

Movimenti artistici e gruppi di artisti

19esimo secolo
Romanticismo e movimento romantico – Francisco de Goya, J. M. W. Turner, Eugène Delacroix
Realismo – Gustave Courbet, Camille Corot, Jean-François Millet, Rosa Bonheur
Preraffaelliti – William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti
Macchiaioli – Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini
Impressionismo – Frédéric Bazille, Gustave Caillebotte, Mary Cassatt, Edgar Degas, Armand Guillaumin, Édouard Manet, Claude Monet, Berthe Morisot, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley
Post impressionismo – Georges Seurat, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec, Henri Rousseau, Henri-Jean Guillaume Martin, Albert Lebourg, Robert Antoine Pinchon
Puntinismo – Georges Seurat, Paul Signac, Maximilien Luce, Henri-Edmond Cross
Divisionismo – Gaetano Previati, Giovanni Segantini, Pellizza da Volpedo
Simbolismo – Gustave Moreau, Odilon Redon, Edvard Munch, James Whistler, James Ensor
Les Nabis – Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Félix Vallotton, Maurice Denis, Paul Serusier
Art Nouveau e varianti – Jugendstil, Secession, Modern Style, Modernisme – Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Gustav Klimt,
Architettura e design Art Nouveau – Antoni Gaudí, Otto Wagner, Wiener Werkstätte, Josef Hoffmann, Adolf Loos, Koloman Moser
Scultori del primo modernismo – Aristide Maillol, Auguste Rodin

Inizio del XX secolo (prima della prima guerra mondiale)
Arte astratta – Francis Picabia, Wassily Kandinsky, František Kupka, Robert Delaunay, Léopold Survage, Piet Mondrian
Fauvismo – André Derain, Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, Georges Braque, Kees van Dongen
Espressionismo e correlati – Die Brücke, Der Blaue Reiter – Ernst Ludwig Kirchner, Wassily Kandinsky, Franz Marc, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Emil Nolde, Axel Törneman, Karl Schmidt-Rottluff, Max Pechstein
Cubismo – Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Marcel Duchamp, Jacques Villon, Francis Picabia, Juan Gris
Futurismo – Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Gino Severini, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov
Orfismo – Robert Delaunay, Sonia Delaunay, František Kupka
Suprematismo: Kazimir Malevich, Alexander Rodchenko, El Lissitzky
Synchromism – Stanton MacDonald-Wright, Morgan Russell
Vorticismo – Wyndham Lewis
Scultura – Constantin Brâncuşi, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz, Ossip Zadkine, Henri Laurens, Elie Nadelman, Chaim Gross, Chana Orloff, Jacob Epstein, Gustave Miklos
Fotografia – Pittorialismo, fotografia dritta

Prima guerra mondiale alla seconda guerra mondiale
Dada – Jean Arp, Marcel Duchamp, Max Ernst, Francis Picabia, Kurt Schwitters
Surrealismo – Marc Chagall, René Magritte, Jean Arp, Salvador Dalí, Max Ernst, Giorgio de Chirico, André Masson, Joan Miró
Pittura Metafisica – Giorgio de Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi
De Stijl – Theo van Doesburg, Piet Mondrian
Nuova oggettività – Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz
Pittura figurativa – Henri Matisse, Pierre Bonnard
Modernismo americano – Stuart Davis, Arthur G. Dove, Marsden Hartley, Georgia O’Keeffe
Costruttivismo – Naum Gabo, Gustav Klutsis, László Moholy-Nagy, El Lissitzky, Kasimir Malevich, Vadim Meller, Alexander Rodchenko, Vladimir Tatlin
Bauhaus – Wassily Kandinsky, Paul Klee, Josef Albers
Colourists scozzesi – Francis Cadell, Samuel Peploe, Leslie Hunter, John Duncan Fergusson
Realismo sociale – Grant Wood, Walker Evans, Diego Rivera
Precisionismo – Charles Sheeler, Charles Demuth
Scultura – Alexander Calder, Alberto Giacometti, Gaston Lachaise, Henry Moore, Pablo Picasso, Julio Gonzalez

Dopo la seconda guerra mondiale
Figuratifs – Bernard Buffet, Jean Carzou, Maurice Boitel, Daniel du Janerand, Claude-Max Lochu
Scultura – Henry Moore, David Smith, Tony Smith, Alexander Calder, Isamu Noguchi, Alberto Giacometti, Sir Anthony Caro, Jean Dubuffet, Isaac Witkin, René Iché, Marino Marini, Louise Nevelson, Albert Vrana
Espressionismo astratto – Willem de Kooning, Jackson Pollock, Arshile Gorky, Hans Hofmann, Franz Kline, Robert Motherwell, Clyfford Still, Lee Krasner, Joan Mitchell
Artisti astratti americani – Ilya Bolotowsky, Ibram Lassaw, Ad Reinhardt, Josef Albers, Burgoyne Diller
Art Brut – Adolf Wölfli, August Natterer, Ferdinand Cheval, Madge Gill, Paul Salvator Goldengreen
Arte Povera – Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Mario Merz, Piero Manzoni, Alighiero Boetti
Pittura a colori – Barnett Newman, Mark Rothko, Adolph Gottlieb, Sam Francis, Morris Louis, Kenneth Noland, Jules Olitski, Helen Frankenthaler
Tachisme – Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Hans Hartung, Ludwig Merwart
COBRA – Pierre Alechinsky, Karel Appel, Asger Jorn
De-collage – Wolf Vostell, Mimmo Rotella
Neo-Dada – Robert Rauschenberg, Jasper Johns, John Chamberlain, Joseph Beuys, Lee Bontecou, ​​Edward Kienholz
Espressionismo figurativo – Larry Rivers, Grace Hartigan, Elaine de Kooning, Robert De Niro, Sr., Lester Johnson, George McNeil, Earle M. Pilgrim, Jan Müller, Robert Beauchamp, Bob Thompson
Fluxus – George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik, Daniel Spoerri, Dieter Roth, Carolee Schneeman, Alison Knowles, Charlotte Moorman, Dick Higgins
Happening – Allan Kaprow, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms, Nam June Paik, Charlotte Moorman, Robert Whitman, Yoko Ono
Dau-al-Set – fondato a Barcellona dal poeta / artista Joan Brossa, – Antoni Tàpies
Grupo El Paso – fondato a Madrid dagli artisti Antonio Saura, Pablo Serrano
Astrazione geometrica – Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Nadir Afonso, Manlio Rho, Mario Radice, Mino Argento
Quadro dai colori tenui – John McLaughlin, Ellsworth Kelly, Frank Stella, Al Held, Ronald Davis
Arte cinetica – George Rickey, Getulio Alviani
Arte terrestre – Christo, Richard Long, Robert Smithson, Michael Heizer
Les Automatistes – Claude Gauvreau, Jean-Paul Riopelle, Pierre Gauvreau, Fernand Leduc, Jean-Paul Mousseau, Marcelle Ferron
Arte minimal – Sol LeWitt, Donald Judd, Dan Flavin, Richard Serra, Agnes Martin
Postminimalismo: Eva Hesse, Bruce Nauman, Lynda Benglis
Astrazione lirica – Ronnie Landfield, Sam Gilliam, Larry Zox, Dan Christensen, Natvar Bhavsar, Larry Poons
Arte neo-figurativa – Fernando Botero, Antonio Berni
Neo-espressionismo – Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jörg Immendorff, Jean-Michel Basquiat
Transavanguardia – Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Sandro Chia, Enzo Cucchi
Figurine libre – Hervé Di Rosa, François Boisrond, Robert Combas
Nuovo realismo: Yves Klein, Pierre Restany, Arman
Op art – Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Jeffrey Steele
Arte di outsider – Howard Finster, nonna Moses, Bob Justin
Fotorealismo – Audrey Flack, Chuck Close, Duane Hanson, Richard Estes, Malcolm Morley
Pop art – Richard Hamilton, Robert Indiana, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Ed Ruscha, David Hockney
Pittura figurativa europea del dopoguerra: Lucian Freud, Francis Bacon, Frank Auerbach, Gerhard Richter
New European Painting – Luc Tuymans, Marlene Dumas, Neo Rauch, Bracha Ettinger, Michaël Borremans, Chris Ofili
Tela sagomata – Frank Stella, Kenneth Noland, Ron Davis, Robert Mangold.
Arte sovietica – Aleksandr Deyneka, Aleksandr Gerasimov, Ilya Kabakov, Komar & Melamid, Alexandr Zhdanov, Leonid Sokov
Spazialismo – Lucio Fontana
Video arte – Nam June Paik, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Bill Viola
Arte visionaria – Ernst Fuchs, Paul Laffoley, Michael Bowen

Importanti mostre d’arte moderna e musei

Belgio
SMAK, Gand

Brasile
MASP, São Paulo, SP
MAM / SP, San Paolo, SP
MAM / RJ, Rio de Janeiro, RJ
MAM / BA, Salvador, Bahia

Colombia
MAMBO, Bogotá

Croazia
Galleria Ivan Meštrović, Spalato
Galleria moderna, Zagabria
Museo di arte contemporanea, Zagabria

Ecuador
Museo Antropologico e de Arte Contemporaneo, Guayaquil
La Capilla del Hombre, Quito

Finlandia
EMMA, Espoo
Kiasma, Helsinki

Francia
Lille Métropole Museo di arte moderna, contemporanea e straniera, Villeneuve d’Ascq
Museo d’Orsay, Parigi
Museo d’arte moderna della città di Parigi, Parigi
Musée National d’Art Moderne, Parigi
Musée Picasso, Parigi
Museo di arte moderna e contemporanea, Strasburgo
Museo d’arte moderna di Troyes

Germania
documenta, Kassel (Germania), una mostra di arte moderna e contemporanea che si tiene ogni 5 anni
Museo Ludwig, Colonia
Pinakothek der Moderne, Monaco di Baviera

India
Galleria Nazionale di Arte Moderna – Nuova Delhi,
Galleria Nazionale di Arte Moderna – Mumbai,
Galleria Nazionale di Arte Moderna – Bangalore,

Mi sono imbattuto
Museo di arte contemporanea, Teheran

Irlanda
Hugh Lane Gallery, Dublino
Museo irlandese di arte moderna, Dublino

Italia
Palazzo delle Esposizioni
Galleria Nazionale d’Arte Moderna
Biennale di Venezia, Venezia
Palazzo Pitti, Firenze

Messico
Museo de Arte Moderno, México D.F.

Olanda
Museo Van Gogh, Amsterdam
Museo Stedelijk, Amsterdam

Norvegia
Astrup Fearnley Museum of Modern Art, Oslo
Henie-Onstad Art Center, Oslo

Qatar
Mathaf: Museo arabo d’arte moderna, Doha

Romania
Museo Nazionale di Arte Contemporanea, Bucarest

Russia
Museo dell’Ermitage, San Pietroburgo
Museo Pushkin, Mosca
Galleria Tretyakov, Mosca

Serbia
Museo di arte contemporanea, Belgrado

Spagna
Museo d’arte contemporanea di Barcellona, ​​Barcellona
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Institut Valencià d’Art Modern, Valencia
Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria

Svezia
Moderna Museet, Stoccolma

Taiwan
Museo di arte moderna Asia, Taichung
Regno Unito
Collezione Estorick di Modern Italian Art, Londra
Saatchi Gallery, Londra
Tate Britain, Londra
Tate Liverpool
Tate Modern, Londra
Tate St Ives

Stati Uniti d’America
Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York
Istituto d’arte di Chicago, Chicago, Illinois
Museo Guggenheim, New York City, New York e Venezia, Italia; più recentemente a Berlino, in Germania, a Bilbao, in Spagna ea Las Vegas, in Nevada
Museo alto, Atlanta, Georgia
Museo d’arte della contea di Los Angeles, Los Angeles, California
McNay Art Museum, San Antonio, Texas
Collezione Menil, Houston, Texas
Museo delle Belle Arti, Boston, Massachusetts
Museo di arte moderna, New York City, New York
Museo di arte moderna di San Francisco, San Francisco, California
The Baker Museum, Naples, Florida
Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota
Whitney Museum of American Art, New York City, New York