Verfremdung

Entfremdung oder Ostranenie ist die künstlerische Technik, dem Publikum alltägliche Dinge auf ungewohnte oder seltsame Weise vorzustellen, um die Wahrnehmung des Vertrauten zu verbessern. Laut den russischen Formalisten, die den Begriff geprägt haben, ist er der zentrale Begriff von Kunst und Poesie. Das Konzept hat die Kunst und Theorie des 20. Jahrhunderts beeinflusst und umfasst Bewegungen wie Dada, Postmoderne, episches Theater, Science-Fiction, Hydrosophie und neutestamentliche Erzählkritik. Darüber hinaus wird es als Taktik für neuere Bewegungen wie z. B. Culture Jamming verwendet.

Mit dem Namen Entfremdung oder Entfremdung sind alle Eingriffe in die künstlerischen Formen gemeint, die darauf abzielen, sie ihrer eigenen Natur fremd zu machen und so bei den Rezipienten ein Gefühl der Entfremdung zu erzeugen oder vielmehr zu entdecken, dass sie üblicherweise entfremdet sind .

Die russischen Formalisten, insbesondere Víktor Shklovski, benutzten das Wort ostranénie (остранение), um sich auf jene literarischen Vorgehensweisen zu beziehen, die darauf abzielen, die gewohnte Vision der Realität in unterschiedlichen Kontexten denjenigen vorzustellen, die sie gewohnt sind oder durch ihre Darstellung in einer Weise, in der angemerkt wird, dass die Darstellung eine Fiktion ist – zum Beispiel durch Übertreibung, Grotesk, Parodie, Absurdität usw. -. Dies kann im Allgemeinen auf drei Ebenen erlebt werden: sprachlich (z. B. durch Rückgriff auf ungewöhnliche, anormale stilistische Wörter oder Formen); die Ebene der bereits definierten, aber in ungewöhnliche Schemata eingefügten literarischen Gattungen und die Ebene der Wahrnehmung der Realität, die unvorhergesehene Situationen oder Beziehungen schafft.

Mehr als in der traditionellen Kunst finden wir die Anwendung der Entfremdungstechnik in der Avantgarde-Kunst (ab Beginn des 20. Jahrhunderts). Eine gewisse Ähnlichkeit mit der Entfremdung findet sich im entsetzlichen spanischen Ramón del Valle Inclán, in Italien ist ein Exponent Giovanni Verga. Der Entfremdung sehr ähnlich ist der von Bertolt Brecht für das Theater empfohlene Verfremdungseffekt. Obwohl sich die Wirkung der Brechtschen Distanzierung in Bezug auf die eigentliche Entfremdung unterscheidet, ist die Absicht, dass sich das Publikum nicht mit der Darstellung identifiziert, sondern immer weiß, dass es sich um eine Fiktion handelt.

Prägung
Der Begriff „Entfremdung“ wurde erstmals 1917 vom russischen Formalisten Viktor Shklovsky in seinem Aufsatz „Kunst als Gerät“ (alternative Übersetzung: „Kunst als Technik“) geprägt. Shklovsky erfand den Begriff als Mittel, „poetische Sprache von praktischer Sprache anhand ihrer Wahrnehmbarkeit zu unterscheiden“. Im Wesentlichen behauptet er, dass die poetische Sprache sich grundlegend von der Sprache unterscheidet, die wir jeden Tag benutzen, weil sie schwieriger zu verstehen ist: „Poetische Sprache ist geformte Sprache. Prosa ist gewöhnliche Sprache – sparsam, einfach, richtig, die Göttin der Prosa [ dea prosae] ist eine Göttin des genauen, einfachen Typs, des „direkten“ Ausdrucks eines Kindes. “ Dieser Unterschied ist der Schlüssel zur Schaffung von Kunst und zur Verhinderung von „Überautomatisierung“.

Diese Unterscheidung zwischen künstlerischer Sprache und Alltagssprache gilt für Shklovsky für alle künstlerischen Formen:

Der Zweck der Kunst ist es, die Wahrnehmung von Dingen so zu vermitteln, wie sie wahrgenommen werden und nicht wie sie bekannt sind. Die Technik der Kunst besteht darin, Objekte „fremd“ zu machen, Formen schwierig zu machen, um die Schwierigkeit und Länge der Wahrnehmung zu erhöhen, da der Wahrnehmungsprozess ein ästhetisches Selbstzweck ist und verlängert werden muss.

Die Verfremdung dient somit als Mittel, um den Einzelnen zu zwingen, die künstlerische Sprache zu erkennen:

Beim Studium der poetischen Sprache in ihrer phonetischen und lexikalischen Struktur sowie in ihrer charakteristischen Wortverteilung und in den aus den Worten zusammengesetzten charakteristischen Gedankenstrukturen finden wir überall das künstlerische Markenzeichen – das heißt, wir finden Material, das offensichtlich geschaffen wurde, um den Automatismus von zu entfernen Wahrnehmung; Ziel des Autors ist es, die Vision zu schaffen, die sich aus dieser deautomatisierten Wahrnehmung ergibt. Ein Werk wird „künstlerisch“ geschaffen, so dass seine Wahrnehmung behindert wird und durch die Langsamkeit der Wahrnehmung die größtmögliche Wirkung erzielt wird.

Diese Technik soll besonders nützlich sein, um Poesie von Prosa zu unterscheiden, denn, wie Aristoteles sagte, „poetische Sprache muss seltsam und wunderbar aussehen“.

Als Schriftstellerin diskutierte Anaïs Nin in ihrem Buch The Novel of the Future von 1968:

Es ist die Funktion der Kunst, unsere Wahrnehmung zu erneuern. Was wir kennen, hören wir auf zu sehen. Der Autor bringt die vertraute Szene auf den Kopf, und wie durch Zauberei sehen wir eine neue Bedeutung darin.

Laut der Literaturwissenschaftlerin Uri Margolin:

Die Verfremdung des Vertrauten oder Selbstverständlichen, also die automatische Wahrnehmung, ist die Grundfunktion aller Geräte. Und mit der Verfremdung kommt sowohl die Verlangsamung als auch die zunehmende Schwierigkeit (Behinderung) des Prozesses des Lesens und Verstehens und ein Bewusstsein für die sie verursachenden künstlerischen Verfahren (Geräte).

Verwendung
Kunst präsentiert also Objekte aus einer anderen Perspektive. Es nimmt sie aus ihrer automatisierten und alltäglichen Wahrnehmung heraus und gibt ihnen Leben in sich selbst und in ihrer Reflexion in der Kunst.

Shklovski argumentierte, dass das Alltagsleben „die Frische unserer Wahrnehmung von Objekten verloren“ habe und alles automatisierte. Als Retter dessen, was durch Automatisierung entfremdet ist, betritt die Kunst den Siegeszug. Seine Heilstechnik wäre es, Objekte seltsam zu machen, „um komplizierte Formen zu schaffen, die Schwierigkeit und die Ausdehnung der Wahrnehmung zu erhöhen, da der Wahrnehmungsprozess in der Ästhetik ein Selbstzweck ist und daher verlängert werden muss.“ Sie sehen, die Entfremdung beeinflusst nicht die Wahrnehmung, sondern die Darstellung der Wahrnehmung. Der Repräsentationsprozess, Shklovski nennt es „enthülle eine Technik“.

In der romantischen Poesie
Die Technik taucht in der englischen romantischen Poesie auf, insbesondere in der Poesie von Wordsworth, und wurde von Samuel Taylor Coleridge in seiner Biographia Literaria folgendermaßen definiert: „Die Gefühle der Kindheit in die Kräfte des Mannes fortführen; die des Kindes kombinieren Gefühl des Staunens und der Neuartigkeit mit den Erscheinungen, die jeden Tag seit vielleicht vierzig Jahren bekannt gemacht hatten … das ist der Charakter und das Privileg des Genies. “

In der russischen Literatur
Um zu veranschaulichen, was er mit Verfremdung meint, verwendet Shklovsky Beispiele von Tolstoi, die er in seinen Arbeiten als die Technik verwendend zitiert: „Der Erzähler von ‚Kholstomer‘ ist zum Beispiel ein Pferd, und es ist der Standpunkt des Pferdes (eher als die einer Person), die den Inhalt der Geschichte ungewohnt erscheinen lässt. “ Als russischer Formalist verwenden viele Beispiele von Shklovsky russische Autoren und russische Dialekte: „Und derzeit wechselt Maxim Gorki seine Redewendung von der alten Schriftsprache zur neuen literarischen Umgangssprache von Leskov. Gewöhnliche Sprache und Schriftsprache haben dadurch den Ort gewechselt Arbeit von Wjatscheslaw Iwanow und vielen anderen). “

Zur Verfremdung gehört auch der Gebrauch von Fremdsprachen innerhalb eines Werkes. Zu der Zeit, als Shklovsky schrieb, änderte sich der Sprachgebrauch sowohl in der Literatur als auch im alltäglichen gesprochenen Russisch. Wie Shklovsky es ausdrückt: „Russische Literatursprache, die ursprünglich Russland fremd war, hat die Sprache der Menschen so durchdrungen, dass sie sich in ihre Konversation einfügt. Andererseits zeigt die Literatur jetzt eine Tendenz zum Gebrauch von Dialekte und / oder Barbarei. “

Erzählungen können auch verfremdet werden. Die russischen Formalisten unterschieden zwischen der Fabel oder den grundlegenden Geschichten einer Erzählung und dem Syuzhet oder der Bildung der Geschichten zu einer konkreten Handlung. Für Shklovsky ist der Syuzhet die verfremdete Fabula. Shklovsky führt Lawrence Sternes Tristram Shandy als Beispiel für eine Geschichte an, die durch ungewohnte Handlungen verfremdet wird. Sterne verwendet zeitliche Verschiebungen, Abweichungen und kausale Störungen (z. B. Platzieren der Effekte vor ihren Ursachen), um die Fähigkeit des Lesers zu verlangsamen, die (vertraute) Geschichte wieder zusammenzusetzen. Infolgedessen macht der Syuzhet die Fabel „seltsam“.

Ein Beispiel ist das Prinzip der Darstellung von Leo Tolstoi (als Beispiel zitiert er eine Beschreibung der Oper im Roman Krieg und Frieden):

Auf der Bühne befanden sich flache Bretter in der Mitte, an den Seiten befanden sich bemalte Kartons, auf denen Bäume abgebildet waren, und auf den Brettern war eine Leinwand gespannt. In der Mitte der Bühne standen Mädchen in roten Corsagen und weißen Röcken. Eine, sehr dicke, in einem seidenweißen Kleid, saß besonders auf einer niedrigen Bank, auf die auf der Rückseite grüner Karton geklebt war.

Sie alle sangen etwas. Als sie ihr Lied beendet hatten, ging das Mädchen in Weiß zum Stand des Prompters, und ein Mann in eng anliegenden Seidenhosen mit dicken Beinen, einer Feder und einem Dolch kam auf sie zu und begann zu singen und zucken.

Ein Mann in engen Hosen sang allein, dann sang sie. Dann verstummten beide, die Musik begann zu spielen, und der Mann fing an, die Hand des Mädchens in einem weißen Kleid zu fingern, und wartete offensichtlich darauf, dass der Takt erneut seinen Teil mit ihr begann. Sie sangen zusammen, und alle im Theater begannen zu klatschen und zu schreien, und der Mann und die Frau auf der Bühne verbeugten sich.

Theater
Der Entfremdungseffekt (V-Effekt) ist ein literarisches Stilmittel und der Hauptbestandteil des epischen Theaters nach Bertolt Brecht. Eine Aktion wird durch Kommentare oder Lieder so unterbrochen, dass alle Illusionen vom Betrachter zerstört werden. Nach der Theorie kann er eine kritische Distanz zu dem Dargestellten einnehmen.

Das Wesen der Entfremdung besteht im Wesentlichen darin, dem Betrachter vertraute Dinge in einem neuen Licht erscheinen zu lassen, Widersprüche in der Realität sichtbar zu machen und eine kritischere und bewusstere Wahrnehmung des Gezeigten zu ermöglichen.

Varianten
Die Handlung wird zB durch Kommentare oder Zeitsprünge unterbrochen. Charaktere treten aus der Rolle heraus und wenden sich an das Publikum, um zu besprechen, was passiert ist.
Es werden alternative Handlungsoptionen aufgezeigt, die den Protagonisten unter anderen Umständen offen gestanden hätten. Dies bedeutet, dass der Betrachter die Menschen auf der Bühne nicht mehr als völlig unveränderlich, unkontrollierbar, hilflos ihrem Schicksal ausgeliefert ansieht. Er sieht: Diese Person ist so und so, weil die Bedingungen so und so sind. Und die Bedingungen sind so und so weil die Menschen so und so sind. Aber es ist nicht nur denkbar, wie es ist, sondern auch anders, wie es sein könnte, und die Bedingungen sind anders denkbar als sie. “(Bertolt Brecht)
Stilisierte Sprache: Es wird teilweise in Versen gesprochen. Manchmal werden den einzelnen Szenen Banner vorangestellt (z. B. im Leben von Galileo), in denen die Aktion vorweggenommen wird. Ziel ist es, die Aufmerksamkeit des Betrachters nicht auf den Verlauf des Stücks zu lenken, sondern auf die Art und Weise, wie die Handlung vorangebracht wird.
Das Bühnenbild ist oft sparsam, es werden nur wenige Requisiten verwendet. Straßenkleidung wird oft anstelle von zeitgenössischen Kostümen verwendet.
Die Akteure selbst müssen eine gewisse Distanz zu ihrer Rolle einhalten, damit das Publikum die Protagonisten nicht als Identifikationsfiguren wahrnehmen kann. Dies vermeidet eine einseitige Beeinflussung des Betrachters, die Art und Weise oder die Motive des Protagonisten können vom Betrachter kritisch gesehen werden.
Die Charaktere haben oft einen ähnlichen Charakter, sind „niemand“ oder „jeder“ Figuren, die ausgetauscht werden können und vorbildlichem Verhalten folgen. Es gibt kaum Emotionen, das epische Theater untersucht sie nur von außen.
Der Betrachter ist mit zeitgenössischen gesellschaftspolitischen Problemen konfrontiert, die meist die Ursache für das Handeln der einzelnen Figuren sind. Dies soll den Betrachter „aktivieren“; H. aufgefordert werden, in Politik und Gesellschaft einzugreifen.
Die Erzählung verläuft in Kurven, ist also weder linear noch chronologisch.
Andere Mittel sind die Einbeziehung eines Chores als Kommentator (siehe Aristotelisches Drama), die Verwendung von Zeichen, Liedern (oder Liedern) und neuen Medien (Projektionen, Diashows, Kurzfilmsequenzen usw.). Die Verwendung von Dialekten kann auch als V-Effekt verstanden werden.

Aristotelische Begriffsdramen
Brecht bestritt eine seinerzeit übliche Interpretation des aristotelischen Theaterbegriffs. Seine Vorstellungen über den Aristoteliker waren stark von Lehren des späten 19. Jahrhunderts beeinflusst, wie etwa einer Interpretation der Katharsis im Sinne von Empathie oder der Autorität des Bühnen-Naturalismus, gegen die er rebellierte.

Im Gegensatz zur Identifikation in einem „aristotelischen Theater“, das über Katharsis im Sinne von Empathie mit Schauspielern und Zuschauern spekuliert, ist das epische Theater auf die Wirkung des Entfremdungseffekts angewiesen. Anstatt sich in die gezeigten Figuren einzufühlen, sollte die Entfremdung zu einer Auseinandersetzung zwischen dem Schauspieler und dem Betrachter mit den Figuren führen. Die Entfremdung schafft eine Distanz zwischen Publikum, Schauspielern und gespielten Charakteren. Bühnenbild, Ausstattung und Spielweise dienen diesem Ziel. Die Aufmerksamkeit des Betrachters sollte auf die Bedeutung des Spiels gelenkt werden, um das Stück kritisch zu untersuchen (Interpretation statt Identifikation).

„Einen Prozess oder eine Figur zu entfremden bedeutet einfach, das Offensichtliche, Selbstverständliche aus dem Prozess oder der Figur herauszuholen und Erstaunen und Neugier zu erregen. Zu entfremden bedeutet, Prozesse und Menschen als vergänglich darzustellen.“

Brecht hoffte, durch alternative Lösungen politische und kulturelle Veränderungen aufzuzeigen.

Er verwendete selten klassische Helden als Hauptfiguren in seinen Werken, sondern meistens Figuren, die dem Betrachter zweideutig erscheinen (z. B. Shen Te, eine gutmütige Prostituierte, die die Rolle eines skrupellosen Mannes übernimmt, oder Mother Courage, eine besorgte Mutter und Mutter gleichzeitig opportunistische Geschäftsfrau), mit der Sie sich nicht näher identifizieren können und mit der Sie nicht von Anfang an begeistert sein können. Dieser Abstand soll die Objektivität des Betrachters erhalten.

Das Vertraute sollte im Entfremdeten erkannt werden; dies erfordert eine aktive, aber entfernte (rationale statt emotionale) Beteiligung des Betrachters. Er sollte sich als betroffen ausweisen, um Rückschlüsse auf sein eigenes Leben zu ziehen oder in die politischen und sozialen Verhältnisse seiner Zeit einzugreifen.

Der Haupttext ist der Aufsatz The Epic Theatre von Bertolt Brecht. Darin argumentiert Brecht, dass das klassische Schema des Dramas wie B. von Sophokles veraltet ist, weil die Art des Beobachtens das Denken nicht anregt, sondern nur Mitgefühl und Erfahrung fördert. Die eigentliche Aufgabe des Theaters sieht er jedoch darin, das Publikum zu unterweisen, zum Nachdenken anzuregen und damit auch aktiv zu handeln. Die kritisch-rationale Komponente in Brechts Konzept sollte nicht überschätzt werden, indem man es einfach mit Taubheit identifiziert. Brecht sah sein Konzept weniger als Unterrichtsmethode des Theaters, sondern wollte vor allem die Lust und den karnevalistischen, zwiespältigen Spaß an den Verhältnissen in der realen Welt zugänglich machen.

Kritik
Laut dem Frankfurter Theaterwissenschaftler Hans-Thies Lehmann hat Brecht das Theater in keiner Weise revolutioniert, da die Fabel das zentrale Element aller Dramen und Produktionen blieb und wie die anderen avantgardistischen Künstler seiner Zeit Er suchte nur nach neuen Inszenierungsstrategien. Für Lehmann markiert die Aufgabe der Fabel, wie sie das postdramatische Theater spielt, den entscheidenden Wendepunkt im Theater.

Verwandte konzepte

Différance
Shklovskys Verfremdung kann auch mit Jacques Derridas Konzept der Differenz verglichen werden:

Was Shklovskij zeigen möchte, ist, dass der Vorgang der Verfremdung und die daraus resultierende Wahrnehmung im literarischen System wie das Aufziehen einer Uhr (das Einbringen von Energie in ein physisches System) ist: Beide „entspringen“ Differenz, Veränderung, Wert, Bewegung, Gegenwart . Vor dem allgemeinen und funktionalen Hintergrund der Derridschen Differenz kann das, was Shklovsky „Wahrnehmung“ nennt, als Matrix zur Erzeugung von Differenz angesehen werden.

Da sich der Begriff Différance auf die doppelte Bedeutung des französischen Wortes „Unterschied“ bezieht, um sowohl „sich unterscheiden“ als auch „aufschieben“ zu bedeuten, weist die Defamiliarisierung auf die Verwendung der gemeinsamen Sprache hin, um die Wahrnehmung eines leicht verständlichen Objekts zu verändern oder Konzept. Die Verwendung der Verfremdung unterscheidet sich und verzögert sich, da die Verwendung der Technik die Wahrnehmung eines Konzepts verändert (verzögert) und dazu zwingt, über das Konzept in verschiedenen, oft komplexeren Begriffen nachzudenken (unterscheidet).

Shklovskijs Formulierungen negieren oder heben das Vorhandensein / die Möglichkeit einer „realen“ Wahrnehmung auf: auf verschiedene Weise durch (1) die gewohnte formalistische Ablehnung einer Verbindung zwischen Literatur und Leben, indem sie ihren Status als nicht kommunizierende Gefäße konnotieren, (2) immer als wenn zwanghaft, unter Bezugnahme auf eine reale Erfahrung in Bezug auf leere, tote und automatisierte Wiederholung und Erkennung und (3) implizite Lokalisierung der realen Wahrnehmung an einem unspezifizierbaren zeitlich vorderen und räumlich anderen Ort, zu einem mythischen „ersten Mal“ naiver Erfahrung, der Verlust der Automatisierung soll durch ästhetische Wahrnehmungsfülle wiederhergestellt werden.

Das Unheimliche
Der Einfluss des russischen Formalismus auf die Kunst und Kultur des 20. Jahrhunderts ist größtenteils auf die literarische Technik der Verfremdung oder des „Seltsammachens“ zurückzuführen und wurde auch mit Freuds Vorstellung vom Unheimlichen in Verbindung gebracht. In „Das Unheimliche“ stellt Freud fest, dass „das Unheimliche die Klasse des Schreckens ist, die zurück zu dem führt, was von alt und alt bekannt ist“. Dies ist jedoch keine Angst vor dem Unbekannten, sondern eher vor dem Unbekannten ein Gefühl dafür, dass etwas seltsam und vertraut zugleich ist.

Die Verbindung zwischen ostranenie und dem Unheimlichen wird sichtbar, wenn Freud über die Technik der literarischen Unheimlichkeit nachdenkt: „Es stimmt, dass der Schriftsteller zu Beginn eine Art Unsicherheit in uns erzeugt, indem er uns zweifellos absichtlich nicht mitteilt, ob er es ist uns in die reale Welt oder in eine rein fantastische seiner eigenen Schöpfung entführen. “ Wenn „der Schriftsteller vorgibt, sich in der Welt der gemeinsamen Realität zu bewegen“, können sie übernatürliche Ereignisse, wie die Animation lebloser Objekte, in die alltägliche Alltagsrealität der modernen Welt einordnen, den Leser verfremden und einen provozieren unheimliches Gefühl.

Der Estrangement-Effekt
Die Verfremdung wurde mit dem Dichter und Dramatiker Bertolt Brecht in Verbindung gebracht, dessen Verfremdungseffekt („Entfremdungseffekt“) ein wichtiges Element seiner Herangehensweise an das Theater war. Tatsächlich ist Verfremdungseffekt, wie Willett betont, „eine Übersetzung der Phrase“ Priem Ostranenija „des russischen Kritikers Viktor Shklovskij oder“ Gerät zum Seltsamen machen „.“ Brecht wiederum hat Künstler und Filmemacher wie Jean-Luc Godard und Yvonne Rainer maßgeblich beeinflusst.

Der Science-Fiction-Kritiker Simon Spiegel, der die Verfremdung als „den formal-rhetorischen Akt, das Vertraute (in Shklovskys Sinne) merkwürdig zu machen“ definiert, unterschied es von Brechts Entfremdungseffekt. Entfremdung ist für Spiegel die Wirkung auf den Leser, die durch Entfremdung oder durch gezielte Rekontextualisierung des Vertrauten hervorgerufen werden kann.