O neoclassicismo foi um movimento cultural ocidental nas artes decorativas e visuais, literatura, teatro, música e arquitetura que se inspirou na arte e na cultura da antiguidade clássica. O neoclassicismo nasceu em Roma em grande parte graças aos escritos de Johann Joachim Winckelmann, na época da redescoberta de Pompéia e Herculano, mas sua popularidade se espalhou por toda a Europa quando uma geração de estudantes de arte europeus terminou sua Grand Tour e retornou da Itália para sua países de origem com ideais greco-romanos recém-redescobertos. O principal movimento neoclássico coincidiu com a Era do Iluminismo do século XVIII, e continuou no início do século XIX, competindo lateralmente com o romantismo. Na arquitetura, o estilo continuou ao longo dos séculos XIX, XX e XXI.
O neoclassicismo europeu nas artes visuais começou c. 1760 em oposição ao então dominante estilo rococó. Arquitetura rococó enfatiza graça, ornamentação e assimetria; A arquitetura neoclássica baseia-se nos princípios de simplicidade e simetria, vistos como virtudes das artes de Roma e da Grécia antiga, e foram extraídos mais imediatamente do classicismo renascentista do século XVI. Cada “neo” -classicismo seleciona alguns modelos entre os possíveis clássicos disponíveis e ignora outros. Os escritores e oradores neoclássicos, patronos e colecionadores, artistas e escultores de 1765 a 1830 prestaram homenagem a uma idéia da geração de Phidias, mas os exemplos de esculturas que eles realmente abraçaram eram mais prováveis de serem cópias romanas de esculturas helenísticas.
A arte “rococó” da antiga Palmyra veio como uma revelação, através de gravuras em The Ruins of Palmyra, de Wood. Até mesmo a Grécia era praticamente invisível, uma maré brusca do Império Otomano, perigosa de explorar, então a apreciação dos neoclassicistas da arquitetura grega era mediada por desenhos e gravuras, que sutilmente suavizavam e regularizavam, “corrigiam” e “restauravam” os monumentos da Grécia, nem sempre conscientemente.
O estilo Império, uma segunda fase do neoclassicismo na arquitetura e nas artes decorativas, teve seu centro cultural em Paris na era napoleônica.
Visão geral
O surgimento do neoclassicismo foi, antes de tudo, uma rejeição ao estilo rococó que marcou a Europa na Era do Iluminismo. Para os alemães imbuídos de sentimentos anti-franceses, porque ele representa o reinado de Luís XV e suas extravagâncias, para os ingleses da tradição anglicana, que defendem o retorno à simplicidade, porque ele é o último representante de uma característica estética do contador católico. -Reforma. Por volta da década de 1770, essa rejeição também afetou a Itália e a França, porém promotores do rococó, mas com eles se expressou contra o caráter considerado imoral desse estilo, representando luxo, frivolidade,
Em meados do século xviii, a popularidade do Grand Tour traz aristocratas da comunidade de viajantes, vindos da Inglaterra, França ou Prússia, para confrontar diretamente os restos antigos em viagens educacionais à Itália, Grécia ou Turquia. Uma dessas viagens, a do Marquês de Marigny, em 1750-1751, teve um grande impacto na evolução do sabor na França e na Europa. O irmão mais novo da marquesa de Pompadour, Abel-François Poisson de Vandières, é enviado em missão a Roma, acompanhado pelo gravador Charles Nicolas Cochin e pelo arquiteto Jacques-Germain Soufflot. A partir desta viagem, os artistas tomam consciência da particularidade das obras antigas, sem passar pela reinterpretação estilística decorrente do Renascimento ou da tradição clássica.
Soufflot empurra sua excursão para o sul, descobrindo o local de Paestum, na Campânia, onde o confronto com os templos gregos apresentando um estilo arcaico com colunas dóricas sem bases é para ele uma revelação. No mesmo período, os viajantes ingleses, aproveitando o relaxamento da pressão turca na Grécia, podem fazer a viagem que permite a publicação de coleções de antiguidades gregas, incluindo a de Richard Dalton, Antiguidades e vistas da Grécia e do Egito, o que leva os amantes de antiguidade, como Caylus e Winckelmann, por considerar a estética grega antiga, superior à da antiguidade romana.
O neoclassicismo também será favorecido pela política cultural defendida pelos monarcas “iluminados”. O futuro Carlos III da Espanha, tinha a coleção gravada da Pitture antiche de Ercolano e contorni, George III rei da Inglaterra distribuído por toda a Europa, incentivou o desenvolvimento do novo estilo, fazendo o arquiteto Robert Adam e o pintor Benjamin West, os artistas oficiais do regime 5. O rei da França, Louis XVI, coloca à frente dos edifícios do rei, o conde de Angiviller, que promove o retorno à grandeza do século de Luís XIV, incentivando obras com destinos virtuosos, moral e patriótica. Essas diretrizes incluem a realização de David do Juramento dos Horatii.
História
O neoclassicismo é um renascimento dos muitos estilos e espírito da antiguidade clássica inspirados diretamente no período clássico, que coincidiu e refletiu os desenvolvimentos na filosofia e em outras áreas da Era do Iluminismo, e foi inicialmente uma reação contra os excessos do estilo rococó anterior . Embora o movimento seja frequentemente descrito como a contraparte contrária do romantismo, essa é uma grande simplificação excessiva que tende a não ser sustentável quando artistas ou obras específicas são consideradas. O caso do suposto principal campeão do neoclassicismo tardio, Ingres, demonstra isso especialmente bem. O renascimento pode ser atribuído ao estabelecimento da arqueologia formal.
Os escritos de Johann Joachim Winckelmann foram importantes para moldar esse movimento tanto na arquitetura quanto nas artes visuais. Seus livros Pensamentos sobre a imitação de obras gregas em pintura e escultura (1750) e Geschichte der Kunst des Alterthums (“História da arte antiga”, 1764) foram os primeiros a distinguir acentuadamente entre a arte grega antiga e a romana e definir períodos dentro da arte grega. arte, traçando uma trajetória do crescimento à maturidade e, em seguida, imitação ou decadência que continua a ter influência até os dias atuais. Winckelmann acreditava que a arte deveria ter como objetivo “nobre simplicidade e calma grandeza” e elogiou o idealismo da arte grega, na qual afirmou que achamos “não apenas a natureza mais bela, mas também algo além da natureza, ou seja, certas formas ideais de sua beleza”. , qual,
Com o advento do Grand Tour, começou uma moda de colecionar antiguidades que lançou as bases de muitas grandes coleções, espalhando um renascimento neoclássico por toda a Europa. O “neoclassicismo” em cada arte implica um cânone particular de um modelo “clássico”.
O termo “neoclassicismo” é usado principalmente nas artes visuais; o movimento semelhante na literatura inglesa, que começou consideravelmente antes, é chamado literatura agostiniana. Isso, que havia sido dominante por várias décadas, estava começando a declinar quando o neoclassicismo nas artes visuais se tornou moda. Embora os termos sejam diferentes, a situação na literatura francesa era semelhante. Na música, o período viu o surgimento da música clássica, e o “neoclassicismo” é usado nos desenvolvimentos do século XX. No entanto, as óperas de Christoph Willibald Gluck representaram uma abordagem especificamente neoclássica, expressa em seu prefácio à partitura publicada de Alceste (1769), que visava reformar a ópera removendo a ornamentação, aumentando o papel do coro em consonância com a tragédia grega, e usando linhas melódicas sem adornos mais simples.
O termo “neoclássico” não foi inventado até meados do século XIX e, na época, o estilo era descrito por termos como “o estilo verdadeiro”, “reformado” e “reavivamento”; o que era considerado revivido variava consideravelmente. Modelos antigos estavam certamente muito envolvidos, mas o estilo também poderia ser considerado como um renascimento do Renascimento, e especialmente na França como um retorno ao barroco mais austero e nobre da época de Luís XIV, para o qual uma considerável nostalgia se desenvolveu. como a posição militar e política dominante da França, iniciou um sério declínio. O retrato de Napoleão na coroação de Ingres chegou a pedir emprestado dos dípticos consulares do Late Antique e seu renascimento carolíngia, para desaprovação dos críticos.
O neoclassicismo foi mais forte na arquitetura, escultura e artes decorativas, onde os modelos clássicos no mesmo meio eram relativamente numerosos e acessíveis; exemplos de pinturas antigas que demonstravam as qualidades que os escritos de Winckelmann encontraram na escultura eram e estão faltando. Winckelmann esteve envolvido na disseminação do conhecimento das primeiras grandes pinturas romanas a serem descobertas, em Pompéia e Herculano e, como a maioria dos contemporâneos, exceto Gavin Hamilton, não ficou impressionado com eles, citando os comentários de Plínio, o Jovem, sobre o declínio da pintura em seu período. .
Quanto à pintura, a pintura grega estava totalmente perdida: os pintores neoclassicistas a reviveram com imaginação, em parte através de frisos em baixo-relevo, mosaicos e pinturas em cerâmica, e em parte através dos exemplos de pintura e decoração da alta Renascença da geração de Rafael, afrescos na Domus Aurea de Nero , Pompéia e Herculano, e através da admiração renovada de Nicholas Poussin. Muita pintura “neoclássica” é mais clássica no assunto do que em qualquer outra coisa. Uma disputa feroz, mas muitas vezes muito mal informada, durou décadas por causa dos méritos relativos da arte grega e romana, com Winckelmann e seus companheiros helenistas geralmente estando do lado vencedor.
Pintura e gravura
É difícil retomar a natureza radical e empolgante da pintura neoclássica antiga para o público contemporâneo; agora parece até mesmo os escritores favoráveis a ele como “insípidos” e “quase totalmente desinteressantes para nós” – alguns dos comentários de Kenneth Clark sobre o ambicioso Parnassus de Anton Raphael Mengs no Villa Albani, pelo artista que seu amigo Winckelmann descreveu como ” o maior artista de sua autoria, e talvez de épocas posteriores “. Os desenhos de John Flaxman, posteriormente transformados em gravuras, usavam desenhos de linhas muito simples (considerado o meio clássico mais puro) e figuras principalmente de perfil para representar a Odisséia e outros assuntos, e uma vez “demitiram a juventude artística da Europa”, mas são agora “negligenciada”, enquanto as pinturas históricas de Angelica Kauffman, principalmente uma retratista, são descritos como tendo “uma suavidade e tédio untuosos” por Fritz Novotny. A frivolidade rococó e o movimento barroco haviam sido arrancados, mas muitos artistas lutavam para colocar qualquer coisa em seu lugar e, na ausência de exemplos antigos de pintura histórica, além dos vasos gregos usados por Flaxman, Raphael tendia a ser usado como modelo substituto, como Winckelmann recomendou.
O trabalho de outros artistas, que não poderiam ser facilmente descritos como insípidos, combinou aspectos do romantismo com um estilo geralmente neoclássico e faz parte da história de ambos os movimentos. O pintor alemão-dinamarquês Asmus Jacob Carstens terminou muito poucas das grandes obras mitológicas que ele planejou, deixando principalmente desenhos e estudos de cores que muitas vezes conseguem abordar a prescrição de Winckelmann de “nobre simplicidade e calma grandeza”. Diferentemente dos esquemas não realizados de Carstens, as gravuras de Giovanni Battista Piranesi eram numerosas e lucrativas, e retomadas pelos que faziam o Grand Tour em todas as partes da Europa. Seu principal assunto eram os prédios e ruínas de Roma, e ele era mais estimulado pelos antigos do que pelos modernos.
A atmosfera um tanto inquietante de muitos de seus Vedutos (pontos de vista) se torna dominante em sua série de 16 gravuras de Carceri d’Invenzione (“Prisões imaginárias”) cuja “arquitetura opressiva ciclópica” transmite “sonhos de medo e frustração”. Johann Heinrich Füssli, nascido na Suíça, passou a maior parte de sua carreira na Inglaterra e, enquanto seu estilo fundamental se baseava em princípios neoclássicos, seus assuntos e tratamento refletiam com mais frequência a linha “gótica” do romantismo e procuravam evocar drama e emoção.
O neoclassicismo na pintura ganhou um novo senso de direção com o sucesso sensacional do Juramento dos Horatii, de Jacques-Louis David, no Salão de Paris de 1785. Apesar de evocar virtudes republicanas, essa foi uma comissão do governo real, que David insistia em pintar em Roma. David conseguiu combinar um estilo idealista com drama e força. A perspectiva central é perpendicular ao plano da imagem, enfatizada pela escuridão da arcada, contra a qual as figuras heróicas estão dispostas como em um friso, com uma pitada de iluminação artificial e encenação da ópera, e a coloração clássica de Nicholas Poussin . David rapidamente se tornou o líder da arte francesa e, após a Revolução Francesa, tornou-se um político com controle de muito patrocínio do governo na arte. Ele conseguiu manter sua influência no período napoleônico,
Os muitos estudantes de David incluíam Jean-Auguste-Dominique Ingres, que se considerou um classicista ao longo de sua longa carreira, apesar de um estilo maduro que tem uma relação inequívoca com a corrente principal do neoclassicismo, e muitas divergências posteriores ao orientalismo e ao estilo trovador. difícil distinguir dos de seus contemporâneos descaradamente românticos, exceto pela primazia que suas obras sempre dão ao desenho. Ele expôs no Salon por mais de 60 anos, de 1802 ao início do impressionismo, mas seu estilo, uma vez formado, mudou pouco.
Escultura
Se a pintura neoclássica sofria da falta de modelos antigos, a escultura neoclássica tendia a sofrer com um excesso deles, embora fossem muito poucos exemplos de escultura grega real do “período clássico” que começou em 500 aC; as obras mais conceituadas eram em sua maioria cópias romanas. Os principais escultores neoclássicos desfrutavam de grande reputação nos seus dias, mas agora são menos considerados, com exceção de Jean-Antoine Houdon, cujo trabalho era principalmente retratos, muitas vezes como bustos, que não sacrificam uma forte impressão da personalidade da babá. idealismo. Seu estilo tornou-se mais clássico à medida que sua longa carreira continuou, e representa uma progressão bastante suave do charme rococó à dignidade clássica. Ao contrário de alguns escultores neoclássicos, ele não insistia em que seus assistentes usassem roupas romanas ou não estivessem vestidos.
Antonio Canova e Dane Bertel Thorvaldsen eram ambos baseados em Roma e, além de retratos, produziam muitas figuras e grupos ambiciosos em tamanho natural; ambos representavam a forte tendência idealizadora da escultura neoclássica. Canova tem leveza e graça, onde Thorvaldsen é mais severo; a diferença é exemplificada em seus respectivos grupos das Três Graças. Tudo isso, e Flaxman, ainda estavam ativos na década de 1820, e o romantismo demorou a impactar a escultura, onde as versões do neoclassicismo continuaram sendo o estilo dominante na maior parte do século XIX.
Um neoclassicista primitivo em escultura foi o sueco Johan Tobias Sergel. John Flaxman também foi, ou principalmente, um escultor, produzindo principalmente relevos severamente clássicos que são comparáveis em estilo às suas gravuras; ele também projetou e modelou cerâmicas neoclássicas para Josiah Wedgwood por vários anos. Johann Gottfried Schadow e seu filho Rudolph, um dos poucos escultores neoclássicos que morreram jovens, foram os principais artistas alemães, com Franz Anton von Zauner na Áustria. O falecido escultor austríaco barroco Franz Xaver Messerschmidt voltou-se para o neoclassicismo no meio da carreira, pouco antes de parecer ter sofrido algum tipo de crise mental, após o que se retirou para o país e se dedicou às “cabeças de caráter” altamente distintas de figuras carecas puxando expressões faciais extremas. Como Carceri de Piranesi, estes tiveram um grande reavivamento de interesse durante a era da psicanálise no início do século XX. O escultor neoclássico holandês Mathieu Kessels estudou com Thorvaldsen e trabalhou quase exclusivamente em Roma.
Como antes da década de 1830, os Estados Unidos não possuíam uma tradição própria de escultura, exceto nas áreas de lápides, cata-ventos e figuras de navios, a maneira neoclássica européia foi adotada lá, e era dominada por décadas e é exemplificada em as esculturas de Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Hiram Powers, Randolph Rogers e William Henry Rinehart.
Arquitetura e artes decorativas
A arte neoclássica era tradicional e nova, histórica e moderna, conservadora e progressiva, tudo ao mesmo tempo.
O neoclassicismo ganhou influência pela primeira vez na Inglaterra e na França, através de uma geração de estudantes de arte franceses treinados em Roma e influenciado pelos escritos de Winckelmann, e foi rapidamente adotado por círculos progressistas em outros países como Suécia, Polônia e Rússia. No início, a decoração clássica era enxertada em formas europeias conhecidas, como nos interiores do conde Orlov, amante de Catarina II, projetado por um arquiteto italiano com uma equipe de estucadores italianos: apenas os medalhões ovais isolados, como camafeus, e a sugestão de baixo-relevo sobre as portas do neoclassicismo; o mobiliário é totalmente rococó italiano.
Uma segunda onda neoclássica, mais severa, mais estudada (por meio de gravuras) e mais conscientemente arqueológica, está associada à altura do Império Napoleônico. Na França, a primeira fase do neoclassicismo foi expressa no “estilo Luís XVI”, e a segunda nos estilos chamados “Diretório” ou Império. O estilo rococó permaneceu popular na Itália até que os regimes napoleônicos trouxeram o novo classicismo arqueológico, que foi adotado como uma declaração política por jovens italianos urbanos, progressistas e urbanos, com tendências republicanas. [De quem?]
Nas artes decorativas, o neoclassicismo é exemplificado nos móveis Empire fabricados em Paris, Londres, Nova York, Berlim; em móveis Biedermeier fabricados na Áustria; nos museus de Karl Friedrich Schinkel em Berlim, no Banco da Inglaterra de Sir John Soane em Londres e no recém-construído “Capitólio” em Washington, DC; e nos baixos-relevos de Wedgwood e vasos de “basaltos pretos”. O estilo era internacional; O arquiteto escocês Charles Cameron criou interiores italianos palacianos para Catarina II, a Grande, nascida na Alemanha, na Rússia de São Petersburgo.
No interior, o neoclassicismo fez uma descoberta do genuíno interior clássico, inspirado nas redescobertas de Pompéia e Herculano. Eles começaram no final da década de 1740, mas só alcançaram uma ampla audiência na década de 1760, com os primeiros volumes luxuosos de distribuição rigidamente controlada do Le Antichità di Ercolano (As Antiguidades de Herculano). As antiguidades de Herculano mostraram que mesmo os interiores mais clássicos do barroco, ou os quartos “romanos” de William Kent, eram baseados na arquitetura exterior da basílica e do templo virada para fora, daí sua aparência muitas vezes bombástica para os olhos modernos: esquadrias de janelas revestidas em espelhos dourados, lareiras cobertas com fachadas de templos. Os novos interiores procuraram recriar um vocabulário autenticamente romano e genuinamente interior.
As técnicas empregadas no estilo incluíam motivos mais planos e leves, esculpidos em baixo relevo de friso ou pintados em monótonos em camaïeu (“como camafeus”), medalhões ou vasos isolados ou vasos ou bustos ou bucranias ou outros motivos, suspensos em louros ou fitas , com arabescos finos contra fundos, talvez, de “vermelho pompeiano” ou matizes pálidos ou cores de pedra. O estilo na França era inicialmente um estilo parisiense, o Goût grec (“estilo grego”), não um estilo da corte; quando Luís XVI entrou no trono em 1774, Maria Antonieta, sua rainha da moda, levou o estilo “Luís XVI” a tribunal. No entanto, não houve nenhuma tentativa real de empregar as formas básicas de móveis romanos até a virada do século, e os fabricantes de móveis eram mais propensos a emprestar da arquitetura antiga,
Por volta de 1800, um novo influxo de exemplos arquitetônicos gregos, vistos através de gravuras e gravuras, deu um novo impulso ao neoclassicismo, o Revivalismo Grego. Ao mesmo tempo, o estilo Império era uma onda mais grandiosa de neoclassicismo na arquitetura e nas artes decorativas. Baseada principalmente nos estilos romanos imperiais, originou-se e tomou o nome do domínio de Napoleão no Primeiro Império Francês, onde se pretendia idealizar a liderança de Napoleão e o estado francês. O estilo corresponde ao estilo mais burguês de Biedermeier nas terras de língua alemã, estilo federal nos Estados Unidos, estilo regência na Grã-Bretanha e estilo napoleão na Suécia. Segundo o historiador da arte Hugh Honor “tão longe de ser, como às vezes se supõe, o culminar do movimento neoclássico,
O neoclassicismo continuou a ser uma força importante na arte acadêmica ao longo do século XIX e além – uma constante antítese ao romantismo ou aos avivamentos góticos -, embora a partir do final do século XIX tenha sido considerado antimoderno, ou mesmo reacionário, em influências críticas. círculos. Os centros de várias cidades européias, principalmente São Petersburgo e Munique, pareciam museus de arquitetura neoclássica.
A arquitetura renascentista gótica (muitas vezes ligada ao movimento cultural romântico), um estilo originário do século XVIII, que cresceu em popularidade ao longo do século XIX, contrastou o Neoclassicismo. Enquanto o neoclassicismo era caracterizado por estilos, linhas geométricas e ordem influenciados pelos gregos e romanos, a arquitetura gótica do renascimento enfatizava edifícios de aparência medieval, geralmente feitos para ter uma aparência rústica e “romântica”.
Jardins neoclássicos
Na Inglaterra, a literatura Augustan tinha um paralelo direto com o estilo Augustan de paisagismo. Os links são vistos claramente na obra de Alexander Pope. Os melhores exemplos sobreviventes de jardins neoclássicos ingleses são Chiswick House, Stowe House e Stourhead.
Neoclassicismo e moda
Na moda, o neoclassicismo influenciou a simplicidade muito maior dos vestidos femininos e a moda duradoura do branco, muito antes da Revolução Francesa, mas foi somente depois que tentativas completas de imitar estilos antigos se tornaram moda na França, pelo menos para as mulheres. Os trajes clássicos eram usados há muito tempo por damas da moda, posando como uma figura do mito grego ou romano em um retrato (em particular, havia uma série de retratos da jovem modelo Emma, Lady Hamilton, da década de 1780), mas esses trajes eram usados apenas para o retrato sentado e baile de máscaras até o período revolucionário, e talvez, como outros estilos exóticos, como se despir em casa. Mas os estilos usados nos retratos de Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien e outros criadores de tendências parisienses também se apresentaram em público. Ao ver a sra. Tallien na ópera, Talleyrand brincou com isso: “Não é possível expor o expositor mais um som!” (“Não se podia ser mais sumptuamente despido”).
Em 1788, pouco antes da Revolução, a retratista da corte Louise Élisabeth Vigée Le Brun havia realizado uma ceia grega onde as mulheres usavam túnicas gregas brancas. Penteados clássicos mais curtos, sempre que possível com cachos, eram menos controversos e muito adotados, e agora os cabelos eram descobertos mesmo ao ar livre; com exceção do vestido de noite, gorros ou outros revestimentos costumavam ser usados antes mesmo em ambientes fechados. Fitas ou filetes finos de estilo grego foram usados para amarrar ou decorar o cabelo.
Vestidos muito claros e folgados, geralmente brancos e geralmente com os braços chocantemente nus, subiam do tornozelo até logo abaixo do corpete, onde havia uma bainha fina ou gravata com ênfase acentuada em volta do corpo, geralmente em uma cor diferente. A forma agora é conhecida como silhueta do Império, embora seja anterior ao Primeiro Império Francês de Napoleão, mas sua primeira imperatriz Joséphine de Beauharnais influenciou a sua divulgação pela Europa. Um longo xaile ou envoltório retangular, muitas vezes vermelho-claro, mas com uma borda decorada em retratos, ajudava em um tempo mais frio e era aparentemente colocado ao redor do diafragma quando sentado – para o qual eram favorecidas posturas semi-reclinadas. No início do século XIX, esses estilos se espalharam amplamente pela Europa.
A moda neoclássica para os homens era muito mais problemática, e nunca decolou, a não ser para os cabelos, onde desempenhou um papel importante nos estilos mais curtos que finalmente despacharam o uso de perucas e, em seguida, pó de cabelo branco para homens mais jovens. A calça era o símbolo do bárbaro para gregos e romanos, mas fora do estúdio do pintor ou, especialmente, do escultor, poucos homens estavam preparados para abandoná-la. De fato, o período viu o triunfo da calça pura, ou pantaloon, sobre as calças ou calções dos joelhos do Antigo Regime. Mesmo quando David desenhou um novo “traje nacional” francês, a pedido do governo, no auge do entusiasmo revolucionário por mudar tudo em 1792, incluía perneiras bem justas sob um casaco que parava acima do joelho.
O problema das calças havia sido reconhecido pelos artistas como uma barreira para a criação de pinturas históricas contemporâneas; como outros elementos do vestuário contemporâneo, eles eram vistos como irremediavelmente feios e não heroicos por muitos artistas e críticos. Vários estratégias foram usadas para evitar retratá-las nas cenas modernas. Em James Dawkins e Robert Wood, Discovering the Ruins of Palmyra (1758), de Gavin Hamilton, os dois antiquários de cavalheiros são mostrados em roupas árabes semelhantes a toga. Em Watson e o Tubarão (1778), de John Singleton Copley, a figura principal poderia plausivelmente ser mostrada nua, e a composição é tal que, dos oito outros homens mostrados, apenas um mostra uma única perna da culatra com destaque. No entanto, os americanos Copley e Benjamin West lideraram os artistas que mostraram com sucesso que as calças podiam ser usadas em cenas heróicas, com obras como West ‘
Os estilos de cabelo masculino de inspiração clássica incluíam a Bedford Crop, indiscutivelmente o precursor da maioria dos estilos masculinos modernos, que foi inventado pelo político radical Francis Russell, 5º duque de Bedford, como protesto contra um imposto sobre o cabelo em pó; ele incentivou seus amigos a adotá-lo apostando que eles não o fariam. Outro estilo influente (ou grupo de estilos) foi nomeado pelos franceses “à la Titus” em homenagem a Titus Junius Brutus (não de fato o imperador romano Titus, como costumava ser assumido), com cabelos curtos e em camadas, mas um tanto amontoados na coroa, geralmente com quifres ou cadeados contidos pendurados; variantes são familiares dos cabelos de Napoleão e George IV da Inglaterra.
O estilo deveria ter sido introduzido pelo ator François-Joseph Talma, que ofuscou seus co-atores de peruca ao aparecer em produções de obras como Brutus, de Voltaire (sobre Lucius Junius Brutus, que ordena a execução de seu filho Titus). Em 1799, uma revista de moda parisiense relatou que até homens carecas adotavam perucas Titus, e o estilo também era usado por mulheres, segundo o Journal de Paris em 1802 que “mais da metade das mulheres elegantes usava cabelos ou peruca à Titus.
Neoclassicismo posterior
Na arquitetura americana, o neoclassicismo era uma expressão do movimento renascentista americano, ca. 1890-1917; sua última manifestação foi na arquitetura Beaux-Arts, e seus últimos e grandes projetos públicos foram o Lincoln Memorial (altamente criticado na época), a Galeria Nacional de Arte de Washington, DC (também fortemente criticado pela comunidade arquitetônica por estar atrasado) pensamento e antiquado em seu design), e o Roosevelt Memorial do Museu Americano de História Natural. Estes foram considerados anacronismos estilísticos quando foram finalizados. No Raj britânico, o monumental planejamento urbano de Sir Edwin Lutyens para Nova Délhi marca o glorioso pôr do sol do neoclassicismo. A Segunda Guerra Mundial abalou a maioria dos anseios (e imitações) de tempos míticos e heróicos.
Arquitetos modernistas conservadores, como Auguste Perret, na França, mantiveram o ritmo e o espaçamento da arquitetura colunar, mesmo nos edifícios das fábricas. Onde uma colunata seria considerada “reacionária”, os painéis estriados de pilastras de um prédio sob um friso repetido pareciam “progressivos”. Pablo Picasso experimentou motivos de classicização nos anos imediatamente após a Primeira Guerra Mundial, e o estilo Art Deco que veio à tona após a Exposição de Artes Decorativas de Paris de 1925, muitas vezes inspirada em motivos neoclássicos sem expressá-los abertamente: cômodos severos e em blocos de É .-J. Ruhlmann ou Süe & Mare; frisos crocantes e extremamente baixos de donzelas e gazelas em todos os meios; vestidos da moda que foram cortados ou cortados no viés para recriar linhas gregas; a dança artística de Isadora Duncan; o estilo Streamline Moderne dos correios e prédios dos tribunais do condado construídos em 1950; e a moeda de dez centavos de Roosevelt.
Havia todo um movimento nas artes do século XX, também chamado de neoclassicismo. Abrangia pelo menos música, filosofia e literatura. Foi entre o fim da Primeira Guerra Mundial e o fim da Segunda Guerra Mundial. (Para obter informações sobre os aspectos musicais, consulte a música clássica do século XX e o neoclassicismo na música. Para obter informações sobre os aspectos filosóficos, consulte Grandes livros.)
Esse movimento neoclássico literário rejeitou o romantismo extremo de (por exemplo) Dada, em favor da restrição, da religião (especificamente do cristianismo) e de um programa político reacionário. Embora os fundamentos desse movimento na literatura inglesa tenham sido lançados por TE Hulme, os neoclassicistas mais famosos foram TS Eliot e Wyndham Lewis. Na Rússia, o movimento se cristalizou desde 1910, sob o nome de Acmeism, com Anna Akhmatova e Osip Mandelshtam como os principais representantes.
Na música
O neoclassicismo na música é um movimento do século XX; nesse caso, são os estilos musicais clássicos e barrocos dos séculos XVII e XVIII, com seu gosto por temas gregos e romanos, que estavam sendo revividos, e não a música do próprio mundo antigo. (O início do século XX ainda não havia distinguido o período barroco na música, no qual os compositores neoclássicos se baseavam principalmente, do que hoje chamamos de período clássico.) O movimento foi uma reação na primeira parte do século XX ao cromático desintegrante da música. o romantismo tardio e o impressionismo, emergindo paralelamente ao modernismo musical, que procurava abandonar completamente a tonalidade-chave. Ele manifestou um desejo de limpeza e simplicidade de estilo, o que permitiu uma parafrasagem bastante dissonante dos procedimentos clássicos,
A sala de dança dos séculos XVII e XVIII teve um pequeno renascimento antes da Primeira Guerra Mundial, mas os neoclassicistas não estavam totalmente satisfeitos com o diatonicismo não modificado, e tendiam a enfatizar a brilhante dissonância de suspensões e ornamentos, as qualidades angulares da harmonia modal do século XVII e o linhas energéticas de escrita parcial de países. Os Ares e Danças Antigas de Respighi (1917) abriram caminho para o tipo de som que os neoclassicistas aspiravam. Embora a prática de emprestar estilos musicais do passado não tenha sido incomum ao longo da história musical, as músicas de arte passaram por períodos em que os músicos usavam técnicas modernas combinadas com formas ou harmonias mais antigas para criar novos tipos de obras.
As características composicionais notáveis são: referenciar a tonalidade diatônica, formas convencionais (suítes de dança, concerti grossi, formas de sonata, etc.), a idéia de música absoluta sem ser atrelada por associações descritivas ou emotivas, o uso de texturas musicais leves e uma concisão da expressão musical . Na música clássica, isso foi percebido mais notavelmente entre as décadas de 1920 e 1950. Igor Stravinsky é o compositor mais conhecido usando esse estilo; ele efetivamente começou a revolução musical com seu Octeto para instrumentos de sopro, semelhante a Bach (1923). Um trabalho individual específico que representa bem esse estilo é a Sinfonia Clássica nº 1 em D de Prokofiev, que lembra o estilo sinfônico de Haydn ou Mozart. O balé neoclássico, inovado por George Balanchine, desorganizou o estilo imperial russo em termos de figurinos, passos e narrativa,
Arquitetura na Rússia e na União Soviética
Entre 1905 e 1914, a arquitetura russa passou por um período breve, mas influente, do renascimento neoclássico; a tendência começou com a recriação do estilo império do período alexandrina e rapidamente se expandiu para uma variedade de escolas neo-renascentistas, paladianas e modernizadas, ainda que reconhecidamente clássicas. Eles foram liderados por arquitetos nascidos na década de 1870, que atingiram o pico criativo antes da Primeira Guerra Mundial, como Ivan Fomin, Vladimir Shchuko e Ivan Zholtovsky. Quando a economia se recuperou na década de 1920, esses arquitetos e seus seguidores continuaram trabalhando em um ambiente principalmente modernista; alguns (Zholtovsky) seguiram estritamente o cânone clássico, outros (Fomin, Schuko, Ilya Golosov) desenvolveram seus próprios estilos modernizados.
Com a repressão à independência dos arquitetos e a negação oficial do modernismo (1932), demonstrada pelo concurso internacional para o Palácio dos Sovietes, o neoclassicismo foi instantaneamente promovido como uma das escolhas da arquitetura stalinista, embora não fosse a única. Coexistia com a arquitetura moderadamente modernista de Boris Iofan, na fronteira com o contemporâneo Art Deco (Schuko); novamente, os exemplos mais puros do estilo foram produzidos pela escola de Zholtovsky, que permaneceu um fenômeno isolado. A intervenção política foi um desastre para os líderes construtivistas, mas foi sinceramente bem-vinda pelos arquitetos das escolas clássicas.
O neoclassicismo foi uma escolha fácil para a URSS, pois não contava com modernas tecnologias de construção (estrutura de aço ou concreto armado) e poderia ser reproduzido na alvenaria tradicional. Assim, os projetos de Zholtovsky, Fomin e outros antigos mestres foram facilmente replicados em cidades remotas sob rigoroso racionamento de materiais. O aprimoramento da tecnologia de construção após a Segunda Guerra Mundial permitiu que arquitetos stalinistas se aventurassem na construção de arranha-céus, embora estilisticamente esses arranha-céus (incluindo a arquitetura “exportada” do Palácio da Cultura e Ciência, Varsóvia e o Centro Internacional de Convenções de Xangai) compartilhem pouco com os modelos clássicos. O neoclassicismo e o neo-renascimento persistiram em projetos residenciais e de escritórios menos exigentes até 1955, quando Nikita Khrushchev pôs fim à arquitetura stalinista cara.
Arquitetura no século XXI
Após uma pausa durante o período de domínio arquitetônico moderno (aproximadamente após a Segunda Guerra Mundial até meados da década de 1980), o neoclassicismo viu um ressurgimento.
Desde a primeira década do século XXI, a arquitetura neoclássica contemporânea é geralmente classificada sob o termo geral da Nova Arquitetura Clássica. Às vezes, é também chamado de neo-historicismo ou tradicionalismo. Além disso, várias peças da arquitetura pós-moderna se inspiram e incluem referências explícitas ao neoclassicismo, ao distrito de Antigone e ao Teatro Nacional da Catalunha, em Barcelona, entre elas. A arquitetura pós-moderna ocasionalmente inclui elementos históricos, como colunas, maiúsculas ou tímpano.
Para uma arquitetura sincera de estilo tradicional que adere à arquitetura regional, materiais e artesanato, o termo Arquitetura Tradicional (ou vernacular) é usado principalmente. O Prêmio Driehaus de Arquitetura é concedido aos principais contribuintes no campo da arquitetura tradicional ou clássica do século XXI e vem com um prêmio em dinheiro duas vezes maior que o do Prêmio Pritzker modernista.
Nos Estados Unidos, vários edifícios públicos contemporâneos são construídos em estilo neoclássico, com o Schermerhorn Symphony Center 2006 em Nashville sendo um exemplo.
Na Grã-Bretanha, vários arquitetos são ativos no estilo neoclássico. Exemplos de seu trabalho incluem duas bibliotecas universitárias: a Maitland Robinson Library de Quinlan Terry no Downing College e a Sackler Library de Robert Adam Architects.