신고전주의는 장식과 시각 예술, 문학, 연극, 음악 및 건축에서 서구 문화 운동으로 고전 고대 예술과 문화에서 영감을 얻었습니다. 신고전주의는 폼페이와 헤르쿨라네움의 재발견 당시 요한 요아킴 윈켈 만의 글 덕분에 로마에서 태어 났지만, 유럽 예술계의 학생들이 그랜드 투어를 마치고 이탈리아에서 새로 재발견 된 Greco-Roman 이념을 가진 본국. 주요 신고전주의 운동은 18 세기 깨달음 시대와 일치하고 19 세기 초까지 계속되어 낭만주의와 경쟁했다. 건축에서 스타일은 19, 20, 21 세기까지 계속되었습니다.

시각 예술에서 유럽 신고전주의가 시작되었다. c. 당시의 지배적 인 로코코 스타일에 반대하는 1760 년. 로코코 건축은 은혜, 장식 및 비대칭 성을 강조합니다. 신고전주의 건축은 로마와 고대 그리스 예술의 미덕으로 여겨지는 단순성과 대칭의 원칙에 기반을두고 있으며, 16 세기 르네상스 고전주의에서 더 즉각적으로 도출되었습니다. 각각의 “네오”고전주의는 사용 가능한 가능한 고전 범위 중에서 일부 모델을 선택하고 다른 모델은 무시합니다. 1765 ~ 1830 년의 신고전주의 작가와 화자, 수호자와 수집가, 예술가와 조각가들은 Phidias의 세대에 대한 생각에 경의를 표했지만 실제로 그들이 수용 한 조각 사례는 로마의 헬레니즘 조각품 일 가능성이 높습니다.

고대 팔미라의 “로코코”예술은 우드의 팔미라 유적에서 조각을 통해 계시로왔다. 그리스조차도 오스만 제국의 거친 역류로 탐사하기에 위험했지만 그리스어 건축에 대한 신고전주의 자들의 감사는 그림과 조각을 통해 중재되었습니다.이 조각품은 미묘하게 매끄럽고 규칙 화되고 수정되고 수정되었습니다. 항상 의식적으로 그리스의.

건축과 장식 예술에서 신고전주의의 두 번째 단계 인 Empire 스타일은 나폴레옹 시대 파리에 문화 중심지가있었습니다.

개요
신고전주의의 출현은 무엇보다도 깨달음의 시대에 유럽을 표시 한 로코코 스타일을 거부 한 것입니다. 프랑스 인들이 반 프랑스 감정을 쏟아 부었다. 그는 루이 15 세의 통치와 그의 사치함을 대표하기 때문에 영국 가톨릭 전통을 위해 단순성으로의 복귀를 옹호하는 가톨릭 카운터의 미학적 특성의 마지막 대표자이기 때문에 -개선. 1770 년대 경,이 거부는 이탈리아와 프랑스에도 영향을 미쳤지 만 로코코의 발기인들과 함께이 스타일에 부도덕 한 것으로 간주되는 성격, 사치, 경박함,

16 세기 중반 그랜드 투어 (Grand Tour)의 인기는 영국, 프랑스 또는 프로이센 출신의 여행자 커뮤니티 귀족들이 이탈리아, 그리스 또는 터키로의 교육 여행에서 고대 유적과 직접 대면하게합니다. 이 여행 중 하나 인 1750-1751 년의 Marquis de Marigny는 프랑스와 유럽에서 맛의 진화에 큰 영향을 미쳤습니다. Marquise de Pompadour의 남동생 인 Abel-François Poisson de Vandières는 조각사 Charles Nicolas Cochin과 건축가 Jacques-Germain Soufflot과 함께 로마로 임무를 보냈습니다. 이 여행에서 예술가들은 르네상스 나 고전 전통에서 비롯된 문체 적 해석을 거치지 않고 고대 작품의 특수성을 알게됩니다.

수 풀롯은 캄파니아에있는 파 에스 툼 (Paestum) 유적지를 발견하여 남쪽으로 여행을 떠난다. 그리스 사원들과의 대립은 기지가없는 도리스 기둥이있는 고전적인 스타일을 드러낸다. 같은 기간에, 그리스 여행자들은 터키의 압력을 완화시키는 그리스 여행을 할 수 있으며, 여행자들은 리차드 달튼 (Richard Dalton), 그리스와 이집트의 전망을 포함한 그리스 고대 유물 컬렉션을 출판 할 수 있습니다. Caylus와 Winckelmann과 같은 고대 유물은 고대 그리스의 미학을 고려하여 로마 유물보다 우수합니다.

신고전주의는 또한 “계몽 된”군주에 의해 방어 된 문화 정책에 의해 선호 될 것이다. 스페인의 Charles Charles III는 Ercolano e contorni의 Pitture antiche 컬렉션을 조각했으며, 영국 전역에 분포 한 영국의 George III 왕은 건축가 Robert Adam과 화가 벤자민 웨스트, 정권의 공식 예술가들 5. 프랑스 왕 루이 16 세는 왕실 건물의 수장 인 앙상블 러 백작에, 루이 14 세의 웅장한 곳으로 돌아가는 것을 장려함으로써 루이 14 세의 웅장한 곳으로의 귀환을 장려합니다. 도덕적이고 애국적인. 이 지침에는 다윗이 Horatii의 맹세에 대한 실현이 포함됩니다.

역사
신고전주의는 고전 시대에서 직접 영감을 얻은 많은 고대 스타일과 정신을 계몽 한 것으로, 계몽주의 시대의 철학과 다른 분야의 발전을 일치시키고 반영했으며, 이전의 로코코 스타일의 과잉에 대한 반응이었습니다. . 이 운동은 종종 낭만주의의 반대파로 묘사되지만, 특정 예술 가나 작품을 고려할 때 지속될 수없는 대단한 단순화입니다. 신고전주의 후기의 주요 주역 인 잉 그레스의 사례가이를 잘 보여줍니다. 부흥은 공식적인 고고학의 확립으로 추적 될 수 있습니다.

Johann Joachim Winckelmann의 저술은 건축과 시각 예술 모두에서이 운동을 형성하는 데 중요했습니다. 그의 그림은 회화와 조각에서 그리스 작품의 모방에 대한 생각 (1750)과 Geschichte der Kunst des Alterthums ( “고대 예술의 역사”, 1764)는 고대 그리스와 로마 예술을 뚜렷이 구별하고 그리스어 시대를 정의한 최초의 책입니다 예술은 성장에서 성숙까지의 궤도를 추적 한 다음 오늘날에도 계속 영향을 미치는 모방 또는 퇴폐를 추적합니다. Winckelmann은 예술은 “고귀한 단순성과 고요한 웅장 함”을 목표로한다고 믿었으며 그리스 예술의 이상주의를 칭찬했다. 그는 “우리는 가장 아름다운 자연뿐만 아니라 자연을 넘어서는 어떤 특별한 형태의 아름다움을 발견한다”고 말했다. ,

그랜드 투어 (Grand Tour)가 시작되면서 유럽 전역에 신고전주의 적 부흥을 퍼뜨리는 많은 위대한 컬렉션의 토대를 놓는 유물 수집의 유행이 시작되었습니다. 각각의 기술에서 “고전주의”는 “고전”모델의 특정 표준을 의미한다.

“고전주의”라는 용어는 주로 시각 예술에서 사용됩니다. 상당히 일찍 시작된 영어 문학에서의 유사한 운동을 어거스틴 문학이라고합니다. 수십 년 동안 지배적이었던 이것은 시각 예술의 신고전주의가 유행하기 시작함에 따라 줄어들 기 시작했다. 용어는 다르지만 프랑스 문학의 상황은 비슷했습니다. 음악에서, 시대는 클래식 음악의 출현을 보았고, “네오 클래 시즘”은 20 세기 발전에 사용되었습니다. 그러나 Christoph Willibald Gluck의 오페라는 구체적으로 신고전주의 적 접근 방식을 나타 냈으며 Alceste (1769)의 출판 된 점수에 대한 서문에서 발췌하여 장식을 제거하여 오페라를 개혁하고 그리스 비극에 따라 코러스의 역할을 증가시키는 것을 목표로했습니다. 그리고 더 단순한 비인간 선율 선을 사용합니다.

“고전적”이라는 용어는 19 세기 중반까지 발명되지 않았으며 그 당시 스타일은 “진정한 스타일”, “개혁 된”및 “부흥”과 같은 용어로 설명되었다. 부활 한 것으로 여겨지는 것은 상당히 다양합니다. 고대 모델은 확실히 많이 관련되어 있었지만 스타일은 르네상스의 부흥으로, 특히 프랑스에서는 루이 14 세 시대의 더 엄격하고 고귀한 바로크 양식으로의 귀환으로 간주 될 수 있습니다. 프랑스의 지배적 인 군사 및 정치적 지위가 심각하게 쇠퇴하기 시작했습니다. 나폴레옹에 대한 잉 그레스의 대관식 초상화는 후기 골동품 영사관과 그들의 캐롤 링거의 부흥에서 비평가의 비 승인까지 빌렸다.

신고전주의는 건축, 조각 및 장식 예술 분야에서 가장 강력했으며, 같은 매체의 고전 모델은 상대적으로 많고 접근이 용이했습니다. 고대 회화의 예는 조각품에서 발견 된 Winckelmann의 저술이 부족한 특성을 보여줍니다. Winckelmann은 폼페이와 헤르쿨라네움에서 발견 된 최초의 큰 로마 그림에 대한 지식의 보급에 관여했으며 개빈 해밀턴을 제외한 대부분의 동시대 사람들과 마찬가지로 그들에게 감동을받지 못했습니다 .Pliny Younger의 그의 시대의 그림 쇠퇴에 대한 논평 .

회화에 관해서는 그리스어 회화가 완전히 사라졌습니다. 신고전주의 화가들은 부분적으로 옅은 프리즈, 모자이크 및 도자기 그림을 통해, 그리고 부분적으로 라파엘 시대의 르네상스 시대의 르네상스 시대의 그림과 장식의 예, Nero의 Domus Aurea의 프레스코 화를 통해 상상력으로 그것을 재현했습니다. , 폼페이와 허큘 라네 움, 그리고 니콜라스 푸신의 새로운 감탄을 통해 많은 “신고 전적”그림은 다른 어떤 것보다 주제에서 더 고전적입니다. Winckelmann과 그의 동료 헬레 니스트 (Hellenists)가 일반적으로 승리하는 쪽에서 그리스와 로마 예술의 상대적인 장점에 대해 수십 년 동안 치열한, 그러나 종종 매우 나쁜 정보의 논쟁이 벌어졌다.

회화 및 판화
현대 청중을위한 초기 신고전주의 회화의 급진적이고 흥미로운 특성을 되찾기는 어렵습니다. 그의 친구 인 Winckelmann이 “Billa Albani에있는 Anton Raphael Mengs의 야심 찬 Parnassus에 대한 케네스 클라크의 의견 중 일부는 그의 친구 Winckelmann이” 자신의 위대한 예술가이며 아마도 나중에 John Flaxman의 그림은 그 후 판화로 바뀌어 매우 단순한 선 그리기 (가장 순수한 고전 매체로 생각됨)와 오디세이 및 기타 주제를 묘사하기 위해 주로 프로파일을 사용했으며 한 번은 “유럽의 예술적 청소년을 해고했습니다” 안젤리카 카우프만 (Angelica Kauffman)의 역사화는 주로 초상화 주의자 였지만 프리츠 노보트니 (Fritz Novotny)의 “엄청난 부드러움과 지루함”을 가지고있는 로코코의 경박함과 바로크 운동은 사라졌지 만 많은 예술가들은 자신의 자리에 물건을 놓기 위해 고군분투했으며, Flaxman이 사용한 그리스 화병 외에 역사 그림에 대한 고대 사례가없는 경우 라파엘은 대체 모델로 사용되었습니다. Winckelmann이 권장 한대로.

멍청한 것으로 쉽게 묘사 할 수 없었던 다른 예술가들의 작품은 낭만주의의 측면을 일반적으로 신고전주의 적 스타일과 결합하여 두 운동의 역사의 일부를 형성합니다. 독일-덴마크 화가 인 Asmus Jacob Carstens는 그가 계획 한 큰 신화 작품을 거의 완성하지 않았으며, 대부분 Winckelmann의 “고귀한 단순성과 고요함”에 대한 처방에 접근하는 데 성공한 그림과 색상 연구를 남겼습니다. Carstens의 실현되지 않은 방식과 달리 Giovanni Battista Piranesi의 에칭은 수많은 수익을 거두었으며 유럽 전역에서 그랜드 투어를했던 사람들에 의해 회수되었습니다. 그의 주요 주제는 로마의 건물과 유적이었습니다. 그는 현대보다 고대에 더 자극을 받았습니다.

그의 많은 Vedute (보기)의 다소 불쾌한 분위기는 그의 “압박 사이클론 건축”이 “두려움과 좌절의 꿈”을 전달하는 Carceri d’ Invenzione ( “가상 감옥”)의 16 장의 일련의 인쇄에서 지배적이다. 스위스에서 태어난 요한 하인리히 푸 슬리는 영국에서 대부분의 경력을 보냈으며, 그의 기본 스타일은 신고전주의 원칙에 기초한 반면, 그의 주제와 치료는 낭만주의의 “고딕”균주를 더 자주 반영했으며 드라마와 흥분을 불러 일으켰다.

회화의 신고전주의는 1785 년 파리 살롱에서 Jacques-Louis David의 Horatii의 맹세의 놀라운 성공으로 새로운 방향 감각을 얻었습니다. 공화당 미덕의 소환에도 불구하고, 이것은 다윗이 그림을 고집 한 왕립 정부의 임무였습니다. 로마에서. David는 이상 주의적 스타일과 드라마 및 강력 함을 결합했습니다. 중앙 원근법은 그림판과 직교하며, 희미한 아케이드에 의해 더욱 강조되어 있으며, 인공 조명과 오페라의 준비, 그리고 Nicholas Poussin의 고전적인 채색과 함께 프리즈처럼 영웅적 인물이 배치됩니다. . 다윗은 프랑스 예술계의 지도자가되었고 프랑스 혁명 이후 많은 정부의 후원을 받아 정치인이되었습니다. 그는 나폴레옹 시대에도 자신의 영향력을 유지했습니다.

데이비드의 많은 학생들은 장 오구 스트-도미니크 잉 그레스 (Jean-Auguste-Dominique Ingres)를 포함했는데, 신오 클래식주의의 주류와 대립 관계가있는 성숙한 스타일, 그리고 나중에는 동양주의와 트루 바 두르 스타일로 많은 전환 그의 작품이 항상 그림에 부여하는 것을 제외하고는 그의 당연히 낭만적 인 동시대의 사람들과 구별하기 어렵다. 그는 1802 년부터 인상주의의 시작까지 60 년 이상 살롱에서 전시를했지만, 그의 스타일은 한때 거의 변하지 않았다.

조각
신고전주의 회화가 고대 모형의 부재로 고통을 겪었다면, 신고전주의 회화는 과잉으로 고통받는 경향이 있었지만 기원전 500 년경에 시작된 “고전 시대”의 실제 그리스 조각의 예는별로 없었지만; 가장 유명한 작품은 대부분 로마 사본이었습니다. 최고의 신고전주의 조각가들은 당시에 큰 명성을 얻었지만, 주로 초상화, 주로 흉상으로 일하는 장 앙투안 호우 돈 (Jean-Antoine Houdon)을 제외하고는 명성이 떨어졌습니다. 시터의 성격에 대한 강한 인상을 희생하지 않습니다. 이상주의. 그의 스타일은 그의 오랜 경력이 계속됨에 따라 더 고전적이되었으며, 로코코의 매력에서 고전적인 존엄성까지 다소 순조롭게 진행되었습니다. 일부 신고전주의 조각가 들과는 달리 그는 로마 복장을 입거나 옷을 벗지 않은 시터들을 고집하지 않았다.

안토니오 카 노바 (Antonio Canova)와 데인 베르 텔 토르 발센 (Dane Bertel Thorvaldsen)은 로마에 기반을두고 있었으며 초상화뿐만 아니라 많은 야심 찬 실물 크기 인물과 그룹을 제작했습니다. 둘 다 신고전주의 조각에서 가장 이상적인 경향을 나타냈다. 카노 바에는 가벼움과 은혜가 있으며, Thorvaldsen이 더 심각합니다. 차이점은 각각의 세 가지 은혜 그룹에 예시되어 있습니다. 이 모든 것, 그리고 Flaxman은 1820 년대에도 여전히 활동하고 있었고, 낭만주의는 조각에 영향을 미치기에 느 렸으며, 신고전주의의 버전은 19 세기 대부분 동안 지배적 인 스타일로 남아있었습니다.

조각의 초기 신고전주의자는 스웨덴의 Johan Tobias Sergel이었다. John Flaxman은 또한 조각가였으며 주로 그의 판화와 비슷한 스타일의 고전적인 구호를 만들어 냈다. 또한 몇 년 동안 Josiah Wedgwood의 신고전주의 도자기를 설계하고 모델링했습니다. Johann Gottfried Schadow와 젊게 죽는 몇 안되는 신고전주의 조각가 중 한 명인 Rudolph는 오스트리아의 Franz Anton von Zauner와 함께 독일을 대표하는 예술가들입니다. 바로크 양식의 오스트리아 조각가 프란츠 제버 메서 슈미트 (Franz Xaver Messerschmidt)는 중도 급 경력에서 신고전주의로 돌아 섰다. 그는 얼마 전에 정신적 위기를 겪기 직전에 국가로 퇴직하여 대머리 인물의 매우 독특한 “캐릭터 헤드”에 전념했다. 극단적 인 표정을 당기는 것. 피라네시의 카르 세리처럼 이들은 20 세기 초의 정신 분석 시대에 큰 관심을 불러 일으켰습니다. 네덜란드 신고전주의 조각가 Mathieu Kessels는 Thorvaldsen과 함께 공부했으며 로마에서 거의 독점적으로 일했습니다.

1830 년대 이전에 미국은 그 자체로 조각 전통을 가지고 있지 않았으며, 묘비, 풍향계 및 선상 지역을 제외하고 유럽의 신고전주의 방식이 채택되었으며, 수십 년 동안 동요되어 있었으며 Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Hiram Powers, Randolph Rogers 및 William Henry Rinehart의 조각품.

건축과 장식 예술
신고전주의 예술은 동시에 전통적이고 새롭고 역사적이며 현대적이며 보수적이고 진보적이었습니다.

신고전주의는 로마에서 훈련을 받고 ck 켈만의 저술에 영향을받은 프랑스 예술계의 학생들을 통해 영국과 프랑스에 영향을 미쳤으며 스웨덴, 폴란드, 러시아와 같은 다른 국가의 진보적 인 원들에 의해 빠르게 채택되었다. 캐서린 2 세의 연인 인 올로 백작 (Orcount Orlov)의 인테리어와 같이 이탈리아 스투카 도리 팀과 함께 이탈리아 건축가가 디자인 한 클래식 한 장식은 친숙한 유럽 양식에 접목되었습니다. 신고전주의; 가구는 완전히 이탈리아 로코코입니다.

두 번째 신고전주의 파, 더 심각하고 더 많은 연구 (조각 매체를 통해)와 더 의식적으로 고고학은 나폴레옹 제국의 높이와 관련이 있습니다. 프랑스에서 신고전주의의 첫 번째 단계는 “루이 16 세 스타일”로 표현되었고 두 번째 단계는 “Directoire”또는 제국이라는 스타일로 표현되었습니다. 나폴레옹 정권이 새로운 고고 학적 고전주의를 가져 오기 전까지 로코코 스타일은 이탈리아에서 인기를 유지했다.이 고고 학적 고전주의는 공화당의 기대로 젊고 진보적 인 도시 이탈리아 인들에 의해 정치적 진술로 받아 들여졌다.

장식 예술에서 신고전주의는 파리, 런던, 뉴욕, 베를린에서 만들어진 제국 가구에서 예시됩니다. 오스트리아에서 제조 된 Biedermeier 가구; 베를린의 Karl Friedrich Schinkel 박물관, 런던의 John Soane 경 영국 은행 및 워싱턴 DC에 새로 지어진 “국회 의사당”; 그리고 웨지 우드의 저 부조 및 “검은 현무암”화병. 스타일은 국제적이었다; 스코틀랜드 건축가 찰스 카메론 (Charles Cameron)은 러시아 상트 페테르부르크에서 독일 태생의 캐서린 2 세를 위해 구식 이탈리아 인테리어를 만들었습니다.

실내에서 신고전주의는 폼페이 (Pompeii)와 허큘 라네 움 (Herculaneum)의 재발견에서 영감을 얻은 진정한 클래식 인테리어를 발견했습니다. 이것들은 1740 년대 후반에 시작되었지만, 1760 년대에는 Le Antichità di Ercolano (Herculaneum의 고대 유물)를 엄격히 통제 한 최초의 호화로운 배포 물로 인해 많은 관중을 확보했습니다. Herculaneum의 고대 유물은 바로크 양식의 가장 고전적인 인테리어 또는 윌리엄 켄트의 가장 “로마”룸조차도 성당과 사원 외부 건축 양식을 기반으로하여 외부로 바뀌 었으므로 종종 현대적인 눈에 충격적인 모습을 나타냅니다. 화려한 거울로, 벽난로는 템플 정면으로 장식되어 있습니다. 새로운 인테리어는 진정한 로마어와 진정한 인테리어 어휘를 재현하고자했습니다.

스타일에 사용 된 기법에는 더 평평하고 가벼운 주제, 낮은 프리즈 같은 구호로 조각되거나 카메 이유로 모노톤 ( “카메 노 같은”), 고립 된 메달 또는 화병 또는 흉상 또는 두개 또는 기타 주제, 월계수 또는 리본 장식에 매달려있는 주제가 포함되었습니다. , “Pompeiian red”또는 옅은 색조 또는 스톤 색상의 배경에 대해 가느 다란 아라베스크가있는 경우. 프랑스의 스타일은 처음에는 법원 스타일이 아닌 파리 스타일, Goût grec ( “그리스 스타일”)이었습니다. 1774 년 루이 16 세가 왕위에 올랐을 때, 패션을 사랑하는 여왕 인 마리 앙투아네트는 “루이 16 세”스타일을 법정에 가져 왔습니다. 그러나 세기 초쯤까지 로마 가구의 기본 형태를 실제로 사용하려는 시도는 없었으며 가구 제작자들은 고대 건축에서 빌릴 가능성이 높았습니다.

약 1800 년부터 에칭과 조각의 매체를 통해 볼 수있는 그리스 건축 양식의 신선한 유입이 신고전주의, 그리스 부흥에 새로운 자극을 주었다. 동시에 제국 스타일은 건축과 장식 예술에서 신고전주의의 장대 한 물결이었습니다. 주로 로마 제국 스타일을 기반으로하여, 제 1 프랑스 제국의 나폴레옹 통치에서 유래되었으며, 그 이름은 나폴레옹의 지도력과 프랑스 국가를 이상화하기위한 것이었다. 이 스타일은 독일어권의 부르주아 스타일 인 Biedermeier 스타일, 미국의 연방 스타일, 영국의 리젠시 스타일, 스웨덴의 나폴레옹 스타일에 해당합니다. 예술 역사가 휴 호너 (Hugh Honor)에 따르면 “때때로 예상되는 것처럼 신고전주의 운동의 정점과는 거리가 멀다.

신고전주의는 19 세기 후반부터 낭만주의 나 고딕 부흥에 대한 끊임없는 반론으로 학계 예술계의 주요 세력이되어 왔지만, 19 세기 후반부터 종종 영향력있는 비판적이거나 반동적이거나 반동적 인 것으로 여겨져 왔지만 서클. 상트 페테르부르크와 뮌헨과 같은 여러 유럽 도시의 중심은 신고전주의 건축 박물관과 매우 흡사합니다.

19 세기 내내 인기가 높아진 18 세기에 시작된 스타일 인 고딕 리바이벌 건축 (종종 로맨틱 문화 운동과 관련이 있음)은 신고전주의와 대조를 이뤘습니다. 신고전주의가 그리스와 로마에 영향을 미치는 스타일, 기하학적 선과 질서로 특징 지워졌지만, 고딕 양식의 부흥 건축은 종종 소박한 느낌의 “로맨틱 한”외관을 갖도록 중세 건물을 강조했습니다.

신고전주의 정원
영국에서, 어거스틴 문학은 어거스틴 스타일의 조경 디자인과 직접적으로 유사했습니다. 링크는 알렉산더 포프 (Alexander Pope)의 작품에서 분명히 볼 수 있습니다. 신고전주의 영어 정원의 가장 잘 살아남은 예는 Chiswick House, Stowe House 및 Stourhead입니다.

신고전주의와 패션
패션에서 신고전주의는 프랑스 혁명 이전부터 여성복의 단순성과 백인의 오래 지속되는 패션에 영향을 미쳤지 만 프랑스에서 고대 스타일을 모방하려는 철저한 시도가 유행을 거듭 한 후에야 적어도 여성에게는. 고전적인 의상은 오랫동안 그리스어 또는 로마 신화에서 인물로 포즈를 취하는 유행의 여성들에 의해 오랫동안 착용되어 왔으며 (특히 1780 년대의 젊은 모델 엠마, 레이디 해밀턴의 초상화의 발진이있었습니다) 혁명 시대까지의 초상화 앉기와 가장 무도회 공, 아마도 다른 이국적인 스타일과 마찬가지로 집에서 옷을 입는 것처럼. 그러나 Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais가 초상화로 입는 스타일, 테레사 탈리 엔 (Térésa Tallien)과 파리의 다른 트렌드 세터들도 공개적으로 나갔다. Talleyrand는 오페라에서 Mme Tallien을 보면서 다음과 같이 말했다. “Il n’est pas possible de s’exposer plus somptueusement!” ( “더 이상하게 옷을 벗을 수 없었습니다”).

1788 년, 혁명 직전에 법정 초상화 작가 Louise Élisabeth Vigée Le Brun은 여성들이 평범한 흰색 그리스 튜닉을 입고있는 그리스 만찬을 열었습니다. 컬로 가능한 짧은 클래식 헤어 스타일은 논쟁의 여지가 적고 매우 널리 채택되었으며 머리카락은 이제 야외에서도 밝혀졌습니다. 이브닝 드레스를 제외하고, 보닛 또는 기타 덮개는 일반적으로 실내에서도 착용되었습니다. 얇은 그리스 스타일의 리본 또는 필렛을 사용하여 머리카락을 묶거나 장식했습니다.

매우 가볍고 느슨한 드레스, 일반적으로 흰색이며 종종 충격적인 맨손으로 발목에서 몸통 바로 아래까지 깎아 지는데, 얇은 밑단 또는 몸통 둘레가 다른 색으로 강조되었습니다. 나폴레옹의 첫 번째 프랑스 제국보다 오래되었지만 모양은 종종 제국 실루엣으로 알려져 있지만, 그의 첫 번째 황제 Joséphine de Beauharnais는 유럽 전역에 퍼지는 데 영향력이있었습니다. 긴 직사각형 목도리 또는 랩, 보통은 보통 빨간색이지만 세로로 장식 된 테두리가있어 더 추운 날씨에 도움이되었으며 앉을 때 미드 리프 주변에 놓여있었습니다. 19 세기 초, 그러한 스타일은 유럽 전역에 널리 퍼졌습니다.

남성을위한 신고전주의 패션은 훨씬 더 문제가 많았으며 머리카락보다 헤어진 적이 없었습니다.이 스타일은 짧은 가발에서 가발 사용을 포기한 다음 흰색 머리카락 파우더를 사용하여 젊은 남성을 위해 중요한 역할을했습니다. 바지는 그리스인과 로마인의 야만인의 상징 이었지만 화가나 특히 조각가 스튜디오 밖에서는 그것을 포기할 사람이 거의 없었다. 실제로이시기에는 안시 엔 레기 메 (Ancien Régime)의 cullottes 또는 knee-breeches에 대한 순수한 바지 또는 판타 룬의 승리가있었습니다. David가 1792 년 모든 것을 변화시키기위한 혁명적 열정이 절정에 달할 때 정부의 요청에 따라 새로운 프랑스 “국가 복장”을 설계했을 때에도 무릎 위에 멈춘 코트 아래에 상당히 단단한 레깅스가 포함되었습니다.

바지 문제는 예술가들에 의해 현대사 화를 만드는 데 장애로 인식되었다. 현대 복장의 다른 요소들처럼 그들은 많은 예술가들과 비평가들에 의해 냉혹하고 추악한 것으로 여겨졌습니다. 현대적인 장면에서 그것들을 묘사하지 않기 위해 다양한 전략이 사용되었습니다. 개빈 해밀턴의 제임스 도킨스와 로버트 우드에서 팔미라의 폐허 발견 (1758)에서 두 명의 신사 골동품이 토가와 같은 아랍 가운에 전시되어 있습니다. 존 싱글턴 코플리 (John Singleton Copley)의 Watson and the Shark (1778)에서 주요 인물은 아마도 누드로 보여 질 수 있으며, 그 구성은 다른 8 명의 남성의 모습과 비슷하며, 단 하나의 다리가 두드러지게 보입니다. 그러나 미국인 코플리와 벤자민 웨스트는 웨스트와 같은 작품으로 바지가 영웅적인 장면에서 사용될 수 있음을 성공적으로 보여준 예술가들을 이끌었습니다.

고전적으로 영감을 얻은 남성 헤어 스타일에는 베드포드 크롭 (Bidford Crop)이 포함되어있을 것이다. 베드포드 크롭 (Bedford Crop)은 근본적인 현대 남성 스타일의 선구자였다. 그는 친구들이 내기하지 않겠다고 베팅함으로써 그것을 채택하도록 장려했다. 또 다른 영향력있는 스타일 (또는 스타일 그룹)은 Titus Junius Brutus (실제로 로마 황제 Titus가 종종 가정하는 것처럼 아님)의 이름을 따서 프랑스어 “à la Titus”로 명명되었습니다. 머리는 짧고 겹치지 만 크라운에 다소 쌓여 있습니다. 억제 된 iff 프 또는 잠금 장치가 매달려있는 상태; 변형은 영국의 나폴레옹과 조지 IV의 머리카락에서 잘 알려져 있습니다.

이 스타일은 Voltaire ‘s Brutus (그의 아들 Titus의 처형을 지시하는 Lucius Junius Brutus에 대하여)와 같은 작품 제작에 출연 할 때 자신의 흔들린 배우를 무대 위로 한 배우 François-Joseph Talma에 의해 소개되었습니다. 1799 년 파리 패션 잡지는 대머리 남성들도 타이투스 가발을 입었다 고보고했으며, 여성들도이 스타일을 입었다 고 1802 년 저널 드 파리는 “우아한 여성의 절반 이상이 머리카락이나 가발을 입고 있었다”고 말했다.

나중에 신고전주의
미국 건축에서 신고전주의는 미국 르네상스 운동의 하나의 표현이었다. 1890–1917; 가장 최근의 모습은 Beaux-Arts 건축에 있었으며, 마지막으로 큰 공공 프로젝트는 링컨 기념관 (당시 비평을 받았음), 워싱턴 DC의 국립 미술관 (건축 공동체에 의해 거꾸로 비판을 받았다) 미국 자연사 박물관의 루즈 벨트 기념관. 이것들은 끝났을 때 문체 적 시대주의로 간주되었습니다. 영국 라지에서 뉴 델리를위한 에드윈 루티 엔스 (Edwin Lutyens) 경의 기념비적 인 도시 계획은 신고전주의의 영광스러운 일몰을 상징합니다. 제 2 차 세계 대전은 신화적이고 영웅적인 시대를 가장 갈망하고 산산조각났습니다.

프랑스의 Auguste Perret과 같은 보수적 인 현대 건축가는 공장 건물에서도 기둥 건축의 리듬과 간격을 유지했습니다. 콜로 네이드가 “반응 형”으로 선언되었을 때, 반복되는 프리즈 아래 건물의 기둥 모양의 플루트 패널은 “진보적”으로 보였다. 파블로 피카소 (Pablo Picasso)는 1 차 세계 대전 직후 몇 년 동안 고전적인 주제를 실험했으며, 1925 년 파리 박람회 des Art Décoratifs에 뒤이어 등장한 아르 데코 스타일은 종종 신고전주의 주제를 명백히 표현하지 않고 신 고전주의 주제를 사용했습니다. .-제이. Ruhlmann 또는 Süe & Mare; 모든 매체에서 선명하고 매우 완화 된 댐퍼와 가젤의 프리즈; Grecian 라인을 재현하기 위해 편향된 드레이프 또는 커트 한 세련된 드레스; 이사도라 던컨의 예술 무용; 1950 년에 지어진 미국 우체국과 카운티 법원 건물의 현대적인 스타일링; 그리고 루즈 벨트 다임.

예술에는 20 세기 전체 운동이 있었으며 신 고전주의라고도 불렸다. 그것은 최소한 음악, 철학 및 문학을 포함했습니다. 제 1 차 세계 대전이 끝나고 제 2 차 세계 대전이 끝났을 때였습니다. 음악적 측면에 대한 정보는 20 세기 클래식 음악과 신고전주의 음악을 참조하십시오. 철학적 측면에 대한 정보는 Great Books를 참조하십시오.

이 문학적 신고전주의 운동은 구속, 종교 (특히 기독교), 반동적 인 정치 프로그램에 찬성하여 다다의 극단적 인 낭만주의를 거부했다. TE Hulme이 영어 문학에서이 운동의 기초를 마련했지만 가장 유명한 신고전주의 자들은 TS Eliot와 Wyndham Lewis였습니다. 러시아에서는 안나 아크 마토바 (Ana Akhmatova)와 오 시프 만델 슈탐 (Osip Mandelshtam)을 1910 년 초 Acmeism이라는 이름으로 결정화했습니다.

음악에서
음악의 신고전주의는 20 세기 운동이다. 이 경우 17 세기와 18 세기의 고전과 바로크 뮤지컬 스타일이며, 고대 세계의 음악이 아니라 그리스와 로마 테마에 대한 사랑을 되 살리고 있습니다. (20 세기 초반에 신고전주의 작곡가들이 주로 그리는 시대의 음악에서 바로크 시대를 아직 구분하지 않았다.이 운동은 20 세기 초반의 반음계에 대한 반동에 대한 반응이었다. 낭만주의와 인상주의는 음악적 모더니즘과 병행하여 주요 음조를 완전히 버리고 자했다. 그것은 깨끗하고 스타일의 단순성에 대한 열망을 나타 냈으며, 이는 고전적인 절차를 상당히 불협화음으로 만들었습니다.

17-18 세기 댄스 스위트는 제 1 차 세계 대전 이전에 약간의 부흥이 있었지만 신고전주의 자들은 수정되지 않은 이조 음에 완전히 만족하지 않았으며, 서스펜션과 장식품의 밝은 불협화음, 17 세기 모달 조화의 각질과 수많은 부분적인 글쓰기의 활기 넘치는 라인. Respighi의 Ancient Airs and Dances (1917 년)는 신고전주의 자들이 열망하는 일종의 소리를 이끌었습니다. 과거부터 음악 스타일을 빌리는 관행은 음악 역사에서 드물지 않았지만, 음악 음악가들은 음악가들이 오래된 형식이나 조화와 함께 현대 기술을 사용하여 새로운 종류의 작품을 만들어내는 시대를 거쳤습니다.

주목할만한 구성 특성은 다음과 같습니다. 음조 음조, 전통적 형태 (댄스 스위트, 협주곡, 소나타 형식 등), 묘사 적 또는 감정적 연관성에 의해 타협되지 않는 절대 음악의 아이디어, 가벼운 음악적 질감의 사용 및 음악 표현의 간결함 . 클래식 음악에서 이것은 1920 년대와 1950 년대 사이에 가장 두드러졌습니다. Igor Stravinsky는이 스타일을 사용하는 가장 유명한 작곡가입니다. 그는 바흐와 같은 바람 악기를위한 옥텟 (1923)으로 음악적 혁명을 효과적으로 시작했습니다. 이 스타일을 잘 나타내는 특정 개별 작품은 Prokofiev의 Classical Symphony No. 1 in D이며, 이는 하이든 또는 모차르트의 교향곡 스타일을 연상시킵니다. 조지 발란 친 (George Balanchine)이 혁신 한 신고전주의 발레는 러시아 제국 스타일을 의상, 계단 및 이야기의 관점에서 정리했다.

러시아와 소련의 건축
1905 ~ 1914 년에 러시아 건축은 짧지 만 영향력있는 신고전주의 적 부흥시기를 거쳤습니다. 이 추세는 알렉산드리아 시대의 제국 스타일을 재현하는 것으로 시작하여 다양한 네오 르네상스, 팔 라디안 및 현대화되었지만 눈에 띄는 고전 학교로 빠르게 확장되었습니다. 1870 년대에 태어난 건축가들이 이반 포민 (Ivan Fomin), 블라디미르 슈 추코 (Vladimir Shchuko), 이반 졸 토프 스키 (Ivan Zholtovsky)와 같은 제 1 차 세계 대전 전에 창조적 인 정점에 도달 한 건축가들에 의해 주도되었습니다. 1920 년대에 경제가 회복되었을 때,이 건축가들과 그 추종자들은 주로 현대주의 환경에서 계속 일했습니다. 일부 (Zholtovsky)는 고전적인 캐논을 엄격하게 따르고 다른 일부 (Fomin, Schuko, Ilya Golosov)는 현대화 된 스타일을 개발했습니다.

소비에트 궁전 국제 대회에서 시연 한 건축가 독립성과 현대식 거부에 대한 단속 (1932)과 함께 신고전주의는 스탈린주의 건축의 선택 중 하나 일뿐 아니라 즉각적으로 승격되었다. 현대 아트 데코 (Schuko)와 접해있는 보리스 이오 판 (Boris Iofan)의 현대식 건축물과 공존했습니다. 다시, 스타일의 가장 순수한 예는 Zholtovsky 학교에 의해 만들어졌으며 격리 된 현상이 남아있었습니다. 정치적 개입은 구성주의 지도자들에게는 재앙 이었지만 고전 학교의 건축가들에게는 진심으로 환영을 받았습니다.

신고전주의는 현대 건축 기술 (철골 또는 철근 콘크리트)에 의존하지 않고 전통적인 벽돌로 재현 될 수 있기 때문에 소련에게 쉬운 선택이었습니다. 따라서 Zholtovsky, Fomin 및 기타 오래된 마스터의 디자인은 엄격한 재료 배급으로 외딴 마을에서 쉽게 복제되었습니다. 제 2 차 세계 대전 후 건축 기술의 개선으로 스탈린주의 건축가들은 초고층 건축에 뛰어들 수 있었지만 문체 적으로이 고층 빌딩 (문화 과학 궁전의 “수출 된”건축, 바르샤바 및 상하이 국제 컨벤션 센터 포함)은 고전적인 모델과 거의 비슷하지 않습니다. 신고전주의와 신 르네상스는 1955 년까지 Nikita Khrushchev가 값 비싼 스탈린주의 건축을 끝내기 전까지는 덜 까다로운 주거 및 사무실 프로젝트에서 지속되었습니다.

21 세기 건축
근대 건축주의 시대 (대략 제 2 차 세계 대전 이후 1980 년대 중반까지) 동안 소실 된 후 신고전주의는 부활의 무언가를 보았다.

21 세기 초 10 월 현재, 현대 신고전주의 건축은 일반적으로 New Classical Architecture의 포괄적 인 용어로 분류됩니다. 때로는 신사주의 또는 전통주의라고도합니다. 또한 다수의 포스트 모더니즘 아키텍처는 신고전주의, 앤티 고네 디스트릭트 및 바르셀로나의 카탈로니아 국립 극장에서 영감을 얻었으며 이에 대한 언급을 포함하고 있습니다. 포스트 모더니즘 아키텍처는 때때로 기둥, 수도 또는 고막과 같은 역사적 요소를 포함합니다.

지역 건축, 재료 및 장인 정신을 고수하는 성실한 전통 스타일 건축의 경우 전통 건축 (또는 전통)이라는 용어가 주로 사용됩니다. Driehaus Architecture Prize는 21 세기 전통 또는 고전 건축 분야의 주요 기고자들에게 수여되며 현대주의 Pritzker Prize보다 2 배 높은 상금을 제공합니다.

미국에서는 다양한 현대식 공공 건물이 신고전주의 스타일로 지어졌으며 내슈빌의 2006 Schermerhorn Symphony Center가 그 예입니다.

영국에서는 많은 건축가들이 신고전주의 스타일로 활동하고 있습니다. 그들의 작업의 예로는 두 개의 대학 도서관이 있습니다 : Downing College의 Quinlan Terry의 Maitland Robinson Library와 Robert Adam Architects의 Sackler Library.