Como palco do poder burguês e da luta de classes, a cidade em turbulência na virada do século também foi o cenário por excelência da arte moderna. Todos os efeitos da industrialização, da tecnificação, do mercado de bens de luxo e dos novos mercados de massa no consumismo, moda e entretenimento, da exaltação da imagem e da violência iconoclasta, da construção e destruição, da liberdade e da repressão. podem ser encontrados lá. O artista moderno, em sua dupla capacidade de dândi e boêmio, acha que pode frequentar todos os seus estratos, desde os salões da burguesia, seus clientes, até a taberna, o bordel, o auditório ou a rua, onde ele identifica sua liberdade boêmia com a dos marginalizados e os que estão deprimidos. Na cidade, as artes tradicionais encontram seu lugar entre as artes e ofícios e as novas mídias – fotografia, ilustração, filme – para criar os estilos do século XX. Modernismo era o equivalente em Barcelona a movimentos como Art Nouveau, Sezession, Jugendstil ou Liberty, nomes nos quais os conceitos de novidade, quebra e juventude estão presentes. O mesmo que nesses casos, o modernismo abraçou não apenas a arte, mas todos os campos da cultura, da vida social e da política, e seria decisivo na produção simbólica do nacionalismo catalão da virada do século.

O Museu Nacional de Arte da Catalunha reabriu o primeiro andar do museu, dedicado à Arte Moderna, após um processo de renovação das coleções, galerias e museografia. A nova tela oferece uma nova narrativa crítica e complexa que evita a mera sucessão de estilos e nomes e inclui todas as produções artísticas do período: escultura e pintura, desenhos e gravuras, fotografia, pôsteres, cinema, arquitetura e artes decorativas. Agora, há uma presença maior de elementos que ajudarão você a entender o contexto social, histórico e artístico e que destacam as conexões internacionais de artistas e movimentos de Barcelona e Catalunha. A nova exibição vai pela primeira vez até a década de 1950, incluindo o movimento Dau al Set (o primeiro movimento artístico pós-Segunda Guerra Mundial na Catalunha).

A exposição permanente de Arte Moderna é dividida em quatro seções e um epílogo: A Ascensão do Artista Moderno, Modernismo (s), Noucentismo (s), Arte e Guerra Civil e O Avivamento do Renascimento dos Anos do Pós-Guerra.

Destaques

Art Nouveau em Paris
Durante os anos da virada do século, Paris foi a capital da modernidade. Um centro indiscutível da moda e do mercado de artigos de luxo, era também o centro do mercado de massa e do popular mercado de lazer e das novas mídias: publicidade, pôsteres, etc. Paris ofereceu as condições certas para uma arte independente: influente críticos, publicações abundantes, encontros intelectuais de todos os tipos, proprietários de galerias e clientes interessados ​​na vanguarda. Qualquer artista moderno teve que tentar a sorte aqui e o fato é que muitos deles, vindos de todo o mundo, produziram seus melhores trabalhos naqueles breves anos em Paris, sob o choque da cidade do entretenimento.

Art Nouveau em Barcelona
Se havia um lugar em Barcelona que representava a modernidade com raízes parisienses, era a taberna Els Quatre Gats (1897-1903), fundada por um grupo de artistas que moravam em Paris – Casas, Rusiñol, Utrillo – e dirigidos por Pere Romeu, uma das figuras centrais da boêmia Barcelona. Além de promover revistas e outras publicações, ele reuniu entusiastas e artistas de diferentes idades, incluindo, como é bem conhecido, o jovem Picasso. Como os locais de Montmartre que o inspiraram, abrigou exposições, concertos e espetáculos de marionetes, coincidindo com a invenção do cinema, do qual Barcelona se tornaria um importante centro de produção.

O pintor da vida moderna
Em The Painter of Modern Life, um ensaio publicado em 1863, Baudelaire identificou arte com o que é passageiro e circunstancial, o inconstante que caracteriza a modernidade e o artista com o flâneur, o ‘carrinho’ curioso e enervado que desaparece na multidão. O teatro e o auditório, a avenida e o parque, a noite, a moda, a maquiagem feminina … são os lugares e objetos desta vida moderna, inseparáveis ​​do ritmo da cidade de massas, que se tornou um espetáculo em si. Por volta de 1900, em Paris ou Barcelona, ​​como em muitas cidades europeias, os artistas pareciam culminar com o papel que Baudelaire lhes atribuía.

A casa dos modernistas
Durante a segunda metade do século XIX, como reação à produção ornamental industrializada e produzida em massa, os ofícios tradicionais viram um renascimento em toda a Europa. Artistas e arquitetos projetaram de tudo, desde estojos de vidro a pavimentação, e artesãos de todos os tipos – fabricantes de armários, estofadores, ourives, ferreiros, ceramistas, vidraceiros etc. – encontraram um lar comum em uma arquitetura que sonhava em conduzir uma nova harmonia no ambiente. artes e ofícios, tanto quanto ansiava pela síntese de arte e vida. Diante de uma cidade cheia de violência e luta de classes – lembra-se que Barcelona tinha um movimento operário florescente naqueles dias e era conhecida em todo o mundo como a Rosa do Fogo -, a casa se tornou o refúgio ideal para essa utopia burguesa.

Antoni Gaudí e Josep Maria Jujol
Gaudí é o nome mais conhecido do Modernismo e é de longe a sua figura mais destacada. Mas, em vez de encará-lo como um gênio isolado, como tantas vezes aconteceu, devemos colocá-lo no rico contexto de Barcelona na virada do século. Seu trabalho não surgiu de sua imaginação solitária, mas levou as aspirações que caracterizam o modernismo ao extremo mais radical, em particular as de sua arquitetura: alcançar a síntese das artes e ofícios, da arte e da vida, sob a liderança dos arquiteto. Apesar de tudo, e em vista de seu radicalismo, Gaudí tinha poucos alunos. Jujol, que trabalhou com Gaudí por volta de 1906, foi a única pessoa capaz de preservar a tensão do mestre em seu trabalho, usando uma abordagem que eventualmente convergiu com as técnicas das vanguardas: colagem, montagem etc.

Conservadores “Modernistas”
Existem inúmeros lados da produção simbólica da modernidade e muitos deles são, sem paradoxalmente, conservadores. Tanto a Igreja como as instituições da burguesia desenvolveram arte pública monumental – arquitetura, escultura, pintura mural etc. -, que, através das técnicas da modernidade, transmitia uma mensagem tradicional de poder e hierarquia. Os próprios artistas encontraram formas adequadas nos circuitos convencionais do mercado – galerias, exposições ou salões – para satisfazer a consciência culpada da burguesia: pobreza, velhice, dificuldades humanas, caridade ou sentimentalismo religioso tornaram-se assuntos artísticos de sucesso.

Simbolismos 1
No final do século 19, houve uma série de reações contra o realismo e o naturalismo que receberam o nome geral de simbolismo. No campo da arte, essa reação também foi contra a falta de transcendência no impressionismo e o que foi proposto foi o idealismo dominado por valores poéticos e espirituais. Mas o simbolismo, também expresso em fotografia, ilustração e arte em pôsteres, era de muitos tipos diferentes: dos mais brandos, com ligações ao sentimentalismo religioso ou ao mundo dos contos de fadas, aos mais perturbadores, ligados ao erotismo, ao mal e ao mal. medos individuais e coletivos da época.

Boêmia, miséria e pintura preta
O pensamento boêmio leva o artista a se interessar pelo lado mais sombrio e primitivo da sociedade em que vive. Isso pode acontecer como uma reação à pitoresca oficial ou ao sentimentalismo religioso ou como uma identificação perturbadora das infâmias de sofrimento e ‘degeneração’. O caso de Nonell e seus retratos de mendigos, cretinos ou, especialmente, ciganas – sempre diferentes, mas sempre o mesmo – foi um dos pontos altos da ideologia boêmia.

Simbolismos 2
Os valores poéticos e espirituais sustentados pelo simbolismo e seu desejo de transcendência contra o anti-idealismo do realismo e do impressionismo também se refletiam nos formatos de suas pinturas ou fotografias, que às vezes tentavam evocar os da arte religiosa. Em oposição à simples pintura de cavalete, característica da modernidade, o simbolismo propôs a complexidade do ciclo ou do retábulo – tríptico ou políptico – e estendeu o trabalho do interior da pintura ao design da moldura.

Museu Nacional de Arte da Catalunha
O Museu Nacional de Arte da Catalunha, também conhecido por sua sigla MNAC, é um museu de arte na cidade de Barcelona que reúne todas as artes cuja missão é preservar e exibir a coleção do mundo mais importante da arte catalã, mostrando tudo do românico até o presente. Seu atual diretor é Josep Serra.

O MNAC é um consórcio com personalidade jurídica própria, constituído pela Generalitat de Catalunya, pelo Conselho da Cidade de Barcelona e pela Administração Geral do Estado. Além das administrações públicas, indivíduos e entidades privadas que colaboram com a administração estão representados no conselho de administração do museu.

A sede principal está localizada no Palácio Nacional de Montjuïc, inaugurado em 1929 por ocasião da Exposição Internacional. Três outras instituições também fazem parte do museu como um todo: a Biblioteca do Museu Víctor Balaguer em Vilanova i la Geltrú, o Museu Garrotxa em Olot e o Museu Cau Ferrat em Sitges, cuja administração é independente e sua propriedade é baseada nos respectivos conselhos. .