A Fundação Ruya para a Cultura Contemporânea no Iraque (Ruya) encomendou o Pavilhão Nacional do Iraque na 56ª Bienal de Veneza, em maio de 2015. A exposição, Beleza Invisível, é curada por Philippe Van Cauteren, Diretor Artístico da S.M.A.K. (Museu de Arte Contemporânea) em Ghent. Possui cinco artistas contemporâneos de todo o Iraque e da diáspora. Os artistas trabalham em uma variedade de mídias e o Pavilhão inclui novas obras que foram produzidas especificamente para a exposição, bem como obras que foram redescobertas após longos períodos de desatenção. A exposição é acompanhada por uma exibição de mais de 500 desenhos feitos por refugiados no norte do Iraque. O artista de renome mundial Ai Weiwei selecionou vários desses desenhos para uma grande publicação que está sendo lançada na Bienal.

A exposição incluirá uma gama diversificada de mídias, com trabalhos passados ​​recentemente redescobertos e redescobertos. Acompanhando a mostra principal, uma coleção de 500 desenhos feitos por refugiados no norte do Iraque também estará em exibição. O artista chinês Ai Weiwei selecionou vários desses desenhos para uma publicação que será lançada na Bienal.

O Iraque evoca as brutalidades do Estado Islâmico (também conhecido como ISIS ou ISIL) em desenhos, aquarelas e fotografias. Um dos principais focos do pavilhão iraquiano este ano é um conjunto de desenhos de refugiados iraquianos adultos que fugiram do ataque do Estado Islâmico. Essas representações – um militante encapuzado matando uma mãe e um filho, um homem enfaixado cujo coração sangrando tem a forma do Iraque – foram produzidas quando a Fundação Ruya levou papel, lápis e lápis de cor para refugiados em três campos no norte do Iraque.

Dos cinco artistas expostos, dois criaram obras diretamente relacionadas ao Estado Islâmico. Haider Jabbar, um jovem exilado na Turquia, mostra aquarelas expressionistas que representam uma série de cabeças cortadas e sangrando, cada uma com um número de caso (e não um nome) no título. As fotografias em preto e branco de Akam Shex Hadi, elegantemente organizadas, mostram figuras isoladas de comunidades sob ataque do Estado Islâmico em pé com tecido preto – representando a bandeira dos agressores – enrolados em volta dos pés. “O ISIS vem apenas para matar”, disse Hadi, um curdo iraquiano, ao lado de suas fotografias, acrescentando que a bandeira era “como uma cobra” girando em torno de suas vítimas.

Beleza invisível
O título da exposição refere-se a assuntos incomuns ou inesperados encontrados nas obras dos artistas, bem como a sua invisibilidade no cenário internacional. Entre a variedade de temas explorados estão sobrevivência, manutenção de registros, terapia e beleza.

‘Invisible Beauty’ visa tornar os artistas atualmente trabalhando dentro e fora do Iraque visíveis. Ele lida com identidade e política, com memória e perda, com coragem como uma forma de beleza.

As infinitas possibilidades de interpretação do título fazem referência às muitas maneiras pelas quais a arte – gerada em um país sujeito a guerra, genocídio, violações dos direitos humanos e a ascensão de Ísis – pode ser abordada. Este é um momento importante, como destaca o comunicado de imprensa, para atrair as vozes daqueles que continuam criando arte no Iraque, onde Isis vem realizando uma demolição sistemática do patrimônio cultural do país em Hatra, Nimrud, Nineveh e no Museu Mosul.

A Beleza Invisível é como uma membrana frágil que registra as oscilações de uma prática artística permeada pela condição atual do país e pelo estado das artes.

Os artistas

Os artistas do pavilhão representam uma ruptura – tanto em termos de mídia quanto de preocupações sociais mais amplas – das restrições de uma educação clássica que informa a tradição estética ortodoxa da maioria dos trabalhos dos artistas iraquianos.

Latif Al Ani
Latif Al Ani (n. 1932) é considerado o pai fundador da fotografia iraquiana e sua extensa carreira documental se estende do final da década de 1950 ao final da década de 1970, quando se tornou impossível fotografar em público devido à atmosfera cada vez mais autoritária do regime de Saddam e a guerra Irã-Iraque. Uma dualidade de pensamento faz com que as tendências da modernização e a retenção de tradições antigas sejam temas do trabalho de Al Ani, e a exposição do Pavilion se concentra nos trabalhos do período inicial de sua carreira.

As fotografias de sítios arqueológicos de Latif Al Ani do final dos anos 1950 e 1960 ganham importância no cenário de eventos dramáticos atuais. Naquela época, era intenção do artista documentar uma sociedade sobre o ponto de virada para a era moderna. Hoje, essas fotografias funcionam como agentes críticos contra a tragédia da decadência e a perda de dignidade e sofisticação. O trabalho de Al Ani é uma testemunha em preto e branco de uma sociedade utópica, uma sociedade que agora é varrida pelas irracionalidades da guerra e da religião.

Mesquita Mirjan (1960)
Estação de trem, Bagdá (1961)
Berlim (1965)
Nahr Street Shop (1960)
Karkh, Bagdá (1961)
Rua Rashid, Haydarkhana (1961)
Musayb, ponte flutuante (1959)
Al Aqida, Ensino Médio, Bagdá (1961)
Cabeça roubada que não foi recuperada, Hatra (c. 1960)

Akam Shex Hadi
Akam Shex Hadi (n. 1985) representa uma geração posterior da fotografia iraquiana e seus trabalhos simbólicos e encenados o viram participar de festivais de fotografia na Ásia e no Oriente Médio. Seu trabalho, juntamente com o de Haider Jabbar, está preocupado com a ascensão de Ísis e a crise de refugiados. Ele criou um novo trabalho para o Pavilhão, composto por 28 fotografias. Um motivo recorrente da série é um fio desenrolador, que se assemelha a uma cobra, mas é revelado ser a bandeira do Ísis, um lembrete contínuo de suas qualidades fascinantes. Shex Hadi também apresenta uma série de fotografias aéreas que descrevem o que parece ser um grande relógio de chão, exceto que os dígitos não estão nas posições esperadas. Uma figura prostrada representando um ponteiro do relógio torna as obras uma reflexão sobre a capitulação humana ao tempo, uma espécie de lembrança mori.

Akam Shex Hady, no qual ele fotografou pessoas fugindo do ISIS de maneira sutil e delicada. O pedaço de pano preto se infiltra na imagem como um laço ameaçador ao redor das pessoas capturadas na nudez de sua tragédia.

Rabab Ghazoul
Rabab Ghazoul (n. 1970) também responde à sua relação geográfica específica com o Iraque em seu trabalho. Sediada no País de Gales, Ghazoul produziu um novo trabalho em vídeo para o Pavilhão, que leva o Inquérito Chilcot como ponto de partida. O trabalho de Ghazoul investiga nossa relação com estruturas políticas e sociais e parte desse novo trabalho é um inventário de depoimentos oficiais sobre a Guerra do Iraque, recentemente falada por cidadãos britânicos anônimos. Este aspecto do trabalho destaca três dos principais temas da exposição – arte como ato de catalogação, a correlação entre o momento em que um trabalho é feito e suas qualidades e idéias formais sobre o que constitui a comunidade. Ghazoul, que é a única artista feminina em exibição, teve várias exposições individuais em Cardiff e participou de várias exposições coletivas em todo o país de Gales e no resto da Europa.

Ao dar voz ao povo, Rabab Ghazoul reflete sobre a noção do público e de seus representantes. Através do simples gesto de gravar as vozes de cidadãos anônimos da Inglaterra, ao repetir um discurso do ex-primeiro-ministro britânico Tony Blair, o artista desconstrói noções de verdade, culpa e responsabilidade.

Haider Jabbar
O pintor Haider Jabbar (nascido em 1986) está mostrando uma série de retratos em aquarela refletindo sobre a crise do Ísis e as numerosas vítimas que reivindicou. Essas obras são versões chocantes, muitas vezes brutais, do destino de jovens que morreram no conflito. Os homens são identificados apenas pelo número de casos e Jabbar, que se considera parte de uma geração de jovens que tiveram suas vidas arruinadas desnecessariamente por décadas de conflito no Iraque, pretende fazer 2.000 dessas obras. Jabbar é ele próprio um refugiado, agora vivendo e trabalhando na Turquia com o apoio da Fundação Ruya.

Os rostos de Haider Jabbar tornam-se mudos após o brutal ato de decapitação. O artista reflete sobre o corpo em pedaços, fazendo um arquivo de cabeças decapitadas, vítimas de violência. Sua linguagem artística trai um fascínio pelo trabalho de alguns de seus colegas artísticos mais antigos, mas a diferença pode ser encontrada na maneira como ele “traduz” o que viveu em uma imagem com apelo universal. Cada canal envolve fragmentos trágicos da realidade.

Salam Atta Sabri
Salam Atta Sabri (n.1953) trabalhou extensivamente na administração artística no Iraque e no exterior, mas apesar de ter treinado como ceramista e de desenhar extensivamente, nunca mostrou seus desenhos em público. Ele produziu cerca de 300 desenhos entre 2012 e 2015 que nunca exibiu, dos quais mais de 100 estão em exibição no Pavilhão. Esses trabalhos intensamente pessoais exibem a experiência de um artista que se esforça para criar sob a sombra de uma infraestrutura de arte em ruínas. Atta Sabri retornou a Bagdá em 2005, depois de viver nos Estados Unidos e na Jordânia por 16 anos, e seus desenhos podem ser entendidos como um diário em que o artista aborda a tragédia existencial pela qual passa ao retornar à sua cidade natal.

O diário de desenhos de Salam Atta Sabri. Cartas de Bagdá podem ser entendidas como anotações introspectivas, nas quais as circunstâncias trágicas de um país colidem com o drama pessoal de um artista que sente o imperativo de fazer arte em um contexto marcado por condições não artísticas.

Vestígios de sobrevivência no Iraque
Uma exposição de mais de 500 desenhos feitos por refugiados no norte do Iraque – coletados por Ruya em Camp Shariya, Camp Baharka e Mar Elia Camp – acompanharão a exposição. O artista chinês Ai Weiwei selecionou várias dessas obras para incluir em uma publicação, TRACES OF SURVIVAL: Desenhos de Refugiados no Iraque, selecionados por Ai Weiwei, que será lançado na Bienal. O produto do livro será entregue àqueles que forneceram o conteúdo.

A exposição é acompanhada por uma exibição de desenhos feitos por refugiados no norte do Iraque. Em dezembro de 2014, Ruya lançou uma campanha para fornecer materiais de desenho para homens e mulheres adultos nos campos de refugiados. Ruya visitou Camp Shariya, Camp Baharka e Mar Elia e, durante cinco dias, a Fundação coletou 546 inscrições, incluindo desenhos, poesia e prosa. Uma seleção desses desenhos está em exibição. As submissões apresentam respostas incrivelmente poderosas à vida dentro dos campos de refugiados. Uma figura de tanques e aeronaves que disparavam tiros uns contra os outros foi desenhada por um homem de quarenta anos com a legenda: ‘Nosso povo viveu apenas entre guerras e destruição’, enquanto outra imagem mostra uma figura isolada em um campo de refugiados inundado que petições, ‘Salve-nos do afogamento. Eu sou iraquiano. ‘Por outro lado, outros desenhos retratam a vida antes da crise dos refugiados, incluindo uma representação brilhante de Mosul antes de Ísis assumir o controle e uma representação de um festival tradicional de Yazidi. Várias dessas imagens foram selecionadas por Ai Weiwei para um grande livro publicado para coincidir com a Bienal. Os rendimentos do livro voltarão para aqueles que forneceram o conteúdo.

Este trabalho foi desenhado por um homem de 41 anos, representando sua cidade de Mosul, da qual fugiu quando Ísis assumiu. A legenda se traduz como: oved Amado Mosul. Estaremos de volta se Deus quiser. ‘Uma menina de 18 anos descreve sua melhor amiga que ela viu morta e ensanguentada depois de ter sido estuprada no Monte Sinjar. No momento em que este desenho foi feito, sua amiga ainda estava enterrada. Este é um desenho do campo em que o homem agora vive. Ele descreve o campo inundado, incluindo ele e outros gritando: ‘Salve-nos de se afogar. Eu sou iraquiano.

Uma romã no jardim de um velho yezidi forçado a fugir de casa quando Ísis atacou o monte Sinjar. Ele se lembra em detalhes do dia em que Ísis atacou. Esta árvore representa o lar para ele.

A beleza invisível das obras desta exposição se estende à coragem dos artistas em relação ao engajamento. Invisible Beauty dá voz a diferentes gerações de artistas, prisioneiros da decadência de um país. Ao mesmo tempo, cada um deles acredita que, como artista, pode assumir uma posição, pode assumir uma responsabilidade diferente da crença ortodoxa na beleza pura. Esses artistas estão ancorando suas práticas artísticas em um complexo tumulto de perda, identidade, memória e beleza. Invisible Beauty é uma exposição que sussurra, que articula suavemente. Contra o pano de fundo apocalíptico do passado recente do Iraque, os artistas ainda encontram coragem para se envolver em trabalhos onde o artista individual é independente de qualquer forma de academismo e depende de uma reflexão densa sobre como a arte se relaciona com a sociedade.

Palazzo Dandolo Farsetti
O Ca ‘Farsetti (ou Palazzo Dandolo Farsetti) é um palácio veneziano, localizado no bairro de San Marco e com vista para o Grande Canal, não muito longe da Ponte Rialto. É o assento, junto com o Ca ‘Loredan adjacente, do município da cidade da lagoa.

O palácio foi construído no século XIII pela vontade dos descendentes de Doge Enrico Dandolo, de apenas dois andares.
Federigo Contarini, que comprou o palácio em 1440, ampliou-o em altura, trazendo-o ao seu tamanho atual.

Por volta de 1670, passa para a família que leva o nome de Farsetti, que durante o século XVIII montou uma espécie de centro cultural aberto a intelectuais, artistas, cidadãos e turistas estrangeiros. No “museu” havia uma rica coleção de obras de arte de várias épocas e origens, completadas por uma biblioteca bem abastecida.

O último membro da família foi Anton Francesco que, sobrecarregado por dívidas, fechou a galeria em 1788 e começou a alienar os trabalhos mantidos. Imediatamente bloqueado pelos inquisidores do estado, ele conseguiu retomar as vendas após a queda do Serenissima.

Morto em 1808, o palácio foi comprado em leilão pela viúva Andriana da Ponte como credor dote. Durante algum tempo, o hotel “Gran Bretagna” foi instalado no local, mas em 1826 foi vendido à administração municipal de Veneza, que no ano seguinte o transformou em residência municipal, um papel que ainda desempenha.

A fachada do Palazzo Farsetti possui um edifício em três níveis, mais um mezanino: os dois primeiros são os do núcleo original, com uma varanda estilo veneziano-bizantino no nível do canal; o segundo andar e o mezanino são o resultado de obras renascentistas.

O piso térreo possui centralmente um pórtico fechado por cinco arcos redondos, sustentado por quatro colunas coríntias, estruturalmente semelhantes às do Ca ‘Loredan adjacente, ao qual o Ca’ Farsetti está conectado, no lado esquerdo, através de um “viaduto”. No piso principal, a fachada é caracterizada por quinze aberturas redondas com uma longa balaustrada para marcar os dois níveis.

No interior, há a escadaria da ala direita, devido às obras que os Farsetti realizaram no século XVIII e o salão principal com estuques do mesmo século.

Bienal de Veneza 2015
A Bienal de Arte de 2015 encerra uma espécie de trilogia que começou com a exposição com curadoria de Bice Curiger em 2011, Illuminations, e continuou com o Palácio Enciclopédico de Massimiliano Gioni (2013). Com o All The Futures do mundo, a La Biennale continua sua pesquisa sobre referências úteis para fazer julgamentos estéticos sobre a arte contemporânea, uma questão “crítica” após o final da arte de vanguarda e “não-arte”.

Por meio da exposição com curadoria de Okwui Enwezor, a Bienal volta a observar a relação entre arte e o desenvolvimento da realidade humana, social e política, na prensagem de forças e fenômenos externos: as maneiras pelas quais, ou seja, as tensões do exterior o mundo solicita as sensibilidades, as energias vitais e expressivas dos artistas, seus desejos, os movimentos da alma (sua canção interior).

La Biennale di Venezia foi fundada em 1895. Paolo Baratta é seu presidente desde 2008 e antes de 1998 a 2001. La Biennale, que está na vanguarda da pesquisa e promoção de novas tendências da arte contemporânea, organiza exposições, festivais e pesquisas em todos os seus setores específicos: Artes (1895), Arquitetura (1980), Cinema (1932), Dança (1999), Música (1930) e Teatro (1934). Suas atividades estão documentadas no Arquivo Histórico de Artes Contemporâneas (ASAC), que recentemente foi completamente reformado.

O relacionamento com a comunidade local foi fortalecido por meio de atividades educacionais e visitas guiadas, com a participação de um número crescente de escolas da região de Veneto e além. Isso espalha a criatividade na nova geração (3.000 professores e 30.000 alunos envolvidos em 2014). Essas atividades foram apoiadas pela Câmara de Comércio de Veneza. Também foi estabelecida uma cooperação com universidades e institutos de pesquisa que fazem passeios e estadias especiais nas exposições. Nos três anos de 2012 a 2014, 227 universidades (79 italianas e 148 internacionais) aderiram ao projeto Sessões da Bienal.

Em todos os setores, houve mais oportunidades de pesquisa e produção dirigidas à geração mais jovem de artistas, diretamente em contato com professores de renome; isso se tornou mais sistemático e contínuo através do projeto internacional Biennale College, agora em execução nas seções de dança, teatro, música e cinema.