Em mais de 60 anos de produção, Tomie Ohtake concebeu um conjunto notável de obras e se aventurou em diferentes linguagens, sem deixar os eixos principais que nortearam sua pesquisa: cor, gesto e materialidade. Tomie Ohtake: experimentos de gravuras e esculturas, concentra-se na gravura e na escultura, áreas que, além da pintura, são igualmente vastas na produção do artista.

Tomie Ohtake é conhecida por seu trabalho, de um aparente minimalismo que se dissolve à segunda vista, revelando-se complexo e delicado. Seu trabalho, de um minimalismo aparente desfeito à segunda vista, revela-se o complexo e delicado ao mesmo tempo. Sua produção criativa avança contra o tempo.

Destaca-se a fluidez com que ela transpôs os traços e movimentos da pintura, particularmente a sua, para esses novos materiais – mais rígidos e com outros limites. O gesto está presente nessas práticas, seja nas curvas e torções dos tubos de aço que parecem ter sido moldados pelas próprias mãos de Tomie, seja na imprecisão das formas presentes nas gravuras, tomadas com fidelidade pelos estudos realizados pelo artista rasgar e cortar papéis, deixando claro seu compromisso com a execução do trabalho.

A gravura na obra da artista apareceu quinze anos depois que ela já era reconhecida como pintora brasileira. Inicialmente, suas impressões eram em serigrafia, com superfícies revestidas de cores, até que ele chegou à construção de planos quebrados, ondulados e desbotados. Gradualmente, o artista desenvolveu novas mídias, a litografia, com diferentes possibilidades, como desenhos feitos a lápis. No entanto, foi na gravura em metal que ele encontrou a mesma liberdade que a escova e com a qual continuou trabalhando.

As gravuras presentes nesta exposição mostram como Tomie fez dessa técnica um campo fértil e inovador. Ele criou séries em grandes formatos, transformou a gravura em um objeto, produziu obras que avançam de um plano para outro (na confluência de 90 graus) e até trabalhou com quatro mãos na composição do álbum Yu-Gen, uma série inspirado no Japão, com poemas de Haroldo de Campos inscritos em imagens criadas pelo artista. Com seu experimentalismo incomum, suas gravuras também ganharam reconhecimento internacional desde 1972, quando ela foi convidada a participar da sala Grafica D’Oggi na Bienal de Veneza – uma exposição da qual participaram os artistas mais importantes do mundo, como os americanos de Arte pop.

A escultura na obra de Tomie, por outro lado, aparece a partir de 1996, quando ela foi convidada pela Bienal de São Paulo a participar de uma sala especial. Para o evento internacional, ela projetou uma série de peças tubulares de aço, linhas flutuantes que, em vez de impor um volume, destacam o vazio. A partir desta série, quatro das esculturas reunidas em Tomie Ohtake se desdobram: cores gravadas, linhas no espaço, enquanto o conjunto de três anéis circulares, também presentes na exposição, fazia parte de sua primeira instalação, realizada a convite de Paço das Artes, em 2000. Com aproximadamente quatro metros de diâmetro, com formas diferentes e onduladas que atingem até 1,50 m de altura, os aros fazem um movimento pendular ao serem tocados, permitindo ao espectador mover as peças.

Biografia
Tomie Ohtake (Kyoto, 21 de novembro de 1913 – São Paulo, 12 de fevereiro de 2015) foi uma artista japonesa naturalizada brasileira.

Tomie Ohtake é um dos principais representantes do abstracionismo informal. Seu trabalho inclui pinturas, gravuras e esculturas. Ela foi premiada no Salão Nacional de Arte Moderna em 1960; e em 1988, ela foi abençoada com a Ordem de Rio Branco pela escultura pública comemorativa dos 80 anos da imigração japonesa em São Paulo.

Por sua renomada carreira, Tomie Ohtake é considerada a “senhora das artes plásticas brasileiras”. Artistas como Tomie Ohtake, Tikashi Fukushima, Manabu Mabe e outros são abstracionistas reconhecidos, representantes do Brasil, que têm muitos apoiadores.

Os trabalhos
O vasto trabalho de Tomie Ohtake é atravessado por uma busca constante e assídua por síntese. Seja conquistada pela economia de formas simples quebradas em composições refinadas e concisas, ou pelo equilíbrio entre o uso livre de formas abstratas, o impulso gestual e o cuidado meticuloso no descarte desses elementos. O fato é que o trabalho do artista desenvolve o limiar entre intenção e ação, racionalidade e sensualidade, em uma matriz impregnada de aspectos da pintura ocidental que remetem à tradição japonesa. Em seu discurso sintético e em sua personalidade tranquila, Tomie Ohtake sempre fez questão de ressaltar a necessidade de não nomear suas obras: nomeá-las restringiria a possibilidade de interpretações. A artista rompeu com a figuração explícita dos primeiros estudos e mergulhou na exploração abstrata feita sem uma régua e uma bússola – não formas livres figurativas que não deixam de evocar superfícies de água, luzes, estrelas, imagens de cosmos, dependendo da imaginação do observador .

Por isso, ela utilizou recursos e várias técnicas capazes de elevar as mais variadas leituras. Transitado entre essas maneiras de fazer formas inventivas: pintado com os olhos vendados; transpõe padrões e texturas desenhados a partir de imagens em revistas; Ela aperfeiçoou seu gesto de maneira que suas pinturas, esculturas e produções gráficas tenham a mesma delicadeza e fluidez nas formas; ela aproveitou o potencial de cada suporte, usando paletas cromáticas ousadas e exuberantes.

Em Casa, No Ateliê
O ambiente doméstico de Tomie Ohtake teve um papel importante em sua vida e trabalho. A artista, que começou a produzir na década de 1950, prestes a completar 40 anos, morava com seus dois filhos em uma pequena casa no bairro da Mooca, em São Paulo. Lá, em um espaço apertado, ela fez seus primeiros trabalhos, passou da figuração à abstração e fez algumas das coleções mais importantes de obras de sua carreira, mesmo com algumas limitações, como a necessidade de ter que ir para fora para poder claramente o que estava pintando em retirada.

Na década de 1970, depois de se mudar para uma nova residência, o artista ganhou maior liberdade para produzir. O espaço não era mais uma restrição e formatos maiores e técnicas diferentes poderiam ser exploradas como seus impulsos criativos. Concebida por seu filho Ruy Ohtake, a casa foi projetada para ser configurada como um grande ambiente contínuo, no qual as salas compactas projetadas como células poderiam ser distribuídas livremente. Suas estruturas de suporte sustentavam as paredes laterais, deixando o centro de afastamento como um amplo corredor, no qual, a partir do gateway, você pode ver toda a extensão construída. No entanto, após algumas reformas, outras áreas foram anexadas, incluindo um novo estúdio que permitiu novos experimentos e também incluiu trabalhos e documentos anteriores, armazenados em uma reserva técnica. Foi nesse amplo ambiente que Tomie Ohtake desenvolveu seu trabalho, passou um tempo com sua família e recebeu amigos, artistas, críticos, curadores e jornalistas, criando uma rede distinta de relacionamentos e colaborações. Sua figura e sua casa fazem parte das memórias de muitas gerações da arte brasileira como sinônimo de generosidade e perseverança.

Primeiros anos
Desde 1952, Tomie Ohtake ingressou nas aulas de pintura. Sem pretender, a princípio, aprendeu o ofício e as técnicas com o professor Keisuke Sugano, que incentivou a produção pictórica, inicialmente figurativa. Paisagens, o que ela viu pela janela, objetos de sua casa e fotos aparecem neste primeiro momento da produção do artista. No entanto, é possível ver que os troncos e galhos emaranhados, aglomerados de casas, entre outras figuras, estão gradualmente se tornando menos reconhecíveis, diluindo-se para formar composições cada vez mais geométricas.

Pinturas cegas
Além das formas e cores, a questão dos sentidos também estava na agenda do trabalho de Tomie Ohtake. Entre 1959 e 1962, o artista fez uma série de pinturas com os olhos vendados, cenário que ficou conhecido como título “Pinturas Cegas”, concedido pelo curador Paulo Herkenhoff. A partir desse procedimento, o artista apresentou uma discussão sobre arte e cegueira, estabelecendo um diálogo com o filósofo francês Maurice Merleau-Ponty através da percepção do mundo, passando aos sentidos, que é exatamente o que é privar-se da visão durante o processo de pintura. . No entanto, embora lidem com a chance, não são totalmente feitas às cegas: havia pelo artista uma escolha prévia de cores e um caminho determinado a ser traçado. Cores predominantes nesses trabalhos como branco, preto, cinza e marrom.

Processo Construtivo
Desde meados da década de 1960, Tomie Ohtake retirou-se das referências de revistas brasileiras e japonesas usadas para elaborar colagens. Estes, por sua vez, funcionaram quase como um protótipo para pinturas e gravuras. Esse recurso foi usado para definir os campos de cores próximos às formas geométricas tornadas imprecisas pelo efeito das lágrimas feitas à mão no papel, ou por texturas, ranhuras e rebarbas resultantes da manualidade deste método. Até marcas e manchas mais sutis presentes em colagens costumavam ser aplicadas fielmente em suas pinturas e gravuras.

Já nas décadas de 1970 e 1980, é evidente em seus estudos uma definição maior nas formas de contorno. Isso decorre do uso de tesouras para fazer cortes de papéis. Estudos e, portanto, trabalhos se tornam mais regulares. Mesmo assim, as tesouras não têm a precisão de uma bússola e régua – instrumentos usados ​​por Tomie Ohtake -, portanto, mantinha aberta a possibilidade de ocorrência de desvios gestuais em relação à retidão das formas geométricas. Ao longo dos anos, esses projetos se tornaram mais escassos, notáveis ​​também pelas composições mais fluidas, pinceladas mais orgânicas e mais flexíveis quanto à estrutura. No entanto, estudos recorrentes foram realizados para exposições e s tipos de catalogação que a própria artista esboçou, com informações sobre empréstimos, vendas ou que estavam sendo exibidas.

Formas geométricas
“Ao contrário do racionalismo da geometria ocidental, Ohtake experimenta incessantemente imprecisões”

Tomie Cósmica
Tomie Ohtake era uma artista que explorava geometria. Não afiliada a nenhum movimento que permeou – como é o caso do concretismo e do neoconcretismo, por exemplo – a artista trouxe sua própria linguagem e modos de agir guiados pela abstração, aplicação de cores, preparação de texturas e gestos expressivos. Nos anos 2000, observa-se na produção do artista uma recorrência de forma circular. Formas orgânicas, brilhantes e curvilíneas, levantam interpretações relacionadas ao cosmos: bolas incandescentes que se assemelham a galáxias, buracos negros, eclipses, planetas ou aparecem em pares, sugerindo ondas, radiações. No entanto, enquanto suas pinturas permitem uma leitura telescópica, também é possível acreditar que as imagens construídas vêm das lentes de um microscópio. O círculo também pode ser lido por aspectos do zen japonês, demonstrando seu poder rítmico, a idéia de ciclos e inspirando um certo silêncio, como uma grande curva solitária em um fundo monocromático.

Litografias
Desde o início dos anos 1960, Tomie Ohtake fez estudos com papel cortado encontrado em revistas. Com a gravação, ela começou sua experiência com o processo de serigrafia que permitia ao artista transpor a fluidez de seu gesto para representar a gráfica. No início de 1970, Tomie Ohtake entrou no mundo da litografia. Esta parte de sua produção se destaca pelo uso de cores tão vibrantes e também por combinações incomuns que o artista a criou. Elas diferem das de sua produção pictórica. A litografia de Tomie tira proveito de todo o repertório gráfico disponível nesta técnica. Suas possibilidades de reprodução e trabalho em conjunto com um especialista técnico permitiram que ela criasse soluções composicionais, como preparação cromática e sobreposição de formas.

100 – 101
Nos últimos dois anos de vida, Tomie Ohtake teve uma produção poderosa e em larga escala. Trabalhos construídos resultantes da redução drástica da variação cromática, criando monocromos brilhantes e radiantes em branco, vermelho, amarelo e azul. Suas linhas e formas são delineadas por relevos, grossas camadas de tinta acumulada, a ponto de tornar o fundo da tela uma topografia cheia de acidentes e descontinuidades.

Trabalhos públicos
A partir da década de 1980, Tomie Ohtake trouxe ao público espaços e áreas de formas de convivência, que remetem aos elementos pictóricos de sua produção plástica. Em locais de moradia em várias cidades, essas formas são convertidas em quilos ou toneladas de ferro, concreto, aço, pellets de vidro ou o que for necessário; tais volumes que podem atingir escala monumental, nunca parecem ter o peso que realmente têm.

Uma de suas primeiras obras públicas, que não existe mais, mas que gerou vários debates, foi a estrela flutuante que ela projetou para o Rio de Janeiro em 1985. Ela construiu uma peça de metal que se destacava sobre a água com o sol e era feita da mesma maneira. espaço e com a mesma infraestrutura usada para manter navios. Uma de suas obras de grande reconhecimento público, realizada em comemoração aos 80 anos de imigração japonesa no Brasil em 1988, ela representou as gerações de japoneses que estavam aqui (issei, nissei, sansei, yonsei) por quatro arcos – ou curvas / Waves – da Avenida 23 de Maio. Vinte anos depois, ela voltou para comemorar a imigração, desta vez no centenário, com uma peça circular disposta em uma das vias de acesso ao Aeroporto Internacional de Guarulhos.

Em 1997, ela concebeu seu primeiro trabalho tridimensional para integrar um edifício. Localizada no complexo do Laboratório Aché – cujo projeto arquitetônico é de Ruy Ohtake, seu filho -, a obra, apoiada em um único ponto, funciona como uma fita de Moebius, uma forma geométrica na qual não é possível distinguir lados internos e externos. do lado de fora, lembrando o símbolo do infinito por seu movimento sempre contínuo. Antes disso, Tomie Ohtake já havia colaborado com a arquitetura na realização de painéis, murais e pinturas relacionados aos espaços projetados.

O procedimento de trabalho da artista, quando ela decidiu atuar na escala arquitetônica, começou com a criação de esboços, colagens e maquetes rápidas, geralmente feitas à mão sem comprometer sua força. Então seus modelos imaginativos foram possíveis graças à colaboração de técnicos e engenheiros, que empregavam métodos sofisticados para traduzir suas formas delicadas em esculturas monumentais.

Tomie Ohtake Institute
O Instituto Tomie Ohtake, aberto desde 28 de novembro de 2001, é um dos poucos espaços em São Paulo que foram projetados com o objetivo específico de realizar exposições nacionais e internacionais de arte, arquitetura e design.

Honrando o artista que recebeu seu nome, o Instituto abriga exposições que mostram os desenvolvimentos artísticos nas últimas seis décadas, bem como movimentos artísticos anteriores que contribuem para uma melhor compreensão do período em que Tomie Ohtake viveu e trabalhou . Desde a abertura de suas portas ao público, o Instituto já realizou espetáculos inéditos no Brasil, incluindo Louise Bourgeois, Josef Albers, Yayoi Kusama, Salvador Dalí, Joan Miró, entre outros.

Além do programa de exibição pioneiro – ampliado por meio de um programa paralelo de debates, pesquisa, produção de conteúdo, trabalho de arquivo e publicações – o Instituto Tomie Ohtake, desde a sua fundação, realizou pesquisas significativas sobre abordagens para o ensino de arte contemporânea. Isso se manifesta no pioneirismo de novos métodos de treinamento para professores e alunos de escolas públicas e privadas, um programa de eventos aberto a todos e projetos projetados para incentivar novas gerações de artistas a se desenvolver e prosperar.