Estilo de arte

Nas artes visuais, o estilo é uma “… maneira distinta que permite o agrupamento de obras em categorias relacionadas” ou “… qualquer forma distintiva e, portanto, reconhecível, na qual um ato é realizado ou um artefato feito ou deveria ser executado e feito “. Refere-se à aparência visual de uma obra de arte que a relaciona com outras obras do mesmo artista ou uma do mesmo período, formação, localização, “escola”, movimento artístico ou cultura arqueológica: “A noção de estilo tem sido principal modo de classificar obras de arte do historiador de arte. Por estilo ele seleciona e molda a história da arte “.

O estilo é frequentemente dividido no estilo geral de um período, país ou grupo cultural, grupo de artistas ou movimento de arte, e o estilo individual do artista dentro desse estilo de grupo. Divisões dentro de ambos os tipos de estilos são frequentemente feitas, como entre “early”, “middle” ou “late”. Em alguns artistas, como Picasso, por exemplo, essas divisões podem ser marcadas e fáceis de ver, em outras, mais sutis. O estilo é visto como geralmente dinâmico, na maioria dos períodos sempre mudando por um processo gradual, embora a velocidade disso varie muito, entre o desenvolvimento muito lento em estilo típico da arte pré-histórica ou da arte egípcia antiga às rápidas mudanças nos estilos de arte moderna. O estilo geralmente se desenvolve em uma série de saltos, com mudanças relativamente repentinas seguidas por períodos de desenvolvimento mais lento.

Depois de dominar a discussão acadêmica na história da arte nos séculos XIX e XX, a chamada “história da arte de estilo” tem sofrido um crescente ataque nas últimas décadas, e muitos historiadores da arte preferem agora evitar classificações estilísticas onde podem.

Etimologia
A palavra estilo vem do latim stilus, um furo que os romanos costumavam escrever. Mas em grego stilo significa coluna, e como a coluna era o elemento mais singular e personalizado da arquitetura, podemos dizer que o estilo da palavra era originalmente o modo pelo qual a literatura ou a arquitetura era feita.

Visão geral
Qualquer obra de arte é, em teoria, capaz de ser analisada em termos de estilo; nem períodos nem artistas podem evitar ter um estilo, a não ser por completa incompetência, e inversamente não se pode dizer que objetos ou vistas naturais tenham estilo, já que o estilo só resulta de escolhas feitas por um criador. Se o artista faz uma escolha consciente de estilo, ou pode identificar seu próprio estilo, dificilmente importa. Os artistas em sociedades desenvolvidas recentemente tendem a ser altamente conscientes de seu próprio estilo, sem dúvida excessivamente consciente, enquanto que, para artistas anteriores, as escolhas estilísticas eram provavelmente “em grande parte inconscientes”.

A maioria dos períodos estilísticos é identificada e definida mais tarde pelos historiadores da arte, mas os artistas podem optar por definir e nomear seu próprio estilo. Os nomes da maioria dos estilos mais antigos são a invenção dos historiadores da arte e não teriam sido compreendidos pelos praticantes desses estilos. Alguns se originaram como termos de escárnio, incluindo gótico, barroco e rococó. O cubismo, por outro lado, era uma identificação consciente feita por alguns artistas; a palavra em si parece ter se originado com os críticos, e não com os pintores, mas foi rapidamente aceita pelos artistas.

A arte ocidental, como a de algumas outras culturas, mais notavelmente a arte chinesa, tem uma tendência marcada para reviver em intervalos estilos “clássicos” do passado. Na análise crítica das artes visuais, o estilo de uma obra de arte é tipicamente tratado como distinto de sua iconografia, que abrange o assunto e o conteúdo do trabalho, embora para Jas Elsner essa distinção “não seja, é claro, verdade em qualquer exemplo real, mas provou-se retoricamente extremamente útil “.

História do conceito
A crítica de arte clássica e os relativamente poucos escritos medievais sobre estética não desenvolveram muito um conceito de estilo na arte, ou sua análise, e embora os escritores renascentistas e barrocos da arte estejam muito preocupados com o que chamaríamos de estilo, eles não desenvolveram um teoria coerente do mesmo, pelo menos fora da arquitetura. Giorgio Vasari apresentou um relato extremamente influente, mas muito questionado, do desenvolvimento do estilo na pintura italiana (principalmente) de Giotto ao seu próprio período maneirista. Ele enfatizou o desenvolvimento de um estilo florentino baseado em disegno ou desenho baseado em linhas, ao invés de cores venezianas. Com outros teóricos da Renascença, como Leon Battista Alberti, ele continuou os debates clássicos sobre o melhor equilíbrio da arte entre a representação realista da natureza e a idealização dela; esse debate continuaria até o século XIX e o advento do modernismo.

O teórico do Neoclassicismo, Johann Joachim Winckelmann, analisou as mudanças estilísticas na arte clássica grega em 1764, comparando-as com as mudanças na arte renascentista, e “Georg Hegel codificou a noção de que cada período histórico terá um estilo típico”, lançando um muito longa sombra sobre o estudo do estilo. Hegel é freqüentemente atribuído com a invenção da palavra alemã Zeitgeist, mas ele nunca realmente usou a palavra, embora em Lectures on the Philosophy of History, ele usa a expressão der Geist seiner Zeit (o espírito de seu tempo), escrevendo “nenhum homem”. pode superar seu próprio tempo, pois o espírito de seu tempo é também seu próprio espírito “.

A construção de esquemas dos estilos do período da arte e arquitetura históricas foi uma grande preocupação dos estudiosos do século XIX no novo campo da história da arte, inicialmente predominantemente de língua alemã, com escritores importantes sobre a ampla teoria do estilo, incluindo Carl Friedrich von Rumohr, Gottfried. Semper e Alois Riegl em seu Stilfragen de 1893, com Heinrich Wölfflin e Paul Frankl dando continuidade ao debate no século XX. Paul Jacobsthal e Josef Strzygowski estão entre os historiadores de arte que seguiram Riegl ao propor grandes esquemas traçando a transmissão de elementos de estilos em grandes escalas no tempo e no espaço. Este tipo de história da arte é também conhecido como formalismo, ou o estudo de formas ou formas na arte.

Semper, Wölfflin e Frankl, e mais tarde Ackerman, tinham antecedentes na história da arquitetura e, como muitos outros termos para estilos de época, “românico” e “gótico” foram inicialmente cunhados para descrever estilos arquitetônicos, onde grandes mudanças entre estilos podem ser mais claro e mais fácil de definir, até porque o estilo na arquitetura é mais fácil de replicar seguindo um conjunto de regras do que o estilo na arte figurativa, como a pintura. Termos originados para descrever os períodos de arquitectura foram, muitas vezes, posteriormente aplicados a outras áreas das artes visuais, e depois, mais amplamente, à música, à literatura e à cultura geral.

Na arquitetura, a mudança estilística geralmente se segue, e é possível, pela descoberta de novas técnicas ou materiais, desde a abóbada gótica até o metal moderno e a construção de concreto armado. Uma área importante de debate tanto na história da arte como na arqueologia tem sido a medida em que a mudança estilística em outros campos como pintura ou cerâmica é também uma resposta a novas possibilidades técnicas, ou tem seu próprio ímpeto para desenvolver (o kunstwollen de Riegl), ou mudanças em resposta a fatores sociais e econômicos que afetam o patronato e as condições do artista, como o pensamento atual tende a enfatizar, usando versões menos rígidas da história da arte marxista.

Embora o estilo fosse bem estabelecido como um componente central da análise histórica da arte, vê-lo como o fator dominante na história da arte havia caído de moda na Segunda Guerra Mundial, à medida que outras formas de olhar para a arte se desenvolviam. reação contra a ênfase no estilo; para Svetlana Alpers, “a invocação normal de estilo na história da arte é realmente um assunto deprimente”. De acordo com James Elkins “No final do século 20, as críticas ao estilo visavam reduzir ainda mais os elementos hegelianos do conceito, mantendo-o de uma forma que poderia ser mais facilmente controlada”. Meyer Schapiro, James Ackerman, Ernst Gombrich e George Kubler (A forma do tempo: observações sobre a história das coisas, 1962) fizeram contribuições notáveis ​​para o debate, que também se baseou em desenvolvimentos mais amplos na teoria crítica. Em 2010, Jas Elsner colocou mais fortemente: “Por quase todo o século 20, a história da arte de estilo tem sido o rei indiscutível da disciplina, mas desde as revoluções dos anos setenta e oitenta o rei foi morto”, embora seu artigo explora maneiras em que “história de arte de estilo” permanece viva, e seu comentário dificilmente seria aplicável à arqueologia.

O uso de termos como Counter-Maniera parece estar em declínio, já que a impaciência com esses “rótulos de estilo” cresce entre os historiadores da arte. Em 2000, Marcia B. Hall, uma importante historiadora de arte da pintura e mentirinha italiana do século 16 de Sydney Joseph Freedberg (1914–1997), que inventou o termo, foi criticada por um crítico dela depois de Raphael: Painting in Central Italy in the Século XVI por sua “falha fundamental” em continuar a usar este e outros termos, apesar de uma “Nota nos rótulos de estilo” apologética no início do livro e uma promessa de manter seu uso ao mínimo.

Uma rara tentativa recente de criar uma teoria para explicar o processo que leva a mudanças no estilo artístico, em vez de apenas teorias sobre como descrevê-las e classificá-las, é do psicólogo comportamental Colin Martindale, que propôs uma teoria evolutiva baseada em princípios darwinianos. No entanto, isso não pode ser dito para ter ganhado muito apoio entre os historiadores da arte.

Em belas artes
Estilo é o termo geral que tradicionalmente designa as características comuns de uma época ou as obras de um artista. É uma ferramenta de abstração e idealização, derivada de obras de arte individuais, para classificar e sistematizar a diversidade da arte e descrever características distintivas que são consistentes entre as obras de arte. Através desta atribuição a um determinado estilo ou – como uma diferenciação adicional dentro de um estilo – uma direção de estilo correspondentes trabalhos são diferenciados de outros e assim um dirigido por critérios científicos apropriados a distinção pode ser estabelecida.

Dentro de uma época (estilo epoch) existem diferenças de acordo com países e regiões. Mesmo o trabalho de um único artista mostra, apesar de todas as semelhanças com o estilo do seu tempo e as peculiaridades de sua nação que compõem seu estilo pessoal (estilo individual). Após o estágio de desenvolvimento, diferencia-se historicamente na época, bem como no estilo individual das fases inicial, alta e tardia, que desenvolvem ainda mais certas tendências. Por exemplo, a sobrecarga é típica da fase final de uma época.

Dentro do tema acadêmico da história da arte, os estilos de arte são explorados pela chamada estilística. Na história da arte contemporânea, o pluralismo de estilos dentro de uma época ou na obra de um artista é cada vez mais examinado e colocado em relação a contextos históricos, sociais e comunicativos. Os estilos são analisados ​​não apenas como critérios formais e abstratos de ordem de um grupo de obras de arte, mas também como portadores conscientemente escolhidos de significados: por exemplo, edifícios representativos do gótico também foram criados nas formas de uma época passada como Romanesqueto. sublinhar (ou mesmo fingir) a importância histórica do construtor. O conceito tradicional do estilo da época unificada é, portanto, cada vez mais questionado.

Estilo individual
A história da arte tradicional também colocou grande ênfase no estilo individual de um artista: “a noção de estilo pessoal – que a individualidade pode ser expressa de maneira única não apenas na maneira como um artista desenha, mas também nas peculiaridades estilísticas da escrita de um autor exemplo) – talvez seja um axioma das noções ocidentais de identidade “. A identificação de estilos individuais é especialmente importante na atribuição de obras a artistas, o que é um fator dominante na sua valorização para o mercado de arte, sobretudo para trabalhos na tradição ocidental desde o Renascimento. A identificação do estilo individual nas obras é “essencialmente atribuída a um grupo de especialistas no campo conhecido como conhecedores”, um grupo que se concentra no comércio de arte e museus, muitas vezes com tensões entre eles e a comunidade de historiadores acadêmicos de arte.

O exercício da burguesia é, em grande parte, uma questão de impressões subjetivas que são difíceis de analisar, mas também de conhecer detalhes da técnica e da “mão” de diferentes artistas. Giovanni Morelli (1816 – 1891) foi o pioneiro no estudo sistemático do exame minucioso de pequenos detalhes diagnósticos que revelavam a abreviação e as convenções mal-intencionadas dos artistas para retratar, por exemplo, orelhas ou mãos, em pinturas antigas de mestres ocidentais. Suas técnicas foram adotadas por Bernard Berenson e outros, e foram aplicadas à escultura e muitos outros tipos de arte, por exemplo, por Sir John Beazley à pintura de vasos áticos. Técnicas pessoais podem ser importantes na análise do estilo individual. Embora o treinamento de artistas fosse antes do Modernismo essencialmente imitativo, baseando-se em métodos técnicos ensinados, seja aprendido como aprendiz em uma oficina ou mais tarde como aluno em uma academia, sempre havia espaço para variações pessoais. A idéia de “segredos” técnicos, guardados de perto pelo mestre que os desenvolveu, é um tema de longa data na história da arte, do relato mítico de Vasari, de Jan van Eyck, aos hábitos secretos de Georges Seurat.

No entanto, a idéia de estilo pessoal certamente não se limita à tradição ocidental. Na arte chinesa é tão profundamente sustentada, mas tradicionalmente considerada como um fator na apreciação de alguns tipos de arte, sobretudo a caligrafia e a pintura literata, mas não outras, como a porcelana chinesa; uma distinção também muitas vezes vista nas chamadas artes decorativas no Ocidente. A pintura chinesa também permitiu a expressão de visões políticas e sociais pelo artista muito antes do que é normalmente detectado no Ocidente. A caligrafia, também considerada uma arte no mundo islâmico e no leste da Ásia, traz uma nova área no âmbito do estilo pessoal; o ideal da caligrafia ocidental tende a ser o de suprimir o estilo individual, enquanto a grafologia, que se baseia nela, se considera uma ciência.

Maneira
“Forma” é um termo relacionado, frequentemente usado para o que é, na verdade, uma subdivisão de um estilo, talvez focado em pontos particulares de estilo ou técnica. Embora muitos elementos do estilo do período possam ser reduzidos a formas ou formas características, que podem ser adequadamente representados em diagramas simples desenhados por linhas, “forma” é mais frequentemente usada para significar o estilo geral e atmosfera de um trabalho, especialmente trabalhos complexos como pinturas, que não podem ser facilmente sujeitas a uma análise precisa. É um termo um pouco desatualizado na história da arte acadêmica, evitado porque é impreciso. Quando usado, é muitas vezes no contexto de imitações do estilo individual de um artista, e é um da hierarquia de termos discretos ou diplomáticos usados ​​no comércio de arte para a relação entre uma obra à venda e aquela de um conhecido artista, com “Manner of Rembrandt” sugerindo uma relação distanciada entre o estilo da obra e o estilo próprio de Rembrandt. A “Explicação da Prática de Catalogação” dos leiloeiros Christie’s explica que “Maneira de …” em seus catálogos de leilão significa “Em nossa opinião, um trabalho executado no estilo do artista, mas de uma data posterior”. O maneirismo, derivado da maniera italiana (“maneira”) é uma fase específica do estilo geral da Renascença, mas a “maneira” pode ser usada amplamente.

Estilo em arqueologia
Na arqueologia, apesar das técnicas modernas como datação por radiocarbono, o período ou estilo cultural permanece uma ferramenta crucial na identificação e datação não só das obras de arte, mas de todas as classes de artefatos arqueológicos, incluindo os puramente funcionais (ignorando a existência de artefatos puramente funcionais). ). A identificação de estilos individuais de artistas ou artesãos também foi proposta em alguns casos, mesmo em períodos remotos, como a arte da Era Glacial do Paleolítico Superior Europeu.

Como na história da arte, a análise formal da morfologia (forma) de artefatos individuais é o ponto de partida. Isto é usado para construir tipologias para diferentes tipos de artefactos, e pela técnica da seriação é obtida uma datação relativa baseada num estilo para um site ou grupo de sites onde não podem ser usadas técnicas científicas de datação absoluta, em particular onde apenas pedra, cerâmica ou artefatos de metal ou restos estão disponíveis, o que é frequentemente o caso. Sherds de cerâmica são muitas vezes muito numerosos em sites de muitas culturas e períodos, e até mesmo pequenos pedaços podem ser confiantemente datados por seu estilo. Em contraste com as tendências recentes na história da arte acadêmica, a sucessão de escolas de teoria arqueológica no século passado, da arqueologia histórico-cultural à arqueologia processual e, finalmente, o surgimento da arqueologia pós-processual nas últimas décadas não reduziu significativamente a importância da arqueologia. estudo de estilo em arqueologia, como base para classificar objetos antes de interpretações posteriores.

Estilização
Estilização e estilização (ou “estilização” e “estilizada” no inglês britânico (não-Oxford), respectivamente) têm um significado mais específico, referindo-se a representações visuais que usam formas simplificadas de representar objetos ou cenas que não tentam um completo. e representação precisa de sua aparência visual (mimese ou “realista”), preferindo uma representação geral atraente ou expressiva. Mais tecnicamente, foi definido como “a generalização decorativa de figuras e objetos por meio de várias técnicas convencionais, incluindo a simplificação da linha, forma e relações de espaço e cor”, e observou que “arte tilizada reduz a percepção visual para construções de padrão em linha, elaboração de superfície e espaço achatado “.

Arte antiga, tradicional e moderna, assim como formas populares como desenhos animados ou animação, muitas vezes usam representações estilizadas, assim, por exemplo, Os Simpsons usam representações altamente estilizadas, assim como a arte tradicional africana. As duas pinturas de Picasso ilustradas no topo desta página mostram um movimento para uma representação mais estilizada da figura humana dentro do estilo do pintor, e o cavalo branco de Uffington é um exemplo de uma representação pré-histórica altamente estilizada de um cavalo. Motivos nas artes decorativas como palmette ou arabesque são frequentemente versões altamente estilizadas das partes das plantas.

Mesmo na arte que está em geral tentando mimesis ou “realismo”, um grau de estilização é frequentemente encontrado em detalhes, e especialmente figuras ou outras características em pequena escala, tais como pessoas ou árvores, etc. grande trabalho. Mas isso não é estilização destinada a ser notada pelo espectador, exceto em um exame atento. Desenhos, modelli e outros esboços que não são pretendidos como trabalhos acabados para venda também serão estilizados com muita frequência.

“Estilizado” pode significar a adoção de qualquer estilo em qualquer contexto, e no inglês americano é freqüentemente usado para o estilo tipográfico de nomes, como em “AT & T também é estilizado como ATT e at & t”: este é um uso específico que parece ter escapou dicionários, embora seja uma pequena extensão de outros sentidos existentes da palavra.

Estilo da época na literatura
O filólogo Walter Berschin fez o conceito de estilo de época frutífero para a erudição literária e explorou como as biografias medievais são moldadas pelo que as respectivas épocas da biografia do gênero literário (literatura) esperam.

Identificação de computador
Em um experimento de 2012 na Lawrence Technological University, em Michigan, um computador analisou aproximadamente 1.000 pinturas de 34 artistas conhecidos usando um algoritmo especialmente desenvolvido e os colocou em categorias de estilo semelhantes aos historiadores da arte humana. A análise envolveu a amostragem de mais de 4000 recursos visuais por obra de arte.