베네치아 르네상스는 15 세기와 16 세기 사이 베니스에서 개발 된 르네상스 예술의 쇠퇴였다.

15 세기 초반
베네치아 가족은 14 세기 경제 위기 이후 토지 임차료처럼 무역보다 안전한 형태의 소득을 추구하는 예방 조치를 취하기 시작했다. 그래서 공화국은 전례없는 획기적인 신기원을 시작하여 배후 지역으로의 확장을 시작했다. 처음에는 토지가 알파인 아치와 아디 제와 포 사이의 평야를 향해 점령되었고, 충돌이 반복되는 비스 콘티에 자신들을 국한 시키게되었습니다. 바다 대신에 주 요지가 제노아로 남아 있었는데, 두 차례의 전쟁이 끝났습니다.

회화, 조각 및 건축에는 비잔티움 기질과 합쳐진 후기 고딕 양식의 모티프가 현대적으로 접목되어있었습니다. 고딕 양식의 선형 및 반음계는 사실상 화려한 동양 추상과 매우 유사했습니다. 주요 장소는 샌 마르코 (San Marco)와 총독의 궁전 (Doge ‘s Palace)이었는데, 그 곳에서 유럽풍의 패션으로 장식 된 ‘베네치아 건축 스타일’을 봉헌했으며, 매우 조밀 한 장식, 터널 및 빛의 수많은 리듬과 레이스 그늘이 재현되었습니다. 이 시대의 가장 중요한 화가들, 예를 들면 이방인 Fabriano, Pisanello, Michelino da Besozzo와 같은 그들은 1409 년과 1414 년 사이의 Ducale 궁전의 장식에 종사했으며 오늘날에는 거의 사라져 버렸다.

“courtly”아티스트들은 파올로 베네치아노 (San Marco)와 다른 교회 건설에 참여한 20 세기 이래로 Paolo Veneziano와 피렌체 예술가들에 의해 14 세기 초에 취임 한 지역 학교가 있습니다. 후자 중에는 Paolo Uccello (1425 년에서 1430 년까지)와 Andrea del Castagno (1442 년 – 1443 년)가 있었는데, 이들은 피렌체 예술의 첫 번째 관점을 보여주었습니다. 그러나 그들의 예는 현지 예술가들과의 사소한 차이로 판단 할 때 전례가 없었으며 직접적인 예를 통해 최첨단 혁신을 이미 알고 있었던 Andrea Mantegna와 같은 근방의 Padua의 일부 예술가들에 의해서만 받아 들여졌다 Donatello.

15 세기 후반
15 세기 중반 경 본토에서의 확장은 베네토와 현재의 동부 롬바르디아의 독립 도시를 해치기에 훨씬 컸다. 이것은 부분적으로 동부 시장에 베네치아의 지배에 영향을 미치지 않았던 오스만 제국에 의한 해외에서의 베네치아 손실을 균형 잡았습니다 : 도시는 오랫동안 유럽에서 가장 활기찬 백화점이었습니다. East는 모든 차원에서 회의와 교류를 통해 수렴했습니다. 풍부한 자본으로 지역 사회와 사적 차원의 높은 수준의 예술위원회가 지능형 컬렉션을 만들고 플레밍 (Flemings)을 포함한 신기한 것에 게 개방되어 있습니다. 그랜드 캐널 (Grand Canal)을 따라 외국 시장과 폰타이 (fondachi)가 번창했습니다.

그 도시가 이탈리아 체스 판에 정복하면서 지역 문화와의 더 긴밀하고 지속적인 관계를 유지하면서 베니스의 독특함과 문화적 고립은 그때부터 실패하기 시작했습니다. 젊은 베네치아 귀족들은 15 세기 중반에 번성했던 Padia Studio, 리알토 (Rialto)의 철학과 (Philosophy of Logic and Philosophy), 산 마르코 (San Marco) 장관의 학술 활동에 참여하면서 새로운 문화적 자극을 느끼기 시작했습니다.

베네치아 인본주의는 토스카나처럼 문학적이고 추상적으로 투기 적이기보다는 구체적인 성격과 정치적, 과학적 텍스트 (Aristotle, Pliny 등)에 관심을 가지고 피렌체 사람의 ​​것과는 크게 다르다는 것을 증명했다. 르네상스는 주로 건축과 조각에 관한 롬바르디아의 중재와 그림에 대한 파도바를 통해 베니스에 도착했습니다. 과학적 진보 또한 중요했는데, 1470 년 루마 파치 올리 (1494)의 Summa de Arithmetica, Geometry와 Proportionality의 출판과 함께 1470 년 직후에 Sultnissima가 수학을 가르쳤다.

그림
그림에서 파두 안 르네상스와의 접촉은 피렌체 사람들보다 더 반복적이었으며 열매 맺었다. 세기 중반에 Muranese Giovanni d’ Alemagna와 Antonio Vivarini는 Ovetari 예배당에서 Andrea Mantegna와 함께 일했습니다. Mantegna 그 자신은 Venetian 여자, Jacopo Bellini의 딸과 결혼하는 베니스를 방문했다; 카를로 크리 벨리 (Carlo Crivelli), 마르코 조포 (Marco Zoppo), 코스 메 츄라 (Cosmè Tura)와 같은 최고급 스콰 르 코니에스 치 (squarcioneschi)가 마을에 있었고 어떤 경우에는 일정 기간 상점을 운영하는 경우도있었습니다.

이 Paduan 영향은 Vivarini와 Jacopo Bellini의 두 가지 가장 중요한 베네치아 워크샵에서 발견됩니다.

무라노에 본사를 둔 첫 번째 작품은 불연속 르네상스 시도를 한 안토니오에 의해 시작되었지만 파도바에 있었고 열정으로 뉴스에 동화하면서 한계를 지닌 동생 바트 로메오의 전환점은 더욱 두드러졌다. 이것은 단단한 숫자와 마른 표식으로 설정된 Ca ‘Morosini (1464)의 Polyptych에서 분명합니다. 해부학과 날카로운 프로파일을 가진 초안에주의하십시오. 그러나 중앙의 처녀 자리와 외향적인 성도들 사이에서 여전히 증가한 비율로 볼 수 있듯이, 그리고 배경에 대한 공간적 통합이 부족하다는 점에서 볼 수 있듯이, 일체적인 건설 논리는 없습니다. 안토니오의 아들 알비제 (Alvise)는 Antonello da Messina의 교훈을 Paduan 선형화를 부드럽게 만들었지 만, 그는 광적인 마술과 일치 할 수 없었다. 이것의 한 예가 1480의 성령 강해입니다. 차가운 빛과 건조한 윤곽을 향상시키는 글레이즈와 같은 밝은 색상이 있습니다. Vivarini의 혁신과 전통 사이의 절충안은 특히 교육 수준이 낮은 환경과 배후 지역의 작은 중심지에서 널리 퍼져 나갔고 때로는 영원히도 만료되었습니다.

반면에 가장 세련된 고객은 주로 세기 앨범 중반부터 르네상스 시대를 맞이한 Jacopo Bellini의 워크샵을 목표로했으며 모델 앨범에서 수집 한 일련의 환상적인 전망에 그 시각을 적용했습니다. 아마 그는 아마도 레오 바티스타 알베르티를 만났을 페라라에서 이러한 혁신을 배웠을 것입니다. 아마도 Masolino의 중재로, 헝가리를지나거나 Padua에서 아마도 Donatello의 교훈을 모았던 Padua에서 전달했을 것입니다. 회화에서의 진정한 르네상스 시대의 돌파구는 그의 두 아들 인 이방인과 지오반니 벨리니 (Giovanni Bellini)가 다른 방식으로 대책을 세웠지 만 그의 처남 인 Andrea Mantegna의 사례를 수집하여 잘 활용 한 덕분이었다. Antonello da Messina.

친애하는 Bellini
이방인 벨리니는 무엇보다도 베니스의 프레스코 화를 대체하고 (공공의 이유로) 공공 건물과 “학교”를 장식 한 “teleri”의 그림에 수천 명의 사람들을 모으는 강력한 베네치아 공회회에 참여했습니다. 같은 분야의 일원, 외국인 공동체 또는 복지 적 의도로 통일 된 시민. 그의 그림은 완전히 유기적 인 공간감이없는, 여전히 동화의, 늦은 고딕의 맛과 관련이 있습니다. Piazza San Marco (1496)의 행렬에서 명확한 중심이 빠져 있으며 원근법은 예 (single fragment)에 사용됩니다. 이 시선은 다른 문자 그룹과 배경 블록 사이를 돌아 다니며 발견됩니다. 아티스트의 관심은 무엇보다 이벤트의시기 적절한 뉴스로 안내됩니다. 정확한 인물 사진을 포함 할 수있을 정도로 큰 인물들과 제스처 및 관습에 대한 설명이 남아 있습니다. 그의 객관적이고 거의 결정화 된 분석은 그를 매우 인상파의 초상화 작가로 만들었는데, 그는 술탄 무하마드 2 세를 묘사하기도했다.

조반니 벨리니, 데뷔 및 성숙
Jacopo의 또 다른 아들 인 Giovanni Bellini는 그의 세대의 가장 중요한 베네치아 화가 였지만 Andrea Mantegna의 사례 덕택에 그의 스타일은 곧 늦은 고딕 스타일에서 벗어났습니다. 그의 초기 데뷔 작품 중에는 예를 들어 코레 박물관 (Correr Museum)의 변형 (Transfiguration of the Correr Museum)이 있는데,이 라인은 건조하고 예리하며 비행기의 스캐닝은 우량한 그리스도 집단에 대한 비전으로 전향 적으로 강조됩니다 선지자. 좀 더 독창적 인 것은 빛과 색에 중점을 두어 풍경을 부드럽게하고 플랑드르 (Flemish)의 예에서 파생 된 감미로운 vespertine 분위기에 기적적인 장면을 담금니다. Pinacoteca di Brerathe의 Pieta 그래픽은 Giovanni의 머리카락 하나 하나 또는 그리스도 팔의 맥박이 심한 맥관에서와 같이 여전히 존재합니다. 그러나 빛은 매우 가까운 간격으로 온도의 특정 초안 덕분에 표현을 부드럽게하는 색채로 섞여 있습니다. 이 그룹의 격렬한 감상은 로제 반 데와 이덴 (Rogier van der Weyden)의 예를 가리키며, 항상 인물을 반으로 잘라내 관람자에게 더 가까이 가게하는 난쟁이의 플랑드르 모델을 가리킨다.

따라서 프란시스의 Piero della Francesca와 Antonello da Messina의 초기 70 년대 교훈의 깊은 동화 덕분에 Mantegna의 경도와 선형 제약이 곧 극복되어 색이 풍부하고 부드러운 기술로 발전했습니다. 특히 시칠리아 화가는 1474 년부터 1476 년까지이 도시에 있었지만 몇 년 전 중앙 이탈리아에서 벨리니를 알게 된 것은 제외되지 않았습니다. 이러한 영향은 Pala di Pesaro (1475 – 1485)의 조반니 (Giovanni)의 생산에서 발견되며, 보일의 배경을 비상식적으로 생생하게 보이는 풍경에 열어 ​​놓았습니다. 단순한 배경은 아니지만 공기와 빛은 자유롭게 움직이는 것처럼 보입니다. 이것은 오일 페인팅의 사용과 결합되어 특정 조명 효과에 가까운 덕을 조화시킬 수 있습니다.

Antonello는 기름 기술 덕분에 특별한 빛의 사용으로 만들어진 북유럽의 전통과 합리적으로 건축 된 공간에 삽입 된 위대한 기념비의 인물들을 가진 이탈리아 학교 사이의 매개 스타일을 보여 주었다. San Cassiano의 제단 (1475 – 1476), 베네토 문화의 새로운 것과 오래된 것의 진정한 경계. 그것 안에 성자는 전체에 더 중대한 기념비 호흡을주는 Virgin의 높은 왕위의 주위에 semicircle에서 리드 미칼 한 간격을 둔다, 그러나 숫자를 보급하는 빛의 황금 결합자는 특히 혁신적이다. 원근감있는 기교와 플랑드르의 광학 미묘함이 볼륨의 기하학적 합성과 결합되어 신중하게 조정 된 균형을 얻습니다.

이 개념의 발전은 Giovanni Bellini (1480 년경)의 사막에있는 San Francesco에서 발생했습니다. 거기에는 성흔을 성자에게 보내는 전통적인 십자가 모양의 조각상이 있습니다. 화가는 성자를 범람시키는 왼쪽 상단에서 오는 신성한 빛을 대체했습니다 그 뒤에 깊은 그림자를 던지기. 산 프란체스코는 가운데에 그려져 있으며 날씬하고 자연으로 둘러싸여 있습니다. 사람과 풍경 사이의 관계에 대한 특별한 개념은 피렌체 인본주의의 개념과 여러면에서 반대된다. 인간은 우주의 조종자이자 중심이 아니라 오히려 그가 조화롭게 살며 인간과 사람 사이의 투자율 세상과 자연 세계는 신성한 호흡에 의해 주어진다.

15 세기 후반부터 인간 작업과 최상의 계약을 맺은 경관 표현은 베네치아 회화의 피할 수없는 성취가되었습니다. 베네치아 회화는 다음 세기 초반까지 끊임없는 발전을 보았습니다. 우리가 카포 디 몬테 (1490-1495)의 축일 (Transfiguration of Capodimonte)과 같은 작품을 읽었을 때 벨리니 (Bellini)는이 진화의 주역이었습니다. 신성한 장면은 베네치아 시골을 심오한 표현으로 표현한 것으로 따뜻하고 강렬한 빛으로 그것의 빛나는 아름다움과 함께, 기적적인 사건에 대한 세부 사항.

시에나 Conegliano에서
Bellini의 주요 추종자는 민감하고 독창적 인 통역사 였지만 Cima da Conegliano로 알려진 Giovan Battista Cima였습니다. 그것의 altarpieces에서 공간 레이아웃은 명확하게 정의됩니다 풍경에 농촌 평화의 광범위한 의미를 강조 크리스탈 빛에 잠겨 기념비적 인 인물. 이것은 “영혼의 고요함”을 나타내는 캐릭터의 평온함과 완벽하게 어울립니다.

비 토르 카르 빠치 오
이시기에 특정한 유형의 내러티브 그림이 풍부한 이탈리아어 센터에서 개발 된 것과는 다른 풍부한 캔버스 시리즈와 연결된 베니스에서 개발되었으며 설명적이고 회상적인 요소가 풍부합니다. 그들은 근본적으로 넓은 방의 벽을 장식하기위한 것이 었습니다. 벽화는 라군의 특별한 기후와 관련된 문제, 특히 학교의 문제와 관련해서는 사용할 수 없습니다. 즉,에 의해 연결된 사람들을 모으는 평신도의 형제애 동일한 직업 또는 동일한 국적 또는 특정 신앙으로 캔버스는 종종 전체 벽을 덮기 위해 긴 프리즈로 배열되어 있었고, 설화 계획의 가장 독창적 인 정교함과 함께 황금의 순간은 장식이 몇 년 후에 의뢰 된 15 세기의 마지막 10 년에 떨어졌습니다. 새로운 ”

카르 파치 오는 에피소드로 가득 찬 거대한 캔버스를 만들었지 만, 특히 초기 단계에서 나탈레이션에 대한 견해가 계속 유지되고 있다고 Gentile Bellini의 사례에 따르면 그러나 그의 작품에서 원근감있는 구성은 엄격하고 빛나는 결합체는 이제 극도로 가깝고 극도로 멀리 떨어져있는 하나의 숙달 된 황금광과 공기 순환의 대기 감각을주는 황금빛 빛을 연결시킬 수 있습니다.

세인트 우르술라 이야기에서 그는 종종 1 층에서 서로 뒤따라 더 많은 에피소드 (영국 대사관 도착, 1496-1498)를 모았습니다. 그 다음에 무대가됩니다. 이것은 또한 르네상스 극장의 신성한 표현의 내레이터에서 가져온 표현에서 그를 관람함으로써 관객을 바라 보는 전경의 한 인물 인 “계시 자”의 모습에 의해 강조됩니다. 배경은 시골, 바다, 시골의 광대 한 경치가 상상하지만 베니스와 베네치아의 배후에 익숙한 눈에 익숙한 현실에서 가져온 요소로 가득합니다.

카르 포르 치오 (Carpaccio)가 전적으로 편집 한 San Giorgio degli Schiavoni의 다음과 같은주기에서 아티스트는 단편에 집중하여 캔버스의 내러티브 구조를 간소화했지만 회상력과 매력을 강조했습니다. 장엄한 산 조르지오와 용 (1502)에서 피규어는 시시각각의 역동적 인 호를 만들어 내며 격렬하게 전투를 병행합니다. 어떤 것들은 땅에 산재한 거친 인간의 유해와 같은 짐승의 위험을 상기합니다. 다른 것들은 도시 근처에있는 야자수의 줄이 짧거나 요트를 틀고있는 바위의 자연적 아치와 같은 투시 기술에 연결되어 있습니다 우주선. San Girolamo와 수녀원의 사자 (1502)에서, 화가는 성자의 사랑하는 친구의 시야에서 도망가는 수사들에 대한 아이러니 한 묘사에 대해 이야기합니다. 세인트 제롬 (Saint Jerome)의 장례식에서는 모든 것이 시골 환경에서 회상과 슬픔의 분위기와 관련이 있습니다. 예술가의 걸작은 세인트 오거스틴의 비전입니다. 세인트 인본주의자는 지학의 책들과 사물들로 가득 찬 그의 연구에서, 히포의 주교에게 세인트 제롬의 기적적인 모습을 상징하는 빛의 평온한 확산과 함께 표현됩니다 .

그 후 몇 년 동안 예술가의 생산은 15 세기 계획에 정착되어 베네치아 예술가의 연속 세대에 의해 실현 된 혁명으로 그 자체를 갱신 할 수 없으며 라군 도시의 가장 경작되고 세련된 서클들의 지원을받지 못했다. 다른 사소한 학교의 장식에 자신을 바친 후, 그는 그의 후기 스타일이 여전히 찬미 자들을 찾은 지방으로 은퇴했다.

기타
벨리니가 우주, 빛과 색의 조화를 조율 한 다른 주인공들은 알비제 비바리니 (Alvise Vivarini), 바톨 로메오 몬타 그나 (Bartolomeo Montagna), 다이애나 베네 데토 (Benedetto Diana)였다.

건축물
1460 년에서 1470 년 사이에 베네치아에는 건축물이 바뀌 었습니다. 배후와 롬바르디의 건축가가 들어서면서 Mauro Codussi는 자신을 구별했습니다. Brunelleschi, Leon Battista Alberti 및 Michelozzo의 피렌체 신물이 나는 참가자는 석호에서 그의 첫 번째 작품 인 Isola의 San Michele 교회 (1468-1479)에서 이미 눈에 띄는 르네상스 양식을 선보였습니다. 교회는 삼중 외관을 가지고 있는데, 느슨하게 말라 테스타 신전 인 알베르티 (Alberti)를 기반으로합니다. 위의 그림은 둥근 천장과 둥근 천장과 4 개의 다색 대리석 원반 사이에 다락방이 있으며, 측면은 두 개의 휘어진 날개와 조그만 껍데기 모양의 장식으로 연결되어있다. 그들이 중앙 부분에 연결되어있는 지점에서 두 개의 필라 스터를 자르는 돌출 된 처마 장식이 있습니다. 교회 내부는 기둥으로지지되는 둥근 아치로 표시된 3 개의 둥근 지붕으로 나뉘어져 있습니다. 각 본당은 둑으로 덮여 있고 끝이 반원형 모양으로 끝나며, 마지막 경간은 벽 옆으로 분리되어 있고 맹인 돔으로 덮여있다. 입구의 측면에는 교회의 나머지 부분과 분리 된 현관이 “바코 (barco)”로 있는데, 그것은 아치가있는 직선 합창단입니다. 현관의 공간과 돔으로 노회의 공간을 빼면 완벽하게 정사각형의 중앙 몸체가 얻어진다. Codussi (San Michele 교회)의 첫 작품과 비슷한 예가 이전에 Ducal 궁전에서 베니스에서 일했던 건축가 Giorgio Orsini에 의해 San Giacomo 교회의 Šibenik에 있습니다. Orsini는 Orsini의 돌을 사용했습니다. 화이트 Istria cavata는 Brac의 섬으로, 그 다음 Codussi에 의해 사용되었습니다. 또한이 교회 모델은 달마 시안 해안을 따라 이어졌다.

파사드에 라틴어로 쓰는 것은 새로운 것입니다. 첫 번째 : “Domus mea domus orationis”(마태 복음 21.13) 번역 : “내 집이기도 집이 될 것입니다.” 두 번째로 낮은 것 : “정사각형의 기초가있는 성직자”(원본에 약자가있는 텍스트) “전체 텍스트 원본을 원상태로 복역 시키십시오.” “dedicatione ecclesiae”의 노래). 번역 : “오 하나님이이 성전에 간청 하심과 함께기도의 서원을 환영 하옵소서.”

베네치아 전통의 현대적인 정교함은 산타 마리아 포르 모사 (Santa Maria Formosa) 교회의 내부에서도 볼 수 있습니다.이 곳에서는 흰색 회 반죽 위에 서있는 회색 돌 건축 요소의 브루넬레스키 주제가 재개됩니다. Di Codussi는 또한 Procuratie Vecchie와 Torre dell’Orologio의 디자인을 포함 시켰지만, 무엇보다도 베네치아 르네상스 귀족 주택의 모델을 재정의 한 Corner-Spinelli와 Vendramin-Calergi 건물이있었습니다. 두 번째는 Albertian의 Palazzo Rucellai에 대한 지역 해석으로 나타납니다. 외관은 Doric, Ionic, Corinthian과 같은 세미 열의 직선의 처마 장식으로 3 개의 층으로 나뉘 었습니다. 고르지 않은 리듬 (나란히 3 개, 측면에 2 개 이상 격리 됨)이있는 대형 2 개의 창문이 있으며, 외관이 활기를 띠며, 두 층으로 구성된 로지아 (loggia)의 외관을 제공합니다.이 로지아는 또한 중앙 창 대신 포털 인 1 층에 반영됩니다. 건축 프레임은 외관을 지배하고, 술에 취한 다색 인레이와 장식 요소를 종속시킵니다.

엄격하고 현대적인 Codussi와 함께 Antonio Rizzo와 Pietro Lombardo와 같은 더 세련된 취향을 가진 다른 건축가들이 도시에서 일했습니다. 첫 번째는 Certosa di Pavia 사이트에서 형성되었으며 Palazzo Ducale의 재건축 및 확장에 대한 약 15 년간의 책임을 맡았습니다. 두 번째로, 티치네 인의 기원은 클래식 주문의 사용이 풍부한 Lombard 장식과 Palazzo Dario 및 Santa Maria 교회와 같은 귀중한 대리석 벽을 덮는 라군의 맛과 융합 된 일부 작품의 건축가였습니다. 기적의

조각
15 세기 후반 베니스에서 활동하는 조각가들은 주로 같은 건축가 또는 인물 이었지만 상점에서 형성된 건설 현장과 연결되어있었습니다. 예를 들어 피에트로 롬 바르도 (Pietro Lombardo)의 두 아들 인 투 리오 (Tullio)와 안토니오 (Antonio)는 개, 동상 및 조각상의 장례 기념물로 커미션을 받았다. 그 시대의 조각으로 표현 된 주소는 동질성이 아니며 Antonio Rizzo (Arco Foscari의 Adam and Eve 동상)에서부터 Tullio Lombardo (Bacco 및 Arianna)의 성숙한 고전주의에 이르기까지 강력하고 표현적인 사실주의에 이르기까지 다양합니다.

특히 Tullio Lombardo 워크샵에는이 유형의 가장 완벽한 사례를 대표하는 일부 주립 기념관이 위탁되었습니다. Doge Pietro Mocenigo (1477 ~ 1480 년경)의 장례식 기념물에는에게 해의 오스만 제국에 대한 그의 승리를 축하하기 위해 일련의 동상과 기복이 “대위 다 마르”의 모습과 관련되어 있습니다. 이 기념비는 헤라클레스의 노동과 같은 고대의 상징적 인 신화에서 상기 한 승리의 증여로 설계되었습니다.

고대 모델과 더 관련이있는 것은 안드레아 벤드 라민 (Andrea Vendramin, 1493-1499)의 장례식 기념물로, 그 다음 해에 증폭 된 콘스탄틴 아치 (Arch of Constantine)에서 유래 된 건축 구조가 있습니다. 고인은 센터에서 대표되며, 석관에 누워 있으며, 미덕의 인격화, 헬레니즘 풍의 장식으로 장식되어 있습니다. lunette에서 Doge는 고전적인 여신을 닮은 Virgin을 숭배하는 동안 지층 구조로 묘사됩니다. 심지어 로마 제국주의 자의 우아한 비문이있는 주각도 골동품을 모방 한 스타일의 상징적 부조가 풍부합니다. 예를 들어, 유대교와 같은 성경적 성격을 나타낼지라도. 바깥 쪽 벽감에는 보데 박물관 (Paggi reggiscudo), 메트로폴리탄 박물관 (Adamo), 궁전 Vendramin Calergi (Eva)에 원래 고대 동상이있었습니다.

인쇄술 및 인쇄
1469 년 지오바니 디 스피라 (Giovanni di Spira)는 베니스에서 첫 번째 인쇄기를 설립했습니다. 활동은 매우 성공적이어서 15 세기 말에 능동형 프린터는 이미 거의 200 가지가되어 도시가 기술적, 문화적 및 예술적 수준에서 헤게모니임을 보장합니다. 1490 년부터 Aldo Manuzio는 훌륭한 품질의 고전 및 현대 작품의 훌륭한 판을 출판했습니다. 인쇄 예술의 걸작은 1499 년 마누 지오 (Manuzio)가 출판 한 Francesco Colonna의 Hypnerotomachia Poliphili의 우화 소설이다.이 책의 본문은 목판화와 섬세한 고전 영감의 장식적인 모티브와 조화롭게 연결되어있다.