니스의 마티스 박물관은 프랑스 화가 앙리 마티스의 작품에 전념하고 있습니다. 그의 작품 중 세계에서 가장 큰 컬렉션 중 하나를 모아 그의 예술적 여정과 그의 발전을 그의 시작부터 최신 작품으로 되돌릴 수 있습니다. xviith 세기의 Cimiez 지역의 Genoese 빌라 인 Villa des Arenes에 위치한 박물관은 1963에서 문을 열었습니다.

“Musée de France”로 분류되는 Musée Matisse는 총 면적 2,800m2를 차지하며,이 중 1,200m2의 전시 공간이 빌라와 확장에 걸쳐 있습니다. 2013 년 Claude와 Barbara Duthuit의 선물 인 세라믹 La Piscine은 2017 년에는 방문객 여정 리 캐스팅, 입구 공간 리모델링, 교육 장비 설치 등 리노베이션 캠페인이 시작되었습니다.

Musée Matisse는 로마 경기장과 유적지, 100 년 된 올리브 나무가있는 정원, Cimiez 수도원을 포함하는 Cimiez 유적지의 광대 한 유산 단지의 일부입니다.

앙리 마티스
Henri Matisse는 주로 화가로 알려진 프랑스의 예술가, 화가, 기안가 및 조각가로, 그의 색채 사용과 유동적이고 독창적 인 초안 기술로 유명합니다. 마티스는 일반적으로 파블로 피카소와 함께 20 세기 초반 시각 예술의 혁명적 발전을 정의하는 데 가장 도움이 된 예술가 중 한 명으로 여겨지며 회화와 조각의 중요한 발전을 담당했습니다.

20 세기의 주요 인물 인 20 세기 후반의 예술에 미치는 영향은 단순화, 양식화, 합성 및 색상을 그림의 유일한 주제로 사용함으로써 상당합니다. 그와 그의 발견을 주장 할 것입니다. 그는 포비 즘의 지도자였습니다. 그의 가장 훌륭한 작품의 대부분은 1906 년 이후 10여 년 동안 평평한 형태와 장식 패턴을 강조하는 엄격한 스타일을 개발하면서 만들어졌습니다. 1917 년, 그는 프랑스 리비에라의 니스 교외로 이주했고 1920 년대에 그의 작품의보다 편안한 스타일은 프랑스 회화의 고전적 전통의 지지자로서 비평가들의 찬사를 받았습니다. 1930 년 이후 그는보다 대담한 형태의 단순화를 채택했습니다. 말년의 건강이 나빠서 그림을 그릴 수 없었을 때

반세기에 걸친 작품에 전시 된 색채와 그림의 표현 언어에 대한 그의 숙달은 그를 현대 미술의 주요 인물로 인정 받았습니다. 그의 친구이자 그를 그의 라이벌이라고 생각했던 파블로 피카소는 “마티스가되고 싶었던”앤디 워홀에게 XX 세기의 모든 화가들이 마티스의 영광과 천재에 맞서게되었습니다.

포비 즘
스타일로서의 포비 즘은 1900 년경에 시작되어 1910 년 이후에도 계속되었습니다. 이러한 운동은 1904 ~ 1908 년에 불과 몇 년 동안 지속되었으며 세 번의 전시회를 가졌습니다. 운동의 지도자는 Matisse와 André Derain이었습니다. Matisse의 첫 개인전은 1904 년 Ambroise Vollard의 갤러리에서 열렸습니다. 밝고 표현력이 풍부한 색상에 대한 그의 애정은 1904 년 여름에 신인상파 시그 낙과 앙리 에드몬드 크로스와 함께 생트 로페스에서 그림을 보냈을 때 더욱 두드러졌습니다. 그해에 그는 신인상파 스타일 인 Luxe, Calme et Volupté로 가장 중요한 작품을 그렸습니다. 1905 년에 그는 Collioure에서 André Derain과 함께 일하기 위해 다시 남쪽으로 여행했습니다. 이 시대의 그의 그림은 이전보다 덜 엄격한 방식으로 점묘법을 사용하여 평평한 모양과 제어 된 선이 특징입니다.

Matisse와 현재 “Fauves”로 알려진 예술가 그룹은 1905 년 Salon d ‘Automne의 한 방에서 함께 전시되었습니다.이 그림은 주제의 자연스러운 색상에 관계없이 거칠고 종종 불협화음 인 색상으로 감정을 표현했습니다. 마티스는 살롱에서 열린 창과 모자를 쓴 여자를 보여 주었다. 비평가 인 Louis Vauxcelles는 “순수한 색조의 난잡함”으로 둘러싸인 고독한 조각에 대해 “Donatello chez les fauves”(야수들 사이의 Donatello)로 방을 공유하는 르네상스 양식의 조각품을 언급했습니다. 그의 논평은 1905 년 10 월 17 일 일간지 인 Gil Blas에 인쇄되어 대중적으로 사용되었습니다. 이번 전시회는 가혹한 비판을 받았다. 비평가 Camille Mauclair는 “페인트가 대중의 얼굴에 던져졌다”고 말했다.

Matisse는 André Derain과 함께 Fauves의 지도자로 인정 받았습니다. 두 사람은 각자 자신의 추종자들을 가진 우호적 인 라이벌이었습니다. 다른 멤버로는 Georges Braque, Raoul Dufy, Maurice de Vlaminck가 있습니다. 상징주의 화가 구스타브 모로 (1826 ~ 1898)는 운동의 영감을주는 선생이었습니다. 파리의 École des Beaux-Arts의 교수로서 그는 학생들에게 형식의 경계를 벗어나 생각하고 그들의 비전을 따르도록 강요했습니다.

1905 년 초, Matisse는 Salon des Indépendants에 참여했습니다. 1905 년 여름, 그는 Derain의 회사 인 Collioure에있는 지중해 연안에 머물 렀습니다. 그는 조각가 Maillol을 만납니다. 1905 년 Salon d ‘Automne에서 Matisse, Albert Marquet, Vlaminck, Derain 및 Kees van Dongen의 작품을 매달아 캔버스에 평평하게 놓인 순수하고 폭력적인 색상으로 스캔들을 일으켰습니다. 1905 년 10 월 17 일 길 블라스 (Gil Blas)에 출판 된 “Le Salon d’ automne”이라는 제목의 기사에서 비평가 Louis Vauxcelles는이 그림들이 같은 방에 모인 것을보고 거실을 방별로 설명합니다. 그는 특히 “Room no VII. MM. Henri Matisse, Marquet, Manguin, Camoin, Girieud, Derain, Ramon Pichot. 방의 archi-clear, 대담하고, 터무니없는, 의도를 해독해야합니다. 영리하고 웃을 권리를 바보로 남겨두고 비판은 너무 쉽습니다. 방 중앙에는 섬세한 과학으로 모델링 한 Albert Marque의 어린이 몸통과 작은 대리석 흉상이 있습니다. 이 흉상의 솔직함은 순수한 음색의 난교 한가운데서 놀라움을 선사합니다 : Donatello chez les fauves…”.

“fauve”라는 이름은 화가들 자신에 의해 즉시 채택되고 주장되었습니다. 이 기간은 또한 Matisse의 작업을 인정하여 마침내 상대적인 물질적 용이성을 허용했습니다. 그는 포비 즘의 지도자가됩니다.

Matisse는 다음과 같이 설명합니다.
색상은 모양에 비례했습니다. 색깔이있는 이웃의 반응에 따라 모양이 바뀌 었습니다. 그 표정은 관객이 전체를 파악하는 색깔있는 표면에서 나오기 때문이다. ”

André Gide는 Promenade au salon d’ Automne에서 다음과 같이 씁니다.
“Henri Matisse 씨가 최고의 자연적 재능을 가지고 있다는 것을 인정하고 싶습니다. 그가 오늘 제시하는 캔버스는 정리 발표의 모습을 가지고 있습니다. 모든 것을 추론하고 설명 할 수 있으며 직감은 아무 상관이 없습니다.”

.. 몽 파르 나스 성벽에있을 때 “마티스가 미친 짓이야, 마티스는 압생트보다 더 위험하다.”같은 해 에드몬드-마리 폴랭을 만났고 시그 낙은 럭스, 칼메에 볼류 테를 사들였다. 1907 년 Guillaume Apollinaire는 자신의 리뷰에 다음과 같이 썼습니다.
“모든 그림, Henri Matisse의 모든 그림은 우리가 항상 식별 할 수는 없지만 진정한 힘입니다. 그리고 그녀를 화나게하지 않고 행동하게하는 것이 예술가의 힘입니다. Henri Matisse의 작업을 비교해야한다면 마티스는 오렌지를 선택해야 할 것입니다. 그녀처럼 앙리 마티스의 작품은 눈부신 빛의 열매입니다. 완전한 선의와 자신을 알고 깨닫고 자하는 순수한 욕망으로이 화가는 그의 본능을 결코 따르지 않았습니다. 그는 감정 사이에서 선택하고, 환상과 빛을 깊이 조사하는 것을 판단하고 제한하기 위해 그것을 그녀에게 맡겼습니다. 빛을 깊숙히 조사하는 것입니다. 한눈에 그의 예술은 벗겨졌고 그 어느 때보 다 단순함에도 불구하고 실패하지 않았습니다. 이 예술을 더 단순하게 만들고 작업을 더 읽기 쉽게 만드는 것은 기술이 아닙니다.작가가 전적으로 의지하는 본능의 미덕과 날이 갈수록 빛의 아름다움이 어우러져 과거의 안개 속에 추억이 녹아 내리면서이 결합에 반대했던 모든 것이 사라진다. ”

1907 년에 기욤 아폴리네르는 라 팔랑 주에 실린 기사에서 마티스에 대해 언급하면서 “우리는 여기에 사치 스럽거나 극단 주의적 사업이 존재하지 않습니다. 마티스의 예술은 매우 합리적입니다.”라고 썼습니다. 그러나 당시 마티스의 작품은 격렬한 비판을 받았으며 가족을 부양하기가 어려웠다. 그의 그림 Nu bleu (1907)는 1913 년 시카고의 Armoury Show에서 조각상으로 불에 탔습니다.

1909 년 9 월 18 일, Matisse는 그를 전시하는 Josse and Gaston Bernheim 갤러리와 계약을 맺습니다. 이 계약에 따르면 Matisse는 그림 판매 가격의 25 %를받습니다. 3 년 계약이 17 년 동안 갱신되었습니다. Matisse는 자신의 말로 “걸작 만 만들도록 정죄 받았다”는 자신을 발견했습니다.

1906 년 이후 Fauvist 운동의 쇠퇴는 Matisse의 경력에 ​​영향을 미치지 않았습니다. 그의 뛰어난 작품 중 상당수는 1906 년에서 1917 년 사이에 만들어 졌는데, 그는 그의 보수적 인 외모와 엄격한 부르주아 적 작업 습관으로 잘 어울리지는 않았지만 Montparnasse에서 예술적 재능의 위대한 모임에 적극적으로 참여했습니다. 그는 계속해서 새로운 영향을 흡수했습니다. 그는 1906 년에 알제리로 여행하여 아프리카 미술과 원시주의를 공부했습니다. 1910 년 뮌헨에서 열린 이슬람 예술 전시회를 본 후 그는 스페인에서 무어 예술을 공부하며 두 달을 보냈습니다. 그는 1912 년에 모로코를 방문했고 1913 년에 다시 탕헤르에서 그림을 그리는 동안 검은 색을 색으로 사용하는 등 여러 가지 작업을 변경했습니다. Matisse의 예술에 미치는 영향은 L’ Atelier Rouge (1911)에서와 같이 강렬하고 변조되지 않은 색상을 사용하는 새로운 대담함이었습니다.

Matisse는 러시아 미술 수집가 Sergei Shchukin과 오랜 관계를 맺었습니다. 그는 2 개의 회화위원회의 일부로 Shchukin을 위해 특별히 그의 주요 작품 중 하나를 만들었습니다. 다른 그림은 1910 년 음악입니다. La Danse (1909)의 이전 버전은 뉴욕 현대 미술관 컬렉션에 있습니다. 시티.

거트루드 스타 인
마티스는 파리에 살고있는 미국의 수집가 인 레오와 거트루드 스타 인을 만났는데, 그는 그에게 “케이지 오 가우 브”에 전시 된 마티스 부인의 초상화 인 모자를 쓴 여인 (샌프란시스코 현대 미술관)을 사들였다. 1907 년 집에서 피카소를 만났습니다. Gertrude Stein은 두 예술가를 현대 미술의 “North Pole”(Matisse)과 “South Pole”(Picasso)로 정의했습니다. Fernande Olivier는 마을에서 저녁 식사를 할 때 Matisse가 예 또는 아니오로만 대답하거나 갑자기 끝없는 이론에 얽매여 배우고 공언하는 것처럼 보였습니다. “훨씬 나이가 많고 진지한 마티스는 피카소에 대한 아이디어가 없었습니다.”그때 마티스는 비평가 루이 복셀 스를 발견했습니다. 그는 살롱 심사위 원단에서 조르주 브라크의 그림을 “작은 입방체로 만든”그림으로 보았습니다. Matisse는 “입체파”라는 이름으로 세례를받습니다.

1906 년 4 월경 그는 마티스보다 11 살 어린 파블로 피카소를 만났다. 두 사람은 평생 친구이자 라이벌이되었으며 종종 비교됩니다. 그들 사이의 한 가지 주요 차이점은 Matisse는 자연에서 그림을 그리고 그렸지만 Picasso는 상상력으로 작업하는 경향이 더 많았습니다. 두 예술가가 가장 자주 그린 주제는 여성과 정물화였으며 Matisse는 자신의 인물을 완전히 실현 된 인테리어에 배치 할 가능성이 더 큽니다. Matisse와 Picasso는 처음으로 Gertrude Stein의 파리 살롱에서 그녀의 동반자 Alice B. Toklas와 함께 모였습니다. 20 세기의 첫 10 년 동안 파리의 미국인 (Gertrude Stein, 그녀의 형제 Leo Stein, Michael Stein, Michael의 아내 Sarah)은 Matisse 그림의 중요한 수집가이자 지지자였습니다. 또한 Gertrude Stein ‘ 볼티모어에서 온 두 명의 미국인 친구 인 Cone 자매 Claribel과 Etta는 수백 점의 그림과 그림을 수집하여 Matisse와 Picasso의 주요 후원자가되었습니다. 콘 컬렉션은 현재 볼티모어 미술관에 전시되어 있습니다.

1908 년 마티스는 화가의 노트를 출판했습니다. 같은 해 Sarah와 Michael Stein의 재정적 도움으로 Matisse는 Couvent des Oiseaux와 Hôtel de Biron에 무료 아카데미를 열었습니다. 성공은 즉각적이었습니다. 총 120 명의 학생 중 프랑스 인과 주로 젊은 스칸디나비아 화가가 없었기 때문에 대부분이 외국인 학생이었습니다. 독일인뿐만 아니라 카페 du Dôme의 서클에는 화가 Hans Purrmann이 있습니다. “큰 덩어리”라고 불립니다. Matisse Academy는 1911 년에 문을 닫았습니다.

수많은 예술가들이 슈타인 살롱을 방문했지만 이들 중 많은 예술가들은 27 rue de Fleurus의 벽에있는 그림에 나타나지 않았습니다. Renoir, Cézanne, Matisse 및 Picasso의 작품이 Leo 및 Gertrude Stein의 컬렉션을 지배 한 곳에서 Sarah Stein의 컬렉션은 특히 Matisse를 강조했습니다.

Leo와 Gertrude Stein, Matisse 및 Picasso의 동시대 사람들은 사회계의 일원이되었으며 토요일 저녁 27 rue de Fleurus에서 열리는 모임에 정기적으로 참여했습니다. Gertrude는 토요일 저녁 살롱의 시작을 Matisse에 기인하며 다음과 같이 말했습니다.
“사람들이 점점 더 자주 마티스의 그림을보기 위해 방문하기 시작했습니다. 그리고 세자 네스 : 마티스는 사람을 데려오고 모두가 누군가를 데려왔고 언제든 오며 성가신 일이되었습니다. 이렇게해서 토요일 저녁이되었습니다. 시작했습니다. ”

Matisse는 1951 년에 그의 교육 활동을 기억합니다. “저는 그들이 무엇을하고 있는지보기 위해 때때로 저녁에들 르곤했습니다. 저는 제 자신의 일에 먼저 헌신해야한다는 것을 금방 깨달았습니다. 이 활동에 많은 에너지를 쏟았습니다. 비평을받은 후, 저는 양 앞에있는 제 자신을 발견했습니다. 저는 그들을 사자로 만들기 위해 매주 끊임없이 그들의 발에 다시 올려 놓아야했습니다. 그리고 나서 저는 실제로 화가인지 궁금했습니다. 내가 화가라는 결론에 이르렀고 곧 학교를 그만 두었습니다. ”

1909 년 러시아의 수집가 인 Sergei Chtchoukine은 La Danse와 La Musique라는 두 개의 그림을 주문했습니다. 화가에 의해 두 개의 걸작으로 여겨지는이 두 개의 캔버스는 1910 년 Salon d ‘Automne에서 발표되었으며 1911 년 모스크바에 설치되었습니다.

The Dance는 Marcel Sembat에 의해 설명됩니다. “광란의 원이 파란색 배경에 분홍색 움직임을 바꿉니다. 왼쪽에는 큰 그림이 전체 체인을 움직입니다. 술 취함.이 얼마나 bacchante.이 주권적인 당초,이 그립은 곡선에서 나오는 곡선 뻗은 다리를 따라 돌출 된 엉덩이에 머리가 내려갑니다. ”

1908 년부터 1912 년까지 그의 작품은 모스크바, 베를린, 뮌헨, 런던에서 전시되었습니다. 마티스와 아멜리가 1912 년 12 월 아작시오로 돌아옵니다. 1913 년 마티스는 가장 현대 미술의 대표자 인 마르셀 뒤샹과 프란시스 피카 비아의 작품과 함께 뉴욕의 무기고 쇼에서 전시되었습니다.

파리 이후
1917 년에 마티스는 니스의 교외 지역 인 프렌치 리비에라에있는 시미 에즈로 이전했습니다. 이 재배치 이후 10 년 정도의 그의 작업은 그의 접근 방식의 완화와 부드러움을 보여줍니다. 이 “주문으로의 복귀”는 제 1 차 세계 대전 이후의 많은 예술의 특징이며, 피카소와 스트라빈스키의 신고전주의주의와 Derain의 전통주의로의 복귀와 비교할 수 있습니다. 마티스의 오리엔탈리스트오다 리스크 그림은 그 시대의 특징이다. 이 작품은 인기가 있었지만 일부 현대 비평가들은 그것이 얕고 장식 적이라고 생각했습니다.

1920 년대 후반, Matisse는 다시 한 번 다른 예술가들과 적극적으로 협력했습니다. 그는 프랑스 인, 네덜란드 인, 독일인 및 스페인 인뿐만 아니라 소수의 미국인 및 최근 미국 이민자들과 함께 일했습니다.

1930 년 이후 그의 작업에는 새로운 활력과 대담한 단순화가 등장했습니다. 미국의 미술 수집가 Albert C. Barnes는 1932 년에 완성 된 Barnes Foundation, The Dance II를위한 대형 벽화를 제작하도록 Matisse를 설득했습니다. 재단은 수십 개의 다른 마티스 그림을 소유하고 있습니다. 단순화를 향한 이러한 움직임과 컷 아웃 기법의 예표는 그의 그림 Large Reclining Nude (1935)에서도 분명합니다. Matisse는이 그림을 몇 달 동안 작업했으며 22 장의 사진으로 진행 상황을 문서화하여 Etta Cone에 보냈습니다.

조각품
1924 년 마티스는 조각에 전념하고 그랑 누 아시스를 제작했는데, 이는 라운드에서 아라베스크와 앵글 모두에서 그의 스타일의 모범입니다. Matisse는 Antoine Bourdelle의 제자 였을 때부터 조각을 연습 해 왔으며 Matisse는 그가 만든 기념비적 인 석고 시리즈 인 Nu de dos의 큰 시리즈에서 볼 수 있듯이 큰 양식에 대한 취향을 유지합니다. 1909 년과 1930 년 사이. 마티스는 옅은 부조에서 만난 그림 문제에 직면합니다. 기념비적 인물의 윤곽선 (1909 년에 제작 된 Nu de dos I의 제작은 La Musique 및 La Danse의 큰 작품과 동 시대적), 형태와 실체 사이의 관계 (반스 재단을위한 프레스코 화는 Nu de dos IV와 같이 1930 년에 제작되었습니다). 하나,

컷 아웃
1941 년 복부 암 진단을받은 Matisse는 수술을 받았으며 의자와 침대에 묶여있었습니다. 회화와 조각이 신체적 도전이되면서 그는 새로운 유형의 매체로 눈을 돌렸다. 그의 조수들의 도움으로 그는 잘라낸 종이 콜라주 또는 데쿠 파주를 만들기 시작했습니다. 그는 조수가 구 아슈로 미리 칠한 종이를 다양한 색상과 크기의 모양으로 자르고 활기 넘치는 구성을 형성하도록 배열했습니다. 처음에는이 작품들은 크기가 적당했지만 결국 벽화 나 방 크기의 작품으로 변모했습니다. 그 결과 뚜렷하고 차원적인 복잡성이 생겼습니다. 그림이 아니라 조각이 아닌 예술 형식이었습니다.

종이 컷 아웃은 그의 생애 마지막 10 년 동안 Matisse의 주요 매체 였지만, 그의 첫 기록은 1919 년 Igor Stravinsky가 작곡 한 오페라 Le chant du rossignol의 장식을 디자인 할 때였습니다. Albert C. Barnes는 니스에있는 그의 스튜디오에있는 Matisse가 페인트 칠 된 종이 모양의 구성을 수정 한 벽의 특이한 치수로 판지 템플릿을 만들었습니다. 1937 년과 1938 년 사이에 또 ​​다른 컷 아웃 그룹이 만들어졌고 Matisse는 Sergei Diaghilev의 Ballets Russes를위한 무대 세트와 의상 작업을하고있었습니다. 그러나 마티스는 수술 후에야 병상에 누워 이전의 실용 주의적 기원이 아닌 자체 형태로 컷 아웃 기법을 개발하기 시작했습니다.

그는 1943 년 프랑스 방스 (Vence)의 언덕 꼭대기로 이사하여 자신의 작가 책 재즈 (Jazz)를위한 첫 번째 주요 컷 아웃 프로젝트를 제작했습니다. 그러나 이러한 컷 아웃은 독립적 인 그림 작업이 아니라 책에서 볼 수있는 스텐실 인쇄물의 디자인으로 생각되었습니다. 이 시점에서 Matisse는 여전히 컷 아웃을 자신의 주요 예술 형식과 별개로 생각했습니다. 이 매체에 대한 그의 새로운 이해는 1946 년 Jazz에 대한 소개와 함께 펼쳐집니다. 그의 경력을 요약 한 후 Matisse는 컷 아웃 기법이 제공하는 가능성을 언급하며 “예술가는 결코 자신의 포로, 스타일 포로, 평판 포로, 성공 포로…”라고 주장합니다.

독립적으로 구상 된 컷 아웃의 수는 재즈 이후 꾸준히 증가했으며 결국 1946 년 오세아니아 하늘과 오세아니아 바다와 같은 벽화 크기의 작품을 만들었습니다. Matisse의 지시에 따라 그의 스튜디오 조수인 Lydia Delectorskaya는 느슨하게 고정되었습니다. 새, 물고기 및 해양 식물의 실루엣을 방의 벽에 직접 연결합니다. 이 스케일의 첫 번째 컷 아웃 인 두 개의 오세아니아 작품은 그가 몇 년 전에 만든 타히티 여행을 불러 일으켰습니다.

예배당과 박물관
1948 년 Matisse는 Chapelle du Rosaire de Vence를위한 디자인을 준비하기 시작하여 진정한 장식적인 맥락에서이 기술을 확장 할 수있었습니다. 예배당 창문, 예배당, 성막 문을 디자인 한 경험 (모두 컷 아웃 방법을 사용하여 계획 됨)은 그의 주요 초점으로 매체를 통합하는 효과가있었습니다. 1951 년에 마지막 그림 (그리고 그 전의 최종 조각)을 완성한 Matisse는 종이 컷 아웃을 그의 죽음까지 표현을위한 유일한 매체로 활용했습니다.

1952 년 그는 자신의 작품을 전담하는 박물관 인 르 까또에 마티스 박물관을 설립했으며,이 박물관은 현재 프랑스에서 세 번째로 큰 마티스 작품 컬렉션입니다.

1963 년 니스에있는 마티스 박물관도 문을 열었고, 1970 년에는 프랑스에서 마티스의 작품에 대한 첫 회고전이 파리 그랑 팔레에서 조직되었습니다. 이듬해 아라곤은 화가에게 바쳐진 아라곤 학회, 카탈로그, 아라곤 컨퍼런스에 대한 약 20 개의 기사, 텍스트 및 서문을 모은 소설 인 Henri Matisse를 출판했습니다. Matisse의 작품은 프랑스 대중을 만납니다.

그 이후로 전 세계에서 전시회와 회고전이 이어졌습니다. 2014 년 런던의 테이트 모던 전시회에서 종이 컷 아웃에 전념 한 The Guardian의 비평가 Laura Cumming은 다음과 같이 썼습니다. “마티스의 예술은 삶의 교훈이자 시청자에게 영감의 원천입니다. 우리 모두는 끝을 맞이할 때에도 삶의 아름다움을 누릴 수 있어야합니다. ”

영향
그의 생애 동안 유명하고 유명한 마티스는 미국 회화, 특히 뉴욕 학교, Mark Rothko, Barnett Newman, Motherwell뿐만 아니라 그의 아카데미 인 Marg Moll, Oskar의 학생들을 통해 독일에서도 영향력을 발휘할 것입니다. Moll, Hans Purrmann …

두 비평가 Harold Rosenberg와 Clement Greenberg가 이끄는 New York First School에 Frank Stella와 같은 인물과 Greenberg가 Post-Painterly-Abstraction으로 정의하는 운동으로 New York Second School을 추가하는 것이 적절합니다., Colorfield Painting (Morris) Louis, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Jules Olitskix) 또는 하드 에지 (Kenneth Noland Mary Pinchot Meyer…).

그러나 1956 년에 “나는 Matisse가되고 싶다”라고 선언 한 Warhol을 포함한 팝 아트의 화가들, 프랑스 화가를 광범위하게 인용 할 Tom Wesselmann, Roy Lichtenstein.

프랑스에서 Matisse의 영향은 Supports / Surfaces의 화가와 System of painting과 같은 비평가 Marcelin Pleynet의 이론적 텍스트에서 발견됩니다.

또 다른 특징은 Henri Matisse의 많은 후손이 그의 아들 Jean, 조각가, 그의 아들 Pierre, 갤러리 소유자, 그의 손자, Paul Matisse, 조각가, Jacqueline, 예술가 및 그의 증손자 딸인 Sophie와 같은 화가 또는 조각가라는 것입니다. 화가.

2015 년 그르노블의 유럽 싱크로트론 방사능 시설에서 수행 된 연구에 따르면 마티스가 사용하는 카드뮴의 황색 안료라고도 알려진 황화 카드뮴이 빛에 노출되는 동안 산화 과정을 거쳐 카드뮴으로 변환된다는 사실이 예술계에 밝혀졌습니다. 물에 매우 잘 녹고 무엇보다도 무색 인 황산염.

박물관의 역사
1670 년에 건축 작업이 시작된 Villa des Arènes는 1685 년에 완공되었으며 그 후 Gubernatis Palace라고 불 렸으며, 소유자 겸 후원자 인 Jean-Baptiste Gubernatis (니스 영사)의 이름을 따서 명명되었습니다. 이 빌라는 1950 년 니스 시가 그것을 보존하기 위해 부동산 회사에서 구입했을 때 현재 이름을 따 왔습니다.

1963 년 Cimiez의 고고학 유적지에 위치한 Villa des Arènes의 2 층에서 개장 한 Musée Matisse는 예술가와 그의 상속인이 니스시에 선물 한 선물을 보관하고 있습니다.

1989 년에 같은 건물을 공유하던 고고학 박물관이 박물관 리모델링을 시작하기 위해 전용 건물로 이전했습니다. 마티스 박물관은 확장 될 수있었습니다. 대규모 리노베이션과 4 년 동안 폐쇄 된 확장 프로젝트의 대상이었습니다.

건축가 Jean-François Bodin은 오래된 Genovese 빌라의 내부 공간을 재고하고 광대 한 현관, 강당 및 서점을 수용하는 확장을 구상했습니다. 새 건물은 1993 년에 개장했으며, 새 건물은 처분 할 수있을뿐만 아니라 개조 된 공간을 통해 영구 컬렉션 전체를 전시 할 수 있습니다.이 건물은 기부 및 예금 과정에서 1963 년 이후 계속 성장해 왔습니다. 연속. 2002 년에 교육 워크숍이 추가되었고 2003 년에는 내각이 추가되었습니다.

컬렉션
박물관의 영구 소장품은 1917 년부터 1954 년까지 니스에서 거주하고 일했던 Matisse가 직접 기부 한 후, 그의 상속인과 ‘국가에서 제작 한 작품의 예금’등 다양한 기부 덕분에 세워졌습니다. 따라서 박물관은 그림 68 점과 컷 아웃 구 아슈, 그림 236 점, 판화 218 점, 조각품 57 점, 마티스가 그린 14 점의 그림책, 화가의 작품 187 점, 세리 그래프, 태피스트리, 도자기, 스테인드 글라스 창문. 및 기타 유형의 문서.