Museu Matisse em Nice, Provence-Alpes-Côte d’Azur, França

O Museu Matisse de Nice é dedicado à obra do pintor francês Henri Matisse. Reúne uma das maiores coleções mundiais de suas obras, o que nos permite reconstituir sua jornada artística e seus desenvolvimentos desde o início até seus últimos trabalhos. Instalado na Villa des Arenes, uma villa genovesa do século xvii na área de Cimiez, o museu abriu suas portas em 1963.

Classificado como “Musée de France”, o Musée Matisse cobre uma superfície total de 2.800 m2, dos quais 1.200 m2 de espaços expositivos abrangem a vila e a expansão. Em 2013, a cerâmica La Piscine, um presente de Claude e Barbara Duthuit, foi instalado em sala dedicada, no piso de entrada Em 2017, iniciou-se uma campanha de renovação, iniciada com a reformulação do roteiro dos visitantes, a remodelação do espaço de entrada e a instalação de dispositivos educativos.

O Musée Matisse faz parte de um vasto complexo patrimonial do sítio Cimiez que inclui as arenas e ruínas romanas, um jardim com oliveiras centenárias, bem como o mosteiro de Cimiez.

Henri Matisse
Henri Matisse foi um artista, pintor, desenhista e escultor francês, conhecido principalmente como pintor, tanto por seu uso da cor quanto por seu desenho fluido e original. Matisse é comumente considerado, junto com Pablo Picasso, como um dos artistas que melhor ajudou a definir os desenvolvimentos revolucionários nas artes visuais ao longo das primeiras décadas do século XX, responsável por desenvolvimentos significativos na pintura e escultura.

Figura importante do século 20, sua influência na arte da segunda metade deste século é considerável pelo uso da simplificação, estilização, síntese e cor como o único tema da pintura, tanto para os muitos pintores figurativos ou abstratos que vai reclamar para ele e suas descobertas. Ele era o líder do Fauvismo. Muitos de seus melhores trabalhos foram criados cerca de uma década após 1906, quando ele desenvolveu um estilo rigoroso que enfatizava formas achatadas e padrões decorativos. Em 1917, ele se mudou para um subúrbio de Nice, na Riviera Francesa, e o estilo mais descontraído de seu trabalho durante a década de 1920 rendeu-lhe aclamação da crítica como um defensor da tradição clássica da pintura francesa. Depois de 1930, ele adotou uma simplificação mais ousada da forma. Quando problemas de saúde em seus últimos anos o impediram de pintar,

Seu domínio da linguagem expressiva da cor e do desenho, exibida em uma obra que abrange mais de meio século, rendeu-lhe o reconhecimento como uma figura de destaque na arte moderna. Pablo Picasso, que era seu amigo e o considerava seu rival, para Andy Warhol que “queria ser Matisse” todos os pintores do século XX foram confrontados com a glória e o gênio de Matisse.

Fauvismo
O fauvismo como estilo começou por volta de 1900 e continuou após 1910. O movimento como tal durou apenas alguns anos, 1904-1908, e teve três exposições. Os líderes do movimento eram Matisse e André Derain. A primeira exposição individual de Matisse foi na galeria Ambroise Vollard em 1904, sem muito sucesso. Sua predileção por cores brilhantes e expressivas tornou-se mais pronunciada depois que ele passou o verão de 1904 pintando em St. Tropez com os neoimpressionistas Signac e Henri-Edmond Cross. Nesse ano pintou a mais importante das suas obras no estilo neo-impressionista, Luxe, Calme et Volupté. Em 1905, ele viajou para o sul novamente para trabalhar com André Derain em Collioure. Suas pinturas desse período são caracterizadas por formas planas e linhas controladas, utilizando o pontilhismo de forma menos rigorosa do que antes.

Matisse e um grupo de artistas agora conhecidos como “Fauves” expuseram juntos em uma sala do Salon d’Automne em 1905. As pinturas expressavam emoção com cores selvagens, muitas vezes dissonantes, sem levar em conta as cores naturais do tema. Matisse mostrou Open Window e Woman with the Hat no Salon. O crítico Louis Vauxcelles comentou sobre uma escultura solitária cercada por uma “orgia de tons puros” como “Donatello chez les fauves” (Donatello entre as feras), referindo-se a uma escultura de tipo renascentista que dividia o quarto com eles. Seu comentário foi publicado em 17 de outubro de 1905 no Gil Blas, um jornal diário, e passou ao uso popular. A exposição recebeu duras críticas – “Um pote de tinta foi atirado na cara do público”, disse o crítico Camille Mauclair – mas também alguma atenção favorável.

Matisse foi reconhecido como líder dos Fauves, ao lado de André Derain; os dois eram rivais amigáveis, cada um com seus próprios seguidores. Outros membros foram Georges Braque, Raoul Dufy e Maurice de Vlaminck. O pintor simbolista Gustave Moreau (1826-1898) foi o professor inspirador do movimento. Como professor na École des Beaux-Arts de Paris, ele incentivou seus alunos a pensar fora dos limites da formalidade e a seguir suas visões.

No início de 1905, Matisse participou do Salon des Indépendants. No verão de 1905, ele ficou nas margens do Mediterrâneo, em Collioure, na companhia de Derain. Ele conhece o escultor Maillol. No Salon d’Automne, em 1905, o enforcamento de obras de Matisse, Albert Marquet, Vlaminck, Derain e Kees van Dongen causou um escândalo pelas cores puras e violentas dispostas em suas telas. Vendo essas pinturas agrupadas na mesma sala, o crítico Louis Vauxcelles, em artigo intitulado “Le Salon d’automne”, publicado em Gil Blas, 17 de outubro de 1905, descreve a sala de estar por cômodo. Ele escreve em particular “Sala no VII. MM. Henri Matisse, Marquet, Manguin, Camoin, Girieud, Derain, Ramon Pichot. Sala clara, ousada, ultrajante, cujas intenções devem ser decifradas, deixando os espertos e tolos o direito de rir, a crítica fácil demais. No centro da sala, um torso de criança e um pequeno busto de mármore, de Albert Marque, que modela com delicada ciência. A franqueza destes bustos surpreende no meio da orgia de tons puros: Donatello chez les fauves… ”.

O nome de “fauve” foi imediatamente adotado e reivindicado pelos próprios pintores. Este período também marca o reconhecimento do trabalho de Matisse, finalmente permitindo-lhe relativa facilidade material; ele se torna o líder do fauvismo.

Matisse explica assim:
a cor era proporcional à forma. A forma mudou, de acordo com as reações dos bairros de cor. Porque a expressão vem da superfície colorida que o espectador apreende em sua totalidade. ”

André Gide escreve em Promenade au salon d’Automne:
“Quero admitir que o Sr. Henri Matisse tem os melhores dons naturais. As telas que ele apresenta hoje têm a aparência de apresentações de teoremas. Tudo pode ser deduzido, explicado, a intuição não tem nada a ver.”

.. Enquanto nas paredes de Montparnasse, pode-se ler: “Matisse enlouquecedor, Matisse é mais perigoso que o absinto.” No mesmo ano, ele conheceu Edmond-Marie Poullain e Signac compra Luxe, Calme et Volupté. Em 1907, Guillaume Apollinaire escreveu em suas críticas:
“Cada pintura, cada desenho de Henri Matisse tem uma virtude que nem sempre podemos identificar, mas que é uma verdadeira força. E é a força da artista para não incomodá-la, para deixá-la agir. Se fosse preciso comparar a obra de Henri Matisse para alguma coisa, seria preciso escolher a laranja. Como ela, a obra de Henri Matisse é fruto de uma luz deslumbrante. Com plena boa-fé e um desejo puro de se conhecer e realizar, este pintor nunca deixou de seguir seu instinto. Ele deixa que ela escolha entre as emoções, julgar e limitar a fantasia e examinar profundamente a luz, nada além da luz. À primeira vista, sua arte se despojou e, apesar de sua simplicidade cada vez maior, não deixou de se tornar mais suntuoso. Não é a habilidade que torna esta arte mais simples e a obra mais legível. Mas,a beleza da luz fundindo-se cada vez mais com a virtude do instinto ao qual o artista confia inteiramente, tudo o que se opõe a esta união desaparece como memórias às vezes se fundem nas brumas do passado. ”

Em 1907, Guillaume Apollinaire, comentando sobre Matisse em um artigo publicado em La Falange, escreveu: “Não estamos aqui na presença de uma empresa extravagante ou extremista: a arte de Matisse é eminentemente razoável.” Mas o trabalho de Matisse da época também enfrentou críticas veementes e era difícil para ele sustentar sua família. Sua pintura Nu bleu (1907) foi queimada como efígie no Armory Show em Chicago em 1913.

A 18 de setembro de 1909, Matisse assina o seu contrato com a galeria Josse and Gaston Bernheim que o expõe. Esse contrato prevê que Matisse receba 25% do preço de venda das pinturas. O contrato de três anos foi renovado por dezessete anos. Matisse se viu, em suas próprias palavras: “condenado a fazer apenas obras-primas”.

O declínio do movimento fauvista após 1906 não afetou a carreira de Matisse; muitas de suas melhores obras foram criadas entre 1906 e 1917, quando ele participou ativamente do grande encontro de talentos artísticos de Montparnasse, embora não se encaixasse perfeitamente, com sua aparência conservadora e hábitos de trabalho burgueses rígidos. Ele continuou a absorver novas influências. Ele viajou para a Argélia em 1906 estudando arte africana e primitivismo. Depois de ver uma grande exposição de arte islâmica em Munique em 1910, ele passou dois meses na Espanha estudando arte mourisca. Ele visitou o Marrocos em 1912 e novamente em 1913 e enquanto pintava em Tânger, ele fez várias alterações em seu trabalho, incluindo o uso do preto como cor. O efeito na arte de Matisse foi uma nova ousadia no uso de cores intensas e não moduladas, como em L’Atelier Rouge (1911).

Matisse teve uma longa associação com o colecionador de arte russo Sergei Shchukin. Ele criou uma de suas principais obras, La Danse, especialmente para Shchukin, como parte de uma comissão de duas pinturas, a outra pintura sendo Música, 1910. Uma versão anterior de La Danse (1909) está na coleção do Museu de Arte Moderna de Nova York Cidade.

Gertrude Stein
Matisse conheceu Leo e Gertrude Stein, colecionadores americanos, radicados em Paris, que lhe compraram Mulher com um Chapéu (Museu de Arte Moderna de São Francisco), um retrato de Madame Matisse que foi exposto na “gaiola aux fauves”. Em 1907, em casa, conheceu Picasso. Gertrude Stein definiu os dois artistas como o “Pólo Norte” (Matisse) e o “Pólo Sul” (Picasso) da Arte Moderna. Fernande Olivier lembra que nos jantares na cidade, Matisse parecia culto e professado, respondendo apenas sim ou não, ou de repente se atolando em teorias sem fim. “Matisse, muito mais velho, sério, nunca teve as ideias de Picasso.” Então Matisse encontra o crítico Louis Vauxcelles, a quem diz ter visto no júri do Salão um quadro de Georges Braque “feito em cubinhos”, que Matisse batiza com o nome de “cubismo”.

Por volta de abril de 1906, ele conheceu Pablo Picasso, que era 11 anos mais novo que Matisse. Os dois se tornaram amigos de longa data, bem como rivais, e são frequentemente comparados. Uma diferença fundamental entre eles é que Matisse desenhou e pintou da natureza, enquanto Picasso estava mais inclinado a trabalhar com a imaginação. Os temas pintados com mais frequência por ambos os artistas eram mulheres e naturezas mortas, com Matisse mais propenso a colocar suas figuras em interiores totalmente realizados. Matisse e Picasso foram reunidos pela primeira vez no salão parisiense de Gertrude Stein com sua companheira Alice B. Toklas. Durante a primeira década do século XX, os americanos em Paris – Gertrude Stein, seus irmãos Leo Stein, Michael Stein e a esposa de Michael, Sarah – foram importantes colecionadores e apoiadores das pinturas de Matisse. Além disso, Gertrude Stein ‘ s duas amigas americanas de Baltimore, as irmãs Cone Claribel e Etta, se tornaram as principais patrocinadoras de Matisse e Picasso, colecionando centenas de suas pinturas e desenhos. A coleção Cone agora está exposta no Museu de Arte de Baltimore.

Em 1908, Matisse publicou Note of a Painter. No mesmo ano, com a ajuda financeira de Sarah e Michael Stein, entre outros, Matisse abriu uma academia gratuita no Couvent des Oiseaux, depois no Hôtel de Biron (onde Rodin realizou seu workshop de apresentação). O sucesso foi imediato: de um total de 120 alunos inscritos, eram alunos maioritariamente estrangeiros, pois não havia pintores franceses e sobretudo jovens pintores escandinavos, além de alemães, do círculo do café du Dôme. O pintor Hans Purrmann é chamado de “grande massier”. A Academia Matisse foi fechada em 1911.

Embora vários artistas tenham visitado o salão Stein, muitos desses artistas não foram representados entre as pinturas nas paredes da rue de Fleurus, 27. Enquanto as obras de Renoir, Cézanne, Matisse e Picasso dominaram a coleção de Leo e Gertrude Stein, a coleção de Sarah Stein enfatizou particularmente Matisse.

Contemporâneos de Leo e Gertrude Stein, Matisse e Picasso tornaram-se parte de seu círculo social e rotineiramente participaram das reuniões que aconteciam nas noites de sábado na rue de Fleurus, 27. Gertrude atribuiu o início dos salões de sábado à noite a Matisse, observando:
“Cada vez com mais frequência, as pessoas começaram a visitar para ver as pinturas de Matisse – e os Cézannes: Matisse trazia gente, todo mundo trazia alguém, e eles vinham a qualquer hora e isso começava a ser um incômodo, e era assim que as noites de sábado começasse.”

Matisse se lembra de sua atividade de ensino em 1951: “Eu costumava passar por aqui de vez em quando, à noite, para ver o que eles estavam fazendo. Rapidamente percebi que primeiro tinha que me dedicar ao meu próprio trabalho, que arriscava gastar também muita energia nesta atividade. Depois de cada crítica, eu me via diante de cordeiros, que eu tinha que colocar incessantemente de volta em seus pés, semana após semana, para torná-los leões. Eu então me perguntei se eu era mesmo um pintor ou professor; cheguei à conclusão de que era pintor e rapidamente larguei a escola. ”

Em 1909, o colecionador russo Sergei Chtchoukine encomendou duas pinturas dele: La Danse e La Musique. Essas duas telas, consideradas duas obras-primas do pintor, foram apresentadas no Salon d’Automne em 1910 e instaladas em Moscou em 1911.

A Dança é descrita por Marcel Sembat: “Um círculo frenético transforma movimentos cor-de-rosa sobre um fundo azul. À esquerda uma grande figura conduz toda a cadeia. Que embriaguez. Que bacante. Este arabesco soberano, esta curva envolvente que vai desde o curvado cabeça para o quadril que se projeta desce ao longo da perna esticada. ”

Entre 1908 e 1912, suas obras foram exibidas em Moscou, Berlim, Munique e Londres. Matisse e Amélie voltam a Ajaccio, em dezembro de 1912. Em 1913, Matisse expõe no Armory Show de Nova York, ao lado de obras de Marcel Duchamp e Francis Picabia, como tantos representantes da arte mais moderna.

Depois de paris
Em 1917, Matisse mudou-se para Cimiez na Riviera Francesa, um subúrbio da cidade de Nice. Seu trabalho da década seguinte a essa mudança mostra um relaxamento e um abrandamento de sua abordagem. Esse “retorno à ordem” é característico de grande parte da arte pós-Primeira Guerra Mundial e pode ser comparado ao neoclassicismo de Picasso e Stravinsky, bem como ao retorno ao tradicionalismo de Derain. As pinturas de odaliscas orientalistas de Matisse são características do período; embora este trabalho fosse popular, alguns críticos contemporâneos o consideraram superficial e decorativo.

No final dos anos 1920, Matisse mais uma vez se envolveu em colaborações ativas com outros artistas. Ele trabalhou não apenas com franceses, holandeses, alemães e espanhóis, mas também com alguns americanos e imigrantes americanos recentes.

Após 1930, um novo vigor e uma simplificação mais ousada surgiram em sua obra. O colecionador de arte americano Albert C. Barnes convenceu Matisse a produzir um grande mural para a Fundação Barnes, The Dance II, que foi concluído em 1932; a Fundação possui várias dezenas de outras pinturas de Matisse. Este movimento em direção à simplificação e um prenúncio da técnica do recorte também é evidente em sua pintura Large Reclining Nude (1935). Matisse trabalhou nesta pintura por vários meses e documentou o progresso com uma série de 22 fotografias, que ele enviou para a Etta Cone.

A escultura
Em 1924, Matisse se dedica à escultura e produz Grand nu assis, exemplar de seu estilo – tanto em arabescos quanto em ângulos – no redondo. Matisse pratica escultura desde que foi aluno de Antoine Bourdelle, da qual Matisse mantém o gosto pelas grandes estilizações, como se pode verificar na grande série de Nu de dos, série de gessos monumentais que cria. entre 1909 e 1930. Matisse confronta os problemas pictóricos que encontra em baixo-relevo: o contorno das figuras monumentais (a produção de Nu de dos I, de 1909, é contemporânea à das grandes composições La Musique e La Danse), a relação entre forma e substância (os afrescos destinados à Fundação Barnes foram produzidos em 1930, como Nu de dos IV). Contudo,

Os recortes
Diagnosticado com câncer abdominal em 1941, Matisse foi submetido a uma cirurgia que o deixou preso e acamado. Pintura e escultura se tornaram desafios físicos, então ele se voltou para um novo tipo de meio. Com a ajuda de seus assistentes, ele começou a criar colagens de papel recortado, ou decupagem. Ele cortava folhas de papel, pré-pintadas com guache por seus assistentes, em formas de cores e tamanhos variados, e as arrumava para formar composições vivas. Inicialmente, essas peças eram modestas em tamanho, mas acabaram se transformando em murais ou obras do tamanho de uma sala. O resultado foi uma complexidade distinta e dimensional – uma forma de arte que não era exatamente pintura, mas não exatamente escultura.

Embora o recorte de papel tenha sido o meio principal de Matisse na última década de sua vida, seu primeiro uso registrado da técnica foi em 1919, durante o projeto de decoração para Le chant du rossignol, uma ópera composta por Igor Stravinsky. Albert C. Barnes organizou modelos de papelão com as dimensões incomuns das paredes nas quais Matisse, em seu estúdio em Nice, fixou a composição de formas de papel pintadas. Outro grupo de cut-outs foi feito entre 1937 e 1938, enquanto Matisse trabalhava nos cenários e figurinos dos Ballets Russes de Sergei Diaghilev. Porém, foi somente após sua operação que, acamado, Matisse começou a desenvolver a técnica do recorte como sua própria forma, ao invés de sua origem utilitária anterior.

Ele se mudou para o topo da colina de Vence, França, em 1943, onde produziu seu primeiro grande projeto de cut-out para seu livro de artista intitulado Jazz. No entanto, esses recortes foram concebidos como designs para estampas de estêncil a serem examinadas no livro, ao invés de obras pictóricas independentes. Nesse ponto, Matisse ainda pensava nos recortes como separados de sua principal forma de arte. Sua nova compreensão deste meio se desdobra com a introdução de 1946 para Jazz. Após resumir sua trajetória, Matisse se refere às possibilidades que a técnica de recorte oferece, insistindo que “Um artista nunca deve ser prisioneiro de si mesmo, prisioneiro de um estilo, prisioneiro de uma reputação, prisioneiro do sucesso …”

O número de recortes concebidos de forma independente aumentou constantemente após o Jazz e acabou levando à criação de obras em tamanho mural, como Oceania the Sky e Oceania the Sea de 1946. Sob a direção de Matisse, Lydia Delectorskaya, sua assistente de estúdio, fixou as silhuetas de pássaros, peixes e vegetação marinha diretamente nas paredes da sala. As duas peças da Oceania, seus primeiros recortes dessa escala, evocavam uma viagem ao Taiti que fizera anos antes.

Capela e museu
Em 1948, Matisse começa a preparar desenhos para a Chapelle du Rosaire de Vence, o que lhe permite expandir esta técnica num contexto verdadeiramente decorativo. A experiência de projetar as janelas da capela, casulas e porta do tabernáculo – tudo planejado usando o método recortado – teve o efeito de consolidar o meio como seu foco principal. Terminando sua última pintura em 1951 (e escultura final no ano anterior), Matisse utilizou o recorte de papel como seu único meio de expressão até sua morte.

Em 1952, ele fundou um museu dedicado ao seu trabalho, o Museu Matisse em Le Cateau, e este museu é agora a terceira maior coleção de obras de Matisse na França.

Em 1963, o museu Matisse em Nice também abriu suas portas e, em 1970, a primeira retrospectiva da obra de Matisse na França foi organizada no Grand Palais em Paris. No ano seguinte, Aragão publicou Henri Matisse, um romance, uma coleção de cerca de vinte artigos, textos e prefácios de catálogos, conferências de Aragão, dedicados ao pintor. O trabalho de Matisse atende o público francês.

Desde então, exposições e retrospectivas se sucedem em todo o mundo. Durante a exposição na Tate Modern em Londres, em 2014, dedicada aos recortes de papel, a crítica Laura Cumming do The Guardian escreve: “A arte de Matisse é uma lição de vida e uma fonte de inspiração para o espectador .: é isso que todos devemos ser capazes, estar preparados para desfrutar a beleza da vida, mesmo quando enfrentamos o fim. ”

Influência
Famoso e festejado durante sua vida, Matisse terá uma influência preponderante na pintura americana, e em particular na New York School, Mark Rothko, Barnett Newman, Motherwell, mas também na Alemanha, através dos alunos de sua academia, Marg Moll, Oskar Moll, Hans Purrmann …

À New York First School, liderada pelos dois críticos Harold Rosenberg e Clement Greenberg, cabe agregar a New York Second School com figuras como Frank Stella e o movimento que Greenberg define como Post-Painterly-Abstraction., Colorfield Painting (Morris Louis, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Jules Olitskix), ou até mesmo hard edge (Kenneth Noland Mary Pinchot Meyer …).

Mas também os pintores da Pop Art, incluindo Warhol que declarou em 1956: “Eu quero ser Matisse”, ou Tom Wesselmann, Roy Lichtenstein, que citará extensivamente o pintor francês.

Na França, a influência de Matisse encontra-se nos pintores de Suportes / Superfícies, e nos textos teóricos do crítico Marcelin Pleynet, como Sistema de pintura.

Outra particularidade é que muitos descendentes de Henri Matisse são pintores ou escultores, como seu filho Jean, escultor, seu filho Pierre, galerista, seus netos, Paul Matisse, escultor, Jacqueline, artista plástico e sua bisneta-filha, Sophie, pintor.

Em 2015, um estudo realizado na European Synchrotron Radiation Facility em Grenoble revelou ao mundo da arte que o sulfeto de cádmio, também conhecido como o pigmento amarelo do cádmio usado por Matisse, está sujeito a um processo de oxidação durante a exposição à luz, transformando-se em cádmio sulfato muito solúvel em água e sobretudo incolor.

História do Museu
A Villa des Arènes, cujas obras começaram em 1670, foi concluída em 1685 e passou a chamar-se Palácio Gubernatis, em homenagem ao seu proprietário e patrocinador, Jean-Baptiste Gubernatis, cônsul de Nice. A vila recebeu o nome atual em 1950, quando a Câmara Municipal de Nice, preocupada em preservá-la, a comprou a uma imobiliária.

Inaugurado em 1963 no segundo andar da Villa des Arènes, situado no sítio arqueológico de Cimiez, o Musée Matisse guarda os presentes do artista e de seus herdeiros para a cidade de Nice.

Em 1989, o Museu Arqueológico, que compartilhava o mesmo edifício, mudou-se para um edifício próprio dedicado para iniciar uma remodelação do Museu. O museu de Matisse poderia então expandir-se: foi objeto de uma vasta renovação e também de um projeto de ampliação que o obrigou a permanecer fechado por quatro anos.

O arquitecto Jean-François Bodin repensou os espaços interiores da antiga villa genovesa e concebeu a ampliação que acomodava um vasto foyer, um auditório e uma livraria. O novo edifício foi inaugurado em 1993, com uma nova ala moderna à sua disposição e espaços renovados, o que lhe permite expor na sua totalidade o acervo permanente, que continua a crescer desde 1963 ao longo de doações e depósitos. sucessivas. Um workshop educacional foi adicionado em 2002, um Cabinet des dessin em 2003.

Coleções
O acervo permanente do museu foi construído graças a várias doações, primeiro a de Matisse em pessoa, que viveu e trabalhou em Nice de 1917 a 1954, depois a dos seus herdeiros e também por depósitos de obras feitas pelo Estado. O museu reúne, assim, 68 pinturas e guaches recortados, 236 desenhos, 218 gravuras, 57 esculturas e 14 livros ilustrados de Matisse aos quais se juntam 95 fotografias, 187 objetos que pertenceram ao pintor, além de serigrafias, tapeçarias, cerâmicas, janelas com vitrais. e outros tipos de documentos.