바로크 음악은 약 1600 ~ 1750 년에 구성된 서양 예술 음악 스타일입니다.이 시대는 르네상스 음악 시대를 뒤따라 고전 시대로 이어졌습니다. 바로크 음악은 “클래식 음악”캐논의 주요 부분을 형성하며, 현재 널리 연구되고, 공연되고, 경청됩니다. 바로크 시대의 주요 작곡가로는 요한 제바스티안 바흐, 안토니오 비발디, 게오르크 프리드리히 헨델, 클라우디오 몬테 베르디, 도메니코 스칼라티, 알레산드로 스칼라티, 헨리 퍼셀, 게오르그 필립 텔레만, 장 – 밥 티스트 뤼리, 장 필립 라모, 마크 – 앙투안 샤르 펜티에, 아르 칸젤로 코렐리, Tomaso Albinoni, Francois Couperin, Giuseppe Tartini, Heinrich Schütz, Giovanni Battista Pergolesi, Dieterich Buxtehude 및 Johann Pachelbel.
바로크 시대는 음조의 창조를 보았는데, 노래 나 곡이 특정 키에 쓰여진 음악을 쓰는 접근법이었습니다. 이런 종류의 배열은 거의 모든 서구 대중 음악에서 계속 사용되었습니다. 바로크 시대에는 전문 음악가가 솔로 멜로디 라인과 반주 파트의 즉흥 연주자가 될 것으로 예상되었습니다. 바로크 콘서트에는 일반적으로 바소 협주곡 (하프시 코드 및 악기 연주자와 같은 화음 연주 악기 연주가로 구성된베이스 연주자가 포함되어 있음)와베이스 악기 (바이올린, 첼로, 더블베이스)를 사용하여베이스 라인을 연주했습니다. 독특한 바로크 양식이 댄스 슈트 (dance suite)였습니다. 댄스 슈트의 조각들은 실제 댄스 음악에서 영감을 얻었지만, 댄스 스위트는 청중을 위해 순수하게 설계되었습니다. 댄서를 동반하지 않았습니다.
이 기간 동안 작곡가와 연주자는 음악적 장식 (일반적으로 연주자가 즉흥적으로 연주)을보다 정교하게 사용했으며, 음악 표기법 (노래 또는 곡의 코드 진행을 알리는 빠른 방법으로 생각한 저음의 개발)을 변경했으며, 새로운 기악 연주 기술을 개발했습니다. 바로크 음악은 악기 성능의 크기, 범위 및 복잡성을 확대 시켰고, 또한 오페라, 칸타타 및 오라토리오의 혼합 보컬 / 악기 형식과 음악 장르로서 솔로 협주곡 및 소나타의 도구 형식을 확립했습니다. toccata, fugue 및 concerto grosso와 같이이 시대의 많은 음악 용어와 개념이 2010 년에도 계속 사용되고 있습니다. 동시에 여러 개의 독립적 인 멜로디 라인이 연주되는 고밀도의 복잡한 대위법 음악 (이 유명한 예는 푸가)은 많은 바로크 합창 및 기악 작품에서 중요한 부분을 차지했습니다.
기간 “바로크 식”포르투갈 낱말 barroco에서 오는, “미친 진주”의미. 이 용어의 부정적 의미는 1734 년에 Jean-Philippe Rameau의 오페라에 대한 비판에서 나왔고 나중에 로마의 Pamphili Palace의 화려하고 무겁게 장식 된 건축물 인 Charles de Brosses의 설명에서 (1750) 발생했습니다. 이 용어는 19 세기를 통해 건축과 미술 비평에 계속 적용되었지만, 20 세기가 되어서야 “하로리 크 l플린 (Heinrich Wölfflin)의 미술사 용어에서”바로크 식 “이라는 용어가 음악의 역사적시기를 지정하는 데 사용되었다.
어원
“바로크”라는 용어는 음악 사학자들에 의해 일반적으로 대략 150 년의 기간 동안 구성되는 넓은 지역, 주로 유럽에서의 스타일을 묘사하는데 사용됩니다. 오래지 않아 비평적인 용어로서의 단어가 처음 건축에 적용되었다고 생각했지만 실제로 1733 년 10 월 Rameau의 Hippolyte et Aricie의 Première에 대한 익명의 풍자적 인 리뷰에서 Mercure 비평가는이 오페라의 진부함은 음악이 일관된 멜로디가 부족하고 끊임없는 불협화음으로 끊임없이 키와 미터가 변경되었으며 모든 구성 장치를 신속하게 돌았다고 불평하면서 “바로크 식”이었다고 암시했다.
역사 학자들이이 기간의 음악에 “바로크”라는 용어를 체계적으로 적용하는 것은 상대적으로 최근의 발전이다. 1919 년 Curt Sachs는 Heinrich Wölfflin의 바로크 이론의 5 가지 특징을 체계적으로 음악에 적용한 최초의 사람들이되었습니다. 비평가들은 Wölfflin의 카테고리를 음악으로 바꾸려는 시도에 대해 의문을 제기했지만 20 세기 2/4 분기에는 Manfred Bukofzer (독일에서, 이민 이후, 미국에서)와 Suzanne Clercx-Lejeune 플라스틱 예술과 문학에 기초한 이론의 음악 적응을 피하기 위해 비교 추상보다는 오히려 자율적 인 기술적 분석을 사용하는 벨기에 (벨기에). 이러한 모든 노력으로 인해 기간의 시간 경계에 대해 상당한 이견이 생겼으며 특히 시작 시점과 관련하여 상당한 이견이있었습니다. 영어로이 용어는 1940 년대에만 Bukofzer와 Paul Henry Lang의 저서를 통해 획득했습니다.
1960 년 말 Jacopo Peri, Domenico Scarlatti, Johann Sebastian Bach 등 다양한 음악을 한꺼번에 뭉치 게하는 의미가 있었는지 여부에 관계없이, 특히 프랑스와 영국의 학계에서는 여전히 상당한 분쟁이있었습니다. 그럼에도 불구하고이 용어는 광범위하게 사용되어이 광범위한 음악에 받아 들여졌습니다. 음악 역사의 선행 (르네상스)과 다음 (고전) 시대와 바로크를 구별하는 것이 도움이 될 수 있습니다.
역사
바로크 시대는 세 가지 주요 단계로 나뉩니다 : 일찍, 중간, 그리고 늦게. 시간이 겹치기는하지만 일반적으로 1580 ~ 1630, 1630 ~ 1680, 1680 ~ 1730입니다.
초기 바로크 음악 (1580-1630)
Florentine Camerata는 늦은 르네상스 피렌체의 인본주의 자, 음악가, 시인 및 지식인 그룹으로, Giovanni de ‘Bardi 백작의 후원 아래 모여 예술, 특히 음악과 드라마의 동향을 토론하고 안내했습니다. 음악과 관련하여 그들은 담론과 오라토리즘을 중시하는 고전 (특히 고대 그리스) 뮤지컬 드라마에 대한 인식에 그들의 이상을 기반으로합니다. 따라서 동시대 음악인들 (다중의 독립적 인 멜로디 라인)과 악기 음악의 사용을 거부하고 고대 그리스 음악 장치들, 즉 키 타라 (고대의 현악기)를 동반 한 솔로 곡으로 구성된 모노 디오 (monody)와 같은 논의를했다. Jacopo Peri의 Dafne과 L’ Euridice를 포함한 이러한 아이디어의 조기 실현은 바로크 음악의 촉매제였던 오페라의 시작을 알렸다.
음악 이론과 관련하여, 저음의베이스 (철저한 저음이라고도 함)가 널리 보급되면 동시 발음의 선형적인 토대로서 조화의 중요성이 커지고 있습니다. 하모니 (Harmony)는 대위법의 최종 결과이며, 실제 저음은 음악 연주에 일반적으로 사용되는 하모니를 시각적으로 표현한 것입니다. 저음을 사용하여, 하프시 코드 플레이어 또는 파이프 오르간 연주자 (또는 류 테우 스트)와 같은 건반 악기 연주자가 읽은베이스 라인 위에 숫자, 우발적 또는 기호가 표시되었습니다. 숫자, 실수 또는 기호는 건반 연주자에게 각베이스 음표 위에 어떤 간격으로 연주해야하는지 알려줍니다. 키보드 연주자는 각베이스 음에 대해 코드 보이스를 즉흥 연주합니다. 작곡가들은 조화로운 진행에 관해서 시작했고 불안정한 간격으로 인식되는 트리톤을 사용하여 불협화음을 만들었습니다 (그것은 지배적 인 일곱 번째 화음과 감소 된 화음에 사용되었습니다. 르네상스의 특정 작곡가들 사이에도 조화에 대한 관심이있었습니다. , 특히 Carlo Gesualdo; 그러나 형식이 아닌 음악의 열쇠 인 음조에 초점을 둔 조화를 사용하면 르네상스 시대부터 바로크 시대로의 변화를 알 수 있습니다. 음표가 아닌 코드의 특정 시퀀스가 음조로 알려진 근본적인 아이디어 중 하나 인 조각의 마지막에 폐쇄 감을 제공 할 수 있다는 아이디어에 귀 기울입니다.
클라우디오 몬테 베르디 (Claudio Monteverdi)는 이러한 새로운 구성 요소를 통합함으로써 르네상스 스타일의 음악에서 바로크 시대의 스타일로의 전환을 촉진했습니다. 그는 르네상스 동시 발음 (prima pratica)의 유산과 바로크 (seconda pratica)의 새로운 저음대 연속 기술의 두 가지 개별 작곡 스타일을 개발했습니다. Basso Continuo로 작은 그룹의 음악가가베이스 라인과 코드를 연주하여 멜로디를위한 반주를 만들어 냈습니다. 저음부 연속 그룹은 전형적으로 하나 이상의 키보드 연주자 및베이스 라인을 연주하고 코드 및 임의의 저음 악기 (예를 들어,베이스 악절, 첼로, 더블베이스)를 연주 할 류트 플레이어를 사용하여베이스 라인을 연주 할 것이다. L’ Orfeo와 L’ incoronazione di Poppea의 작품으로 Monteverdi는이 새로운 장르에 상당한 관심을 기울였습니다.
중간 바로크 음악 (1630-1680)
중앙 재판 법원의 부상은 프랑스의 루이 14 세에 의해 형상화 된, 절대주의 시대 (Age of Absolutism)로 분류되는 경제 및 정치적 특징 중 하나입니다. 궁전의 스타일과 그가 조장 한 예의 범절과 제도는 유럽의 나머지 부분에 대한 모델이되었습니다. 교회와 주 정부의 후원의 현실은 조직 된 대중 음악에 대한 요구를 불러 일으켰습니다. 악기가 늘어남에 따라 실내악에 대한 수요가 창출되었는데, 이는 악기 연주자들의 작은 앙상블을위한 음악이었습니다.
이탈리아의 중간 바로크 시대는 1630 년대의 칸타타, 오라토리오, 오페라의 보컬 스타일의 출현과 음악의 상태를 단어와 평등 한 것으로 승격시킨 새로운 개념의 멜로디와 조화로 정의됩니다. 이전에는 저명한 것으로 간주되었습니다. 초기 바로크 양식의 화려한, coloratura monody는 더 단순하고 세련된 멜로디 스타일로 바뀌 었습니다. 이 멜로디는 사라 반데 또는 쿠란테에서 가져온 스타일 댄스 패턴을 기반으로 짧고, 간결하게 구분 된 아이디어로 만들어졌습니다. 하모니 역시 초기 바로크 식 모노보다 더 단순 해졌을 것입니다. 그리고 함께 제공되는베이스 라인은 멜로디와 더 잘 어우러져 나중에 대저택의 초기 저음을 기대했던 부분과 대등 한 등가성을 만들어 냈습니다. 아리아 멜로디. 이 고조파 단순화는 또한 암송 (오페라의 더 많은 부분) 및 아리아 (멜로디를 사용하는 오페라의 일부)의 차별화의 새로운 형식 장치로 이어졌다. 이 스타일의 가장 중요한 혁신가는 주로 칸타타와 오라토리오의 작곡가였던 로마인 루이지 로시와 자코모 카리시미, 그리고 주로 오페라 작곡가 인 베네치아 프란체스코 카발리 (Venetian Francesco Cavalli)였습니다. 나중에이 스타일의 중요한 실무자로는 Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi 및 Alessandro Stradella가 있습니다.
중간 바로크는 요르단 푸스 (Johann Fux)의 이론적 저작에 절대적으로 아무런 영향을 미치지 않았다. 그는 요르단 푸스 (Johann Fux)의 이론적 저작에 절대적으로 아무런 영향을 미치지 않았는데, 그는 그의 그라 데스 광고 파르 나섬 (1725)의 초기 연령대의 특징 인 엄격한 대위법을 체계화했다.
법원 작곡가 중 한 가지 예가 Jean-Baptiste Lully입니다. 그는 군주제에서 특허권을 구입하여 프랑스 왕의 오페라 작곡가이자 다른 사람들이 오페라 극장을 연출하지 못하게했습니다. 그는 15 개의 가사 비극을 끝내고 미완성 인 Achille et Polyxène을 떠났습니다. 룰리는 지휘자의 초기 사례였습니다. 그는 앙상블을 함께 지키기 위해 대규모 직원과 시간을 뛸 것입니다.
음악적으로 그는 이탈리아 오페라에서 물려받은 오케스트라의 현악기 규범을 확립하지 않았으며 특징적으로 프랑스의 다섯 부분 성향 (바이올린, 바이올린, 오르간, 타일 및 퀸 사이즈,베이스 바이올린)은 루이 13 세 때부터 발레에서 사용되었습니다. 그러나 그는이 앙상블을 가사극에 소개했으며, 상반부는 레코더, 플루트, 오보 등으로 두 배가되었고, 바순은베이스로 두 배가되었습니다. 트럼펫과 주전자는 종종 영웅적인 장면을 위해 추가되었습니다.
Arcangelo Corelli는 바이올린 기법과 교육학을 조직 한 바이올리니스트이자 순수한 기악에서 특히 협주곡 그로소를 옹호하고 발전시킨 음악 기술의 다른 측면에서 그의 업적에 큰 영향을 미쳤습니다. 헐리는 법정에 머무르지 만 Corelli는 널리 퍼블리싱을 시작한 유럽 최초의 작곡가 중 한 사람이었습니다. Lully의 오페라 스타일과 조직과 마찬가지로 콘체르토 그로소 (Concerto Grosso)는 전체적인 오케스트라 연주자와 소규모 그룹 연주자 사이에 강력한 대조를 이루고 있습니다. 역학은 “계단식”이었습니다. 즉, 시끄 럽고 부드러 웠던 것에서 다시 되돌아 오는 것입니다. 빠른 단면과 느린 단면은 서로에 대해 병치되었다. 그의 학생 중 번호가 매겨진 안토니오 비발디 (Antonio Vivaldi)는 코렐리 (Corelli)의 트리오 소나타와 협주곡의 원리를 토대로 수백 가지 작품을 작곡했다.
이 작곡가 들과는 달리, Dieterich Buxtehude는 법원의 창조물이 아니라 교회 음악가로서 Lübeck의 Marienkirche에서 오르간 연주자와 Werkmeister의 지위를 가지고있었습니다. Werkmeister로서의 그의 임무는 교회의 비서, 재무 및 사업 관리자로서의 역할을 담당했으며, 오르간 연주자로서의 그의 지위는 때로는 교회가 지불 한 다른 도구 주의자 나 보컬리스트와 협력하여 모든 주요 서비스를 위해 연주하는 것을 포함했다. 공식 교회의 의무를 완전히 벗어난 그는 Abendmusiken으로 알려진 콘서트 시리즈를 조직하고 감독했다. 동시대 사람들이 오페라에 상응하는 것으로 여겨지는 신성한 극적인 작품의 공연을 포함했다.
늦은 바로크 음악 (1680-1730)
도메니코 스카를라티, 안토니오 비발디, 장 필립 라모, 게오르그 필립 텔레만, 그리고 다른 사람들은 게오르크 프리드리히 헨델, 요한 세바스찬 바흐와 그 동시대 인들의 작품은 바로크 시대를 절정에 이르게했다. Johann Fux의 작품을 통해 르네상스 스타일의 동시 발음은 미래의 음악 시대를위한 구성 연구의 기초가되었습니다. 후기 바로크의 작곡가들은 요한 퓌스 (Johann Fux)의 작품보다 오래 전에 자신의 작곡 업적을 확립했습니다.
연속 작업자 인 헨델은 다른 작곡가들로부터 빌려 왔고 종종 자신의 자료를 “재활용”했습니다. 그는 또한 1742 년에 초연 한 유명한 메시아 (Messiah)와 같은 가수들과 음악가들을 위해 재가공 된 것으로 알려져 있습니다.
스타일 및 양식
댄스 슈트
독특한 바로크 양식이 댄스 슈트 (dance suite)였습니다. 바하 (Bach)가 춤을 추는 일부 스위트 룸은 파티 타 (partitas) 라 불리는데,이 용어는 다른 작품 모음에도 사용됩니다. 댄스 슈트의 조각들은 실제 댄스 음악에서 영감을 얻었지만, 댄스 스위트는 무용수를 동반하지 않고 듣기 위해 디자인되었습니다. 작곡가들은 댄스 슈트에서 다양한 춤 동작을 사용했습니다. 댄스 수트는 종종 다음과 같은 움직임으로 구성됩니다.
전복 (Overture) – 바로크 양식은 종종 프랑스 서곡 (프랑스어로 “Ouverture”)으로 시작되었는데, 느린 동작과 다양한 종류의 춤, 주로 다음 4 가지가 뒤 따랐다.
알레 먼데 (Allemande) – 흔히 악기 모음의 첫 번째 춤인 알레 망 드는 독일 르네상스 시대에 기원을 둔 매우 유명한 춤이었다. 알레만데는 적당한 템포로 연주되었으며 바의 어떤 비트에서 시작될 수 있습니다.
Courante – 두 번째 춤은 courante, 생생한 프랑스 춤. 이탈리아어 버전은 corrente라고합니다.
사라 반데 (Sarabande) – 스페인 댄스 인 사라 반데 (sarabande)는 4 가지 기본 춤 중 3 번째로 가장 느린 바로크 춤 중 하나입니다. 삼중 미터기이기도하고 두 번째 박자에 중점을 두어 특징적인 ‘중단’또는 sarabande의 iambic 리듬을 만들어 내기는하지만 모든 바에서 시작할 수 있습니다.
기가 (Gigue) -이 기악은 컴파 메터 미터에서의 경쾌하고 활기찬 바로크 춤으로, 일반적으로 악기 모음의 종결 운동과 기본 춤 유형 중 네 번째입니다. 기구는 술집의 모든 비트에서 시작할 수 있으며 리듬감으로 쉽게 인식됩니다. 영국 섬에서 기원 된 유적. 민속 음악과 상응하는 부분은 지그입니다.
이 4 가지 춤 유형 (알레 먼데, 쿠란테, 사라 라반 데, 그리고 기가)은 17 세기의 스위트 룸을 구성합니다. 최신 스위트 룸은 sarabande와 gigue 사이에 하나 이상의 추가 춤을 삽입합니다.
Gavotte – 가보트는 다양한 기능으로 식별 할 수 있습니다. 그것은 4에 있습니다.
4 시간이며 항상 막대의 세 번째 비트에서 시작합니다. 첫 번째 및 세 번째 비트가 네 번 째 시간의 강한 비트이므로 일부 경우 첫 번째 비트와 비슷하게 들릴 수 있습니다. 가보 테트는 적당한 템포로 연주되지만 경우에 따라 더 빨리 연주 할 수도 있습니다.
Bourrée – bourrée는 gavotte와 유사합니다.
2 시간이지만 바 마지막 비트의 후반부에서 시작하여 춤과 다른 느낌을줍니다. bourrée은 일반적으로 적당한 템포로 연주되지만, 헨델과 같은 일부 작곡가의 경우 훨씬 빠른 템포로 연주 할 수 있습니다.
미뉴에트 – 미뉴에트는 아마도 트리플 미터의 바로크 춤에서 가장 잘 알려져있을 것입니다. 그것은 바의 어떤 비트에서 시작될 수 있습니다. 일부 스위트에는 Minuet I과 II가 연속적으로 재생 될 수 있으며, Minuet은 반복됩니다.
Passepied – Passepied는 브리타니에서 법정 댄스로 시작된 바이너리 형태와 트리플 미터로 빠른 댄스입니다. 예제는 바흐 (Bach)와 헨델 (Handel)과 같은 최신 스위트에서 찾을 수 있습니다.
Rigaudon – rigaudon은 bourrée와 비슷한 듀플 미터의 활발한 프랑스 댄스이지만 리드미컬하게 단순합니다. 그것은 전통적으로 Vavarais, Languedoc, Dauphiné 및 Provence의 지방과 관련된 밀접하게 관련된 남부 프랑스 민속 춤의 가족으로 시작되었습니다.
다른 기능들
Prelude – 서곡, 즉흥적 인 스타일로 작성된 느린 곡으로 시작될 수 있습니다. 일부 바로크 양식의 전주곡은 완전히 쓰여지지 않았습니다. 그 대신, 연주자가 표시된 하모닉 프레임 워크를 사용하여 멜로디 파트를 즉석에서 재현 할 수있을 것이라는 기대로 화음 시퀀스가 표시되었습니다. 서곡은 일종의 춤을 기반으로하지 않았습니다.
앙트레 (Entrée) – 때로는 앙트레가 스위트의 일부로 구성됩니다. 그러나 거기에는 순전히 악기 음악이 있고 춤은 수행되지 않습니다. 그것은 소개, 춤과 같은 그룹의 입구 동안 연주 또는 발레 전에 연주 행진과 같은 작품입니다. 보통 4시에
4 시간. 그것은 이탈리아 인트라 다 (intrada)와 관련이 있습니다.
Basso continuo – 새 음악 표기법으로 표기된 연속 반주의 일종으로 하나 이상의 지속베이스 악기 (예 : 첼로) 및 하나 이상의 코드 연주 악기 (예 : 하프시 코드, 파이프와 같은 건반 악기 기관 또는 류트)
협주곡 (오케스트라 반주가있는 솔로 곡)과 협주곡 그로소
모노 디 – 노래의 파생물
Homophony – 하나의 선율 적 목소리와 리드 미학 적으로 유사한 (그리고 종속적 인) 화음 반주가있는 음악 (이 곡과 모던은 전형적인 르네상스 풍과 대조됩니다)
오페라, 뮤직 드라마와 같은 극적인 음악 형태
오케스트라와 칸타타 등 가수와 오케스트라를 사용하여 결합 된 기악 성악 형식
트레몰로 및 피치카토와 같은 새로운 도구 기술
다 카포 아리아는 “즐거움을 누렸다”.
ritornello 아리아 – 보컬 구절의 짧은 도구 중단
Concertato 스타일 – 악기 그룹 간의 사운드 대조.
일반적으로 가수 및 연주자 (예 : 트릴, 매디 언트 등)가 즉흥 연주 한 광범위한 장식