L’arte postmoderna è un corpo di movimenti artistici che ha cercato di contraddire alcuni aspetti del modernismo o alcuni aspetti emersi o sviluppati nel periodo successivo. In generale, movimenti come intermedia, installazioni artistiche, arte concettuale e multimedia, in particolare i video, sono descritti come postmoderni.
Ci sono diverse caratteristiche che prestano l’arte all’essere postmoderno; questi includono il bricolage, l’uso di parole prominenti come elemento artistico centrale, collage, semplificazione, appropriazione, performance art, il riciclaggio di stili e temi del passato in un contesto moderno, così come la rottura della barriera tra l’ammenda e arte alta e bassa arte e cultura popolare.
Uso del termine
Il termine predominante per l’arte prodotta dagli anni ’50 è “arte contemporanea”. Non tutta l’arte etichettata come arte contemporanea è postmoderna, e il termine più ampio comprende sia gli artisti che continuano a lavorare nelle tradizioni moderniste e tardo-moderniste, sia gli artisti che rifiutano il postmodernismo per altri motivi. Arthur Danto sostiene che “contemporaneo” è il termine più ampio, e gli oggetti postmoderni rappresentano un “sottosettore” del movimento contemporaneo. Alcuni artisti postmoderni hanno fatto delle pause più distinte dalle idee dell’arte moderna e non c’è consenso su ciò che è “tardo-moderno” e su ciò che è “post-moderno”. Le idee respinte dall’estetica moderna sono state ristabilite. Nella pittura, il postmodernismo ha reintrodotto la rappresentazione. Alcuni critici sostengono che gran parte dell’attuale arte “postmoderna”, l’ultima avanguardia, dovrebbe ancora classificarsi come arte moderna.
Oltre a descrivere alcune tendenze dell’arte contemporanea, il postmoderno è stato anche usato per denotare una fase dell’arte moderna. I difensori del modernismo, come Clement Greenberg, così come gli oppositori radicali del modernismo, come Félix Guattari, che definisce l’ultimo rantolo del modernismo, hanno adottato questa posizione. Il neo-conservatore Hilton Kramer descrive il postmodernismo come “una creazione del modernismo alla fine del suo legame”. Jean-François Lyotard, nell’analisi di Fredric Jameson, non ritiene che vi sia uno stadio postmoderno radicalmente diverso dal periodo dell’alto modernismo; invece, il malcontento postmoderno con questo o quell’alto stile modernista fa parte della sperimentazione dell’alto modernismo, dando vita a nuovi modernismi. Nel contesto dell’estetica e dell’arte, Jean-François Lyotard è un grande filosofo del postmodernismo.
Molti critici sostengono che l’arte postmoderna emerge dall’arte moderna. Date suggerite per il passaggio dal moderno al postmoderno includono il 1914 in Europa e il 1962 o il 1968 in America. James Elkins, commentando le discussioni sulla data esatta della transizione dal modernismo al postmodernismo, lo confronta con la discussione degli anni ’60 sull’esatto arco del manierismo e se debba iniziare direttamente dopo il Rinascimento o più tardi nel secolo. Rende il punto il fatto che questi dibattiti vadano sempre avanti rispetto ai movimenti e ai periodi dell’arte, il che non vuol dire che non siano importanti. La fine del periodo dell’arte postmoderna è stata datata alla fine degli anni ’80, quando la parola postmodernismo perse gran parte della sua risonanza critica e le pratiche artistiche iniziarono ad affrontare l’impatto della globalizzazione e dei nuovi media.
Il filosofo marxista americano Fredric Jameson sostiene la condizione della vita e la produzione si rifletterà in tutte le attività, inclusa la creazione dell’arte.
Jean Baudrillard ha avuto un’influenza significativa sull’arte di ispirazione postmoderna e ha sottolineato le possibilità di nuove forme di creatività. L’artista Peter Halley descrive i suoi colori da giorno come “iperrealizzazione del colore reale” e riconosce Baudrillard come un’influenza. Lo stesso Baudrillard, dal 1984, era abbastanza coerente nel suo modo di vedere l’arte contemporanea, e in particolare l’arte postmoderna, era inferiore all’arte modernista del secondo dopoguerra, mentre Jean-François Lyotard elogiò la pittura contemporanea e rimarcò la sua evoluzione da Modern arte. Le principali artiste delle donne del ventesimo secolo sono associate all’arte postmoderna poiché molta articolazione teorica del loro lavoro è emersa dalla psicoanalisi francese e dalla teoria femminista fortemente legata alla filosofia post moderna.
Come per tutti gli usi del termine postmoderno ci sono critici della sua applicazione. Kirk Varnedoe, ad esempio, ha affermato che non esiste nulla di simile al postmodernismo e che le possibilità del modernismo non sono ancora state esaurite. Anche se l’uso del termine come una sorta di stenografia per designare il lavoro di certe “scuole” del dopoguerra che impiegano tecniche materiali e generiche relativamente specifiche è diventato convenzionale dalla metà degli anni ’80, le basi teoriche del postmodernismo come divisione epocale o epistemica sono ancora molto in discussione.
Definire l’arte postmoderna
Il postmodernismo descrive i movimenti che derivano, e reagiscono o rifiutano, le tendenze del modernismo. Le citazioni generali per le tendenze specifiche del modernismo sono la purezza formale, la specificità media, l’arte per l’arte, l’autenticità, l’universalità, l’originalità e la tendenza rivoluzionaria o reazionaria, cioè l’avanguardia. Tuttavia, il paradosso è probabilmente l’idea modernista più importante contro cui reagisce il postmodernismo. Il paradosso è stato centrale per l’impresa modernista, che Manet ha introdotto. Le varie violazioni di Manet dell’arte figurativa portarono alla ribalta la presunta mutua esclusività della realtà e della rappresentazione, del design e della rappresentazione, dell’astrazione e della realtà, e così via. L’incorporazione del paradosso era altamente stimolante da Manet ai concettualisti.
Lo status delle avanguardie è controverso: molte istituzioni sostengono che essere visionario, lungimirante, all’avanguardia e progressivo sono cruciali per la missione dell’arte nel presente, e quindi l’arte postmoderna contraddice il valore dell ‘”arte dei nostri tempi”. “. Il postmodernismo respinge la nozione di progresso o progresso nell’arte in sé, e quindi mira a rovesciare il “mito dell’avanguardia”. Rosalind Krauss è stato uno dei più importanti enunciatori dell’idea che l’avanguardismo fosse finito, e la nuova era artistica è post-liberale e post-progresso. Griselda Pollock ha studiato e affrontato l’avanguardia e l’arte moderna in una serie di libri rivoluzionari, rivedendo l’arte moderna e allo stesso tempo ridefinendo l’arte postmoderna.
Una caratteristica dell’arte postmoderna è la sua confusione tra cultura alta e bassa attraverso l’uso di materiali industriali e immagini di cultura pop. Anche l’uso di forme d’arte basse faceva parte della sperimentazione modernista, come documentato in Kirk Varnedoe e Adam Gopnik dello spettacolo 1990-91 High and Low: cultura popolare e arte moderna al Museum of Modern Art di New York, una mostra che era universalmente stroncato all’epoca come l’unico evento in grado di portare Douglas Crimp e Hilton Kramer insieme in un coro di disprezzo. L’arte postmoderna è nota per il modo in cui offusca le distinzioni tra ciò che è percepito come arte fine o alta e ciò che è generalmente visto come arte bassa o kitsch. Mentre questo concetto di “offuscare” o “fondere” l’alta arte con l’arte bassa era stato sperimentato durante il modernismo, esso è stato sempre pienamente approvato dopo l’avvento dell’era postmoderna. Il postmodernismo ha introdotto elementi di mercantilismo, kitsch e un’estetica generale del campo nel suo contesto artistico; il postmodernismo prende stili di periodi passati, come il gotico, il rinascimento e il barocco, e li mescola in modo tale da ignorarne l’uso originario nel corrispondente movimento artistico. Tali elementi sono caratteristiche comuni di ciò che definisce l’arte postmoderna.
Fredric Jameson suggerisce opere postmoderne abiure qualsiasi pretesa di spontaneità e immediatezza di espressione, facendo uso invece di pastiche e discontinuità. Contro questa definizione, Charles Harrison e Paul Wood di Art and Language hanno mantenuto il pastiche e la discontinuità sono endemici dell’arte modernista, e sono utilizzati efficacemente da artisti moderni come Manet e Picasso.
Una definizione compatta è il postmodernismo che rifiuta le grandi narrazioni della direzione artistica del modernismo, sradicando i confini tra forme d’arte alte e basse e sconvolgendo le convenzioni del genere con collisione, collage e frammentazione. L’arte postmoderna sostiene che tutte le posizioni sono instabili e insincere, e quindi l’ironia, la parodia e l’umorismo sono le uniche posizioni in cui la critica o la revisione non possono ribaltarsi. “Pluralismo e diversità” sono altre caratteristiche che definiscono.
Precursori d’avanguardia
Movimenti e tendenze radicali considerati influenti e potenzialmente come precursori del postmodernismo sono emersi durante la prima guerra mondiale e in particolare in seguito. Con l’introduzione dell’uso di artefatti industriali nell’arte e tecniche come il collage, i movimenti d’avanguardia come Cubismo, Dada e Surrealismo mettevano in discussione la natura e il valore dell’arte. Nuove forme d’arte, come il cinema e l’ascesa della riproduzione, hanno influenzato questi movimenti come mezzo per creare opere d’arte. Il punto di partenza per la definizione di modernismo, il saggio di Clement Greenberg, Avant-Garde e Kitsch, pubblicato per la prima volta in Partisan Review nel 1939, difende l’avanguardia di fronte alla cultura popolare. Più tardi, Peter Bürger farebbe una distinzione tra avanguardia storica e modernismo, e critici come Krauss, Huyssen e Douglas Crimp, seguendo Bürger, identificarono le avanguardie storiche come precursori del postmodernismo. Krauss, ad esempio, descrive l’uso del collage da parte di Pablo Picasso come una pratica d’avanguardia che anticipa l’arte postmoderna con l’enfasi sul linguaggio a spese dell’autobiografia. Un altro punto di vista sono le avanguardie e gli artisti modernisti hanno usato strategie simili e il postmodernismo ripudia entrambi.
Dada
All’inizio del XX secolo Marcel Duchamp espose un orinale come scultura. Il suo punto di vista era che le persone guardassero l’orinatoio come se fosse un’opera d’arte solo perché diceva che era un’opera d’arte. Ha fatto riferimento al suo lavoro come “Readymades”. La fontana era un orinale firmato con lo pseudonimo R. Mutt, che sconvolse il mondo dell’arte nel 1917. Questo e gli altri lavori di Duchamp sono generalmente etichettati come Dada. Duchamp può essere visto come un precursore dell’arte concettuale. Alcuni critici pongono domande a Duchamp – la cui ossessione per il paradosso è ben nota – postmodernista sulla base del fatto che rifugge qualsiasi mezzo specifico, dal momento che il paradosso non è specifico per il medio, sebbene sia nato prima nei dipinti di Manet.
Il dadaismo può essere visto come parte della propensione modernista a sfidare stili e forme consolidati, insieme al surrealismo, al futurismo e all’espressionismo astratto. Da un punto di vista cronologico, Dada si trova saldamente all’interno del modernismo, tuttavia un certo numero di critici ritengono che anticipi il postmodernismo, mentre altri, come Ihab Hassan e Steven Connor, lo considerano un possibile punto di passaggio tra modernismo e postmodernismo. Per esempio, secondo McEvilly, il postmodernismo inizia con la realizzazione di uno che non crede più al mito del progresso, e Duchamp lo percepì nel 1914 quando passò da una pratica modernista a una postmodernista, “abiura di delizie estetiche, ambizione trascendente e tour de forzare dimostrazioni di agilità formale a favore dell’indifferenza estetica, del riconoscimento del mondo ordinario e dell’oggetto trovato o readymade. ”
Movimenti radicali nell’arte moderna
In generale, la Pop Art e il Minimalismo iniziarono come movimenti modernisti: un cambio di paradigma e una divisione filosofica tra formalismo e anti-formalismo nei primi anni ’70 fece sì che quei movimenti fossero visti da alcuni come precursori o arte postmoderna di transizione. Altri movimenti moderni citati come influenti all’arte postmoderna sono l’arte concettuale e l’uso di tecniche come l’assemblaggio, il montaggio, il bricolage e l’appropriazione.
Jackson Pollock e l’espressionismo astratto
Tra la fine degli anni ’40 e l’inizio degli anni ’50, l’approccio radicale alla pittura di Pollock ha rivoluzionato il potenziale per l’arte contemporanea che lo segue. Pollock capì che il viaggio verso la realizzazione di un’opera d’arte era importante quanto l’opera d’arte stessa. Come gli innovativi interventi di pittura e scultura di Pablo Picasso verso la fine del secolo scorso attraverso il cubismo e la scultura costruita, Pollock ha ridefinito l’arte durante la metà del secolo. Il movimento di Pollock dalla pittura e dalla convenzionalità del cavalletto ha liberato i suoi artisti contemporanei e gli artisti che seguono. Hanno realizzato il processo di Pollock – lavorando sul pavimento, tela grezza non tesa, da tutti e quattro i lati, usando materiali d’artista, materiali industriali, immagini, non immagini, lanciando matasse lineari di pittura, gocciolando, disegnando, macchiando, spazzolando. confini. L’espressionismo astratto ha ampliato e sviluppato le definizioni e le possibilità che gli artisti avevano a disposizione per la creazione di nuove opere d’arte. In un certo senso, le innovazioni di Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt e altri hanno aperto le porte alla diversità e allo scopo delle seguenti opere.
Dopo l’espressionismo astratto
Nella pittura astratta degli anni ’50 e ’60 sono comparse diverse nuove direzioni come la pittura Hard-edge e altre forme di astrazione geometrica come l’opera di Frank Stella, come reazione al soggettivismo dell’espressionismo astratto che ha cominciato ad apparire negli studi di artisti e in avanguardia radicale -guardi di cerchi. Clement Greenberg divenne la voce dell’astrazione post-pittore; curando un’influente mostra di nuovi dipinti itineranti in importanti musei d’arte negli Stati Uniti nel 1964. La pittura a colori, l’Hard-edge painting e Lyrical Abstraction sono emerse come nuove direzioni radicali.
Verso la fine degli anni ’60, Postminimalism, Process Art e Arte Povera emersero anche concetti rivoluzionari e movimenti che comprendevano la pittura e la scultura, attraverso Lyrical Abstraction e il movimento Postminimalista, e nella prima Arte concettuale. La Process Art ispirata da Pollock ha permesso agli artisti di sperimentare e utilizzare una diversa enciclopedia di stile, contenuto, materiale, posizionamento, senso del tempo, spazio plastico e reale. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario Merz, Peter Reginato, Lee Lozano, furono alcuni degli artisti più giovani che emergevano durante l’era del tardo modernismo generando il culmine dell’arte della fine degli anni ’60.
Performance art e happening
Durante la fine degli anni ’50 e ’60, artisti con una vasta gamma di interessi iniziarono a spingere i confini dell’arte contemporanea. Yves Klein in Francia e Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman e Yoko Ono a New York City sono stati pionieri delle opere d’arte basate sulla performance. Gruppi come The Living Theatre con Julian Beck e Judith Malina hanno collaborato con scultori e pittori creando ambienti; cambiando radicalmente la relazione tra pubblico e performer, specialmente nel loro pezzo Paradise Now. Il Judson Dance Theatre situato presso la Judson Memorial Church, New York, e le ballerine Judson, in particolare Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton e altri hanno collaborato con gli artisti Robert Morris , Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e ingegneri come Billy Klüver. Queste performance sono state spesso progettate per essere la creazione di una nuova forma d’arte, combinando scultura, danza, musica o suono, spesso con la partecipazione del pubblico. Le filosofie riduttive del minimalismo, dell’improvvisazione spontanea e dell’espressività astratta hanno caratterizzato le opere.
Nello stesso periodo – dalla fine degli anni ’50 alla metà degli anni ’60 – diversi artisti d’avanguardia hanno creato Happenings. Gli avvenimenti sono stati incontri misteriosi e spesso spontanei e non sceneggiati di artisti, i loro amici e parenti in vari luoghi specifici. Spesso incorporando esercizi in assurdità, esercizio fisico, costumi, nudità spontanea e vari atti casuali e apparentemente sconnessi. Allan Kaprow, Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms e Robert Whitman tra gli altri erano notevoli creatori di Happenings.
Assemblage art
In relazione all’Espressionismo astratto c’era l’emergere di manufatti combinati – con materiali d’artista, che si allontanavano dalle precedenti convenzioni di pittura e scultura. Il lavoro di Robert Rauschenberg, le cui “mietitrebbiatrici” negli anni Cinquanta furono precursori dell’arte pop e delle installazioni, e si servì dell’assemblaggio di grandi oggetti fisici, tra cui animali imbalsamati, uccelli e fotografia commerciale, esemplificando questa tendenza artistica.
Nel 1969 Leo Steinberg usa il termine postmodernismo per descrivere il piano “piano” di Rauschenberg, contenente una serie di immagini e manufatti culturali che non erano compatibili con il campo pittorico della pittura premodernista e modernista. Craig Owens va oltre, identificando il significato del lavoro di Rauschenberg non come una rappresentazione di, secondo Steinberg, “il passaggio dalla natura alla cultura”, ma come una dimostrazione dell’impossibilità di accettare la loro opposizione.
Steven Best e Douglas Kellner identificano Rauschenberg e Jasper Johns come parte della fase di transizione, influenzata da Marcel Duchamp, tra modernismo e postmodernismo. Questi artisti usavano le immagini di oggetti ordinari, o gli oggetti stessi, nel loro lavoro, pur mantenendo l’astrazione e i gesti pittorici dell’alto modernismo.
Anche Anselm Kiefer utilizza elementi di assemblaggio nelle sue opere e, in un’occasione, ha caratterizzato la prua di una barca da pesca in un dipinto.
Pop Art
Lawrence Alloway usava il termine “Pop art” per descrivere i dipinti che celebravano il consumismo dell’era post Seconda Guerra Mondiale. Questo movimento respinse l’espressionismo astratto e la sua attenzione sull’interiorità ermeneutica e psicologica, a favore dell’arte che rappresentava, e spesso celebrava, la cultura del consumo materiale, la pubblicità e l’iconografia dell’età della produzione di massa. I primi lavori di David Hockney e le opere di Richard Hamilton, John McHale e Eduardo Paolozzi furono considerati esempi seminali nel movimento. Mentre gli esempi americani successivi includono la maggior parte delle carriere di Andy Warhol e Roy Lichtenstein e il suo uso dei punti Benday, una tecnica usata nella riproduzione commerciale. C’è una chiara connessione tra le opere radicali di Duchamp, il ribelle dadaista – con un senso dell’umorismo; e artisti pop come Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein e gli altri.
Thomas McEvilly, concordando con Dave Hickey, afferma che il postmodernismo degli Stati Uniti nelle arti visive è iniziato con le prime esposizioni della Pop art nel 1962, “anche se ci sono voluti circa vent’anni prima che il postmodernismo diventasse un atteggiamento dominante nelle arti visive”. Anche Fredric Jameson ritiene che la pop art sia postmoderna.
Un modo in cui la Pop Art è postmoderna è la rottura di ciò che Andreas Huyssen chiama il “Grande Divario” tra l’arte alta e la cultura popolare. Il postmodernismo emerge da un “rifiuto generazionale delle certezze categoriche dell’alto modernismo”.
Fluxus
Fluxus è stato nominato e liberamente organizzato nel 1962 da George Maciunas (1931-78), un artista americano di origine lituana. Fluxus fa risalire le sue origini ai corsi di Composizione Sperimentale di John Cage del 1957 al 1959 presso la New School for Social Research di New York City. Molti dei suoi studenti erano artisti che lavorano in altri media con poca o nessuna esperienza musicale. Tra gli studenti di Cage c’erano i membri fondatori di Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht e Dick Higgins. Nel 1962 in Germania Fluxus iniziò con: FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik a Wiesbaden con, George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik e altri. E nel 1963 con: Festum Fluxorum Fluxus a Düsseldorf con George Maciunas, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Dick Higgins, Nam June Paik, Ben Patterson, Emmett Williams e altri.
Fluxus ha incoraggiato un estetico fai da te e ha valutato la semplicità rispetto alla complessità. Come Dada prima di esso, Fluxus includeva una forte corrente di anti-mercantilismo e una sensibilità anti-arte, denigrando il convenzionale mondo dell’arte guidato dal mercato in favore di una pratica creativa centrata sull’artista. Gli artisti di Fluxus preferivano lavorare con qualunque materiale fosse a portata di mano, e hanno creato il loro lavoro o collaborato nel processo di creazione con i loro colleghi.
Fluxus può essere visto come parte della prima fase del postmodernismo, insieme a Rauschenberg, Johns, Warhol e l’Internazionale Situazionista. Andreas Huyssen critica i tentativi di rivendicare Fluxus per il postmodernismo come “o il codice principale del postmodernismo o il movimento artistico in definitiva non rappresentabile – per così dire, il sublime del postmodernismo”. Invece vede Fluxus come un grande fenomeno neodadaista all’interno della tradizione delle avanguardie. Non rappresentava un grande progresso nello sviluppo delle strategie artistiche, sebbene esprimesse una ribellione contro “la cultura amministrata degli anni ’50, in cui un modernismo moderato e addomesticato serviva da sostegno ideologico alla Guerra Fredda”.
minimalismo
Agli inizi degli anni ’60 il minimalismo emergeva come un movimento astratto nell’arte (con radici nell’astrazione geometrica attraverso Malevich, Bauhaus e Mondrian) che respingeva l’idea della pittura relazionale e soggettiva, la complessità delle superfici espressioniste astratte e lo zeitgeist e la polemica emotiva presente nell’arena della pittura d’azione. Il minimalismo sosteneva che l’estrema semplicità poteva catturare la sublime rappresentazione richiesta dall’arte. Associato a pittori come Frank Stella, il minimalismo nella pittura, al contrario di altre aree, è un movimento modernista e, a seconda del contesto, può essere considerato un precursore del movimento postmoderno.
Hal Foster, nel suo saggio The Crux of Minimalism, esamina in quale misura Donald Judd e Robert Morris riconoscono e superano il modernismo Greenbergiano nelle loro definizioni pubblicate di minimalismo. Egli sostiene che il minimalismo non è un “vicolo cieco” del modernismo, ma un “cambio di paradigma verso pratiche postmoderne che continuano ad essere elaborate oggi”.
Postminimalism
Robert Pincus-Witten coniò il termine Post-minimalismo nel 1977 per descrivere l’arte derivata minimalista che aveva il rigore del contenuto e delle sfumature contestuali. Il suo uso del termine coprì il periodo 1966-1976 e si applicò ai lavori di Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra e nuovo lavoro degli ex minimalisti Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt e Barry Le Va, e altri. L’arte di processo e l’arte anti-forma sono altri termini che descrivono questo lavoro, che determina lo spazio che occupa e il processo con cui è fatto.
Rosalind Krauss sostiene che nel 1968 artisti come Morris, LeWitt, Smithson e Serra erano “entrati in una situazione le cui condizioni logiche non possono più essere descritte come moderniste”. L’espansione della categoria della scultura per includere l’arte e l’architettura della terra, “ha determinato il passaggio al postmodernismo”.
Minimalisti come Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken e altri hanno continuato a produrre i loro ultimi dipinti e sculture moderniste per il resto della loro carriera.
Movimenti nell’arte postmoderna
Arte concettuale
L’arte concettuale è talvolta etichettata come postmoderna perché è espressamente coinvolta nella decostruzione di ciò che rende un’opera d’arte, “arte”. L’arte concettuale, perché è spesso progettata per affrontare, offendere o attaccare le nozioni possedute da molte delle persone che la vedono, è considerata con particolare polemica.
I precursori dell’arte concettuale comprendono il lavoro di Duchamp, il 4 ’33 “di John Cage, in cui si dice che la musica sia” i suoni dell’ambiente ascoltati dagli ascoltatori mentre viene eseguita “e il disegno di Erased De Kooning di Rauschenberg. le opere concettuali prendono la posizione che l’arte è creata dallo spettatore che osserva un oggetto o agisce come un’opera d’arte, non dalle qualità intrinseche dell’opera stessa, quindi, poiché la Fontana è stata esposta, era una scultura.
Installazione art
Un’importante serie di movimenti nell’arte che sono stati coerentemente descritti come postmoderna implicata nell’installazione artistica e nella creazione di artefatti di natura concettuale. Un esempio sono i segni di Jenny Holzer che usa i dispositivi dell’arte per trasmettere messaggi specifici, come “Proteggimi da ciò che voglio”. Installazione L’arte è stata importante nel determinare gli spazi selezionati per i musei di arte contemporanea al fine di poter contenere le grandi opere che sono composte da vasti collage di manufatti e oggetti trovati. Queste installazioni e collage sono spesso elettrificate, con parti mobili e luci.
Sono spesso progettati per creare effetti ambientali, come la Cortina di ferro di Christo e Jeanne-Claude, Muro di 240 barili di petrolio, che blocca Rue Visconti, Parigi, giugno 1962, una risposta poetica al muro di Berlino costruito nel 1961.
Arte lowbrow
Lowbrow è un diffuso movimento artistico populista con origini nel mondo underground di comix, musica punk, cultura di strada hot-rod e altre sottoculture californiane. È anche spesso conosciuto con il nome di pop surrealismo. L’arte di Lowbrow evidenzia un tema centrale nel postmodernismo in quanto la distinzione tra arte “alta” e “bassa” non è più riconosciuta.
Performance art
Arte digitale
L’arte digitale è un termine generale per una serie di opere e pratiche artistiche che utilizzano la tecnologia digitale come parte essenziale del processo creativo e / o di presentazione. L’impatto della tecnologia digitale ha trasformato attività come pittura, disegno, scultura e musica / sound art, mentre nuove forme, come la net art, l’arte dell’installazione digitale e la realtà virtuale, sono diventate pratiche artistiche riconosciute.
Teorici e storici dell’arte in questo campo includono Christiane Paul, Frank Popper, Christine Buci-Glucksmann, Dominique Moulon, Robert C. Morgan, Roy Ascott, Catherine Perret, Margot Lovejoy, Edmond Couchot, Fred Forest e Edward A. Shanken.
Intermedia e multimediale
Un’altra tendenza dell’arte che è stata associata al termine postmoderno è l’uso di un numero di media diversi insieme. Intermedia, termine coniato da Dick Higgins e destinato a trasmettere nuove forme d’arte sulla falsariga di Fluxus, Poesia Concreta, Oggetti trovati, Performance art e Computer art. Higgins è stato editore della Something Else Press, poetessa concreta, sposata con l’artista Alison Knowles e ammiratrice di Marcel Duchamp. Ihab Hassan include, “Intermedia, la fusione di forme, la confusione dei regni”, nella sua lista delle caratteristiche dell’arte postmoderna. Una delle forme più comuni di “arte multimediale” è l’uso di videoregistratori e monitor CRT, definiti Video art. Mentre la teoria di combinare più arti in un’unica arte è piuttosto vecchia, ed è stata ripresa periodicamente, la manifestazione postmoderna è spesso in combinazione con l’arte della performance, in cui il sottotesto drammatico viene rimosso, e ciò che rimane sono le specifiche dichiarazioni dell’artista in domanda o la dichiarazione concettuale della loro azione. La concezione di Higgin di Intermedia è connessa alla crescita della pratica digitale multimediale come realtà virtuale immersiva, arte digitale e computer art.
Arte telematica
L’arte telematica è una descrizione di progetti artistici che utilizzano come media le reti di telecomunicazione mediate da computer. L’arte telematica sfida la relazione tradizionale tra soggetti visivi attivi e oggetti artistici passivi creando contesti interattivi e comportamentali per incontri estetici remoti. Roy Ascott vede la forma d’arte telematica come la trasformazione dello spettatore in un partecipante attivo di creare l’opera d’arte che rimane in corso per tutta la sua durata. Ascott è stato in prima linea nella teoria e nella pratica dell’arte telematica dal 1978 quando è andato online per la prima volta, organizzando diversi progetti online collaborativi.
Arte di appropriazione e arte neo-concettuale
Nel suo saggio del 1980 The Allegorical Impulse: Verso una teoria del postmodernismo, Craig Owens identifica il riemergere di un impulso allegorico come caratteristico dell’arte postmoderna. Questo impulso può essere visto nell’arte dell’appropriazione di artisti come Sherrie Levine e Robert Longo perché “L’immaginario allegorico è un immaginario appropriato”. L’appropriazione artistica smaschera le nozioni moderniste di genio artistico e originalità ed è più ambigua e contraddittoria dell’arte moderna, installando e sovvertendo contemporaneamente le ideologie, “essendo sia critica che complice”.
Neo-espressionismo e pittura
Il ritorno alle forme artistiche tradizionali di scultura e pittura tra la fine degli anni ’70 e l’inizio degli anni ’80 visto nel lavoro di artisti neo-espressionisti come Georg Baselitz e Julian Schnabel è stato descritto come una tendenza postmoderna, e uno dei primi movimenti coerenti a emergere nell’era postmoderna. I suoi forti legami con il mercato dell’arte commerciale hanno sollevato interrogativi, tuttavia, sia sul suo status di movimento postmoderno che sulla definizione del postmodernismo stesso. Hal Foster afferma che il neoespressionismo è stato complice della politica culturale conservatrice dell’era Reagan-Bush negli Stati Uniti. Félix Guattari non tiene conto delle “grandi operazioni promozionali soprannominate ‘neo-espressionismo’ in Germania” (un esempio di una moda che mantiene per mezzo della pubblicità “) come un modo troppo semplice per lui” per dimostrare che il postmodernismo non è altro che l’ultimo sussulto del modernismo “. Queste critiche al neo-espressionismo rivelano che il denaro e le pubbliche relazioni hanno davvero sostenuto la credibilità del mondo dell’arte contemporanea in America durante lo stesso periodo in cui gli artisti concettuali e le pratiche di artisti donne tra pittori e teorici femministi come Griselda Pollock, stavano sistematicamente rivalutando l’arte moderna. Brian Massumi afferma che Deleuze e Guattari aprono l’orizzonte delle nuove definizioni di bellezza nell’arte postmoderna. Per Jean-François Lyotard era la pittura degli artisti Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger e Barnett Newman che, dopo il tempo dell’avanguardia e la pittura di Paul Cézanne e Wassily Kandinsky, era il veicolo per nuovi idee del sublime nell’arte contemporanea.
Critica istituzionale
Le critiche sulle istituzioni d’arte (principalmente musei e gallerie) sono fatte nel lavoro di Michael Asher, Marcel Broodthaers, Daniel Buren e Hans Haacke.