Rassegna delle mostre precedenti 2018-2019, Museo di arte moderna e contemporanea di Nizza, Francia

Da anni il MAMAC è impegnato in nuove letture attive della storia dell’arte, ancorate a questioni sociali contemporanee; l’evidenziazione di figure singolari e la produzione di nuove storie. Il nostro rapporto con la natura e il modo in cui gli artisti affrontano le sfide ecologiche è uno degli argomenti chiave sollevati nel programma.

Visite guidate, laboratori, incontri con artisti o ricercatori, percorsi di narrazione, conferenze o proiezioni, visite di danza, concerti, spettacoli ed eventi, promuovono l’accessibilità dell’arte contemporanea al pubblico più ampio e trasformano il museo in un parco giochi per artisti di diversi ambiti. Durante tutto l’anno, il team del museo costruisce una costellazione di reti con aziende, associazioni, studenti, assistenti sociali per inventare programmi specifici e modi per reinventare il museo.

Mostre nel 2018
Auguste-Dormeuil, se dovessi rifare tutto di nuovo
Nato nel 1968, Renaud Auguste-Dormeuil si interroga su come vengono create le immagini dalla metà degli anni ’90, immaginate nella loro arena pubblica e politica. Visibilità / invisibilità, luce / oscurità, ricordare / dimenticare, ciò che sappiamo / ciò che pensiamo di sapere, evocare senza mostrare, dire senza parlare … sono tutti segni per comprendere le sue opere, che modellano i codici che strutturano il flusso delle immagini. Sebbene le preoccupazioni iniziali dell’artista si concentrassero essenzialmente sulle nuove cartografie, per diversi anni il suo lavoro ha preso una piega più metaforica e performativa. Progettata come una costellazione di esperienze all’interno del MAMAC e nell’area pubblica, la sua mostra nella galleria contemporanea ha assunto la forma di una serie di infra-sottili e performance allestite durante l’arco temporale della mostra,

Cosmogonies, Au Gré des Éléments
Evocare gli elementi, catturare i legami invisibili che legano i componenti dell’universo, comprendere i processi di erosione, imprinting, cristallizzazione, rivelare l’ustione del sole … Dai primi anni ’60, fantasticando sul dominio degli elementi o giocando con l’umiltà creativa di lasciare che le cose accadano, o da qualche parte nel mezzo, diverse generazioni di artisti si sono rivolte alla natura e alle sue manifestazioni. L’approccio di questi artisti-raccoglitori, che si proponevano di “raccogliere” il vento, la luce o il polline, deriva da esperimenti incentrati sulla cattura di fenomeni naturali, esplorando i vari stati dei materiali o osservando meticolosamente elementi apparentemente sfuggenti.

Gli esperimenti di Yves Klein per catturare gli “stati di natura momentanei”, la Land art e l’Arte povera affascinati dalle “forze in gioco” sembrano essere i momenti chiave di questa complicità tra il mondo artistico e il regno naturale. Portare questa sperimentazione fino ad oggi , le opere selezionate per la mostra delineano un’ode all’impermanenza e all’emergere di forme “assistite” dalla natura attraverso diverse generazioni di artisti. Sottolineano la loro persistente attrazione per i processi naturali e per catturarli, facendo eco alla diversità nel dibattito contemporaneo sulle questioni ambientali. Spinte da un’acuta consapevolezza della fragilità dell’ordine naturale, le pratiche delineano implicitamente un appello all’ambiente e un appello ad ascoltare e percepire la vita segreta dell’universo.

Michel Blazy, Timeline
Michel Blazy è nato sotto il paesaggio della Riviera, il 24 aprile 1966, ed è oggi una delle figure francesi più originali della sua generazione. Attraverso effetti ed esperimenti Low Tech, l’artista osserva e lavora con il living, utilizzando elementi dal giardino di casa al supermercato. Queste piccole attività evolutive ed effimere rivelano esplorazioni sensibili di microrganismi in perenne cambiamento.

Ha immaginato alla Galerie des Ponchettes un’installazione ambientale immersiva come un giardino delle delizie, in cui affreschi, ruderi e vegetazione spontanea offrono letteralmente l’esperienza del tempo che scorre. Gli archi della galleria, ricoperti di rosso pompeiano come la passata di pomodoro, contrastavano con l’azzurro del cielo realizzato con agar-agar ricordando i dipinti di Giotto. Al centro di questo murale c’era un cerchio di carbone da cui la vegetazione prendeva vita spontaneamente. Il nero opaco del legno calcinato contrastava con la brillantezza e la freschezza del verde accentuando l’idea di rigenerazione. Una scultura di Anrique ricoperta di fogli di alluminio, un mattone e un disco rigido ricoperto di vegetazione spontanea, abiti ricoperti di muschio completano questo paesaggio cromatico, olfattivo e sensoriale, disegnato sulla scala dell’architettura.

Irene Kopelman Paesaggi in crescita, intrecciati, annodati e arrotolati
Nata a Cordoba, in Argentina, nel 1974, Irene Kopelman vive tra l’Argentina e Amsterdam. Esplora ecosistemi eccezionali in tutto il mondo alla ricerca di una comprensione dei meccanismi del mondo vivente. Ogni nuovo biotopo costituisce una specifica avventura di immersione che è sia sensibile (sentire il paesaggio, le sue dimensioni, i suoi movimenti); visivo (l’entanglement e l’interdipendenza degli elementi) e intellettuale (scoprire con i team scientifici in loco gli strumenti per registrare e misurare, comprendere la vita stessa di questi ecosistemi e il loro ruolo su larga scala).

Dalle sue fasi di osservazione nascono poi serie di sottili disegni o gouaches, al limite dell’astrazione, i cui motivi frammentati evocano tanti campioni di un paesaggio. Questo lavoro “sul motivo” e questa pratica di rilievi “post-natura” si riferiscono alle esplorazioni dei naturalisti nel XVIII e XIX secolo. Affascinato dagli armadietti della curiosità e dai molteplici assi di minerali e specie botaniche nati da questo periodo di scoperte, l’artista si interroga su quest’epoca di esplorazione e costruzione della conoscenza, di identificazione dei fenomeni naturali e di tentativi ed errori metodologici, confrontandola con questioni ecologiche contemporanee.

Spesso si concentrava deliberatamente sui paesaggi estremi a causa della loro vastità, della loro natura avvolgente e della relativa incapacità di coglierne la globalità: deserti, giungle, ghiacciai, ecc. Da questa immensità, ha ogni volta elementi isolati che sono a priori modesti (licheni , foglie, semplici linee durante il viaggio in Antartide, ecc.), quasi a voler meglio restituire l’universo alle sue componenti e movimenti ed evidenziare la vulnerabilità degli ecosistemi. Al MAMAC ha presentato, per la prima volta in Francia, una serie creata nella foresta tropicale di Panama nel 2014, Project Vertical Landscape, Lianas; una serie di disegni sulle Mangrovie realizzati a Bocas del Toro e due grandi dipinti, basati sulla serie di disegni “Albero di Baniano” creati appositamente per la mostra.

Diciotto disegni della serie Crab Pellets sono anche presentati nella mostra “Cosmogonies, au gré des éléments” e hanno fatto eco direttamente alla galleria contemporanea. Il suo prossimo campo di indagine si concentrerà sugli organismi marini, … L’opportunità di disegnare una nuova costellazione con le comunità scientifiche di tutto il mondo, prima fra tutte quella dell’Osservatorio Océanologique de Villefranche-sur-Mer e dell’Université Côte d’Azur, che, con MAMAC, accompagnerà l’artista in questa nuova esplorazione.

Inventing Dance: In And Around Judson, New York 1959-1970
Negli anni ’60, la Judson Memorial Church (in Washington Square a New York) divenne un centro primario di sperimentazione artistica e un importante spazio per spettacoli per molti artisti nella scena del centro di New York. Gli spettacoli intrecciano arte visiva, musica, poesia, teatro e danza, e anzi ampliano la nozione stessa di ciò che potrebbe essere considerato una danza. A seguito del lavoro di figure fondamentali per il periodo come i coreografi Anna Halprin e Merce Cunningham, gli artisti Claes Oldenburg e Allan Kaprow e i compositori John Cage e La Monte Young, molti dei ballerini di Judson si sono riuniti per la prima volta in un corso di coreografia sperimentale tenuto dal compositore Robert Dunn.

La mostra ha offerto uno sguardo al “Judson” che rimane, ancora oggi, una grande influenza per la danza contemporanea e l’arte visiva. Attraverso film, fotografie d’archivio ed effimeri, tenta di documentare i vari movimenti dei corpi allo Judson. La domanda rimane: come esporre il lavoro, in gran parte improvvisato e specifico per la sua performance originale, sei decenni dopo? Quando Jon Hendricks, artista attivista e co-fondatore del Guerilla Art Action Group, ha riaperto la Judson Gallery nel 1966, è emersa di nuovo come un luogo di radicalismo e collaborazione interdisciplinare. Nel 1970, è diventato un punto critico nella difesa della libertà di parola da parte degli artisti durante l’opposizione alla guerra del Vietnam e il continuo sviluppo dell’attivismo antirazzista, anticoloniale, femminista e queer nella sfera culturale.

Bernar venet. Gli anni concettuali 1966-1976
Nel 1966, il giovane artista Bernar Venet lasciò Nizza e si trasferì a New York dove iniziò una rivoluzione artistica introducendo la matematica, l’astrofisica e in seguito molti altri campi della scienza e altre discipline nel regno dell’arte. Nel 1970 si è fatto una reputazione come uno dei protagonisti dell’arte concettuale, un movimento nascente che ha attraversato l’Europa e il mondo. Il periodo dal 1966 al 1976 fu un periodo abbagliante e prolifico durante il quale l’intuizione e la visione metodica di Venet lo portarono su un percorso inarrestabile verso una nuova generazione allo stesso tempo iconoclasta – spingendo l’arte oltre i confini della propria definizione e processo di emersione – e profondamente contemporanea da allora ha affrontato più di ogni altra forma d’arte la questione della smaterializzazione dell’arte e dei flussi di informazione. Questo periodo segnò anche l’inizio di Bernar Venet ‘

La mostra si estende all’ultimo piano del MAMAC con una sala dedicata alle principali opere di arte minimale e concettuale selezionate dalla collezione di Bernar Venet, che riflettono il panorama intellettuale e artistico di questo decennio e le sue amicizie di allora. Per la prima volta dal 1971, questo periodo, di cui si sa ancora poco di quest’opera, è oggetto di una grande retrospettiva. Raccoglie oltre 150 opere d’arte e documenti, la maggior parte dei quali viene mostrata per la prima volta. Parallelamente a questa mostra e ricerca decennale, la grande mostra del MAC di Lione offre una retrospettiva dell’intero corpo di lavoro dell’artista: Bernar Venet: 2019 – 1959.

Mostre nel 2019
Adrien vescovi. Mnemosyne
Invitato dal MAMAC a rilevare la Galerie des Ponchettes, Vescovi ha creato una passeggiata sensoriale quasi sensuale attraverso la sua sperimentazione pittorica. In risposta al design angolare della galleria, i dipinti sospesi ad altezze variabili punteggiano gli spazi, giocando su paralleli e perpendicolari, per consentire ai visitatori di camminare intorno e attraverso. I colori, estratti dall’artista dalle calde ocra del Rossiglione e dai suoli e dalle spezie marocchine, hanno infuso le tele che ha poi esposto per alcuni mesi alla luce fresca e alle intemperie in un parco in Olanda. Per le Ponchettes, ha finalmente assemblato quelle tele free standing in nuove composizioni, giocando su quei movimenti nord-sud che hanno segnato la storia della pittura.

Adrien Vescovi produce i propri colori da decotti vegetali o minerali, creando “essenze paesaggistiche” che riflettono i diversi luoghi geografici in cui lavora Esponendo le sue tele al vento, al chiaro di luna, al sole e ai fenomeni di ossidazione, sorgono forme o sfumature primitive, abitate da il ricordo dei loro vari stati di esistenza. Nella galleria, corde intrecciate e tinte dall’artista disegnavano curve selvagge tra i dipinti, intrecciandosi e sollevandosi tra gli archi come viti che serpeggiano sul terreno. Hanno sovvertito le linee e i piani dei dipinti. Immergere in vasi di strani decotti, venivano progressivamente infusi con la materia / i colori creati dal Vescovi. A questa passeggiata interna rispondevano i dipinti sui grandi archi esterni. Affacciati sul mare e soggetti a sole, vento e pioggia,per tutta la durata della mostra le tele sono state cariche del ricordo di meteore.

Devil in the Flesh, When Op Art elettrizza il cinema
Nell’ambito della Biennale d’Arte di Nizza 2019: “The Cinema Odyssey. La Victorine compie 100 anni”. All’inizio degli anni ’60, l’arte cinetica ha lasciato il segno in Europa con un doppio credo: destabilizzare la percezione e rendere l’arte popolare. Dipinti con giochi di luce, rilievi illuminati motorizzati e ambienti vertiginosi hanno cambiato la percezione. Soprannominata «Op Art» nel 1964, quest’arte d’avanguardia riscosse un enorme successo popolare, tanto da conoscere un eccezionale fenomeno hijaking. Mentre agenti pubblicitari, designer, grandi marchi e il mondo della moda hanno colto le sue forme esilaranti, il cinema ha dato all’Op Art una prospettiva inaspettata. Arte del movimento e della luce, è stato sia un predecessore, capace di sublimare i suoi giochi visivi, sia un seguace, che ha cercato di inghiottirlo attraverso il suo desiderio di modernità. Dai drammi ai thriller,

Questa mostra immerge i visitatori in questa storia appassionata tra due arti, punteggiata di beffe e incomprensioni, con sublimazione reciproca, con consegne pop o barocche, collaborazioni e imitazioni. Con il supporto di quasi 30 film, 150 opere e documenti, esplora l’origine e gli aspetti inespressi di questo fascino predatorio e considera ciò che il cinema rivela della sua natura all’Op Art. Quindi, mostra lo spirito di un decennio sconvolto dalla modernità, assetato di emancipazione e perseguitato dai fantasmi della guerra. Quest’epoca, piena di contraddizioni, ha creato un’estetica completamente nuova che culmina nel fruttuoso attrito tra arti visive e cinema.

Hippolyte Hentgen, Il bikini invisibile
The Invisible Bikini… Il titolo potrebbe annunciare l’inizio di un’improbabile ricerca che sembra attingere ai ricordi dei thriller classici e dei fumetti, entrambi quelli che usavamo da bambini. Sparse per la galleria, le creazioni di Hippolyte Hentgen sorgono come tanti indizi o frammenti di narrativa, alimentando il mistero. Mani, gambe e piedi sovradimensionati, disincarnati da qualsiasi figura, sembrano essere stati sollevati direttamente da un cartone animato, come se fossero fuggiti personaggi allegramente appiattiti, stirati e polverizzati da Tex Avery. Forme sciolte, emancipate dal destino bidimensionale loro riservato dall’animazione e dai fumetti hanno anche qualcosa che ricorda la cultura pop. E ‘ È quasi impossibile non pensare alle morbide sculture di Claes Oldenburg o alle figure in vinile prodotte dai contemporanei Teresa Burga e Kiki Kogelnik osservando questa sfilata di corpi informi e oggetti banali come sigarette e giornali. Questo riferimento pop è rafforzato dall’inclusione di impiccagioni che combinano pin-up formose e onomatopea.

Hippolyte Hentgen gioca con questo mix di universi che non hanno mai avuto intenzione di entrare in contatto. In questo museo dell’immaginazione, creazioni d’avanguardia, fumetti, animazione, illustrazione popolare e cartoni editoriali si mescolano, formando un universo fantastico e giubilante completamente separato dalle gerarchie dei generi. Questo bikini invisibile è, ovviamente, un cenno leggermente acuto e sfrenato alla Costa Azzurra e ai suoi corpi languenti e agli stereotipi; preludio a una finzione che il visitatore è libero di comporre. Ma è anche una versione irriverente, pop urlante e volutamente maliziosa delle opere di tanti grandi nomi che popolano le collezioni del MAMAC.

Lars Fredrikson
Nato in Svezia, Lars Fredrikson si stabilì nel sud della Francia nel 1960. Artista instancabile curioso e abilmente inventivo, creò un universo unico e sensibile sviluppato attraverso la poesia, la sperimentazione plastica, la filosofia dell’Estremo Oriente e la tecnologia moderna. La sua ricerca era radicata nello Zeitgeist: come Nam June Paik, Fredrikson ha esplorato molto presto il potenziale plastico della televisione e dell’elettronica in generale, mentre la sua ricerca sulle strutture invisibili e la casualità appare sorprendentemente vicina al lavoro di John Cage. Queste pratiche erano collegate da un’unica ricerca: rendere percettibili flussi che di solito sono invisibili – siano essi energetici, tellurici, siderali o interiori.

Questa retrospettiva dell’artista Lars Fredrikson è nata grazie alla collaborazione con il NMNM, il Nuovo Museo Nazionale di Monaco. Qui, per la prima volta, sono state esposte insieme importanti opere finora inedite dell’artista e pezzi presi in prestito da importanti collezioni pubbliche e private. La mostra si è aperta con la dimensione cosmica delle opere “cinetiche” e delle sculture in acciaio inox per poi passare a collage e disegni via fax fino alle installazioni sonore, di cui Fredrikson è stato uno dei pionieri. Lo spettacolo ha messo in luce le sue affinità con la Fondazione Maeght, le sue molteplici collaborazioni con i poeti e, non ultimo, il suo coinvolgimento con Villa Arson dove ha aperto il primo studio sonoro in una scuola d’arte in Francia, influenzando così diverse generazioni di artisti del suono fino ad oggi. In questo modo,

Charlotte pringuey-cessac. Suono primordiale
Primal Sound è un invito a un viaggio nel tempo, dalle prime testimonianze della vita umana a Nizza 400000 anni fa, e dalla testimonianza delle pietre tagliate lasciate da questo gruppo, fino alle esperienze guidate oggi dall’artista Charlotte Pringuey- Cessac per evocare la vibrante memoria di quelle vite passate. Questo viaggio attraverso i secoli si basa sull’idea di un Suono Primordiale, un’espressione presa in prestito dal poeta Rainer Maria Rilke. Dopo aver scoperto con meraviglia le potenzialità dei primi fonografi, ha sognato una «cosa sorprendente»: «mettere in suoni le innumerevoli firme della creazione che durano nello scheletro, nella pietra, (…), nella crepa nel legno , il cammino di un insetto “. La reminiscenza di un mondo passato, il dialogo intimo con i testimoni del passato e il pensiero magico che investe in ciò che sembra inerte,

La preistoria, la metodologia e gli strumenti usati dall’archeologia, costituiscono la base del suo lavoro, un materiale dal quale sviluppa esperienze e racconti, lasciandosi vagare tra scienza e licenza poetica, l’impronta lasciata dalla storia e la sua reinvenzione contemporanea. Pensata come un viaggio, la sua mostra a Nizza si sviluppa dal Museo della Preistoria di Terra Amata, epicentro dell’attività di questi primi esseri umani, al MAMAC, compresa la “Colline du Château” dove una sepoltura risalente al XII e XIII secolo piena di funerarie resti è stato scoperto nel 2013.

Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Nizza
Il Museo di arte moderna e contemporanea, chiamato anche Mamac, è un museo dedicato all’arte moderna e contemporanea aperto dal 21 giugno 1990 a Nizza. Situato nel cuore della città, accanto a Place Garibaldi e nel prolungamento della “Coulée Verte”, il MAMAC offre un tuffo nell’arte internazionale del dopoguerra dagli anni Cinquanta ad oggi. Con una collezione di quasi 1 400 opere di oltre 350 artisti (con una media di 200 in mostra), il museo offre – tra gli altri – un dialogo originale tra il Nuovo Realismo europeo e la Pop Art americana. Il museo espone anche importanti opere d’arte minimale e arte povera. Due grandi artisti dell’arte del XX secolo costituiscono il cuore delle collezioni: Yves Klein, con una sala permanente unica al mondo, resa possibile grazie ai prestiti a lungo termine degli Archivi Yves Klein, e Niki de Saint Phalle. Eminente artista femminile del dopoguerra, Niki de Saint Phalle ha fatto una grande donazione al museo nel 2001. Il MAMAC possiede ora uno dei più grandi fondi dell’artista nel mondo.

Il museo mette anche in luce la singolarità e l’importanza della scena artistica locale dalla fine degli anni ’50 all’inizio degli anni ’70. Nizza e la Costa Azzurra erano allora un luogo importante per la sperimentazione e l’invenzione di nuovi gesti artistici con artisti di spicco come Yves Klein, Martial Raysse, Arman, Ben e gruppi come Supports / Surface. Nonostante la singolarità delle personalità e delle pratiche, sorgono tre questioni chiave: l’atto di appropriazione della vita quotidiana (con i New Realists in particolare), un’arte del gesto e dell’atteggiamento (con Fluxus) e un’esplorazione analitica del dipinto (con Support / Superficie e Gruppo 70). Questa ricerca è messa in prospettiva con la creazione artistica europea e americana degli ultimi sessant’anni.

L’edificio del museo situato accanto a Place Garibaldi, progettato dagli architetti Yves Bayard e Henri Vidal, ha la forma di un arco tetrapode a cavallo del Cours du Paillon. La monumentalità del progetto sviluppato sulla copertina del Paillon consente di collegare il museo a un teatro tramite una terrazza, chiamata Promenade des arts. Con la sua pianta quadrata, la sua architettura si ispira alle regole del neoclassicismo. La superficie disponibile è di circa 4.000 m 2 distribuita su nove sale espositive per tre livelli. Le sue facciate lisce sono rivestite di marmo bianco di Carrara. L’ingresso e il negozio sono al livello dell’Esplanade Niki de Saint Phalle che si affaccia su Place Yves Klein dove si trovano anche l’auditorium e la galleria contemporanea del museo. Gli spazi museali sono dedicati al primo piano a mostre temporanee,

Gli spazi si estendono su cinque livelli, inclusi due set di 1.200 m2 dedicati alle collezioni del museo. Un piano e una project room sono dedicati a mostre temporanee internazionali che alternano mostre tematiche e monografie dei maggiori artisti degli ultimi sessant’anni. Una terrazza sul tetto accessibile al pubblico offre una vista panoramica mozzafiato su Nizza.

Situato nel cuore di Nizza, il MAMAC (Museo di arte moderna e contemporanea) è stato progettato dagli architetti Yves Bayard e Henri Vidal e inaugurato nel 1990. Una terrazza sul tetto aperta al pubblico offre una vista panoramica mozzafiato di Nizza. La sua collezione, ricca di oltre 1300 opere di 300 artisti, collega la storia artistica regionale e internazionale.

La Dichiarazione costitutiva del nuovo realismo, scritta dal critico d’arte Pierre Restany viene firmata da Yves Klein, a Parigi il 27 ottobre 1960. Tuttavia, è nel decennio precedente che gli artisti hanno preparato il terreno: Hains e Villeglé già nel 1949 “staccare” insieme i primi “manifesti lacerati”; Klein realizza i suoi primi Monochromes e Tinguely le sue prime sculture animate …

Il 1960 è un anno vivace: Tinguely crea la sua prima macchina autodistruttiva a New York; Klein realizza le sue “Antropometrie” e poi le “Cosmogonie”; a Parigi, César mostra tre auto compresse al Salon de Mai e Arman riempie di rifiuti la Galleria Iris Clert, durante la mostra “The Full”, ecc.

I tratti comuni ai neo-realisti sono il rifiuto dell’astrazione, la consapevolezza di una “natura moderna”: quella della fabbrica e della città, della pubblicità e dei massmedia, della scienza e della tecnica. Ancorati a questa realtà, il loro processo fa eco alla brillante analisi della società dei consumi e dei suoi idoli proposta nel 1956 da Roland Barthes nel suo libro Mythologies. Il gruppo impegna l’oggetto in una nuova avventura, utilizzando l’aspetto poetico dell’oggetto: detriti, distacchi di poster, assemblaggi, compressioni o accumuli di elementi provenienti da una tecnologia industriale.

Nel 1961 la mostra intitolata The Art of Assemblage, al Museum of Modern Art di New York, consacra la vicinanza dei New Realists con gli artisti della Pop Art.

La Pop Art americana è stata costruita sull’eredità della Pop Art britannica che proveniva dal gruppo indipendente di cui Lawrence Alloway era un membro di primo piano, e nel 1956 ha organizzato la mostra emblematica This is tomorrow a Londra. Da parte americana, il movimento è emerso ampiamente attraverso gli artisti neo-dada Robert Rauschenberg e Jasper Johns. Il suo nucleo è a New York, dove artisti come Andy Warhol, Roy Lichtenstein e Tom Wesselmann hanno esposto la loro arte. Gli artisti pop si riferiscono direttamente alla società dei consumi e agli effetti dannosi legati alla moderna società consumistica. Hanno sostenuto un ritorno alla realtà, rivolgendosi al mondo della merce e alle nuove forme di culture popolari: star del cinema, della pubblicità e dei fumetti, dando loro una dimensione iconica e distaccata, con i valori della società americana come sfondo.

Il MAMAC detiene una delle più grandi collezioni di opere di Niki de Saint Phalle al mondo: oltre 200 opere, consentendo loro di cambiare regolarmente le opere esposte. Niki de Saint Phalle (Neuillysur-Seine, Francia, 1930 – La Jolla, Stati Uniti, 2002) ha fatto della sua vita un’opera d’arte. Senza una formazione artistica particolare se non il suo istinto e una sorta di certezza che questo è il suo destino, si dedica interamente al suo lavoro. L’arte per lei era terapia e il suo appetito artistico la aiutava a superare le difficoltà, a mettere in luce le sue sofferenze e ad affrontare la malattia. “Champagne, glacier et fleurs”, il titolo di una lettera del 1979 che Niki de Saint Phalle scrisse alla sua amica artista Marina Karella, riassume la sua personalità, forte, sensibile e carismatica. Era una ribelle e ha scelto di usare le armi,

Il primo di questi è stato creato nel 1961. “Tirs” [shooting], è stata la serie di opere con cui ha ottenuto il riconoscimento come artista e ha ottenuto, nonostante le critiche severe, notorietà in Francia e rapidamente internazionale. Ha anche creato opere originali posizionando borse piene di vernice su tele rivestite di gesso e poi sparando alle tele con un fucile. Il lavoro è girato e il risultato è un nuovo pezzo creativo. L’artista ha espresso la rabbia e la violenza dentro di lei in un gesto esteriore; ha sparato a suo padre da cui era stata maltrattata all’età di 11 anni, a sua madre, e anche alla società della Chiesa e tutte le sue ingiustizie.

Dopo le sue prime mostre su Tirs, i New Realists la invitarono a unirsi al loro gruppo, essendo lei l’unica donna membro. Quando, nel 1963, Niki de Saint Phalle si allontanò da Tirs, iniziò a creare sculture in gesso bianco, alcune delle quali mortali o inquietanti come nel caso delle serie che rappresentano spose, cuori e persino donne che partoriscono. Le sue sculture erano realizzate in stoffa e lana su telai di filo metallico a cui Niki de Saint Phalle spesso aggiungeva oggetti di recupero. Le donne raffigurate da Niki de Saint Phalle erano ancora incatenate dal matrimonio o dalla maternità e lei stava cercando di liberarle. Nel 1964, Niki de Saint Phalle ha abbracciato la serie “Nanas” per evidenziare nuovamente le figure femminili. Queste sculture, dai colori audaci e dalle curve generose, simboleggiavano la donna moderna, liberata dalle tradizioni. Nanas sono nere,

L’artista ha dedicato gran parte della sua vita a questi progetti monumentali. Le sue sculture si sono trasformate in veri e propri pezzi architettonici: lo scivolo Golem a Gerusalemme nel 1972 o Hon, il più grande dei Nanas (lungo 28 m), costruito da Niki nel 1966 a Stoccolma. È stata attivamente coinvolta in Cyclope (1969-1994) di Jean Tinguely a Millyla-Forêt, vicino a Parigi. Tuttavia, senza dubbio il Jardin des Tarots, un progetto in Toscana iniziato nel 1978, è stato il suo lavoro più completo. Ha autofinanziato l’intero progetto e le ci sono voluti più di 20 anni per completarlo. L’arte può averle salvato la vita, ma l’aria che ha respirato mentre creava le sue sculture in poliestere era la causa di problemi polmonari di cui avrebbe sofferto per il resto della sua vita. Un anno prima della sua morte, nel 2001, ha donato molte importanti opere al MAMAC,

Yves Klein
L’avventura monocromatica
Esplora una galleria, unica al mondo, dedicata al maestro dell’immateriale. Yves Klein è nato a Nizza nell’aprile 1928; i suoi genitori erano entrambi pittori (Marie Raymond e Fred Klein). Nel 1946 conosce a Nizza Arman e il poeta Claude Pascal, con i quali condivide avventure poetiche sulle spiagge locali

Ha imparato il judo con Claude Pascal, (sarebbe diventato 4 ° dan), e loro due passeggiavano per l’Avenue Jean Médecin a piedi nudi, vestiti con camicie bianche con impronte di mani e orme di Klein. Klein e Arman erano interessati alla filosofia zen, ed era sul muro di una cantina appartenente alla famiglia Arman dove Klein dipinse i suoi primi monocromi blu tra il 1947 e il 1948. Nel 1955, a Parigi, conosce Tinguely, César, Raysse e Restany e al Salon des Réalités Nouvelles espone un dipinto in un unico colore, Expression de l’univers de la couleur mine orange [Expression of the Universe of the Color Lead Orange], (M60), 1955, firmato “Yves le Monochrome”, che è stato respinto e ha suscitato molto scalpore.

Dal 1956 in poi seguono le mostre “Yves: peintures”: Propositions Monochromes, Galleria Colette Allendy a Parigi, Yves Klein: Proposte monocrome epoca blu, a Milano e Pigment pur nel 1957, sempre alla Galleria Allendy, durante la quale presenta la pratica applicazioni del “periodo blu”, dopo aver stabilito un blu oltremare, che sarebbe diventato noto come IKB (International Klein Blue). Era il 1958, in seguito al grande evento mediatico che fu la mostra Vide alla Galleria Iris Clert di Parigi, dove Klein presentò una galleria completamente vuota; le pareti sono state dipinte di bianco dall’artista e la finestra della galleria è stata dipinta di blu. Ospitato dal suo amico Robert Godet, sull’Ile Saint-Louis, ha orchestrato la prima delle sue esperienze di “pennelli viventi”,

Le prime Antropometrie furono mostrate in pubblico alla Galerie internationale d’Art contemporain di Parigi nel marzo 1960, con una performance in cui tre modelle nude femminili ricoperte di vernice blu, strisciavano e si muovevano sul pavimento ricoperto di carta per l’occasione; i modelli hanno anche impresso i loro corpi sulle pareti, sotto la direzione del “direttore” Klein, al suono della Monotone-Silence Symphony. Klein morì nel giugno 1962 a Parigi, lasciando dietro di sé opere di grande spessore lirico, dopo aver dimostrato il potere del vuoto, scolpito l’acqua e il fuoco, inventato l’architettura dell’aria, ecc. La prova di ciò è nella serie “Cosmogonies” “, moment-states of nature “, registrando i segni del comportamento atmosferico delle tele che viaggiano sul tetto della sua auto tra Parigi e Nizza,

3 ° piano
Gioco di parole. Gioca sui segni.
Un’opera iconica del MAMAC, La Cambra o «Ben’s Museum» rende conto del posto della scrittura nell’opera di questo artista essenziale. La sua calligrafia fluida, senza ostacoli, quasi infantile ci riporta ai venti del cambiamento e all’arte dell’atteggiamento iniziata alla fine degli anni ’50 a Nizza. Attorno a questa monumentale opera sono in mostra altri giochi con parole, scritti e linguaggi. Sui muri si inventano quadri e fogli di carta, glifi e alfabeti, si disegnano anagrammi, poesie da ballo, tag e cruciverba. Questa mostra combina opere della collezione, prestiti e presentazioni di artisti di diverse generazioni legate alla storia del museo. Viene evidenziato il rapporto tra il muro e la scrittura.

Le opere coinvolgono il corpo dello spettatore, del lettore, dell’enunciatore o persino dell’attore. Alcune opere hanno un profilo molto basso e richiedono ai visitatori di prestare attenzione, altre gridano contro di loro, li mettono all’opera, fanno appello alla loro immaginazione. La questione centrale di decifrarli fa eco a quella di comprendere l’opera e le chiavi per interpretarla. Mentre le parole invocano i mondi della poesia e dell’infanzia, impegnano un rapporto eminentemente politico con il mondo, sul posto dell’artista nella nostra società

Arte astratta americana
L’arte minimal è emersa negli Stati Uniti a metà degli anni ’60
Con il minimalismo, l’arte è stata considerata da una prospettiva totalmente nuova, subendo una transizione radicale che ha evitato le convenzioni tradizionali. L’aspetto più notevole di questa trasformazione è stato il nuovo rapporto tra lo spettatore e l’opera d’arte, che ha reinventato la percezione estetica di un oggetto fino alla sua sostanza. Le opere d’arte hanno monopolizzato lo spazio, che è diventato uno spazio esistenziale e non più uno spazio estetico. In precedenza, un’opera d’arte occupava un proprio territorio separato dallo spettatore. L’arte minimal ha aperto all’artista una nuova sfera di attività in cui predominava la coscienza del proprio corpo nel suo rapporto con lo spazio circostante risultando in tele extra large e l’obsoletion del piedistallo.

Acquistato con l’aiuto di FRAM Foto Muriel Anssens, Ville de Nice – ADAGP, Parigi, triangoli 2019 e così via) e sulle questioni di volume, superficie e planarità. Cercando il massimo effetto attraverso il minimo delle risorse, questi artisti hanno rimosso ogni traccia di soggettività nel loro lavoro e spesso hanno incorporato materiali e tecniche industriali

I fautori del movimento includono: Donald Judd, Ellsworth Kelly, Robert Morris, Kenneth Noland, Franck Stella e Richard Serra.

L’arte concettuale è emersa negli anni ’60. Affermava il primato dell’idea sull’oggetto, al punto che produrre l’opera non era più nemmeno strettamente necessario. Ha spinto i confini del campo artistico tradizionale mettendo in discussione il significato e lo scopo della pratica artistica. Nel 1969 Sol LeWitt dichiarò: “Le idee possono essere opere d’arte. Sono in una catena di sviluppo che alla fine potrebbe trovare una qualche forma. Non è necessario che tutte le idee siano rese fisiche”.

I seguenti artisti concettuali sono presenti in questa stanza: Sol LeWitt, Joseph Kosuth, Robert Morris, James Lee Byars e Ed Ruscha.

Albert Chubac
Albert Chubac è nato a Ginevra nel 1925. Dopo gli studi in arti decorative e belle arti a Ginevra, il suo lavoro è stato influenzato da alcuni periodi formativi: il suo interesse per Klee, Kandinsky, Miró, Matisse e Picasso; incontrando Nicolas de Staël nel 1950; e i suoi viaggi in Italia, Spagna, Grecia, Egitto e Algeria.

Mostre realizzate con opere della collezione MAMAC e prezioso aiuto di: Yves Klein Archives, Centre national des arts plastiques (Parigi), Jean Dupuy, Estate Robert Filliou, Peter Freeman, Inc. (New York / Parigi), JeanBaptiste Ganne, Eric Guichard , Arnaud Labelle-Rojoux, La successession Arman, Lilja Art Fund Foundation, Loevenbruck (Parigi), Stéphanie Marin, Tania Mouraud, Niki Charitable Art Foundation, Emmanuel Régent, Sharing Art Foundation, Ben Vautier, Bernar Venet e collezionisti che hanno voluto restare anonimi .

Fin dai suoi primi dipinti, quasi astratti, ha utilizzato una tavolozza di colori primari, applicati a blocchi. Ha poi applicato questa tecnica a sculture in legno “trasformabili”. L’idea alla base di queste sculture era di consentire allo spettatore di cambiare gli elementi. In un periodo successivo, ha esplorato le proprietà luminescenti del plexiglas colorato.

Nel 2004 Albert Chubac ha donato un centinaio di opere alla Città di Nizza per il Museo di arte moderna e contemporanea. Il MAMAC ha presentato questa donazione nel 2004, diventando così il punto di riferimento per il lavoro dell’artista in Francia.

Tags: