L’arte straniera è arte da autodidatta o artefici ingenui. In genere, quelli etichettati come artisti esterni hanno poco o nessun contatto con il mondo dell’arte mainstream o con le istituzioni d’arte. In molti casi, il loro lavoro viene scoperto solo dopo la loro morte. Spesso, l’arte estranea illustra stati mentali estremi, idee non convenzionali o elaborati mondi fantastici.

Il termine outsider art è stato coniato dal critico d’arte Roger Cardinal nel 1972 come sinonimo inglese di art brut, un’etichetta creata dall’artista francese Jean Dubuffet per descrivere l’arte creata fuori dai confini della cultura ufficiale; Dubuffet si concentrava particolarmente sull’arte di coloro che si trovavano al di fuori della scena artistica consolidata, utilizzando come esempi pazienti e bambini ospedalieri psichiatrici.

Art brut è il termine con cui il pittore Jean Dubuffet si riferisce alle produzioni di persone senza cultura artistica. Ha raggruppato alcune di queste produzioni in una collezione, la Collection of Art Brut di Losanna. Il termine art brut viene da Jean Dubuffet: “Il 28 agosto 1945, Dubuffet battezzerà” art brut “un’arte che colleziona da diversi anni, arte che include allo stesso tempo l’arte degli sciocchi e quella gente emarginata di ogni tipo: prigionieri , reclusi, mistici, anarchici o ribelli – Laurent Danchin – Martine Lusardy -1995, “non possiamo ridurre il suo interesse per l’arte degli sciocchi solo in questa data.

Mentre il termine di Dubuffet è piuttosto specifico, il termine inglese “outsider art” è spesso applicato in senso più ampio, includendo alcuni autori artistici autodidatti o ingenui che non sono mai stati istituzionalizzati In genere, quelli etichettati come artisti esterni hanno poco o nessun contatto con l’arte dominante istituzioni del mondo o dell’arte In molti casi, il loro lavoro viene scoperto solo dopo la loro morte Spesso, l’arte esterna mostra stati mentali estremi, idee non convenzionali o elaborati mondi fantastici

L’arte estroversa è emersa come una categoria di marketing artistico di successo; una annuale Outsider Art Fair ha avuto luogo a New York dal 1993, e ci sono almeno due riviste regolarmente pubblicate dedicate all’argomento. Il termine viene talvolta applicato erroneamente come un’etichetta di marketing catch-all per l’arte creata da persone che sono al di fuori del “mondo dell’arte” o del “sistema di gallerie d’arte” tradizionali, indipendentemente dalle circostanze o dal contenuto del loro lavoro.

Arte dei malati di mente
L’interesse per l’arte dei malati di mente, insieme a quello dei bambini e dei creatori di “arte contadina”, fu dimostrato per la prima volta dal gruppo “Der Blaue Reiter”: Wassily Kandinsky, Auguste Macke, Franz Marc, Alexej Jawlensky e altri. Ciò che gli artisti percepivano nel lavoro di questi gruppi era un potere espressivo nato dalla loro percepita mancanza di sofisticazione. Esempi di questo sono stati riprodotti nel 1912 nel primo e unico numero della loro pubblicazione, Der Blaue Reiter Almanac. Durante la prima guerra mondiale, Macke fu ucciso a Champagne nel 1914 e Marc fu ucciso a Verdun nel 1916; il vuoto lasciato da queste morti fu in qualche modo colmato da Paul Klee, che continuò a trarre ispirazione da questi “primitivi”.

L’interesse per l’arte dei detenuti malati di asilo continuò a crescere negli anni ’20. Nel 1921, il dott. Walter Morgenthaler pubblicò il suo libro Ein Geisteskranker als Künstler (Un paziente psichiatrico come artista) su Adolf Wölfli, un paziente psicotico mentale alle sue cure. Wölfli aveva preso spontaneamente il disegno e questa attività sembrava calmarlo. La sua opera più importante è stata un’epopea illustrata di 45 volumi in cui ha narrato la sua storia di vita immaginaria. Con 25.000 pagine, 1600 illustrazioni e 1.500 collage, è un’opera monumentale. Wölfli ha anche prodotto un gran numero di opere più piccole, alcune delle quali sono state vendute o regalate. La sua opera è esposta alla Fondazione Adolf Wölfli nel Museo di Belle Arti di Berna.

Un momento decisivo fu la pubblicazione di Bildnerei der Geisteskranken (Artistry of the mental mal) nel 1922, a cura del Dr. Hans Prinzhorn. Questo è stato il primo studio formale di opere psichiatriche, basato su una raccolta di migliaia di esempi tratti da istituzioni europee. Il libro e la collezione d’arte hanno guadagnato molta attenzione da artisti d’avanguardia dell’epoca, tra cui Paul Klee, Max Ernst e Jean Dubuffet.

Le persone con una formazione artistica formale e artisti affermati non sono immuni dalla malattia mentale e possono anche essere istituzionalizzati. Ad esempio, William Kurelek, in seguito assegnò l’Ordine del Canada per il suo lavoro artistico, quando un giovane fu ricoverato all’Ospedale Psichiatrico di Maudsley dove fu trattato per la schizofrenia. In ospedale ha dipinto, producendo The Maze, una rappresentazione oscura della sua gioventù torturata. Fu trasferito da Maudsley all’ospedale Netherne dal novembre 1953 al gennaio 1955, per lavorare con Edward Adamson (1911-1996), un pioniere della terapia artistica e creatore della Collezione Adamson.

L’arte oltre le forme d’arte consolidate era già stata creata nelle opere di Arcimboldo, Goya, Hieronymus Bosch e nelle sculture del Parco dei Mostri di Villa Orsini a Bomarzo.

Le forme d’arte correlate sono diverse. Un tipo di Art Brut sono opere d’arte di oggetti di uso quotidiano, rifiuti e cocci, oggetti a forma di conchiglia, sculture, ornamenti e esempi di Land Art sono la macchina mondiale di Franz Gsellmann e del Giardino dei Tarocchi. Un altro possibile segno distintivo è l’horror vacui, che obbedisce all’intera area di disegno o all’intero spazio, come l’implementazione della sindrome di Messie, di tutte le storie e il riciclaggio, alle opere d’arte.

Jean Dubuffet e art brut
Dubuffet sostenne che la “cultura”, che è la cultura dominante, riuscì ad assimilare ogni nuovo sviluppo nell’arte, e così facendo tolse tutto il potere che avrebbe potuto avere. Il risultato è stato quello di asfissiare la genuina espressione. Art brut era la sua soluzione a questo problema: solo l’arte brut era immune alle influenze della cultura, immune all’essere assorbito e assimilato, perché gli artisti stessi non erano disposti o in grado di essere assimilati.

Dubuffet spesso ridefinì l’arte brut, cercando dapprima di distinguerla dall’arte popolare, dall’arte naif, dai disegni per bambini, e quindi creando la “Neuve Invention” nella sua collezione, alla quale incorpora anche il genere di arte singolare in cui “gli abitanti del paesaggio” e ” ingenuo “si mescolano, riuniti in una mostra nel 1978 al Museum of Modern Art nella città di Parigi. Spesso parafrasate, anche distorte, queste definizioni hanno dato adito a confusione.

La sua prima definizione è data nel 1949:
“Con questo intendiamo opere eseguite da persone libere dalla cultura artistica, in cui quindi la mimica, a differenza di ciò che accade tra gli intellettuali, ha poca o nessuna condivisione, in modo che i loro autori disegnino tutto (soggetti, scelta dei materiali usati, mezzi di trasposizione, ritmi , modi di scrivere, ecc.) del proprio background e non dei cliché dell’arte classica o dell’arte alla moda, assistiamo all’operazione artistica, pura, grezza, reinventata in tutte le sue fasi dal suo autore, dai suoi stessi impulsi. perciò, in cui l’unica funzione dell’invenzione è manifesta, e non quella, costante nell’arte culturale, del camaleonte e della scimmia. ”

In una seconda volta, nel 1963, Dubuffet amplia la definizione di Art brut:
“Produzioni di ogni genere – disegni, dipinti, ricami, figure modellate o scolpite, ecc. Con un carattere spontaneo e altamente inventivo, il meno possibile debitori di arte e luoghi comuni culturali, e i cui autori sono persone oscure o estranee a opere artistiche professionali cerchi. ”

In una terza volta, specifica ancora nella questione dell’arte brut:
“Opere i cui autori sono persone provenienti da circoli intellettuali esterni, il più delle volte liberi da ogni educazione artistica, e in cui l’invenzione è esercitata, quindi, senza alcun impatto per alterare la loro spontaneità”.

Contesto culturale
L’interesse per le pratiche “estranee” tra artisti e critici del XX secolo può essere visto come parte di una maggiore enfasi sul rifiuto dei valori stabiliti all’interno del milieu dell’arte modernista. La prima parte del XX secolo ha dato origine al cubismo e ai movimenti dadaisti, costruttivisti e futuristi nell’arte, che hanno comportato un drammatico allontanamento dalle forme culturali del passato. Il dadaista Marcel Duchamp, per esempio, abbandonò la tecnica “pittorica” ​​per consentire alle operazioni casuali di avere un ruolo nel determinare la forma delle sue opere, o semplicemente di ricontestualizzare oggetti “pronti all’uso” come arte. Gli artisti della metà del secolo, tra cui Pablo Picasso, guardavano al di fuori delle tradizioni dell’alta cultura per ispirarsi, attingendo agli artefatti delle società “primitive”, alle opere d’arte non educate dei bambini e alla grafica pubblicitaria volgare. Il campione di Dubuffet dell’arte brut – del folle e degli altri ai margini della società – è un altro esempio di arte d’avanguardia che sfida i valori culturali consolidati.

Terminologia
Un certo numero di termini sono usati per descrivere l’arte che è liberamente intesa come “al di fuori” della cultura ufficiale. Le definizioni di questi termini variano e si sovrappongono. Qualunque sia la nostra opinione sul valore della controversia, è importante sostenere la discussione creativa attraverso un vocabolario concordato “. Di conseguenza, lamentano l’uso di” artisti esterni “per riferirsi a quasi tutti gli artisti inesperti. Non addestrati, goffi o ingenui Outsider Art è virtualmente sinonimo di Art Brut sia nello spirito che nel significato, a quella rarità dell’arte prodotta da coloro che non conoscono il suo nome. ”

Art Brut: tradotto letteralmente dal francese significa “arte grezza”; ‘Raw’ in quanto non è stato attraverso il processo di ‘cucina’: il mondo delle scuole d’arte, gallerie, musei. Originariamente arte di individui psicotici che esistevano quasi completamente al di fuori della cultura e della società. A rigor di termini si riferisce solo alla collezione de l’art brut.

Arte popolare: l’arte popolare in origine suggeriva l’artigianato e le abilità decorative associate alle comunità di contadini in Europa, anche se presumibilmente poteva applicarsi anche a qualsiasi cultura indigena. Si è ampliato fino a includere qualsiasi prodotto di abilità pratica e decorativa – tutto, dagli animali a catena agli edifici con capotasto. Una distinzione chiave tra arte popolare ed estranea è che l’arte popolare incarna tipicamente forme tradizionali e valori sociali, in cui l’arte estranea si erge in qualche relazione marginale con la corrente principale della società.

Intuitive art / Visionary art: i termini generali preferiti di Raw Vision Magazine per l’arte esterna. Li descrive come termini voluti. Tuttavia, l’arte visionaria a differenza di altre definizioni qui può spesso riferirsi all’oggetto dei lavori, che include immagini di natura spirituale o religiosa. L’arte intuitiva è probabilmente il termine più generico disponibile. Intuit: Il Center for Intuitive and Outsider Art, con sede a Chicago, gestisce un museo dedicato allo studio e all’esibizione di arte intuitiva ed estranea. L’American Visionary Art Museum di Baltimora, nel Maryland, è dedicato alla collezione e all’arte visionaria.

Arte marginale / Art Singulier: essenzialmente uguale a Neuve Invention; si riferisce ad artisti ai margini del mondo dell’arte.

Arte naif: un altro termine comunemente applicato agli artisti inesperti che aspirano a uno status artistico “normale”, cioè hanno un’interazione molto più consapevole con il mondo dell’arte mainstream di quanto facciano gli artisti outsider.

Nuova invenzione: usata per descrivere artisti che, sebbene marginali, hanno una certa interazione con la cultura dominante. Ad esempio, potrebbero fare arte part-time. L’espressione fu coniata anche da Dubuffet; in senso stretto si riferisce solo a una parte speciale della Collection de l’art brut.

Ambienti visionari: edifici e parchi di scultura costruiti da artisti visionari – spaziano dalle case decorate, alle grandi aree che comprendono un gran numero di sculture individuali con un tema strettamente associato. Gli esempi includono Watts Towers di Simon Rodia, Buddha Park e Sala Keoku di Bunleua ​​Sulilat e The Palais Ideal di Ferdinand Cheval.