Un disegno di figura è un disegno della forma umana in una qualsiasi delle sue varie forme e posizioni utilizzando uno qualsiasi dei supporti di disegno. Il termine può anche riferirsi all’atto di produrre un simile disegno. Il grado di rappresentazione può variare da rendering altamente dettagliati, anatomicamente corretti a bozzetti sciolti ed espressivi. Un “disegno di vita” è un disegno della figura umana dall’osservazione di un modello dal vivo. Un disegno di figura può essere un’opera d’arte composta o uno studio di figura fatto in preparazione per un lavoro più finito come un dipinto. Il disegno della figura è probabilmente il soggetto più difficile che un artista incontra comunemente, e interi corsi sono dedicati all’argomento. La figura umana è uno dei temi più duraturi nelle arti visive e la figura umana può essere la base per ritratti, illustrazioni, sculture, illustrazioni mediche e altri campi.
Gli artisti adottano una varietà di approcci per disegnare la figura umana. Possono trarre da modelli dal vivo o da fotografie, da modelli scheletrici, da memoria e immaginazione. La maggior parte delle istruzioni si concentra sull’uso di modelli nei corsi di “disegno di vita”. L’uso del riferimento fotografico, sebbene comune dallo sviluppo della fotografia, è spesso criticato o scoraggiato per la sua tendenza a produrre immagini “piatte” che non riescono a cogliere gli aspetti dinamici del soggetto. Il disegno dell’immaginazione è spesso lodato per l’espressività che incoraggia, e criticato per le inesattezze introdotte dalla mancanza di conoscenza dell’artista o dalla memoria limitata nella visualizzazione della figura umana; l’esperienza dell’artista con altri metodi ha una grande influenza sull’efficacia di questo approccio.
Nello sviluppare l’immagine, alcuni artisti si concentrano sulle forme create dall’interazione di valori chiari e scuri sulle superfici del corpo. Altri prendono un approccio anatomico, iniziando dall’approssimazione dello scheletro interno della figura, sovrapponendo gli organi interni e la muscolatura, e coprendo quelle forme con la pelle, e infine (se applicabile) i vestiti; lo studio dell’anatomia interna umana è solitamente coinvolto in questa tecnica. Un altro approccio è quello di costruire liberamente il corpo fuori da forme geometriche, ad esempio una sfera per il cranio, un cilindro per il tronco, ecc., Quindi affinare quelle forme per assomigliare più strettamente alla forma umana.
Per coloro che lavorano senza riferimenti visivi (o come mezzo per controllare il proprio lavoro), le proporzioni comunemente raccomandate in figura sono:
Una persona media è generalmente alta 7 e mezza (compresa la testa). Questo può essere illustrato agli studenti in classe utilizzando lastre di carta per dimostrare visivamente la lunghezza dei loro corpi.
Una figura ideale, usata per un’impressione di nobiltà o grazia, è disegnata a 8 teste di altezza.
Una figura eroica usata nella raffigurazione di dei e supereroi è alta otto teste e mezzo. La maggior parte della lunghezza aggiuntiva proviene da un petto più grande e gambe più lunghe.
Si noti che queste proporzioni sono più utili per un modello in piedi. Le pose che introducono lo scorcio di varie parti del corpo causeranno loro differenze.
Il salone francese del XIX secolo raccomandava l’uso dei pastelli Conté, che sono bastoncini di cera, olio e pigmento, combinati con carta appositamente formulata. La cancellazione non era permessa; invece, l’artista avrebbe dovuto descrivere la figura con tratti leggeri prima di realizzare segni più scuri e più visibili.
Una tecnica moderna popolare è l’uso di un bastone di carbone, preparato da viti speciali, e una forma più ruvida di carta. Il carboncino aderisce liberamente alla carta, consentendo una cancellazione molto facile, ma il disegno finale può essere conservato usando un “fissativo” spray-on per evitare che il carbone si sfreghi. Il carboncino compresso più duro può produrre un effetto più deliberato e preciso, e i toni graduati possono essere prodotti sbavando con le dita o con uno strumento di carta cilindrico chiamato moncone.
Anche la matita di grafite viene comunemente utilizzata per il disegno di figure. A questo scopo, le matite per artisti sono vendute in varie formulazioni, da 9B (molto morbido) a 1B (medio morbido), e da 1H (medio difficile) a 9H (molto duro). Come il carbone, può essere cancellato e manipolato usando un moncone.
L’inchiostro è un altro mezzo popolare. L’artista comincerà spesso con la matita di grafite per disegnare o delineare il disegno, quindi il lavoro sulla linea finale viene eseguito con una penna o pennello, con inchiostro permanente. L’inchiostro può essere diluito con acqua per produrre gradazioni, una tecnica chiamata lavaggio con inchiostro. I segni a matita possono essere cancellati dopo l’applicazione dell’inchiostro o lasciati sul posto con gli inchiostri scuri che li sopraffano.
Alcuni artisti disegnano direttamente in inchiostro senza la preparazione di uno schizzo a matita, preferendo la spontaneità di questo approccio nonostante il fatto che limita la capacità di correggere gli errori. Matisse è un artista noto per aver lavorato in questo modo.
Un metodo privilegiato di Watteau e di altri artisti del Barocco e del Rococò del XVII e XVIII secolo doveva iniziare con una terra colorata di tono a metà tra il bianco e il nero, e aggiungere sfumature di nero e riflessi in bianco, usando penna e inchiostro o “pastello”.
La figura umana è stata oggetto di disegni fin dalla preistoria. Mentre le pratiche in studio degli artisti dell’antichità sono in gran parte una questione di congetture, che spesso disegnate e modellate da modelli nudi sono suggerite dalla sofisticazione anatomica delle loro opere. Un aneddoto raccontato da Plinio descrive come Zeuse rivedesse le giovani donne di Agrigentum nuda prima di selezionare cinque le cui caratteristiche avrebbe combinato per dipingere un’immagine ideale. L’uso di modelli nudi nella bottega dell’artista medievale è implicito negli scritti di Cennino Cennini, e un manoscritto di Villard de Honnecourt conferma che lo sketch dalla vita era una pratica consolidata nel 13 ° secolo. I Carracci, che aprirono la loro Accademia degli Incamminati a Bologna negli anni ’80 del secolo scorso, stabilirono il modello per le successive scuole d’arte rendendo la vita la disciplina centrale. Il corso di formazione è iniziato con la copia delle incisioni, quindi è iniziato il disegno da calchi in gesso, dopo di che gli studenti sono stati addestrati a disegnare dal modello dal vivo.
Alla fine del XVIII secolo, gli studenti nello studio di Jacques-Louis David seguirono un rigoroso programma di insegnamento. La maestria nel disegno era considerata un prerequisito per la pittura. Per circa sei ore al giorno, gli studenti hanno attinto da una modella che è rimasta nella stessa posa per una settimana. Prima della fine del XIX secolo, le donne non erano generalmente ammesse a prendere lezioni di disegno.
Una figura dell’accademia è un disegno, una pittura o una scultura in un modo letterale, del corpo umano nudo che utilizza un modello dal vivo, in genere a metà vita.
È un esercizio comune richiesto agli studenti delle scuole d’arte e accademie, sia nel passato che nel presente, da cui il nome.
I resoconti storici rivelano che i modelli nudi per aspiranti artisti femminili erano in gran parte non disponibili. Le donne erano escluse da certe istituzioni perché era considerato improprio e forse persino pericoloso per loro studiare da modelli nudi. Sebbene agli uomini fosse dato accesso sia ai maschi che ai nudi femminili, le donne erano limitate all’apprendimento dell’anatomia da calchi e modelli. Fu solo nel 1893 che alle studentesse fu concesso l’accesso al disegno di vita presso la Royal Academy di Londra, e anche allora il modello doveva essere parzialmente drappeggiato.
L’accesso limitato alle figure nude ha impedito la carriera e lo sviluppo delle artiste. Le forme più prestigiose di pittura richiedevano un’approfondita conoscenza dell’anatomia che veniva sistematicamente negata alle donne, che venivano quindi relegate a forme di pittura meno considerate come genere, natura morta, paesaggio e ritrattistica. Nel saggio di Linda Nochlin “Perché non ci sono stati grandi artisti femminili” identifica l’accesso limitato che le donne hanno dovuto disegnare nuda come barriera storicamente significativa allo sviluppo artistico delle donne.
L’istruzione di disegno figura è un elemento della maggior parte dei programmi di arte e illustrazione. Le accademie di belle arti in Italia hanno una scuola libera del nudo che fa parte del corso di laurea, ma è aperta anche agli studenti esterni. In una tipica classe di disegno in aula, gli studenti siedono attorno a un modello a semicerchio oa tutto tondo. Non ci sono due studenti che hanno esattamente la stessa vista, quindi il loro disegno rifletterà la prospettiva della posizione unica dell’artista rispetto al modello. Il modello spesso si pone su un supporto, per consentire agli studenti di trovare più facilmente una vista non ostruita. A seconda del tipo di posa, possono essere usati mobili e / o oggetti di scena. Questi sono tipicamente inclusi nel disegno, nella misura in cui sono visibili all’artista. Tuttavia, gli sfondi sono comunemente ignorati a meno che l’obiettivo non sia quello di conoscere il posizionamento delle figure in un ambiente. I modelli individuali sono più comuni, ma possono essere utilizzati più modelli in classi più avanzate. Molti studi sono attrezzati per consentire una varietà di disposizioni di illuminazione.
Quando vengono insegnati a livello universitario, i modelli di disegno delle figure sono spesso (ma non sempre) nudi (a parte piccoli gioielli o altri oggetti poco appariscenti). Mentre si posa, al modello viene solitamente richiesto di rimanere perfettamente immobili. A causa della difficoltà di farlo per un lungo periodo di tempo, le pause periodiche per il modello di riposo e / o allungamento sono solitamente incluse in sessioni più lunghe e per pose più difficili.
All’inizio di una sessione di disegno di figure, viene spesso richiesto al modello di eseguire una serie di brevi pose in rapida successione. Queste sono chiamate pose di gesti e sono tipicamente da uno a tre minuti ciascuna. Il disegno del gesto è un esercizio di riscaldamento per molti artisti, sebbene alcuni artisti abbozzino il gesto come il primo passo in ogni disegno di figura. Questi ampi tratti non sono fatti semplicemente con il movimento di un polso, ma usando l’intero braccio per catturare il movimento del modello. Aiuta anche a mantenere l’artista focalizzato sul modello anziché sulla carta. Quando si tratta del corpo umano, gli artisti sono dolorosamente critici; le proporzioni di una natura morta non devono essere disegnate perfettamente per apparire autentiche, ma anche il minimo errore nelle proporzioni umane sarà facilmente rilevato.
Gli artisti moderni e contemporanei possono scegliere di esagerare o distorcere le proporzioni per enfatizzare il gesto o l’umore percepito della posa dei modelli. I risultati possono essere considerati un’opera d’arte finita, che esprime sia il soggetto, l’osservazione, l’emotivo e il segno che fanno la risposta all’esperienza di disegno di figure di artisti.
L’anatomia è solo il primo livello di preoccupazione nelle classi di vita. Vengono anche considerate le relazioni di figura e altri aspetti della composizione. L’equilibrio di una composizione diventa più cruciale e quindi più comprensibile attraverso il disegno della vita. La risposta cinestetica dell’artista alla posa e il modo in cui questo viene trasmesso attraverso una scelta di media artistici è una preoccupazione più avanzata. Poiché lo scopo delle classi di disegno figura è imparare a disegnare esseri umani di tutti i tipi, di solito si cercano modelli maschili e femminili di tutte le età, forme ed etnie, piuttosto che selezionare solo modelli belli o quelli con figure “ideali”. Alcuni istruttori cercano in particolare di evitare il tipo di modelli preferiti dai fotografi di moda, cercando esempi più “realistici” e per evitare qualsiasi implicazione di oggettivazione sessuale. Gli istruttori possono anche favorire modelli di particolari tipi di corpo in base ai contorni unici o alle trame di superficie che forniscono. La varietà di modelli assunti può essere limitata dalla necessità per loro di tenere una posa per lunghi periodi (eliminando i bambini irrequieti e le persone anziane fragili) e le preoccupazioni di modestia e legalità quando i modelli si pongono nudi (limitando l’uso dei minori).