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人形绘画

人形绘画(Figure Drawing)是使用任何绘图介质的任何其各种形状和姿势的人形图画。该术语也可以指生产这样的图纸的行为。表现程度可以从高度详细,解剖学上正确的渲染到松散和表现力的草图。 “人形绘画”是观察现场模特的人物绘画。图画可能是一个组合的艺术作品或一个数字研究,准备更完成的作品,如绘画。图画可以说是艺术家经常遇到的最困难的课题,整个课程都是专注于这个课题。人物是视觉艺术中最持久的主题之一,人物可以是肖像,插图,雕塑,医学插图等领域的基础。

艺术家采取各种方法绘制人物。他们可以从实况模特或从照片,骨骼模型,或记忆和想象力中抽取出来。大多数教学重点是在“生活绘画”课程中使用模型。摄影参考的使用 – 虽然摄影的发展虽然是常见的 – 经常被批评或不鼓励,因为它倾向于产生不能捕捉主题的动态方面的“平坦”图像。从想象力来看,它鼓舞的表现力常常被赞赏,并且批评了艺术家缺乏知识或有限的记忆在形象化人物中引入的不准确性;艺术家与其他方法的经验对这种方法的有效性有很大的影响。

在开发图像时,一些艺术家专注于身体表面上由浅色和暗值的相互作用产生的形状。其他人采取解剖学方法,首先通过近似图的内部骨骼,覆盖内部器官和肌肉组织,并用皮肤覆盖这些形状,最后(如果适用)衣服;人体内部解剖学的研究通常涉及这种技术。另一种方法是从几何形状松散地构造身体,例如用于颅骨的球体,用于躯干的圆柱等,然后将这些形状细化为更接近于人的形式。

对于没有视觉参考的人(或作为检查工作的手段),图中通常推荐的比例是:
普通人一般高达七点半头身比(包括头)。这可以说明给教室里的学生使用纸板来直观显示身体的长度。
一个理想的人物,用于高贵或恩典的印象,被绘制在八点头头身比。
用于描绘神和超级英雄的英雄人物是八点半头身比。大多数额外的长度来自一个更大的胸部和更长的腿。
请注意,这些比例对于常规模型最有用。引入各种身体部位的缩短的姿势将导致它们不同。

19世纪的法国沙龙建议使用Conté蜡笔,它们是蜡,油和颜料,以及特制纸。擦除不允许;相反,艺术家预计会在轻微的笔画之前描绘这个数字,然后再做出更暗,更明显的标记。

一种流行的现代技术是使用由特殊葡萄藤制成的木炭棒和更粗糙的纸。木炭松散地贴在纸上,使得非常容易的擦除,但是可以使用喷雾“固定剂”来保留最终的拉伸图,以防止木炭摩擦。较硬的压缩木炭可以产生更有意义和精确的效果,并且可以通过用手指或用称为树桩的圆柱形纸工具进行涂抹来产生渐变色调。

石墨笔也通常用于图形绘制。为此,艺术家的铅笔以各种配方销售,从9B(非常柔软)到1B(中软),从1H(中等硬度)到9H(非常硬)。像木炭一样,它可以使用树桩擦除和操纵。

墨水是另一种流行的媒介。艺术家通常会用石墨笔绘画或画出绘画,然后用笔或笔刷进行最后的线条工作,持续使用墨水。墨水可以用水稀释以产生灰度,这是一种称为墨水洗涤的技术。油墨应用后,铅笔痕迹可能会被擦除,或者用深色墨水将其放在适当的地方,从而使其印刷效果不佳。

一些艺术家直接用墨水直接绘画,而不用准备铅笔素描,更喜欢这种方法的自发性,尽管它限制了纠正错误的能力。马蒂斯是一位已知以这种方式工作的艺术家。

Watteau和其他17世纪和18世纪巴洛克风格和洛可可时代艺术家的一种喜爱的方法是从白色和黑色之间的色调开始,并以黑色和黑色加亮,使用笔墨或“蜡笔”。

自从史前时代以来,人物一直是绘画的主题。虽然古代艺术家的工作室做法主要是一个猜想的问题,但是他们经常从裸体模特中抽取和模仿的建议是由他们的作品的解剖学复杂性。 Pliny相关的一个轶事描述了Zeuxis如何评估Agrigentum的年轻女性裸体,然后选择五个他的功能,他将结合起来,以画出一个理想的形象。在中世纪艺术家的研讨会中使用裸体模型是在Cennino Cennini的着作中暗示的,而Villard de Honnecourt的手稿证实,生活中的素描是13世纪的惯例。 Carracci在十八世纪八十年代在博洛尼亚开设了Accademia degli Incamminati,为后来的艺术学校制作了一个绘画中心纪录的模式。培训过程开始于复制雕刻,然后从石膏雕塑中抽出,之后学生们从现场模特中抽取出来。

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在18世纪末期,Jacques-Louis David的工作室的学生遵循严格的教学计划。绘画的掌握被认为是绘画的先决条件。每天大概六个小时,学生们从一个持续一个星期的模型中抽出了同样的姿势。在十九世纪末期之前,妇女一般不被允许参加绘画班。

一个学院的人物是一个绘画,绘画或雕塑,以文字的方式,裸体人体使用一个活的模型,通常在一半的寿命

这是艺术学院和学院的学生在过去和现在都需要的一个常见的练习,所以这个名字。

历史记录表明,有抱负的女性艺术家的裸体模式基本上不可用。妇女被禁止某些机构,因为被认为是不正当的,甚至可能甚至危害他们从裸体模式学习。虽然男子获得男女裸体,但女性仅限于从演员和模特身上学习解剖。直到1893年才允许女学生在伦敦皇家学院进入生活绘画,甚至在模特儿被要求被部分覆盖。

获得裸体数字的机会有限,妨碍了女性艺术家的职业发展。最有声望的绘画形式需要对解剖学的深入了解,这些知识被系统地拒绝给女性,因此她们被降级为不太受欢迎的形式,如流派,静物,景观和肖像画。琳达·诺克林(Linda Nochlin)的文章“为什么没有伟大的女性艺术家”,她指出,妇女不得不将裸体绘画作为女性艺术发展的历史性重大障碍。

图形说明是最精美的艺术和插图程序的元素。意大利艺术学院有一个scoola libera del nudo(“免费的裸体学校”),这是学位课程的一部分,但对外部学生也是开放的。在一个典型的图画工作室教室里,学生坐在一个半圆形或全圆的模型。没有两个学生有完全相同的观点,因此他们的绘画将反映出艺术家相对于模特的独特位置的观点。该模型经常站在一个立场上,使学生更容易找到一个无障碍的视图。根据姿势的类型,可以使用家具和/或道具。这些通常包括在绘图中,只要它们对于艺术家是可见的。然而,背景通常被忽略,除非目标是了解数字在环境中的位置。个人模型是最常见的,但是可以在更高级的类中使用多个模型。许多工作室都配备了许多照明设施。

当在大学阶段任教时,图画模型通常(但不总是)裸体(除了小珠宝或其他不显眼的项目)。在摆姿势时,通常要求模型保持完美。由于在长时间内这样做的困难,模型休息和/或伸展的定期休息通常包括在更长的会话中并且用于更困难的姿势。

在图形绘制会开始时,通常要求该模型快速连续地做出一系列简短的姿态。这些被称为姿势姿势,通常是每分钟一到三分钟。手势绘画是许多艺术家的热身运动,虽然一些艺术家将手势描绘成每幅图画的第一步。这些广泛的笔画不仅仅是通过手腕的轻弹来完成,而是通过使用整个手臂来捕捉模型的运动。它也有助于保持艺术家专注于模型,而不是纸张。当涉及到人体时,艺术家是至关重要的;静物的比例不一定要完美地看起来是真实的,但即使是轻微的人为因素的错误也很容易被发现。

现代和当代艺术家可能选择夸张或扭曲比例来强调模特姿态的姿态或感觉到的心情。结果可以被视为成品艺术品,同时表达主题,观察,情感和标记对艺术家绘画经验的反应。

解剖学只是生命课程中第一关注的问题。还考虑了地面关系和组成的其他方面。组合的平衡变得更加重要,因此通过生活绘画更容易理解。艺术家对姿势的动觉反应,以及通过艺术媒体的选择传达的这种感觉是一个更为先进的问题。由于图画课的目的是学习如何绘制各种人物,通常寻求所有年龄,形状和种族的男性和女性模型,而不是仅选择美丽的模型或具有“理想”数字的模特。一些导师特意寻求避免时尚摄影师喜欢的模式,寻求更多“现实”的例子,并避免任何暗示的性客观化。教练也可以根据他们提供的独特的轮廓或表面纹理来支持特定体型的模型。所雇用的各种模式可能受到他们长时间持有姿势(消除不安定的孩子和体弱的老年人)的需求的限制,以及模特儿裸体(限制未成年人的使用)时的谦虚和合法性的担忧。

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