Um desenho de figura é um desenho da forma humana em qualquer uma das suas várias formas e posturas usando qualquer um dos meios de desenho. O termo também pode se referir ao ato de produzir esse desenho. O grau de representação pode variar desde renderizações altamente detalhadas, anatomicamente corretas até esboços soltos e expressivos. Um “desenho de vida” é um desenho da figura humana a partir da observação de um modelo ao vivo. Um desenho de figura pode ser uma obra de arte composta ou um estudo de figura feito em preparação para um trabalho mais acabado, como uma pintura. O desenho da figura é indiscutivelmente o assunto mais difícil que um artista encontra comumente, e cursos inteiros são dedicados ao assunto. A figura humana é um dos temas mais persistentes nas artes visuais, e a figura humana pode ser a base do retrato, ilustração, escultura, ilustração médica e outros campos.
Os artistas tomam uma variedade de abordagens para desenhar a figura humana. Eles podem desenhar de modelos ao vivo ou de fotografias, de modelos esqueletais, ou de memória e imaginação. A maioria das instruções centra-se no uso de modelos em cursos de “desenho de vida”. O uso da referência fotográfica – embora comum desde o desenvolvimento da fotografia – é muitas vezes criticado ou desencorajado pela sua tendência de produzir imagens “planas” que não conseguem capturar os aspectos dinâmicos do assunto. Tirar da imaginação é muitas vezes louvado pela expressividade que encoraja e criticado pelas imprecisões introduzidas pela falta de conhecimento do artista ou memória limitada na visualização da figura humana; A experiência do artista com outros métodos tem uma grande influência na eficácia desta abordagem.
Ao desenvolver a imagem, alguns artistas se concentram nas formas criadas pela interação de valores claros e escuros nas superfícies do corpo. Outros tomam uma abordagem anatômica, começando por aproximar o esqueleto interno da figura, sobrepondo os órgãos internos e a musculatura, e cobrindo essas formas com a pele e, finalmente (se aplicável) roupas; O estudo da anatomia interna humana geralmente está envolvido nesta técnica. Outra abordagem é construir vagamente o corpo de formas geométricas, por exemplo, uma esfera para o crânio, um cilindro para o tronco, etc., depois refinar essas formas para se assemelharem mais à forma humana.
Para aqueles que trabalham sem referência visual (ou como meio de verificar o trabalho), as proporções comumente recomendadas no desenho figurativo são:
Uma pessoa comum geralmente é de 7 e meia cabeça alta (incluindo a cabeça). Isso pode ser ilustrado para os alunos na sala de aula usando placas de papel para demonstrar visualmente o comprimento de seus corpos.
Uma figura ideal, usada para uma impressão de nobreza ou graça, é desenhada em 8 cabeças de altura.
Uma figura heróica usada na representação de deuses e super-heróis é de oito cabeças e meio de altura. A maior parte do comprimento adicional vem de um peito maior e pernas mais longas.
Observe que essas proporções são mais úteis para um modelo permanente. Os Poses que introduzem o encurvamento de várias partes do corpo fará com que sejam diferentes.
O salão francês no século XIX recomendou o uso de lápis comté, que são bastões de cera, óleo e pigmento, combinados com papel especialmente formulado. Erasure não foi permitido; Em vez disso, o artista deveria descrever a figura em traços de luz antes de fazer marcas mais escuras e visíveis.
Uma técnica moderna popular é o uso de um bastão de carvão, preparado a partir de videiras especiais e uma forma mais áspera de papel. O carvão adere ligeiramente ao papel, permitindo um apagamento muito fácil, mas o desenho final pode ser preservado usando um “fixador” spray para evitar que o carvão esfregue. O carvão comprimido mais duro pode produzir um efeito mais deliberado e preciso, e os tons graduados podem ser produzidos por manchas com os dedos ou com uma ferramenta de papel cilíndrica chamada de toco.
O lápis de grafite também é comumente usado para desenho de figuras. Para este propósito, os lápis de artistas são vendidos em várias formulações, variando de 9B (muito macio) a 1B (médio macio) e de 1H (médio difícil) a 9H (muito difícil). Como o carvão vegetal, ele pode ser apagado e manipulado usando um toco.
A tinta é outro meio popular. O artista começará frequentemente com lápis de grafite para esboçar ou descrever o desenho, então o trabalho da linha final é feito com uma caneta ou pincel, com tinta permanente. A tinta pode ser diluída com água para produzir gradações, uma técnica chamada lavagem de tinta. As marcas de lápis podem ser apagadas após a aplicação da tinta, ou deixadas no local com as tintas escuras que as dominam.
Alguns artistas se desenham diretamente na tinta sem a preparação de um esboço de lápis, preferindo a espontaneidade desta abordagem, apesar do fato de que ela limita a capacidade de corrigir erros. Matisse é um artista conhecido por ter trabalhado desta forma.
Um método favorecido de Watteau e outros artistas do século XV e XVIII da era barroca e rococó era começar com um tom de tom colorido a meio caminho entre branco e preto, e adicionar sombras em preto e destaques em branco, usando caneta e tinta ou “lápis”.
A figura humana tem sido objeto de desenhos desde os tempos pré-históricos. Enquanto as práticas de estúdio dos artistas da antiguidade são em grande parte uma questão de conjecturas, que muitas vezes desenharam e modelaram a partir de modelos nus é sugerida pela sofisticação anatômica de suas obras. Uma anedota relatada por Plínio descreve como Zeuxis analisou as mulheres jovens de Agrigentum nua antes de selecionar cinco cujas características ele combinaria para pintar uma imagem ideal. O uso de modelos nus na oficina do artista medieval está implícito nos escritos de Cennino Cennini, e um manuscrito de Villard de Honnecourt confirma que esboçar a vida era uma prática estabelecida no século 13. Os Carracci, que abriram a Accademia degli Incamminati em Bolonha na década de 1580, estabeleceram o padrão para as escolas de arte posteriores, fazendo a vida desenhando a disciplina central. O curso de treinamento começou com a cópia de gravuras, depois procedeu ao desenho de moldagens de emplastro, após o que os alunos foram treinados em desenho do modelo ao vivo.
No final do século 18, estudantes do estúdio de Jacques-Louis David seguiram um rigoroso programa de instruções. O domínio no desenho foi considerado um pré-requisito para a pintura. Por cerca de seis horas por dia, os alunos extraíram de um modelo que permaneceu na mesma pose por uma semana. Antes do final do século 19, as mulheres geralmente não eram admitidas para fazer aulas de desenho.
Uma figura da academia é um desenho, pintura ou escultura de forma literal, do corpo humano nu usando um modelo ao vivo, tipicamente ao tamanho da meia-idade.
É um exercício comum exigido dos alunos em escolas de arte e academias, tanto no passado como no presente, daí o nome.
As contas históricas revelam que os modelos nus para as aspirantes a artistas femininos estavam em grande parte indisponíveis. As mulheres foram impedidas de certas instituições porque era considerada imprópria e possivelmente até mesmo perigosa para eles estudarem em modelos nus. Embora os homens tenham acesso a desnudos masculinos e femininos, as mulheres foram confinadas a aprender anatomia de moldes e modelos. Não foi até 1893 que as estudantes do sexo feminino tenham acesso ao desenho de vida na Royal Academy em Londres, e mesmo assim o modelo foi obrigado a ser parcialmente coberto.
O acesso limitado a figuras nuas impediu as carreiras eo desenvolvimento de artistas femininas. As formas de pintura mais prestigiadas exigiram um conhecimento aprofundado da anatomia que foi sistematicamente negada às mulheres, que foram relegadas a formas de pintura menos consideradas, como gênero, natureza morta, paisagem e retrato. No ensaio de Linda Nochlin, “Por que não houve grandes artistas de mulheres”, ela identifica o acesso restrito que as mulheres tinham para desenhar nus como uma barreira historicamente significativa para o desenvolvimento artístico das mulheres.
A instrução de desenho de figura é um elemento da maioria dos programas de arte e ilustração. Academias de Belas Artes na Itália têm uma scuola libera del nudo (“escola livre do nu”) que faz parte do programa de graduação, mas também está aberta a estudantes externos. Em uma sala de aula típica de estúdio de desenho, os alunos se sentam ao redor de um modelo em um semicírculo ou um círculo completo. Nenhum dos alunos tem exatamente a mesma visão, portanto, seu desenho refletirá a perspectiva da localização única do artista em relação ao modelo. O modelo, muitas vezes, coloca em um suporte, para permitir aos alunos encontrar mais facilmente uma visão desobstruída. Dependendo do tipo de pose, móveis e / ou adereços podem ser usados. Estes são tipicamente incluídos no desenho, na medida em que eles são visíveis para o artista. No entanto, os antecedentes são geralmente ignorados a menos que o objetivo seja aprender sobre a colocação de figuras em um ambiente. Os modelos individuais são mais comuns, mas vários modelos podem ser usados em classes mais avançadas. Muitos estúdios estão equipados para permitir uma variedade de arranjos de iluminação.
Quando ensinado no nível da faculdade, os modelos de desenho de figuras são muitas vezes (mas nem sempre) nus (além de jóias pequenas ou outros itens discretos). Ao posar, o modelo geralmente é solicitado a permanecer perfeitamente imóvel. Devido à dificuldade de fazer isso por um longo período de tempo, intervalos periódicos para o modelo para descansar e / ou alongamento geralmente são incluídos em sessões mais longas e para poses mais difíceis.
No início de uma sessão de desenho de figura, o modelo é muitas vezes solicitado a fazer uma série de poses breves em rápida sucessão. Estes são chamados de poses de gestos, e normalmente são de um a três minutos cada. O desenho de gestos é um exercício de aquecimento para muitos artistas, embora alguns artistas esboçem o gesto como o primeiro passo em cada desenho de figura. Esses traços largos não são feitos apenas pelo movimento de um pulso, mas usando todo o braço para capturar o movimento do modelo. Também ajuda a manter o artista focado no modelo em vez do papel. Quando se trata do corpo humano, os artistas são dolorosamente críticos; as proporções de uma natureza morta não precisam ser desenhadas perfeitamente para parecer autênticas, mas mesmo o menor erro em proporções humanas será facilmente detectado.
Artistas modernos e contemporâneos podem optar por exagerar ou distorcer proporções para enfatizar o gesto ou o humor percebido da pose dos modelos. Os resultados podem ser considerados como uma obra de arte acabada, expressando o assunto, a observação, a emoção e a marcação da resposta à experiência de desenho de figuras dos artistas.
Anatomia é apenas o primeiro nível de preocupação nas aulas de vida. As relações figura-terreno e outros aspectos da composição também são considerados. O equilíbrio de uma composição torna-se mais crucial e, portanto, mais compreendido através do desenho da vida. A resposta cinestésica do artista à pose e a forma como isso é transmitida através de uma escolha de mídia artística é uma preocupação mais avançada. Uma vez que o propósito das aulas de desenho de figuras é aprender a desenhar seres humanos de todos os tipos, modelos masculinos e femininos de todas as idades, formas e etnias geralmente são procurados, em vez de selecionar apenas modelos bonitos ou aqueles com figuras “ideais”. Alguns instrutores procuram, especificamente, evitar o tipo de modelos preferidos pelos fotógrafos de moda, buscando exemplos mais “realistas” e para evitar qualquer implicação de objetivação sexual. Os instrutores também podem favorecer modelos de tipos de corpo específicos com base nos contornos únicos ou texturas de superfície que eles fornecem. A variedade de modelos contratados pode ser limitada pela necessidade de realizar uma pose por períodos prolongados (eliminando crianças inquietas e pessoas idosas frágeis) e preocupações de modéstia e legalidade quando os modelos apresentam nu (restringindo o uso de menores de idade).