Arte decorativa

Le arti decorative sono arti o mestieri che si occupano del design e della fabbricazione di oggetti belli e funzionali. Include interior design, ma non di solito architettura. Le arti decorative sono una serie di discipline artistiche figurative tradizionalmente legate alla creazione e alla decorazione di oggetti d’uso, in contrasto con le belle arti (pittura, scultura, disegno, incisione, fotografia e mosaico) destinate a creare artefatti il ​​cui unico scopo è invece contemplazione estetica. Questo campo comprende tutti i mestieri di interior design e interior design, come mobili e arredi.

Le arti decorative sono spesso catalogate per mezzo o tecnica. Tra questi possiamo citare l’oreficeria, i toreutici, la glicittica, l’arte ceramica, la miniatura, la creazione di vetri colorati e altri oggetti in vetro, smalti, intaglio, intarsio, ebanisteria, coniatura di monete e medaglie, tessitura e ricamo , design industriale, decorazione in generale. Comprende spesso anche arti grafiche (incisioni) e miniature, nonché alcune opere di architettura, pittura e scultura destinate all’ornamentazione e concepite in serie, non come opere individuali.

La distinzione tra arte decorativa e arte bella si basa soprattutto sulla funzionalità, sulle intenzioni, sull’importanza, sullo stato del singolo lavoro o della produzione relativa a un singolo artista. I prodotti delle arti decorative, o arredi, possono essere mobili (ad esempio lampade) o fissi (ad esempio carta da parati).

Le arti decorative sono state presenti in misura maggiore o minore in tutti i periodi della storia dell’arte in generale, sia in solitaria che in congiunzione con altre arti, in particolare l’architettura. In molti casi hanno segnato un certo periodo storico, come l’arte bizantina, islamica o gotica, in modo tale che non sarebbe stato possibile valutarlo adeguatamente senza la presenza di questo tipo di lavoro. In altri casi, specialmente quello delle culture nomadi, è l’unico tipo di conquista artistica portata avanti da questi popoli, come nel caso degli Sciti o dei popoli germanici che invasero l’Impero Romano. In molte culture le arti decorative hanno avuto uno status simile al resto delle arti, come nel caso della ceramica greca o della lacca cinese. Vale anche la pena di notare lo stretto rapporto tra arti decorative e cultura popolare, che è stato spesso il principale mezzo di espressione in questo mezzo.

Le arti decorative sono tutte quelle attività legate all’arte o all’artigianato progettate per produrre oggetti con uno scopo sia utilitario che ornamentale. Di solito sono lavori realizzati con una produzione industriale o artigianale ma perseguono un certo scopo estetico. Il concetto è sinonimo di cosiddette arti applicate o arti industriali, anche a volte chiamate arti minori rispetto alle arti maggiori o alle belle arti. In un certo senso, le arti decorative sono un termine applicato preferibilmente alle arti industriali, così come alla pittura e alla scultura, quando il suo obiettivo non è quello di generare un’opera unica e differenziata, ma piuttosto cercano uno scopo decorativo e ornamentale, con una produzione generalmente seriale.

La distinzione tra arti decorative e belle arti è essenzialmente dovuta all’arte post-rinascimentale dell’Occidente, dove la distinzione è per la maggior parte significativa. Questa distinzione è molto meno significativa se si considera l’arte di altre culture e periodi, in cui le opere più apprezzate – o anche tutte le opere – includono quelle nei media decorativi. Ad esempio, l’arte islamica in molti periodi e luoghi consiste interamente di arti decorative, spesso usando forme geometriche e vegetali, come fa l’arte di molte culture tradizionali. La distinzione tra arti decorative e belle non è molto utile per apprezzare l’arte cinese, e nemmeno per capire l’arte del primo Medioevo in Europa. In quel periodo in Europa esistevano belle arti come l’illuminazione di manoscritti e la scultura monumentale, ma le opere più prestigiose tendevano ad essere eseguite in oreficeria, in metalli colati come il bronzo, o in altre tecniche come l’intaglio in avorio. I dipinti murali su larga scala erano molto meno considerati, eseguiti grossolanamente e raramente menzionati nelle fonti contemporanee. Probabilmente erano visti come un sostituto inferiore per il mosaico, che per questo periodo deve essere considerato un’arte raffinata, anche se negli ultimi secoli i mosaici hanno avuto la tendenza a essere visti come decorativi. Il termine “ars sacra” (“arti sacre”) è talvolta usato per l’arte cristiana medievale fatto in metallo, avorio, tessuti e altri materiali di alto valore, ma non per le opere secolari più rare di quel periodo.

Concetto:
La tecnica delle arti decorative rientra nel concetto di arte (τέχνη téchnē), una manifestazione creativa dell’essere umano generalmente intesa come qualsiasi attività o prodotto svolta con uno scopo estetico e comunicativo, attraverso cui idee, emozioni o, in generale, una visione di il mondo si esprime attraverso varie risorse e materiali. L’arte è una componente della cultura, che riflette nella sua concezione i substrati economici e sociali, così come la trasmissione di idee e valori inerenti a qualsiasi cultura umana nello spazio e nel tempo.

La classificazione dell’arte ha avuto un’evoluzione parallela al concetto stesso di arte: durante l’antichità classica l’arte era considerata tutti i tipi di abilità manuale e destrezza, di tipo razionale e soggetta a regole, in modo che le attuali belle arti entrassero in quella denominazione come mestieri e scienze Nel secondo secolo Galeno divise l’arte nelle arti liberali e nelle arti volgari, a seconda che avessero un’origine intellettuale o manuale. Nel Rinascimento, l’architettura, la pittura e la scultura erano considerate attività che richiedevano non solo l’artigianato e l’abilità, ma anche un tipo di concezione intellettuale che li rendeva superiori ad altri tipi di mestieri. Nel 1746 Charles Batteux stabilì Le belle arti ridotte a un unico principio l’attuale concezione delle belle arti, in cui comprendeva pittura, scultura, musica, poesia e danza, pur mantenendo il termine “arti meccaniche” per il resto delle attività artistiche, e ha rilevato come attività tra le due categorie l’architettura. Nel corso del tempo questa lista ha subito variazioni e, ad oggi, non è completamente chiusa, ma in generale ha fissato una base comunemente accettata.

I termini «arti decorative», «arti applicate», «arti industriali» o «arti minori» sorsero in opposizione a «belle arti» o «arti maggiori», sebbene spesso la frontiera non sia del tutto chiara. , nelle arti plastiche la funzione decorativa è considerata secondaria: così, se il dipinto ha di per sé un’autonomia come opera d’arte, nella sua applicazione ad un oggetto perde quella singolarità per adempiere ad una funzione subordinata, quella di abbellire quell’oggetto. Se la pittura può rappresentare una visione del mondo nella libertà concettuale dell’artista, la pittura decorativa si muoverà in un cerchio chiuso di temi e motivi.

Probabilmente la separazione tra arti maggiori e minori derivava dalla distinzione da parte della critica d’arte del “bello” e del “utile”: il primo aveva una categoria superiore, poiché sembrava diretto più direttamente all’intelletto e / o lo spirito, mentre quest’ultimo aveva uno scopo più pratico e banale. Questa distinzione non cessò di essere soggettiva, poiché un’attività come l’architettura, racchiusa nelle arti maggiori, è certamente utile, mentre molte arti minori, sebbene utili, possono essere belle.

Sebbene le arti decorative fossero considerate un’arte minore, dal XVIII secolo acquisirono una certa autonomia e, da allora, iniziarono a valutare la loro estetica piuttosto che l’aspetto utilitaristico e molte delle loro produzioni furono apprezzate come opere d’arte con la loro unicità . Tuttavia, le arti decorative applicate all’industria – più propriamente chiamate oggi “arti industriali” – sono state separate da questo concetto, poiché in questo tipo di oggetti la decorazione è solitamente secondaria; quindi, l’estetica funzionalista tendeva a valutare gli oggetti più per la loro utilità, rifiutando una decorazione spesso sovrapposta.

Il termine “arti decorative” era un ramo forgiato nel terzo del XIX secolo, principalmente come sostituto del termine “arti minori”, che era peggiorativo. Nella genesi delle arti decorative o industriali, la praticità e l’estetica sono inestricabilmente legate. Pertanto, la produzione di oggetti racchiusi in questo termine deve tenere conto dello scopo del prodotto (elettrodomestici, abbigliamento, utensili, mobili) e del suo aspetto formale. Quindi, un oggetto utilitario che viene successivamente decorato o, al contrario, un altro che ha un aspetto artistico che non assolve una funzione pratica, non rientrerebbe in questa categoria, sebbene le arti decorative siano state spesso considerate prodotti con una semplice funzione ornamentale, ma prodotto in serie, che si allontanerebbe dal concetto di opera d’arte unica con lettere maiuscole.

Un fattore decisivo nella nuova consapevolezza delle arti decorative fu la pubblicazione tra il 1860 e il 1863 del libro Der Stil in den technischen und tectonischen künsten der praktische Aestetik, di Gottfried Semper, in cui prestava particolare attenzione alle arti decorative nella storia di l’arte. Questo lavoro ha influenzato lo storico formalista Alois Riegl, che nella sua analisi della storia dell’arte in funzione dello stile ha incluso anche le arti decorative. Per Riegl, che è stato curatore del Museo delle arti decorative di Vienna, le tecniche utilizzate nella produzione artistica hanno segnato l’evoluzione delle forme artistiche.

Generi d’arte:
Per le arti legate alla decorazione sono state applicate nel corso della storia molti termini più o meno sinonimi, mentre possono avere alcune differenze nelle sfumature generali espresso lo stesso concetto:

Arti decorative: il termine influenza lo scopo decorativo di questo tipo di arti, perché il suo scopo è quello di adornare uno spazio specifico, motivo per cui sono considerati particolarmente legati all’architettura. In generale è considerato il termine più appropriato e che conferisce una maggiore dignità, la prova di ciò è che la maggior parte dei musei dedicati a questo tipo di opere sono solitamente denominati Musei delle Arti Decorative.

Arti minori: nasce nel confronto con l’idea delle arti maggiori o delle belle arti (architettura, scultura e pittura), sebbene sia peggiorativo e segna alcuni confini che non sono reali, poiché la pittura e la scultura possono essere considerate in certi casi come arti decorative

Utili o utilitaristiche: questo termine mette l’accento sull’aspetto pratico di questo tipo di realizzazioni, che sottovaluta la sua componente estetica, mentre sarebbe discutibile se l’utilità di alcune belle arti come l’architettura le ridurrebbe a questo livello.

Arti funzionali: analogo al precedente, l’aspetto funzionale di queste opere è influenzato, il che dà luogo a un dibattito simile, che può essere aggiunto se le arti maggiori non hanno anche una funzione.

Arti applicate: questo termine deriva dal rapporto tra questo tipo di discipline artistiche e la loro produzione di tipo artigianale o industriale, poiché sono solitamente create da varie tecniche e procedure specializzate che richiedono una formazione professionale o semi-professionale. Pertanto, la maggior parte delle scuole in cui tali mestieri sono apprese sono spesso denominate Scuole di arti applicate (o mestieri artistici).

Arti ausiliarie: qui viene enfatizzato l’aspetto secondario di questo tipo di discipline, poiché le loro produzioni sono destinate a decorare opere “maggiori”, preferibilmente spazi architettonici. Ancora una volta è un termine peggiorativo e non include tutte queste realizzazioni, che in molti casi possono avere un’autonomia autonoma.

Artigianato, artigianato artistico: in questo senso, l’aspetto produttivo di queste opere è influenzato dal punto di vista della professionalità dei loro artigiani, nella considerazione di essere oggetti fatti a mano, senza un processo meccanico di fabbricazione. Gran parte di questo concetto deriva dal movimento Arts and Crafts, emerso nel Regno Unito nel diciannovesimo secolo.

Arti manuali: un termine usato raramente in generale, influisce sull’artigianato di questo tipo di lavoro, che in molti casi esclude la sua produzione meccanica.

Arti industriali: in contrasto con il precedente, il processo di meccanizzazione e produzione industriale di molte di queste opere è espresso qui, specialmente dopo la rivoluzione industriale. Si potrebbe discutere qui se questo tipo di fabbricazione viene fatto a danno del processo creativo dell’artista o è semplicemente uno strumento che aiuta nella sua realizzazione. Forse è applicabile solo a quelle opere prodotte in serie.

Arti suntuarie: il termine sumptuary significa “appartenenza al o relative al lusso”, quindi si applica preferibilmente a quelle arti decorative realizzate con materiali preziosi (oro, argento, gioielli).

Fattori di influenza:
Tipo di opere: un primo fattore da tenere in considerazione è la funzione e il destino dell’opera, che sia religiosa o laica, colta o popolare, che si tratti di un indirizzo, un’azienda, un palazzo o qualsiasi altro scopo.

Tecniche e materiali: ogni disciplina artistica ha determinate tecniche e materiali di preparazione, che devono essere considerati per il risultato finale a seconda dell’oggetto che si desidera creare. Molti di questi elementi sono determinanti di un certo tempo o stile, quindi aiutano nel loro studio e classificazione.

La moderna comprensione dell’arte di molte culture tende a essere distorta dal moderno privilegio dei media artistici rispetto ad altri, così come i tassi di sopravvivenza delle opere su diversi media. I lavori in metallo, soprattutto nei metalli preziosi, rischiano di essere “riciclati” non appena cadono dalla moda, e sono stati spesso usati dai proprietari come depositi di ricchezza, per essere sciolti quando era necessario denaro extra. I manoscritti miniati hanno un tasso di sopravvivenza molto più alto, specialmente nelle mani della chiesa, poiché i materiali avevano poco valore e erano facili da immagazzinare.

Forma: la forma segna il ritmo dei volumi e delle proporzioni di un certo spazio, soprattutto in pezzi esenti. D’altra parte, la forma esprime la funzione dell’oggetto e le sue caratteristiche temporali, quindi è un riflesso dello stile e del quadro storico e sociale in cui è stato creato.

Sistema decorativo: stabilisce il tipo di motivo ornamentale di un pezzo e il modo in cui quel motivo si inserisce nella composizione dello stesso. I tre principali motivi ornamentali sono: geometrico, epigrafico e naturalistico (vegetale, animale, umano o paesaggio), che può essere isolato o combinato. A seconda della sua composizione, vengono generati diversi linguaggi espressivi, come il naturalista, se è ispirato dalla realtà della natura visibile; o quello stilizzato, se fa una reinterpretazione soggettiva della realtà. Anche all’interno della composizione dovrebbe essere preso in considerazione se l’ornamento è limitato ad un’area specifica dell’opera o lo copre completamente (il cosiddetto horror vacui). All’interno di questo spazio, i motivi ornamentali possono essere realizzati mediante ripetizione, alternanza, simmetria o inversione.

Motivi geometrici: tra i principali ci sono il punto, la linea, lo zigzag, la fascia spezzata, la lancia, il meandro, il quadrato, il losange, il checkered, il triangolo, l’esagono, l’ottagono, il sinusoide, la spirale , il cerchio e il semicerchio, l’ellisse, ecc.

Ragioni architettoniche: cordone, listello, toro, bocel, scozia, gallone, cartela, ecc.

Motivi naturalisti: provengono principalmente da flora, fauna, esseri umani, esseri fantastici e mitologici, elementi astronomici, paesaggi e oggetti di ogni tipo.

Motivi complessi: sono fondamentalmente la scrittura e i simboli, così come i motivi araldici.

Colore e luce: nell’aspetto estetico e formale dell’opera d’arte decorativa, sono determinanti il ​​colore e la luce, che influenzano la forma dell’oggetto, il materiale e le varie qualità come la solidità, la rifrazione, la trasparenza o l’opacità, il riflesso, il texture, il rilievo oi giochi di luci e ombre. Inoltre, a parte le loro qualità fisiche, possono esprimere un certo simbolismo, poiché i colori sono spesso associati a determinati concetti religiosi o culturali, mentre la luce è spesso associata alla divinità e alla rivelazione.

Ritmo ed equilibrio: le arti decorative hanno lo scopo di decorare uno spazio, che di solito viene raggiunto con la combinazione di vari elementi. Pertanto, un fattore da tenere in considerazione è l’armonia tra tutti i pezzi di uno spazio dato, l’equilibrio generale e il ritmo spaziale in cui sono circoscritti. Questa armonizzazione di elementi esprime, d’altra parte, concetti inerenti ad un certo periodo, come la moda o lo stile, i costumi o il pensiero di una società.

Relazione spaziale: le opere d’arte più decorative (tranne quelle esenti) sono progettate per uno spazio specifico, che influenza la loro concezione e realizzazione. Nella valutazione di questo tipo di opere, si deve considerare se si trovano nella loro posizione originale o no; Una di queste opere esposte in un museo può essere apprezzata per le sue qualità intrinseche, ma perdere la sua funzione originale perde parte del suo significato.

Economia, società e moda: ogni opera d’arte è il riflesso di un determinato momento storico e sociale, che presuppone un fattore determinante nella sua genesi produttiva. Nell’elaborazione di questi oggetti, i fattori economici che segnano la loro produttività, i fattori di condizionamento sociale che determinano la loro funzione e gli aspetti della moda e dello stile che condizionano la loro forma e il loro aspetto possono essere decisivi. Queste condizioni esterne sono collegate ad altri fattori interni, come la tecnica, per determinare il processo di produzione di queste realizzazioni.

Influenze tra le arti: le diverse modalità artistiche – sia maggiori che minori – si influenzano a vicenda, proprio come gli artisti. Queste influenze sono anche trasmesse nel tempo, che è denotato nella successione di periodi di marcato accento classicista con altri di gusto barocco. Generalmente l’influenza delle arti maggiori su quelle minori è stata percepita, ma a volte è anche avvenuta al contrario, come l’influenza delle arti decorative islamiche nella scultura romanica spagnola, dell’incisione nella pittura del barocco o di la decorazione rococò nell’architettura del XVIII secolo in Francia e Germania.

Classificazione e tecniche:

Mosaico e intarsio
Il mosaico è la tecnica per creare immagini incorporando pietre dure, sia nel terreno che sul muro. Quando viene posizionato come un pavimento, riceve il termine greco lithostroton: il rivestimento viene applicato su calce, sabbia o altri materiali come pietre, ciottoli, lastre di marmo, ecc. Esistono diversi tipi: opus lapilli, piccoli ciottoli di colori naturali , che di per sé compongono il disegno; opus tessellatum, formato da tessere, pezzi di forma quadrata di due centimetri, con cui viene elaborata la composizione, generalmente di tipo geometrico; opus vermiculatum, anch’esso realizzato con piastrelle, ma di contorni diversi, potendo così formare diversi percorsi; opus sectile, formato da lastre di marmo di forma irregolare. Il mosaico stesso, chiamato anche opus musivum, è la stessa tecnica ma applicato alla decorazione murale: è realizzato con piastrelle in pasta di vetro, applicate al muro preparato con diversi strati di malta, facendo figure e disegni. L’intarsio è una tecnica simile a quelle precedenti, può essere pavimentato o parietale, oppure può essere applicato anche a mobili o altri oggetti. Consiste nell’incorporare sottili lastre di pietra e marmo di colore, tagliate e incastonate formando diverse immagini o composizioni su una superficie compatta. Può anche essere fatto in legno (intarsio), essendo una tecnica frequente nell’industria dell’ebanisteria. A Carpi, nel diciassettesimo secolo, emerse anche un intarsio di gesso. Un’altra variante è la salsiccia di pietre dure.

Glasswork
Le vetrate sono realizzate su cristalli incastonati in legno, gesso, oro o piombo, che sono dotati di fogli di piombo, stagnati, con uno strato di mastice (imbianchino bianco con olio di lino). Le vecchie vetrate hanno grisaglie, ossido ferrico liquido, applicate per disegnare con precisione piccoli dettagli; nel 1340 fu sostituito dall’ossido d’argento e, da qui, i cristalli colorati non sono più fatti, ma colorati su vetro bianco. Il processo di produzione avviene per fasi: elaborazione di uno schizzo in cartone, taglio degli occhiali, verniciatura degli stessi, cottura e unione tramite piombo.

Esistono diversi tipi di vetro: «vetro di sodio» (il più basilare, fatto di silice), vetro (silice e ossido di piombo o di potassio), «vetro di calcedonio» (silice e ossidi di metallo) e «vetro di latte» (silice, diossido di manganese e ossido di stagno). La tecnica principale per lavorare è soffiare, dove può essere data qualsiasi forma e spessore. Per quanto riguarda la decorazione, può essere dipinta, graffita, intagliata, con clip, filigrana, ecc. Lo smalto è una pasta di vetro (silice, calce, potassa, piombo e minium), su supporto metallico, lavorato secondo varie tecniche: cloisonne , piccoli fili d’oro o di rame, con i quali la figura è disegnata sul supporto, Separare lo smalto nelle partizioni; Champlevé, che si ottiene abbassando il supporto negli alveoli e scavando il materiale in concavità, riempito di smalto; Ajouré, una superficie dorata dove le forme vengono tagliate con seghe o lime, riempiendo la parte rimossa con lo smalto.

Azulejería
L’Azulejería è una piastrella di ceramica smaltata che viene utilizzata come rivestimento per pavimenti e rivestimenti. Come i mattoni smaltati, ha la sua origine nel Vicino Oriente. In Spagna, nel XV secolo, la variante della piastrellatura sorse, con tre tipi: corda secca, bacino o cresta. Nello stesso secolo, in Italia, iniziò la produzione di lastre di maiolica, in particolare a Napoli e Faenza, le cui composizioni pittoriche in seguito riscossero un grande successo in Spagna e Portogallo, oltre a Messico e Perù.

L’azulejería è una sostanza fossile, una varietà di lignite, superficie nera e lucida. Generalmente sono piccoli pezzi, che lavorano con lima e verricello, in rilievo o intaglio, con una fase finale di lucidatura. Sono spesso collegati ad altre opere di scultura o oreficeria, essendo piuttosto frequenti nelle arti suntuarie.

Stucco e intonaco
Lo stucco è realizzato con pasta di calce (o intonaco bianco), polvere di marmo, sabbia lavata e caseina, in proporzioni diverse a seconda del tempo e del luogo. Le sue due principali applicazioni sono come rivestimento o decorazione, con spessori diversi, generalmente più compatti per il primo caso e più sottili e malleabili per il secondo. Da parte sua, il gesso è un solfato di calce idrata, che mescolato con acqua forma una pasta bianca, che può essere utilizzato sia per la costruzione e scultura e rilievi. La differenza principale tra i due è che l’intonaco, senza polvere di marmo, è più fragile e di bassa qualità, sebbene il suo valore decorativo sia simile.

Carpenteria e falegnameria
Le arti del legno sono utilizzate sia come rivestimento all’interno dell’architettura (soffitti a cassettoni, porte, finestre, balconi, balaustre) – includendo architetture provvisorie come capelardentes e retablos – come in elementi trasportabili (mobili). Le due tecniche principali sono la scultura e la tornitura: la prima è eseguita con strumenti appuntiti come il bulino, in alto, medio, basso o a spirale, o in ornamento inciso; il secondo comporta un processo di manipolazione meccanica più elaborato. Per quanto riguarda gli ornamenti, ci sono diverse procedure: intarsio, simile all’intarsio ma in legno; incrostazioni (o intarsio), un tipo simile di intarsio ma più superficiale, fatto con colla (in questi casi i pezzi aggiunti possono essere di un altro tipo di legno o altri materiali, prevalentemente avorio, osso, madreperla o metallo); placcatura, consistente nell’utilizzare una base di legno grezzo e sovrapporre un’altra più fine di qualità superiore; laccato, applicazione della tecnica della lacca al legno; policromatico, sovrapposizione di legni di diversi colori per creare effetti cromatici; oro, combinazione di legno e foglia d’oro; sgraffito, combinazione di oro e policromo; pirografia, consistente nel bruciare il legno con un metallo incandescente; Raggruppato, legno rivestito in pelle; e provò, legno foderato di stoffa.

lavorazione dei metalli
Metallo (ferro, rame, bronzo) può essere utilizzato da solo o impiallacciato su legno, di solito in elementi di chiusura come porte, bar e porte. Il bronzo viene solitamente fuso e versato in stampi. Il lavoro con il ferro (limonite, pirite o magnetite) è chiamato fucina: è ridotto con il calore, da cui una pasta rossastra con cui sono fatti i lingotti. Ci sono tre classi: ghisa, con molto carbonio, silice, zolfo e manganese, non è usata per forgiare, ma solo per fondere nello stampo; ferro dolce o forgiato, con meno carbonio, è più malleabile e duttile, può essere forgiato, ma è morbido e opaco; e acciaio, con manganese, tungsteno, cobalto e tungsteno, è più difficile, per strumenti da taglio. La modellazione viene eseguita senza aggiungere o rimuovere materiale, ma esistono diverse tecniche alternative: allungare, ingrandire, dividere, piegare, enfatizzare, ecc. Possono anche essere forniti effetti oro e policromi.47

Arti tessili
Si manifestano principalmente nei tessuti e nei ricami. Un tessuto è un lavoro di telaio composto da diversi fili disposti in ordito e trama. I telai possono essere mobili (o “vita”) o fissi (verticali o orizzontali). A seconda della molteplicità o dell’intreccio dei filati, si ottengono diversi tipi di tessuti, come taffetà, twill, raso, seta, velluto, ecc. Questi tessuti possono essere naturali o stampati, applicando tinture sul tessuto. Per quanto riguarda le tipologie, le più utilizzate nelle arti decorative sono i tappeti e gli arazzi e, in misura minore, i pizzi. I ricami sono lavori a rilievo con ago su tessuti già realizzati.

Chorioplasty
La lavorazione del cuoio ha due modalità principali: il cordovan, la pelle di capra o la capra conciata, apparso a Cordoba in epoca andalusa, usato come complemento per i mobili; e il guadamecí, pelle di montone abbronzato e intagliato, e in seguito policromada, dorata o argento, usata come ornamento di pale d’altare, baldacchini e altari o come rivestimento di pareti, tende o mobili, a volte anche come tappeti. Esistono diverse tecniche per la lavorazione della pelle: incisione, goffratura, svasatura, scalpellatura, intaglio, stampaggio, stiratura, rifilatura, ecc. Il ricamo, l’oro, l’argento o la lamina di metallo o le applicazioni di unghia o unghia possono essere aggiunti sulla pelle, e può essere policromato con prodotti minerali (potassio) o chimici (anilina) o con olio o tempera.49 Altre modalità sono il tafilete, pelle di capra brunita più fine del cordovan, usata preferibilmente in legatura; e il marocchino, pelle di pecora usata per lo più in tappezzeria di mobili.

Miniatura
Miniature è un tipo di pittura di piccole dimensioni fatta su carta, pergamena o pergamena, anche se può essere su altri supporti. La tecnica più comune è la tempera, i pigmenti sciolti in acqua gengivale o altri leganti (gomma arabica, albume d’uovo, miele). Il suo supporto più comune è nei libri, di solito illustrazioni che accompagnano il testo scritto.

incisione
L’incisione è un timbro ottenuto per mezzo di un ferro o una matrice. Esistono diverse tecniche:
Calcografia: incisione su rame in cavità, in varie tecniche: incisione, tecnica di incisione consistente nel trattare le parti della piastra metallica non protette da una vernice con «acqua forte» (acido nitrico diluito in acqua); acquatinta, tecnica da una placca metallica ricoperta di resina, che una volta riscaldata aderisce alla superficie della placca, quindi disegno su questa superficie con un particolare tipo di inchiostro, chiamato acquatinta; l’incisione del bulino, viene eseguita su una lastra di rame, con un bulino, con il quale si delinea il disegno, riempiendo i solchi di inchiostro; incisa con puntasecca, in questa tecnica la piastra viene lavorata direttamente con una punta di acciaio, diamante o rubino, senza ricorrere a vernici o acidi, con cui si ottengono linee ruvide dette “burr”, diverse a seconda della pressione e dell’angolo dell’incisione, che a differenza del bulino non taglia il metallo, ma lo graffia; incisa con mezzo inchiostro (mezzotinto), la piastra viene lavorata con un raschietto a più punte (rocker o berceau), ottenendo un graining uniforme incrociando le linee, con le quali si distinguono i toni chiari e scuri.
Xilografia: incisione su legno (in genere di ciliegio o di bosso), eseguita su un disegno abbozzato sulla tavola di legno e intagliata con un coltello, sgorbia, scalpello o scalpello, svuotando i bianchi di legno e lasciando in rilievo i neri; Viene quindi inchiostrato con un rullo e stampato, a mano o con la stampa.
Linoleografia: tecnica di goffratura simile alla xilografia, ma con linoleum al posto del legno.
Litografia: è un’incisione su pietra calcarea, che viene eseguita trattando la superficie con una matita di grasso per delimitare il disegno e realizzare l’incisione secondo due procedimenti: il bagno con l’acido, per corrodere la parte non ingrassata e lasciare il disegno in rilievo; oppure applicare due tipi di inchiostro acquoso e grasso, fissando il primo sullo sfondo e coprendo il secondo le linee tracciate a matita. Fu inventato da Aloys Senefelder nel 1796.
Serigrafia: tecnica con cui le stampe si ottengono filtrando i colori con un motivo di seta -o attualmente in nylon-, rivestendo di colla le parti che non devono essere filtrate per impermeabilizzarle. È stato inventato in Cina.

Goldwork
Goldwork è l’arte di realizzare oggetti decorativi con metalli preziosi o pietre preziose, come oro, argento, diamanti, perle, ambra, coralli, ecc. Esistono diverse tecniche e modalità:
Cameo: è l’intaglio di figure in rilievo su pietre dure stratificate, come l’agata, il sardonico, il corallo e il guscio, che di solito hanno strati di colori diversi, che forniscono intensi contrasti cromatici.

Ceramica
La ceramica è fatta con argilla, in quattro classi: argilla porosa rossa-giallastra (ceramica, terracotta, pan di Spagna); argilla cotta porosa bianca (stoviglie); argilla cotta non porosa grigia, marrone o marrone (grès); argilla bianca compatta non porosa (porcellana). Altre varianti sono la maiolica e la maiolica, entrambe stoffe: il primo termine è usato principalmente in Italia e il secondo nel resto d’Europa. Può essere fatto manualmente o meccanicamente con un tornio, quindi viene cotto nel forno a temperature comprese tra 400º e 1300º, a seconda del tipo-, ed è decorato con smalto o vernice.55 La decorazione può essere: excisa , applicazioni in rilievo fatte con fango; incisa, un disegno disegnato sul fango ancora tenero; con stampi, applicati sulla superficie morbida dell’argilla; lucidatura, fatta sull’argilla cotta; sgraffito, applicazione di vari colori che vengono poi strappati secondo l’effetto desiderato; e marmorizzato, mescolando diverse tinture con un grasso, creando vene nella ceramica.

Lacca
La lacca è una vernice lucida, spessa e solida, estratta da resine minerali o vegetali e proveniente dall’Estremo Oriente. Questa vernice viene applicata su oggetti di vari materiali: legno, metallo, ceramica, carta o pelle. La tecnica della laccatura inizia con una prima applicazione di lacca grezza, che è ricoperta da diversi strati di lacca fine, l’ultima delle quali sarà della tonalità desiderata; poi si fa la decorazione, che può essere dipinta con un pennello, intagliando o incisione, con incrostazioni di altri materiali, o spruzzando oro o argento; infine, una lacca finale è realizzata con diversi strati di vernice traslucida.

Eboraria
Eboraria is the work of ivory, which is obtained from the elephant horns. It can be applied in inlaid wood and, as an individual work, in carved, drawn and painted ivories. The carving begins with the cutting of the tusk into pieces or “boats”, with which the object is shaped and subsequently decorated and, at times, polychrome. The draft is similar to the previous one, with a more refined technique that imitates the fretwork size of the wood. The painted ones used to be plates of ivory on a wood frame, on which pigments with brush were applied.

Plumeria
Feathers are keratinous structures of the skin of birds. In general, they are joined to other supports -generally woven- by stitching, gluing or assembling them. Its main use was in pre-Columbian America.

Basketry
Basketry is one of the oldest crafts in the world is that of containers of vegetable fibers locked together. The oldest technique is basket weaving in spiral, made with reeds, straws or twisted fibers in the form of rope and spirally wound giving them the desired shape, generally spherical or ovoidal. Another technique is braiding, which is done by winding long pleats sewn with fibers. Third, the interweaving is achieved by weaving the fibers on a wicker frame.

Fan
This instrument for giving air has often been the object of decoration and, at times, it has been placed inside houses as a decorative object. They can be rigid, but most are collapsible. They usually consist of a folding surface (country) of cloth, paper, gauze, lace or kid, with rods (guides) of wood, ivory, nacre, lacquer or shell; the two end rods are called shovels. The exposed part of the rods (sources) can be decorated with openwork, gilded or other techniques.

Glíptica:
Glíptica is the art of carving precious or semiprecious stones for the manufacture of stamps, coins or medals. It is usually made in cameo or in carving, and sometimes in a round shape, usually in small pieces. The work of these pieces is carried out with abrasives and grinders with blunt or sharp heads.

Binding:
Binding is the covers of a book have the main function of conserving their content of external agents, although often they have been object of ornamentation. The joining of the folds can be done with sewing, gluing or other procedures. The covers can be made of papyrus, wood, leather, leather (gold, chiseled or embossed), cardboard or other materials, sometimes with applications of enamel, goldsmith or eboraria.

Watchmaking
Watchmaking is a instrument to measure time has often been an object of ornamentation and, over time, has evolved both technologically and stylistically. There are many types of watches: sun, water (clepsydra), sand, ring, bracket, poster, grandfather, banjo, high box, float, balloon, lantern, pedestal, skeleton, parliamentary, regulator, etc.

Toy store:
The toys fulfill in the first place the practical function for which they are created, the children’s games, but on occasion they have been used as ornamental objects in the interior decoration. Constructed in numerous types and materials, its utilitarian function has been an inconvenience in many occasions for its conservation, reason for which it is also difficult to establish a historical evolution. Some of the most used modalities in decoration have been dolls and dollhouses, automatons, puppets and puppets, lead soldiers, rocking horses, kites, reproductions of weapons, trains and cars, etc.

Arts and Crafts movement:
The lower status given to works of decorative art in contrast to fine art narrowed with the rise of the Arts and Crafts movement. This aesthetic movement of the second half of the 19th century was born in England and inspired by William Morris and John Ruskin. The movement represented the beginning of a greater appreciation of the decorative arts throughout Europe. The appeal of the Arts and Crafts movement to a new generation led the English architect and designer Arthur H. Mackmurdo to organize the Century Guild for craftsmen in 1882, championing the idea that there was no meaningful difference between the fine and decorative arts. Many converts, both from professional artists’ ranks and from among the intellectual class as a whole, helped spread the ideas of the movement.

Arts & Crafts movement revaluation of craft work and advocated the return to traditional forms of manufacturing, stipulating that art should be as useful as it is beautiful. Following the approaches of Ruskin and Morris, Charles Robert Ashbee was the main organizer of the movement. In 1888 he founded the Guild and School of Handicraft in Toynbee Hall (London), where he designed furniture, silverware and metalwork in a style close to modernism.

In the United States, this movement – called American Craftsman – was represented by Gustav Stickley, designer of a simple and functional type of furniture, without ornaments, that he began to build in series, with a view to greater commercialization of his products. In general, these artists abandoned the neo-gothic style for a simpler, lighter and more elegant style, partly inspired by the Reina Ana style. In the 1890s, modernist influence was received.

The influence of the Arts and Crafts movement led to the decorative arts being given a greater appreciation and status in society and this was soon reflected by changes in the law. Until the enactment of the Copyright Act 1911 only works of fine art had been protected from unauthorised copying. The 1911 Act extended the definition of an “artistic work” to include works of “artistic craftsmanship”.