La musique romantique est une période de la musique classique occidentale qui a commencé à la fin du 18ème ou au début du 19ème siècle. Elle est liée au romantisme, le mouvement artistique et littéraire européen né dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, et la musique romantique en particulier a dominé le mouvement romantique en Allemagne.
À l’époque romantique, la musique est devenue plus explicitement expressive et programmatique, traitant des thèmes littéraires, artistiques et philosophiques de l’époque. Beethoven (dont les œuvres couvrent à la fois cette période et la période classique précédente), Schubert, Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini et Berlioz sont des compositeurs célèbres du début du romantisme. La fin du XIXe siècle voit une expansion spectaculaire de la taille de l’orchestre et de la gamme dynamique et la diversité des instruments utilisés dans cet ensemble. En outre, les concerts publics sont devenus un élément clé de la société de la classe moyenne urbaine, contrairement aux périodes précédentes, où les concerts étaient principalement payés par et exécutés pour les aristocrates. Bruckner, Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tchaïkovski, Dvořák, Verdi et Wagner sont des compositeurs célèbres de la deuxième moitié du siècle. Entre 1890 et 1910, une troisième vague de compositeurs, dont Mahler, Richard Strauss, Puccini et Sibelius, s’est appuyée sur le travail des compositeurs du moyen-âge pour créer des œuvres musicales encore plus complexes – et souvent beaucoup plus longues. Une marque importante de la musique de la fin du XIXe siècle est sa ferveur nationaliste, illustrée par des personnages tels que Dvořák, Sibelius et Grieg. Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff et Franck figurent parmi les autres figures marquantes du siècle dernier.
La musique romantique était souvent divisée entre différents styles, souvent en contraste les uns avec les autres. Dès le début, il y avait une division entre la partie allemande et la partie classique. Le style New German a été marqué par une rupture nette avec la musique précédente. Il était plus émotif dans l’expression, et souvent caractérisé par la soi-disant musique de programme, c’est-à-dire que la musique suivait un programme ou s’inspirait d’une œuvre littéraire ou artistique. Le style opposé était plus classique, ce qui signifie que même si c’était une direction plus romantique, on pouvait entendre l’inspiration de Mozart, Beethoven, Haydn et l’ancien garde. Il avait généralement une musique plus absolue, c’est-à-dire que la musique elle-même était à l’avant et ne devait pas être mélangée à d’autres formes d’art.
Une autre distinction est allée à l’opéra. Au début, l’opéra se caractérisait soit par les descendants de Gioachino Rossini, où de jolis arias dominaient souvent les opéras comiques, soit par le grand opéra, luttant contre les forces naturelles ou sociales, les contrastes et les humeurs. En outre, l’opéra allemand avait déjà commencé à se développer dans une direction fortement romantique dès le Jegerbruden en 1821, où dominaient les êtres surnaturels, la bataille contre le mal, l’attention médiévale et les sagas allemandes et les journaux publics. Cela a pris Richard Wagner. Il a également créé l’idée de Gesamtkunstwerk, qui toutes les parties de l’opéra, des chanteurs à l’orchestre au livret à la scénographie et la chorégraphie, la coopération pour transmettre un message fort. Wagner utilisa l’orchestre à un degré beaucoup plus élevé que les opéras précédents, et écrivit lui-même les histoires pour qu’il puisse mieux correspondre à tout. Son opposé était Giuseppe Verdi, qui créa des opéras basés sur des pièces de théâtre, des poèmes ou des romans célèbres, et se concentra sur une orchestration plus simple, toujours axée sur les chansons et les bonnes mélodies. Cependant, Verdi était également influencé par l’importance du théâtre, bien qu’il ait gardé les opéras de Wagner à distance. Vers la fin du roman est venu le véritable opéra, des opéras beaucoup plus réalistes sur le présent et ses défis, en particulier avec Giacomo Puccini comme champion. C’était une synergie des idées de Wagner et de Verdis sur l’opéra.
Dans les symphonies, il y avait une distinction claire entre ceux inspirés par Hector Berlioz et Franz Liszt et leur musique programmatique (Bedřich Smetana, Anton Bruckner et Pjotr Tsjajkovsky) et les partisans de Mendelssohn et Schumann qui se concentraient sur la musique absolue (John Brahms , Antonín Dvořák et Gustav Mahler) de l’autre. Les symphonies étaient également en partie dessinées dans les idées de Wagner de la musique. Les fans de musique de programme sont devenus plus souvent inspirés par Wagner, tandis que les adeptes de la musique absolue étaient beaucoup plus sceptiques.
La musique romantique était aussi un développement dans le ballet, de nouveaux styles comme l’opérette est apparue, la vallée viennoise est devenue allemannseie et beaucoup de virtuoses sont apparues et ont élevé le niveau des jeux de concert. Les orchestres grandissaient et le chef devint plus important. Le piano, qui avançait déjà dans la période précédente, est devenu dominant dans de nombreuses maisons, et comme l’instrument principal pour divers concerts et spectacles de cycles de chansons.
Traits
Caractéristiques souvent attribuées au romantisme:
une nouvelle préoccupation et une reddition à la nature;
une fascination pour le passé, en particulier le Moyen Âge et les légendes de la chevalerie médiévale;
un tournant vers le mystique et le surnaturel, à la fois religieux et simplement effrayant;
un désir pour l’infini;
connotations mystérieuses de l’éloignement, l’insolite et fabuleux, l’étrange et surprenant;
un accent sur le nocturne, le fantomatique, l’effrayant et terrifiant;
vision fantastique et expériences spirituelles;
une nouvelle attention accordée à l’identité nationale;
accent mis sur le subjectivisme extrême;
intérêt pour l’autobiographie;
mécontentement avec des formules musicales et des conventions.
De telles listes se sont toutefois multipliées au fil du temps, entraînant un «chaos de phénomènes antithétiques», critiquées pour leur superficialité et signifiant tant de choses différentes qu’il n’y a plus de sens central. Les attributs ont également été critiqués pour être trop vague. Par exemple, les caractéristiques du «fantôme et surnaturel» pourraient s’appliquer également au Don Giovanni de Mozart à partir de 1787 et à The Rake’s Progress de Stravinsky de 1951 (Kravitt 1992, 93-95).
Dans la musique, il y a une ligne de démarcation relativement claire dans la structure musicale et la forme après la mort de Beethoven. Que l’on considère ou non Beethoven comme un compositeur «romantique», l’ampleur et la puissance de son travail donnaient l’impression que la forme sonate classique et, en fait, la structure de la symphonie, de la sonate et du quatuor à cordes avaient été épuisées. Schumann, Schubert, Berlioz et d’autres compositeurs du début du romantisme avaient tendance à regarder dans d’autres directions. Certaines caractéristiques de la musique romantique comprennent:
L’utilisation de structures musicales nouvelles ou pas si communes comme le cycle de la chanson, la nuit, l’étude du concert, l’arabesque et la rhapsodie, à côté des genres classiques traditionnels. La musique de programme est devenue un peu plus commune;
Une structure harmonique basée sur le passage de la tonalité aux clés sous-dominantes ou alternatives plutôt que sur la dominante traditionnelle, et l’utilisation de progressions harmoniques plus élaborées (Wagner et Liszt sont connus pour leurs progressions expérimentales);
Une plus grande emphase sur la mélodie pour maintenir l’intérêt musical. La période classique utilisait souvent un matériel thématique court, voire fragmentaire, tandis que la période romantique avait tendance à utiliser davantage des thèmes plus longs, plus définis et plus satisfaisants;
L’utilisation d’un plus large éventail de dynamiques, par exemple de ppp à fff, soutenu par une grande orchestration;
Utiliser une plage tonale plus grande (exp., En utilisant les notes les plus basses et les plus hautes du piano);
Les formes de la musique romantique
Symphonie
Portée au plus haut degré par Ludwig van Beethoven, la symphonie est devenue la forme la plus prestigieuse à laquelle de nombreux compositeurs se sont consacrés. Les plus conservateurs respectent le modèle de Beethoven: Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Robert Schumann ou Johannes Brahms. D’autres montrent une imagination qui dépasse ce cadre, dans la forme ou dans l’esprit: le plus audacieux d’entre eux est Hector Berlioz.
Enfin, certains vont au-delà de raconter une histoire à travers leurs symphonies; comme Franz Liszt, ils créeront le poème symphonique, un nouveau genre musical, généralement composé d’un seul mouvement et inspiré d’un thème, d’un personnage ou d’un texte littéraire. Puisque le poème symphonique s’articule autour d’un leitmotiv (motif musical permettant d’identifier un personnage, le héros par exemple), il s’agit de rapprocher de la musique à programme symphonique.
Menti
Ce genre musical est apparu avec l’évolution du pianoforte vers le piano pendant la période romantique. Le lied est une musique vocale accompagnée principalement de cet instrument. La chanson est tirée de poèmes romantiques et ce style permet de rapprocher le plus possible la voix des sentiments. Franz Schubert est l’un des premiers et des plus célèbres compositeurs de lieder, avec Le Roi des Aulnes, cependant, beaucoup d’autres compositeurs romantiques se sont livrés au genre de menteur comme Robert Schumann, Johannes Brahms, Hugo Wolf ou Gustav Mahler.
Concerto
C’est Beethoven qui a inauguré le Concerto romantique, avec ses cinq concertos pour piano (en particulier le cinquième) et son concerto pour violon. Son exemple est suivi par de nombreux compositeurs: le concerto rivalise avec la symphonie dans le répertoire des grandes formations orchestrales.
Enfin, le concerto permettra aux compositeurs instrumentaux de révéler leur virtuosité, comme Niccolò Paganini au violon et Frédéric Chopin ou Franz Liszt au piano.
L’élément vocal dans la musique romantique
L’ère romantique n’était plus un siècle de grandes compositions vocales. Une série de compositeurs a cappella existait encore, exquis et raffiné, comme Mendelssohn et Brahms, qui ont réalisé l’harmonie inconcevable et les effets chromatiques au seizième siècle, qui était l’âge fleuri du style a cappella. Surtout en Allemagne, les moyens de parvenir à ce raffinement étaient les compositions chorales pour hommes, qui, cependant, ne devaient pas leur impulsion à des raisons purement artistiques, puisqu’elles devinrent une expression de nationalisme ou d’activités partisanes, tandis que le reste des démonstrations vocales tombé en désuétude. Les grands champions de la période romantique n’ont pas pensé, un instant, à composer des œuvres pour l’église et contribuer ainsi à l’écoute des versets de la Bible.
Des oratoires ont été écrits, comme El paraíso y la peri, par Schumann. Brahms a écrit un Requiem allemand, un travail religieux avec un texte entièrement en allemand. Des messes et d’autres œuvres religieuses ont également été écrites. L’Ave Maria de Schubert, est un lied pour le chant et le piano.
Instrumentation et échelle
Comme dans d’autres périodes, l’instrumentation a été adaptée aux exigences musicales de la période. Des compositeurs comme Hector Berlioz, ont orchestré leurs œuvres d’une manière jamais entendue auparavant, donnant une nouvelle importance aux instruments à vent. La taille de l’orchestre standard a augmenté et des instruments tels que le piccolo et le cor anglais ont été inclus, qui ont été utilisés très occasionnellement auparavant. Mahler a écrit sa huitième symphonie, connue sous le nom de « Symphonie des Mille » par la masse orchestrale et chorale qui est nécessaire pour l’interpréter.
En plus d’avoir besoin d’un plus grand orchestre, les œuvres du romantisme sont devenues plus longues. Une symphonie typique de Haydn ou Mozart, compositeurs de classicisme, peut durer environ vingt ou vingt-cinq minutes. Déjà la troisième symphonie de Beethoven, qui est habituellement considérée comme le romantisme initial, dure environ quarante-cinq minutes. Et cette tendance se développa notamment dans les symphonies d’Anton Bruckner et atteignit son maximum dans le cas de Mahler, avec des symphonies qui durent une heure (comme c’est le cas du premier et du quatrième) à des symphonies qui durent plus d’une heure et la moitié (comme le troisième ou le huitième).
D’un autre côté, dans le romantisme, l’importance de l’instrumentiste virtuose s’est accrue. Le violoniste Niccolò Paganini était l’une des stars musicales du début du XIXe siècle. Liszt, en plus d’être un compositeur remarquable, était aussi un virtuose du piano, très populaire. Pendant les représentations des virtuoses, ils se démarquaient plus que la musique qu’ils jouaient.
Ce sont quelques-uns des instruments qui apparaissent dans le romantisme:
Vent
Contrafagot: Espèces de basson de grandes dimensions, dont les sons sont produits à la tombe d’octave du basson ordinaire.
Saxophone: Instrument à vent composé d’un tube conique en métal courbé en forme de U, avec plusieurs clés et une buse en bois et canne. Il y a plusieurs tailles.
Cor anglais: instrument à vent, plus gros et plus grave que le hautbois.
Tuba: Instrument à vent de grandes proportions et sonorité volumineuse et sérieuse.
Clavier
Piano: Bien qu’il existe déjà dans le classicisme, le piano est le grand instrument du romantisme. Il permet la plus grande expressivité aux compositeurs, qui sont, à plusieurs reprises, des virtuoses de cet instrument.
Brève chronologie
Les racines classiques du romantisme (1780-1815)
Dans la littérature, on dit souvent que le romantisme a commencé dans les années 1770 ou 1780, avec le mouvement allemand Sturm und Drang. Il a été principalement influencé par Shakespeare, sagas folk, réel ou fictif, et par la poésie de Homer. Des écrivains comme Goethe ou Schiller ont radicalement changé leurs pratiques, tandis qu’en Écosse, Robert Burnstranscrit la poésie des chansons populaires. Ce mouvement littéraire se reflétait de diverses manières dans la musique de la période classique, y compris le travail de Mozart dans l’opéra allemand, le choix des chansons et des mélodies qui seraient utilisées dans les œuvres commerciales et dans l’augmentation progressive de la violence dans l’expression artistique. Cependant, la capacité ou l’intérêt de la plupart des compositeurs à adhérer au «romantisme et à la révolution» était limité par leur dépendance à l’égard des cours royales. Un exemple de ceci est l’histoire de la première de Le nozze di Figaro par Mozart, censuré pour être révolutionnaire.
Même en termes purement musicaux, le romantisme a pris sa substance fondamentale de la structure de la pratique classique. Dans cette période, les normes de composition et d’interprétation ont été augmentées et des formes standard et des ensembles de musiciens ont été créés. Sans perdre de vue la raison, ETA Hoffmann a appelé « trois compositeurs romantiques » à Haydn, Mozart et Beethoven. L’un des courants internes les plus importants du classicisme est le rôle du chromatisme et de l’ambiguïté harmonique. Tous les compositeurs classiques les plus importants utilisaient l’ambiguïté harmonique et la technique du déplacement rapide entre différentes tonalités sans établir de véritable tonalité. L’un des exemples les plus connus de ce chaos harmonique est au début de la création de Haydn. Cependant, dans toutes ces excursions, la tension était basée sur des sections articulées, un mouvement vers le dominant ou le relatif relatif et une transparence de la texture.
Au cours des années 1810, l’utilisation du chromatisme et de la tonalité mineure a été combinée, le désir de passer à plus de tonalités pour atteindre une plus large gamme de musique et le besoin d’une plus grande portée opératique. Alors que Beethoven a été plus tard considéré comme la figure centrale du mouvement, des compositeurs tels que Muzio Clementi ou Louis Spohrthey représentaient mieux le goût de l’époque pour incorporer plus de notes chromatiques dans leur matériau thématique. La tension entre le désir de plus de couleur et le désir classique de maintenir la structure, a conduit à une crise musicale. Une réponse a été de se diriger vers l’opéra, où le texte pouvait accorder une structure même s’il n’y avait pas de modèles formels. ETA Hoffman, maintenant plus connu pour sa critique musicale, a présenté avec son opéra Undinae (1814) une innovation musicale radicale. (Ne pas confondre avec 1869 de Tchaïkovski). Une autre réponse à cette crise a été obtenue en utilisant des formes plus courtes, y compris des formes nouvelles telles que le nocturne, où l’intensité harmonique en elle-même était suffisante pour faire avancer la musique.
Premiers compositeurs romantiques de Joseph Villegas (1815-1850)
Dans la deuxième décennie du dix-neuvième siècle, l’évolution vers de nouvelles sources de musique, ainsi que l’utilisation plus prononcée du chromatisme dans les mélodies et le besoin d’une expression plus harmonique, ont produit un changement stylistique palpable. Les raisons qui ont motivé ce changement n’étaient pas seulement musicales mais aussi économiques, politiques et sociales. La scène était prête pour une nouvelle génération de compositeurs qui pourraient parler du nouvel environnement européen post-napoléonien.
Dans le premier groupe de compositeurs est généralement regroupé Beethoven, Louis Spohr, ETA Hoffmann, Carl Maria von Weber et Franz Schubert. Ces compositeurs ont grandi au milieu de l’expansion dramatique de la vie de concert de la fin du dix-huitième et du début du dix-neuvième siècles, et cela a façonné leurs styles et leurs attentes. Beaucoup ont salué Beethoven comme le modèle à suivre ou, au moins, à aspirer. Les mélodies chromatiques de Muzio Clementi et les opéras de Rossini, Cherubini, Spontini et Mehul ont également exercé une certaine influence. En même temps, la composition de chansons pour voix et piano sur des poèmes populaires, pour satisfaire la demande d’un marché croissant de maisons de classe moyenne, était une source nouvelle et importante d’intrants économiques pour les compositeurs.
Les œuvres les plus importantes de cette vague de compositeurs romantiques furent peut-être les cycles de chansons et les symphonies de Schubert, les opéras de Weber, notamment Oberon, Der Freischütz et Euryanthe. Pour le moment, les œuvres de Schubert n’ont été interprétées que devant un public limité et n’ont pu exercer qu’un impact notable au fur et à mesure. Au contraire, les œuvres de John Field se sont rapidement rencontrées, en partie parce qu’il était capable de composer de petites œuvres «caractéristiques» pour piano et danses.
La prochaine cohorte de compositeurs romantiques comprend Franz Liszt, Felix Mendelssohn, Frédéric Chopin et Hector Berlioz. Ils sont nés au XIXe siècle et ont bientôt commencé la production de compositions de grande valeur. Mendelssohn était particulièrement précoce, écrivant ses premiers quatuors, un octet pour les cordes et la musique orchestrale avant d’avoir vingt ans. Chopin se consacre à la musique pour piano, y compris les études (études) et deux concertos pour piano. Berlioz composera la première symphonie notable après la mort de Beethoven, la symphonie fantastique précitée. Liszt compose de la musique orchestrale, mais est connu pour innover dans la technique du piano, ses études transcendantales sont parmi les œuvres qui nécessitent plus de virtuosité.
En même temps, ce qui est maintenant connu comme « opéra romantique » a été établi, avec une forte connexion entre Paris et le nord de l’Italie. La combinaison de la virtuosité orchestrale française, des lignes vocales italiennes et du pouvoir dramatique, ainsi que des livrets basés sur la littérature populaire, ont établi les normes qui continuent de dominer la scène lyrique. Les travaux de Vincenzo Bellini et Gaetano Donizetti étaient immensément populaires en ce moment.
Un aspect important de cette partie du romantisme était la popularité répandue des concertos pour piano (ou «récitals», comme les appelait Franz Liszt), qui comprenait des improvisations de thèmes populaires, courts et plus longs, tels que les sonates de Beethoven ou de Mozart. L’un des représentants les plus remarquables de l’œuvre de Beethoven fut Clara Wieck, qui allait plus tard épouser Robert Schumann. Les nouvelles facilités de voyage qui étaient offertes à l’époque, grâce au train puis à la vapeur, ont permis à des groupes internationaux de fans de pianistes vertueux, tels que Liszt, Chopin et Thalberg, d’émerger. Ces concerts ont été transformés en événements par eux-mêmes. Niccolò Paganini, célèbre violoniste virtuose, a été un pionnier de ce phénomène.
Entre la fin des années 1830 et les années 1840, les fruits de cette génération ont été présentés au public, tels que les œuvres de Robert Schumann, Giacomo Meyerbeer et le jeune Giuseppe Verdi. Il est important de noter que le romantisme n’était pas le seul, et même le plus important, genre musical de l’époque, puisque les programmes de concerts étaient largement dominés par un genre post-classique, illustré par le Conservatoire de Paris, ainsi que la musique de cour. Cela a commencé à changer avec la montée de certaines institutions, telles que les orchestres symphoniques avec des saisons régulières, une mode promue par Felix Mendelssohn lui-même.
C’est à cette époque que Richard Wagner produisit son premier opéra à succès et commença à chercher de nouvelles façons d’élargir le concept de «drame musical». Wagner aimait s’appeler un révolutionnaire et avait des problèmes constants avec ses prêteurs d’argent et les autorités; En même temps, il s’entoure d’un cercle de musiciens aux idées similaires, comme Franz Liszt, avec qui il se consacre à la création de la «musique du futur».
Il est généralement indiqué que le romantisme littéraire a pris fin en 1848, avec les révolutions qui ont eu lieu cette année-là et qui ont marqué une étape importante dans l’histoire de l’Europe, ou du moins dans la perception des frontières de l’art et de la musique. Avec l’avènement de l’idéologie «réaliste», et la mort de personnages tels que Paganini, Mendelssohn et Schumann, et la retraite de Liszt de la scène, une nouvelle génération de musiciens est apparue. Certains affirment que cette génération devrait être appelée victorienne plutôt que romantique. En fait, les dernières années du XIXe siècle sont souvent décrites comme du romantisme tardif.
Romantisme tardif (1850-1870)
Arrivés dans la seconde moitié du 19ème siècle, de nombreux changements sociaux, politiques et économiques qui ont commencé dans l’ère post-napoléonienne ont été affirmés. Le télégraphe et les chemins de fer ont uni l’Europe beaucoup plus. Le nationalisme, qui était l’une des sources les plus importantes du début du siècle, a été formalisé en éléments politiques et linguistiques. La littérature qui avait pour public la classe moyenne, devint l’objectif principal de la publication de livres, y compris la montée du roman comme forme littéraire principale.
Beaucoup de figures de la première moitié du dix-neuvième siècle s’étaient retirées ou étaient mortes. Beaucoup d’autres ont suivi d’autres voies, profitant d’une plus grande régularité dans la vie de concert, et des ressources financières et techniques disponibles. Au cours des cinquante dernières années, de nombreuses innovations dans l’instrumentation, y compris l’échappement double effet piano (double escarpement), instruments à vent avec valves et curb (mentonnière) des violons et altos, est passé de quelque chose de nouveau à la norme. L’augmentation de l’éducation musicale a permis de créer un public plus large pour la musique de piano et des concerts de musique plus sophistiqués. Avec la fondation des conservatoires et des universités, la possibilité a été offerte aux musiciens de faire des carrières stables en tant que professeurs, au lieu d’être des entrepreneurs qui dépendaient de leurs propres ressources. La somme de ces changements peut être vue dans la vague titanesque des symphonies, des concerts et des poèmes symphoniques qui ont été créés, et l’expansion des saisons d’opéra dans beaucoup de villes et de pays, tels que Paris, Londres ou l’Italie.
La période romantique tardive voit aussi l’essor des genres dits «nationalistes» associés à la musique populaire (folklorique) et à la poésie de certains pays. La notion de musique allemande ou italienne était déjà largement établie dans l’histoire de la musique, mais à partir de la fin du XIXe siècle, les sous-genres russes furent créés (Mikhail Glinka, Musorgski, Rimski-Korsakov, Tchaïkovski et Borodine); Tchèque, finnois et français. Beaucoup de compositeurs étaient explicitement nationalistes dans leurs objectifs, cherchant à composer de l’opéra ou de la musique associée à la langue et à la culture de leur pays d’origine.
Post-romantisme (1870-1949)
Il peut être considéré comme un mouvement de la fin du XIXe et du début du XXe siècle qui diffère du romantisme par l’exubérance orchestrale et la disproportion des développements symphoniques, il se caractérise également par un chromatisme intense qui dépasse Richard Wagner. Dans les compositeurs post-romantiques, on observe la mélancolie qui produit la perte de la culture romantique.
Les compositeurs les plus représentatifs de ce style étaient Anton Bruckner, Erik Satie, Gustav Mahler et Richard Strauss.
Le musicien romantique
Par l’attitude envers la société et le monde, Beethoven est devenu le modèle du mouvement romantique, qui était en même temps un modèle dangereux. C’était, certainement, la figure de celui-ci qui a fourni à l’ère romantique le paradigme de son concept d ‘«artiste». Cela n’a pas fait disparaître l’idée qu’avait de « musicien » que prêtait à la société un service direct, c’est-à-dire, la chanson, organiste d’église, chanteur de choeur, directeur d’orchestre de théâtre et un long etc.
Ce qui est clair, c’est que la scène romantique a donné lieu à la confrontation entre «l’artiste» et le «philistin», comme Robert Schumann l’a dit musicalement dans son œuvre Carnaval. Avec Beethoven commence une période où les symphonies, les oratorios, la musique de chambre, la chorale et les paroles, et même les opéras, sont composés sans que personne ne les commande, pour un public imaginaire, pour le futur et pour l’éternité.
L’isolement du musicien romantique ne s’est pas produit sans un effet rétroactif sur sa personnalité et sur le caractère de son travail. Avant 1800, toutes les compositions devaient être susceptibles d’une évaluation immédiate; si la déviation des vieilles coutumes, de la tradition, était excessive, elle n’était pas exempte de dangers, car plus d’un compositeur avait l’occasion d’apprendre de sa propre expérience. Ce fut le cas de Monteverdi, Gluck ou Haydn entre autres.
D’un autre côté, rivaliser d’originalité était plus l’exception que la règle. Ainsi, les générations se sont succédé. Les musiciens romantiques résistaient à la tradition, et non seulement ils cessaient d’éviter l’originalité, mais ils la persécutaient et plus l’idée préconçue était libre, plus l’estimation qu’elle suscitait était grande.
La musique romantique, la musique du dix-neuvième siècle, apparaît pleine d’une succession de personnalités des plus variées, avec une série de profils beaucoup plus marqués et différenciés que dans les siècles précédents et c’est une tâche très difficile de tracer clairement la trajectoire de leur évolution.
Le romantisme au XXe siècle (1901, au-delà)
Beaucoup de compositeurs nés au dix-neuvième siècle et continuant à composer jusqu’au vingtième siècle ont utilisé des formes qui étaient en rapport avec l’ère musicale précédente, y compris Sergei Rachmaninov, Giacomo Puccini, Richard Strauss et Kurt Atterberg. D’autre part, de nombreux compositeurs, plus tard identifiés comme modernistes, ont écrit dans leurs premières œuvres avec un style romantique marqué, comme Igor Stravinsky (son ballet The Firebird est notable), Arnold Schoenberg (Gurrelieder) et Béla Bartók ( Le château de la barbe bleue). Mais le vocabulaire et la structure musicale de la fin du XIXe siècle ne s’arrêtent pas là; Ralph Vaughan Williams, Erich Korngold, Berthold Goldschmidt et Sergéi Prokófiev ont continué ce genre de composition au-delà de 1950.
Si certaines tendances nouvelles, comme le néoclassicisme ou la musique atonale, remettent en question la prééminence du genre romantique, l’intérêt d’utiliser un vocabulaire chromatique centré sur la tonalité reste présent dans les œuvres les plus importantes. Samuel Barber, Benjamin Britten, Gustav Holst, Dmitri Chostakovitch, Malcolm Arnold et Arnold Bax, bien qu’ils se considéraient comme des compositeurs modernes et contemporains, ont souvent montré des tendances romantiques dans leurs œuvres.
Le romantisme atteint un nadir rhétorique et artistique vers 1960: tout indique que l’avenir sera formé par des genres de composition d’avant-garde ou par des éléments néo-classiques. Alors que Hindemith est revenu à des styles plus reconnaissables dans leurs racines romantiques, de nombreux compositeurs se sont déplacés dans d’autres directions. Il semble que ce n’est qu’en URSS ou en Chine, où règne une hiérarchie académique conservatrice, que le romantisme a sa place. Cependant, à la fin des années 1960, un renouveau de la musique qui a eu une surface romantique a commencé. Des compositeurs comme George Rochberg sont passés de modèles musicaux en série basés sur Gustav Mahler, un projet dans lequel il était accompagné d’autres tels que Nicholas Maw et David Del Tredici. Ce mouvement est souvent appelé néo-romantisme et comprend des œuvres telles que la Première Symphonie de John Corigliano.
Un autre domaine où le genre romantique a survécu, et a même prospéré, est dans les bandes sonores. Beaucoup des premiers émigrés qui ont échappé à l’Allemagne nazie étaient des compositeurs juifs qui avaient étudié avec Mahler ou ses disciples à Vienne. La partition du film Gone With the Wind du compositeur Max Steiner est un exemple de l’utilisation du leitmotiv wagnérien et de l’orchestration mahlérienne. La musique des films de l’âge d’or d’Hollywood a été composée en grande partie par Korngold et Steiner, aussi bien que Franz Waxman et Alfred Newman. La prochaine génération de compositeurs pour le cinéma, composée par Alexander North, John Williams et Elmer Bernstein, s’est inspirée de cette tradition dans la composition de la musique orchestrale pour un cinéma plus familier à la fin du 20ème siècle.
Formes musicales du romantisme
La période musicale romantique a duré de 1770 à 1910, de sorte que l’instrument le plus utilisé était le piano. Dans le domaine de la musique instrumentale, son héritage principal était la sonate, qui avait atteint son expression la plus forte et sa signification universelle dans les symphonies de Beethoven.
Le chemin dans la symphonie romantique
Dès le début, les romantiques ont adopté une attitude détendue concernant la forme symphonique.
A cette époque, il avait déjà été publié et édité l’Eroica, ce modèle de gravité suprême qui sonne comme un hymne de la structure la plus pure. Cette composition où aucun instrument ne s’impose au sein du groupe et où chacun contribue à l’objectif symphonique global.