Renaissance et Réforme. L’art allemand à l’ère de Dürer et de Cranach. À l’occasion du cinq centième anniversaire de la publication des thèses de Luther, le Staatliche Museen zu Berlin, le Staatliche Kunstsammlungen Dresden et le Bayerische Staatsgemäldesammlungen München présentent des œuvres clés de l’art allemand datant de 1500 environ au Los Angeles County Museum of Art (LACMA). . L’exposition a été rendue possible grâce au soutien du ministère fédéral des Affaires étrangères de la République fédérale d’Allemagne.

Renaissance et Réforme
Le 31 octobre 1517, Martin Luther a publié ses quatre-vingt-quinze thèses sur la porte de la Schlosskirche (église du château) à Wittenberg. Cet acte «hérétique» est devenu le déclencheur de la Réforme et d’un schisme de l’église et a entraîné de profonds bouleversements sociaux. Les critiques de Luther visaient le luxe et les abus de l’Église catholique et en particulier la vente d’indulgences par lesquelles les fidèles pouvaient payer pour se libérer de leurs péchés. La remise en question de la puissante institution de l’Église catholique a également ouvert de nouvelles perspectives sur le monde dans d’autres domaines. Les idées de l’humanisme et de la Renaissance ont influencé la pensée humaine. Vers l’horizon 1500, l’horizon s’est élargi: non seulement en termes de connaissances, mais aussi de géographie avec la découverte et la conquête de nouveaux continents et cultures.

À l’occasion du cinq centième anniversaire de la publication des thèses de Luther, le Staatliche Museen zu Berlin, le Staatliche Kunstsammlungen Dresden et le Bayerische Staatsgemäldesammlungen München présentent des œuvres phares de l’art allemand aux environs de 1500 au Los Angeles County Museum of Art (LACMA). Les chefs-d’œuvre d’Albrecht Dürer, Lucas Cranach l’Ancien et Lucas Cranach le Jeune, Hans Holbein l’Ancien et Hans Holbein le Jeune, Tilman Riemenschneider, ainsi que d’autres contemporains reflètent les tensions sociales de cette époque, l’un des chapitres les plus importants de la histoire de l’art et de la culture allemands et européens.

L’exposition a été rendue possible grâce au soutien du ministère fédéral des Affaires étrangères de la République fédérale d’Allemagne.

Tradition et religion
Des images de dévotion avec des motifs de la Bible caractérisaient l’art occidental avant 1500?. Pendant des siècles, l’Église catholique a développé des traditions pour illustrer la liturgie et les rituels. Au centre se trouve l’histoire du salut par le Christ et les représentations de la Vierge et des saints comme médiateurs entre les fidèles et Dieu. Vers 1500, une transformation du langage visuel devient évidente: les figures apparaissent plus humaines, leur physionomie et leur individualité sont soulignées, elles semblent provenir de ce monde.

Non seulement lors des offices religieux, mais aussi dans la vie quotidienne, les fidèles entretenaient des liens étroits avec les figures bibliques et les légendes des saints. Dans la dévotion privée en particulier, des sculptures en bois de petit format représentant le Christ, la Vierge, ainsi que des saints ont été priés et suppliés pour leur soutien direct dans des situations difficiles. Il est fréquent que les personnages soient traités comme si les personnes représentées étaient réellement présentes. Ils ont été touchés, embrassés, dans de nombreux endroits, même habillés pour des festivals et présentés avec des cadeaux. Les iconoclastes ont ensuite visé cette coutume. Ils la considéraient comme un culte des idoles, ce qui était interdit dans la Bible, et détruisait ainsi de nombreuses œuvres d’art chrétiennes et des objets de dévotion.

Humanisme et réalité
Avec la propagation des idées humanistes en provenance d’Italie, de nouveaux motifs picturaux ont atteint les terres au nord des Alpes. Les paysages, les scènes historiques et les personnages de la mythologie ancienne témoignaient d’une nouvelle perception du monde, altérée, entre désir d’antiquité et observation intense de la nature et de la forme humaine. Dans les dessins en filigrane, nous trouvons les styles individuels et originaux d’artistes tels que Albrecht Dürer et Erhard et Albrecht Altdorfer. De plus en plus, les motifs sont représentés pour eux-mêmes. Les dessins sont donc aussi l’expression d’un art de la Renaissance européenne dans lequel les artistes agissent en tant qu’individus et où leurs œuvres d’art deviennent de plus en plus autonomes.

Les anciens dieux et héros tels que Cupidon, Saturne, Vénus et Hercule ont été redécouverts et sont devenus des motifs picturaux populaires à la suite de l’enthousiasme de la Renaissance pour l’Antiquité. Leurs aventures entre ce monde et l’au-delà tournent autour de thèmes universels tels que l’amour, la mort, l’honneur et la trahison. Mais aussi des “superstitions” du peuple, telles que la croyance répandue dans les sorcières, se retrouvent dans les peintures de la période d’environ 1500. Bien que les humanistes se soient moqués de cela comme “illusion,” le sujet offrait un matériel fascinant aux artistes et à certains (imbéciles) licence pour des scènes et des compositions inhabituelles.

Portrait et statut
À la Renaissance et à la Réforme, les portraits ont joué un rôle central dans la mesure où ils capturaient des personnalités importantes dans une société en pleine croissance et de plus en plus complexe. Les bourgeois, les marchands et les érudits ont vu leur image reflétée dans le nouveau style détaillé de la peinture à l’huile. À une époque où les peintures étaient chères et élaborées, peindre sa ressemblance signifiait privilège et prestige. Des portraits célèbres tels que celui du marchand Jakob Muffel d’Albrecht Dürer ou le double portrait de Thomas Godsalve et de son fils de Hans Holbein le Jeune illustrent la pertinence historique et artistique de ce portrait vers 1500.

Le développement du portrait européen est également tangible dans les dessins les plus répandus. De plus en plus, cette forme d’art a été façonnée par l’idée humaniste de l’être humain en tant qu’individu. Les représentations d’amis, de connaissances et de membres de la famille fournissent des indices sur les environs immédiats de l’artiste, mais même les rendus réalistes de personnes inconnues soulignent le don du portraitiste pour une observation attentive.

Cour et culture
La dimension politique de l’humanisme se révèle dans le pouvoir croissant des principautés qui propageaient et protégeaient les nouvelles idées de l’époque. La culture de la cour acquit une signification culturelle exceptionnelle et les objets des collections d’art des princes électoraux témoignent de l’art raffiné des artisans: boîtes à bijoux et gobelets mais aussi armes et armures donnent une impression de la vie à une cour princière. L’art de la cour de Dresde, qui jouissait d’un grand respect et d’une grande influence au niveau impérial, était un exemple de la principauté protestante qui ambitionnait de faire valoir son statut.

Sous une splendide armure, les princes se présentaient en fonction de leur rang en tant que représentants et défenseurs de leur foi chrétienne. Les scènes religieuses et les motifs de la Bible étaient astucieusement représentés sur une armure de fer.

Les objets des matériaux les plus précieux, tels que l’or et l’argent, sont ornés de décorations figuratives. Ils célèbrent des vertus telles que le courage, la justice et la foi chrétienne.

Conflits et polémiques
La Réforme ne s’est pas limitée au tribunal mais a touché toutes les sphères de la société. Le conflit entre l’Église catholique et les réformés s’est déroulé dans tout le pays et même au-delà de ses frontières. Dans des journaux et des images moqueuses, le pape et le monastère corrompu ont été sévèrement dénoncés. La partie catholique a répondu par des accusations et des insultes de Luther et de ses partisans.

Les idées des réformistes ont été diffusées à l’aide de supports visuels modernes tels que les grands formats, les gravures sur bois et l’impression de livres. De nombreux imprimeurs et artisans et artistes qualifiés dans les villes de l’empire ont permis de souligner et de polariser le conflit avec une propagande visuelle délibérément employée. Cela a permis d’atteindre même les illettrés et de les recruter visuellement pour les objectifs des réformateurs et des protestants.

Musée d’art du comté de Los Angeles
Le musée d’art du comté de Los Angeles (LACMA) est le plus grand musée d’art de l’ouest des États-Unis. Musée de renommée internationale et partie essentielle du sud de la Californie, le LACMA partage ses vastes collections par le biais d’expositions, de programmes publics et d’installations de recherche qui attirent plus d’un million de visiteurs chaque année. Les collections de LACMA englobent le monde géographique et pratiquement toute l’histoire de l’art. Parmi les points forts du musée, on trouve ses collections d’art asiatique, hébergées en partie dans le pavillon d’art japonais conçu par Bruce Goff; L’art latino-américain, allant des chefs-d’œuvre précolombiens aux œuvres d’artistes contemporains et majeurs tels que Diego Rivera, Frida Kahlo et Jose Clemente Orozco; et l’art islamique, dont le LACMA abrite l’une des collections les plus importantes au monde.

LACMA situé sur la côte du Pacifique, avec une collection de près de 140 000 objets qui illuminent 6 000 ans d’expression artistique à travers le monde. Engagé à présenter une multitude d’histoires de l’art, LACMA expose et interprète des œuvres d’art sous des points de vue nouveaux et inattendus, qui s’inspirent du riche patrimoine culturel de la région et de la diversité de sa population. L’esprit d’expérimentation de LACMA se reflète dans son travail avec des artistes, des technologues et des leaders d’opinion, ainsi que dans ses partenariats régionaux, nationaux et mondiaux visant à partager des collections et des programmes, à créer des initiatives novatrices et à attirer de nouveaux publics.