El Pabellón de Rusia en la 56 Bienal de Venecia presentará The Green Pavilion de Irina Nakhova. Desde mediados de la década de 1970, Nakhova (n. 1955) ha hecho una contribución significativa al desarrollo del conceptualismo de Moscú, infundiendo su modelo logocéntrico con intensidad visual y una ventaja crítica. A principios de la década de 1980, utilizando una de las habitaciones de su apartamento en Moscú, Nakhova se embarcó en una serie de entornos titulados «Habitaciones». Junto con la curadora del Pabellón Ruso, Margarita Tupitsyn, una experta de renombre internacional en la vanguardia rusa y el arte contemporáneo, Nakhova se ha dado cuenta de una serie de ambiciosos entornos que revisan los paradigmas de la vanguardia rusa, además de explorar y redefinir Los conceptos de Nakhova de las relaciones espaciales y la interacción del espectador.

El pabellón ruso está pintado de verde, un color elegido deliberadamente para evocar la apariencia original del edificio, diseñado por Aleksei Shchusev en 1914. Con el pabellón, Shchusev creó un edificio especialmente adecuado para acomodar y mejorar diversas prácticas artísticas. El proyecto de Nakhova fusiona deliberadamente la funcionalidad de la estructura de Shchusev con su propio uso de las últimas tecnologías.

Según Tupitsyn, el Pabellón Verde también debe verse como un diálogo con el Pabellón Rojo de Kabakov, ejecutado para la 45a Bienal de Venecia de 1993. Con El Pabellón Rojo, Kabakov demostró la importancia del discurso del color para los artistas modernistas y posmodernos rusos. , que cambió el enfoque del color de uno de formalismo a «socio-formalismo». Kabakov erigió el Pabellón Rojo en los terrenos del edificio, dejando el pabellón vacío, una potente metáfora que encarnaba el estatus no institucional de los artistas de vanguardia y su no participación en la industria de la cultura soviética. Mientras que el Pabellón Rojo de Kabakov marcó el final de la fase hermética de la vanguardia de Moscú, el Pabellón Verde de Nakhova reanuda el debate sobre la salida de estos artistas de los contextos locales a favor de una mayor importancia global en la era post-soviética.

Dentro del Pabellón Verde, Nakhova subraya aún más los mecanismos significativos del color al pintar cada habitación con un tono diferente. La división de Shchusev del Pabellón de Rusia en cinco espacios discretos llevó a Nakhova a volver a visitar su serie Rooms de la década de 1980, donde el espectador participó activamente en un experimento artístico. En la primera sala del piso principal del pabellón, Nakhova se proyecta sobre la imagen futurista de un piloto en forma de cabeza. La impenetrabilidad de la cabeza de gran tamaño (lograda mediante un casco, máscara y gafas), combinada con la proposición de que el espectador busca controlar sus percepciones, revela la dualidad de la posición del artista en la sociedad. Por un lado, es autoritario, mientras que por el otro es demasiado dependiente del mundo externo del que pretende escapar y al mismo tiempo desea controlar.

En la segunda sala de la instalación, Nakhova aborda la Plaza Negra de Kazimir Malevich, el lienzo más enigmático de la historia del modernismo, una obra totalmente dependiente de la imaginación del espectador, ya que no proporciona referentes formales ni iconográficos. Dependiendo de la posición de uno en la instalación de Nakhova, el cuadrado parece opaco, creando el efecto de un eclipse solar, o transparente, como si estuviera unido al cosmos, observable a través del tragaluz de arriba.

En el tercer espacio, los regalos pictóricos de Nakhova se expanden más allá de los límites del marco, llenando todo el espacio con una composición abstracta ejecutada en dos de los colores más significativos en la historia del arte ruso: el rojo revolucionario y el verde perestroika. Las características de estas dos épocas de la historia de Rusia se comunican así exclusivamente a través del uso del color y la forma, recordando al espectador las aspiraciones sociales del arte abstracto.

Para la planta baja del pabellón, Nakhova creó una instalación de video que consiste en las redes de recreaciones digitales de módulos arquitectónicos extraídos de los monumentos icónicos de Shchusev, como el Mausoleo de Lenin; Estos módulos están llenos de fotografías de archivo privadas y públicas. Nakhova desestabiliza esta arquitectura factográfica mediante la inserción de imágenes de abyección, como gusanos, y mediante una confluencia de elementos que juntos alegorizan la vulnerabilidad e inestabilidad de las afirmaciones históricas.

Biografía
Irina Isayevna Nakhova (en ruso: Ирина Исаевна Нахова; nacido en 1955 en Moscú) es una artista rusa. Su padre, Isai Nakhov, es filólogo. A los 14 años, su madre la llevó al taller de Victor Pivovarov. Pivovarov jugó un papel importante en su vida y luego se convirtió en su mentor. En 2015, Nakhova se convirtió en la primera artista femenina en representar a Rusia en su pabellón en la Bienal de Venecia. Está representada por la Galería Nailya Alexander en la ciudad de Nueva York. Nakhova actualmente vive y trabaja en Moscú y Nueva Jersey. Ella trabaja con diferentes medios como bellas artes, fotografía, sonidos, sensores y materiales inflables. Es Laureada del Premio Kandinsky 2013.

Nakhova se graduó del Departamento de Diseño Gráfico del Instituto Poligráfico de Moscú en 1978. Fue miembro de la Unión de Artistas de la URSS de 1986 a 1989 y, junto con sus amigos y colegas Ilya Kabakov, George Kisevalter, Vladimir Sorokin, Dmitrii Prigov, y Andrei Monastyrsky, es considerado uno de los miembros fundadores del conceptualismo de Moscú. Nakhova recibió el reconocimiento internacional como joven artista de Rooms (1983–1987), la primera «instalación total» en el arte ruso, ubicada en el departamento de Moscú donde todavía vive hoy.

En 1988, Nakhova fue uno de los artistas más jóvenes incluidos en la primera subasta de Sotheby’s en Moscú. La subasta «innovadora», titulada «Vanguardia y arte soviético», obtuvo más de $ 3,000,000 USD y marcó un importante paso adelante en la apertura del arte ruso a los mercados de Europa occidental y América. El trabajo de Nakhova llamó la atención de la galerista estadounidense Phyllis Kind, quien le dio al artista tres exposiciones individuales en Nueva York a principios de la década de 1990, las primeras exposiciones de Nakhova en los Estados Unidos.

De 1994 a 1997 fue profesora en una universidad de Detroit en los Estados Unidos. En 2011, Nakhova fue presentada como invitada especial de la Cuarta Bienal de Arte Contemporáneo de Moscú en el Museo de Arte Moderno de Moscú. Como parte de una retrospectiva a gran escala del trabajo de Nakhova, su instalación seminal, la habitación número 2 (1983-1987) fue el resultado de su frustración por el opresivo régimen soviético, ubicado en su departamento de Moscú, donde vive hoy.

En 2013, Nakhova recibió el Premio Kandinsky en la categoría de Proyecto del Año, uno de los más altos honores en el arte contemporáneo ruso, por su trabajo Sin título. Nakhova describió Sin título como «mi cálculo de la historia tal como se comprende a través de la historia de mi familia: mi abuela, mi abuelo ejecutado, mi madre, mi padre y mi yo pasado. Este es mi intento de comprender el inexplicable estado de cosas que ha reinado en mi país durante el siglo pasado, y entender a través de imágenes privadas cómo millones de personas fueron borradas de la historia y felizmente olvidadas; cómo las personas han sido cegadas y sus almas destruidas para que puedan vivir sin memoria e historia «.

Colecciones
El trabajo de Nakhova se encuentra en colecciones públicas y privadas en Francia, Alemania, Gran Bretaña, Italia, España, Suecia, Suiza y Estados Unidos. En Rusia, su trabajo se puede encontrar en el Museo de Arte Moderno de Moscú, el Centro Nacional de Artes Contemporáneas y la Galería Estatal Tretyakov, Moscú.

El trabajo de Nakhova es parte de la Colección de arte no conformista soviético Norton y Nancy Dodge, una de las mayores colecciones de arte de la era soviética fuera de Rusia, acumulada por el economista estadounidense Norton Dodge desde fines de la década de 1950 hasta el advenimiento de la Perestroika en la década de 1980. Dodge pasó de contrabando casi 10.000 obras de arte de la URSS a los Estados Unidos durante el apogeo de la Guerra Fría, a menudo con un gran riesgo personal, una historia detallada en detalle en El rescate de arte ruso (1994) de John McPhee. La colección fue donada a la Universidad de Rutgers a mediados de la década de 1990, donde se exhibe permanentemente en el Museo de Arte Jane Voorhees Zimmerli de la Universidad.

La exposición
En 2015, Nakhova fue elegida para representar a Rusia en su pabellón en la Bienal de Venecia. Fue la primera artista femenina en representar a Rusia en un pabellón en solitario. «Basado en un diálogo con la estructura del pabellón, diseñado por Aleksei Shchusev en 1914, The Green Pavilion se relaciona tanto con el arte de la instalación como con la arquitectura», escribe Stella Kesaeva, Presidenta de la Fundación Stella Art, en el catálogo de la instalación. . «Al igual que con el proyecto de [Vadim] Zakharov, las características arquitectónicas del pabellón comprenden un componente importante de la instalación de Nakhova. Esta vez, una vez más se ha creado una abertura entre el primer y segundo piso del edificio de Schusev, además el exterior está pintado de verde. resultado: el Pabellón ruso adquiere la apariencia de una glorieta romántica, mientras oculta dentro de sí la metáfora espacial de la Plaza Negra de Kazimir Malevich (1915). Otra instalación presentada en este pabellón fue su proyecto «habitaciones», que eran un complejo de cinco espacios diferentes entre arte, arquitectura y el punto de vista del espectador «.

La instalación de tres partes de Irina Nakhova, The Green Pavilion, que representó a Rusia en la Bienal de Venecia (2015), es una mirada estimulante pero inconexa a nuestra relación con la historia y el futuro.

Nakhova, artista de instalaciones y pintor con formación académica, combina pintura, escultura y nuevos medios en instalaciones y entornos interactivos que atraen a los espectadores como cocreadores de paisajes mentales conceptuales. El arte es poderoso y revelador, experiencias diferenciales, físicas e intelectuales, que de otro modo no existen como espacios.

Existimos como parte de la historia. Podemos ser golpeados por fuerzas más allá de nuestro control y nuestras contribuciones observables pueden desvanecerse. La historia es lo que es y el futuro es incierto y premonitorio, pero fuimos y somos parte de toda la historia.

Como la habitación verde-roja de Nakhova, “La composición abstracta proviene del lienzo anterior de Nakhova, Primary Colors 2 (2003), imbuido de las teorías de color reductoras de la vanguardia rusa … y abrazo de lo que Malevich llamó ‘un nuevo realismo de color’. Aplicado mecánicamente. , este último transgrede los límites del lienzo para operar en el espacio literal. En este sentido, la sala verde-roja de Nakhova es un híbrido posmoderno (jamesoniano) de forma y texto en color en el que uno puede localizar las huellas y distorsiones de la sociedad en su conjunto.

Destacar

La primera parte de la instalación, una cabeza gigante de un hombre con casco cuyas características cambian sutilmente, es visualmente impresionante, pero no está claro de inmediato cómo se relaciona con la instalación en su conjunto.

Cuando entras en la primera habitación, todos los tamaños son diferentes, y quien te saluda es el piloto. El piloto es tu navegador a través del tiempo. Entonces, cuando estás aquí, hay oscuridad. Los cielos están cerrados, pero estás en la cabina del vuelo. Cuando te acercas al piloto, sus ojos se abren, él te mira y también mira al cielo, y puedes ver que el cielo se está abriendo [a través de una claraboya]. Entonces realmente ves lo que está sucediendo, pero también es como en un sueño porque no hay comunicación verbal.

La segunda parte de la instalación ocupa dos habitaciones. En la sala inferior, las imágenes y videos de la antigua URSS se proyectan en las paredes. Las «X» azules y los círculos rojos comienzan a aparecer en algunas de las personas que se muestran en las fotografías; entonces las fotos y videos se desvanecen y son reemplazados por nuevas imágenes. A medida que las personas en la foto son tachadas y sus imágenes se desvanecen, parece que están siendo «desaparecidas» de la historia, un destino sufrido por muchas víctimas de regímenes totalitarios a lo largo de los años.

Esta representación visual de la práctica de «desaparecer» es un poco obvia, pero lo que hace que la instalación funcione es la forma en que los espectadores se vuelven parte del trabajo. Sobre la sala de fotos desaparecidas hay una sala gris vacía. En esta sala de observación, los visitantes pueden mirar hacia abajo a través de una ventana de plástico transparente en el piso y ver a las personas observando las fotografías y videos que se desvanecen.

La luz se vierte a través de una claraboya en el techo, a través del panel de plástico en el piso y hacia la habitación de abajo. Si las personas en esa habitación miran hacia arriba, verán que están siendo observadas por las personas en la habitación de arriba.

De vez en cuando, la claraboya se cierra y la sala de imágenes se oscurece. Cuando se abre la claraboya y vuelve la luz, algunas de las personas de abajo se habrán movido, habrán desaparecido. Del mismo modo, a veces la sala de observación se oscurece y cuando vuelve la luz, algunos de los observadores también habrán desaparecido.

Viviendo bajo un régimen autoritario opresivo, los espectadores inocentes pueden terminar como observadores, testigos silenciosos de la agitación que los rodea. Esto crea un horrible dilema. Al permanecer en silencio y no hacer nada, ¿son estos testigos silenciosos cómplices de los horrores perpetrados? Sin embargo, si los testigos silenciosos hablan o toman medidas, ¿no se convertirán en las próximas víctimas? En un ambiente tan cruel, cualquiera puede ser «tachado» y hecho desaparecer.

En el video anterior, cuando Irina Nakhova describe esta segunda zona en el Pabellón Verde, el artista no menciona a las personas que se tachan de las fotos, sino que se centra en el efecto cuando la habitación se oscurece:

Es el lugar donde realmente puedes volver a ti mismo y ver lo que sucede a tu alrededor con una aguda conciencia. Cuando todo está oscuro, solo tienes el cielo y el pasado. Para mí es relajante porque estaba antes que nosotros, será después de nosotros y somos parte de la historia, por lo que no hay miedo, no hay alegría, pero es la naturaleza que se apodera de nosotros y nos atraviesa.

La tercera parte de la instalación es una habitación vacía pintada con un patrón abstracto verde y rojo. Al describir esto, el artista afirma:

Pabellón ruso
El pabellón ruso alberga la representación nacional de Rusia durante los festivales de arte de la Bienal de Venecia. El pabellón ruso fue diseñado y construido entre 1913 y 1914. Su arquitecto, Alexey Shchusev, utilizó motivos de la arquitectura rusa de los siglos XVII y XVIII.

La Stella Art Foundation es una organización sin fines de lucro establecida en Moscú en noviembre de 2003 por iniciativa de Stella Kesaeva. La fundación se dedica a apoyar el arte contemporáneo, con un enfoque especial en fomentar la erudición en el campo del arte conceptual de Moscú. Mantiene una colección de más de mil obras de arte de los siglos XX y principios del XXI. La Stella Art Foundation ha llevado a cabo aproximadamente cien proyectos de artistas rusos y extranjeros, tanto en Rusia como en el extranjero.

Bienal de Venecia 2015
La Bienal de Arte de 2015 cierra una especie de trilogía que comenzó con la exposición comisariada por Bice Curiger en 2011, Illuminations, y continuó con el Palacio Enciclopédico de Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale continúa su investigación sobre referencias útiles para hacer juicios estéticos sobre el arte contemporáneo, un tema «crítico» después del final del arte vanguardista y «no artístico».

A través de la exposición comisariada por Okwui Enwezor, La Biennale vuelve a observar la relación entre el arte y el desarrollo de la realidad humana, social y política, en la presión de las fuerzas y fenómenos externos: las formas en que, es decir, las tensiones de lo externo mundo solicita las sensibilidades, las energías vitales y expresivas de los artistas, sus deseos, los movimientos del alma (su canción interior).

La Biennale di Venezia fue fundada en 1895. Paolo Baratta ha sido su presidente desde 2008, y antes de eso desde 1998 hasta 2001. La Biennale, quien se encuentra a la vanguardia de la investigación y la promoción de nuevas tendencias de arte contemporáneo, organiza exposiciones, festivales e investigaciones. en todos sus sectores específicos: Artes (1895), Arquitectura (1980), Cine (1932), Danza (1999), Música (1930) y Teatro (1934). Sus actividades están documentadas en el Archivo Histórico de Artes Contemporáneas (ASAC) que recientemente ha sido completamente renovado.

La relación con la comunidad local se ha fortalecido a través de actividades educativas y visitas guiadas, con la participación de un número creciente de escuelas de la región del Véneto y más allá. Esto difunde la creatividad en la nueva generación (3,000 maestros y 30,000 alumnos involucrados en 2014). Estas actividades han sido apoyadas por la Cámara de Comercio de Venecia. También se ha establecido una cooperación con universidades e institutos de investigación que realizan visitas especiales y estancias en las exposiciones. En los tres años transcurridos entre 2012 y 2014, 227 universidades (79 italianas y 148 internacionales) se han unido al proyecto Biennale Sessions.

En todos los sectores ha habido más oportunidades de investigación y producción dirigidas a la generación más joven de artistas, directamente en contacto con maestros de renombre; Esto se ha vuelto más sistemático y continuo a través del proyecto internacional Biennale College, que ahora se ejecuta en las secciones de Danza, Teatro, Música y Cine.