Российский павильон на 56-й Венецианской биеннале представит «Зеленый павильон» Ирины Наховой. С середины 1970-х годов Нахова (р. 1955) внесла значительный вклад в развитие московского концептуализма, придав его логоцентрической модели визуальную насыщенность и критическое преимущество. В начале 1980-х годов, используя одну из комнат в своей московской квартире, Нахова начала серию окружений под названием «Комнаты». Вместе с куратором Русского павильона Маргаритой Тупицын, всемирно известным экспертом по русскому авангарду и современному искусству, Нахова реализовала ряд амбициозных условий, которые пересматривают парадигмы русского авангарда, а также исследуют и переопределяют Понятия Наховой о пространственных отношениях и взаимодействии зрителя.
Русский павильон окрашен в зеленый цвет — цвет, специально выбранный для того, чтобы вызвать первоначальный облик здания, спроектированного Алексеем Щусевым в 1914 году. С помощью павильона Щусев создал здание, уникально подходящее для размещения и совершенствования различных художественных приемов. Проект Наховой сознательно сочетает функциональность структуры Щусева с ее собственным использованием новейших технологий.
По словам Тупицына, Зеленый павильон также следует рассматривать как вовлеченный в диалог с Красным павильоном Кабакова, выполненным для 45-й Венецианской биеннале 1993 года. С Красным павильоном Кабаков продемонстрировал важность цветового дискурса как для русских художников-модернистов, так и для постмодернистов. , который сместил подход к цвету от одного из формализма к «социо-формализму». Кабаков установил Красный павильон на территории здания, оставив сам павильон пустым — мощная метафора, которая олицетворяла неинституциональный статус авангардных художников и их неучастие в советской индустрии культуры. В то время как красный павильон Кабакова ознаменовал завершение фазы герметизации московского авангарда, зеленый павильон Наховы возобновляет дебаты об уходе этих художников из местных контекстов в пользу более глобального значения в постсоветскую эпоху.
В Зеленом павильоне Нахова еще раз подчеркивает знаковые механизмы цвета, окрашивая каждую комнату в разные оттенки. Разделение Щусева Русского павильона на пять отдельных пространств побудило Нахову пересмотреть серию комнат 1980-х годов, где зритель активно участвовал в художественном эксперименте. В первой комнате на первом этаже павильона Нахова проецирует себя на футуристический образ пилота в форме головы. Непроницаемость негабаритной головы (достигаемая с помощью шлема, маски и защитных очков) в сочетании с предположением, что зритель стремится контролировать свое восприятие, раскрывает двойственность положения художника в обществе. С одной стороны, он авторитетен, а с другой он слишком зависим от внешнего мира, из которого он стремится убежать, и одновременно хочет контролировать.
Во второй комнате инсталляции Нахова рассматривает «Черный квадрат» Казимира Малевича, самый загадочный холст в истории модернизма, произведение, полностью зависящее от воображения зрителя, поскольку оно не дает ни формальных, ни иконографических ссылок. В зависимости от положения в инсталляции Наховы, квадрат кажется непрозрачным, создавая эффект солнечного затмения или прозрачный, как если бы он был соединен с космосом, который можно наблюдать сквозь мансардное окно выше.
В третьем пространстве живописные дары Наховой выходят за пределы рамки кадра, наполняя все пространство абстрактной композицией, выполненной в двух наиболее значительных цветах в истории русского искусства: революционном красном и перестройке зеленого. Таким образом, характеристики этих двух эпох российской истории сообщаются исключительно посредством использования цвета и формы, напоминая зрителю о социальных устремлениях абстрактного искусства.
Для первого этажа павильона Нахова создала видеоинсталляцию, состоящую из сеток цифровых воссозданий архитектурных модулей, взятых из знаковых памятников Щусева, таких как мавзолей Ленина; Эти модули заполнены частными и публичными архивными фотографиями. Нахова дестабилизирует эту фактографическую архитектонику с помощью вставки изображений отвратительного поведения, таких как черви, и слияния элементов, которые вместе аллегоризируют уязвимость и нестабильность исторических утверждений.
биография
Ирина Исаевна Нахова (русский язык: Ирина Исаевна Нахова; родилась в 1955 году в Москве) — русская художница. Ее отец, Исай Нахов, филолог. В 14 лет ее мать отвела ее в ателье Виктора Пивоварова. Пивоваров сыграл важную роль в ее жизни, а затем стал ее наставником. В 2015 году Нахова стала первой женщиной-художницей, представившей Россию в своем павильоне на Венецианской биеннале. Она представлена галереей Наиля Александра в Нью-Йорке. Нахова в настоящее время живет и работает в Москве и Нью-Джерси. Она работает с различными средами, такими как изобразительное искусство, фотография, звуки, датчики и надувные материалы. Лауреат премии Кандинского 2013.
Нахова окончила факультет графического дизайна Московского полиграфического института в 1978 году. Она была членом Союза художников СССР с 1986 по 1989 год и вместе со своими друзьями и коллегами Ильей Кабаковым, Георгием Кисевальтером, Владимиром Сорокиным, Дмитрием Приговым, и Андрей Монастырский, считается одним из основателей московского концептуализма. Нахова получила международное признание в качестве молодого художника для Rooms (1983–1987), первой «полной инсталляции» в русском искусстве, расположенной в московской квартире, где она до сих пор живет.
В 1988 году Нахова была одной из самых молодых художников, представленных на первом аукционе Sotheby’s в Москве. «Новаторский» аукцион под названием «Авангард и советское искусство» принес более 3 000 000 долларов США и стал важным шагом вперед в открытии русского искусства для западноевропейских и американских рынков. Работы Наховой привлекли внимание американского галериста Филлис Кинд, который дал художнику три персональных шоу в Нью-Йорке в начале 1990-х, первые выставки Наховы в Соединенных Штатах.
С 1994 по 1997 год она была профессором в университете в Детройте в США. В 2011 году Нахова была представлена в качестве специального гостя Четвертой Московской биеннале современного искусства в Московском музее современного искусства. Как часть масштабной ретроспективы работы Наховой, ее оригинальная инсталляция Комната № 2 (1983–1987) была результатом ее разочарования от репрессивного советского режима, расположенного в ее московской квартире, где она живет сегодня.
В 2013 году Нахова была удостоена премии Кандинского в номинации «Проект года», одной из самых высоких наград в современном русском искусстве, за ее работу «Без названия». Нахова описала Untitled как «мое отношение к истории как к пониманию истории моей семьи — моей бабушки, казненного дедушки, мамы, папы и моего прошлого« я ». Это моя попытка понять необъяснимое положение вещей, которое царило в моей стране для прошлый век, и через частные образы понять, как миллионы людей были стерты из истории и счастливо забыты; как люди были ослеплены и их души уничтожены, чтобы они могли жить без памяти и истории «.
Коллекции
Работы Наховой находятся в государственных и частных коллекциях по всей Франции, Германии, Великобритании, Италии, Испании, Швеции, Швейцарии и США. В России ее работы можно найти в Московском музее современного искусства, Национальном центре современного искусства и Государственной Третьяковской галерее в Москве.
Работа Наховой входит в коллекцию советского нонконформистского искусства Нортона и Нэнси Додж, одну из крупнейших коллекций советского искусства за пределами России, собранную американским экономистом Нортоном Доджем с конца 1950-х годов до перестройки в 1980-х годах. В разгар холодной войны Додж ввез контрабандой около 10 000 произведений искусства из СССР в Соединенные Штаты, часто с большим личным риском. Эта история подробно изложена в книге Джона Макфи «Выкуп русского искусства» (1994). Коллекция была передана в дар Университету Рутгерса в середине 1990-х годов, где она постоянно экспонируется в художественном музее университета Джейн Вурхис Зиммерли.
Выставка
В 2015 году Нахова была выбрана для представления России в ее павильоне на Венецианской биеннале. Она была первой художницей, которая представляла Россию в сольном павильоне. «Основанный на диалоге с самой структурой павильона, разработанном Алексеем Щусевым в 1914 году,« Зеленый павильон »относится как к инсталляционному искусству, так и к архитектуре», — пишет Стелла Кесаева, президент Stella Art Foundation, в каталоге для инсталляции. , «Как и в случае с проектом [Вадима] Захарова, архитектурные особенности павильона являются важной составляющей инсталляции Наховой. На этот раз между первым и вторым этажами здания Щусева вновь было создано отверстие, плюс внешность выкрашена в зеленый цвет. результат: русский павильон приобретает вид романтической беседки, скрывая в себе пространственную метафору черного квадрата Казимира Малевича (1915 г.). Другой инсталляцией, представленной в этом павильоне, был ее проект «Комнаты», представляющий собой комплекс из пяти различных пространств. между искусством, архитектурой и точкой зрения зрителей «.
Трехчастная инсталляция Ирины Наховой «Зеленый павильон», которая представляла Россию на Венецианской биеннале (2015 г.), заставляет задуматься, но разрозненно взглянуть на наши отношения с историей и будущим.
Художник-инсталлятор и академически подготовленный художник, Нахова объединяет живопись, скульптуру и новые медиа в интерактивные инсталляции и среды, которые привлекают зрителей как со-создателей концептуальных образов ума. Искусство — это мощное и открывающее глаза различное переживание, физическое и интеллектуальное, которое иначе не существует как пространство.
Мы существуем как часть истории. На нас могут воздействовать силы, не зависящие от нас, и наш заметный вклад может исчезнуть. История — это то, чем она является, и будущее неопределенно и предчувствует, но мы были, и мы являемся частью всей истории.
Например, зеленовато-красная комната Наховой: «Абстрактная композиция взята из более раннего холста Наховы« Первичные цвета 2 »(2003), проникнутого теориями редуцирующего цвета русского авангарда… и охватывающего то, что Малевич назвал« новым цветовым реализмом ». Применяется механически последний нарушает границы холста для работы в буквальном пространстве. В этом смысле зеленовато-красная комната Наховой представляет собой постмодернистский (джамезонский) гибрид цветовой формы и цветного текста, в котором можно обнаружить следы и искажения общества в целом.
Особенности
Первая часть инсталляции, гигантская голова человека в шлеме, чьи особенности слегка изменяются, визуально ошеломляет, но не сразу понятно, как это связано с инсталляцией в целом.
Когда вы входите в первую комнату, все размеры разные, и вас приветствует пилот. Пилот — ваш навигатор во времени. Поэтому, когда вы здесь, там темно. Небеса закрыты, но вы в кабине полета. Когда вы приближаетесь к пилоту, его глаза открываются, он смотрит на вас, он также смотрит на небо, и вы можете видеть, что небо открывается [через окно в крыше]. Тогда вы действительно видите, что происходит, но это также похоже на сон, потому что нет словесного общения.
Вторая часть установки занимает две комнаты. В нижней комнате на стены проецируются изображения и видео из старого СССР. Синие буквы «Х» и красные круги начинают появляться на некоторых людях, показанных на фотографиях; затем фотографии и видео исчезают и заменяются новыми изображениями. Поскольку люди на фотографии вычеркнуты, а их изображения исчезают, создается впечатление, что они «исчезают» из истории, судьба, которая постигла многих жертв тоталитарных режимов на протяжении многих лет.
Это визуальное представление о практике «исчезающих» людей немного очевидно, но то, что заставляет установку работать, — это способ, которым зрители становятся частью работы. Над комнатой исчезающих фотографий пустая серая комната. В этой комнате для наблюдения посетители могут смотреть сквозь прозрачное пластиковое окно на полу и видеть людей, наблюдающих за выцветающими фотографиями и видео.
Свет льется через потолочный светильник в потолке, через пластиковую панель на полу и в комнату внизу. Если люди в этой комнате посмотрят вверх, они увидят, что за ними наблюдают люди в комнате выше.
Время от времени окно в крыше закрывается, и комната изображений темнеет. Когда окно в крыше открывается и свет возвращается, некоторые из людей внизу двинутся дальше — они исчезнут. Точно так же иногда комната для наблюдений гаснет, и когда свет возвращается, некоторые из наблюдателей также исчезают.
Живя под репрессивным авторитарным режимом, невинные свидетели могут оказаться наблюдателями — молчаливыми свидетелями беспорядков вокруг них. Это создает ужасную дилемму. Сохраняя молчание и ничего не делая, эти молчаливые свидетели замешаны в совершаемых ужасах? Однако, если молчаливые свидетели высказываются или принимают меры, не станут ли они следующими жертвами? В такой жестокой обстановке любой человек может быть «вычеркнут» и заставлен исчезнуть.
В приведенном выше видео, когда Ирина Нахова описывает эту вторую зону в Зеленом павильоне, художник не упоминает людей, которых вычеркивают из фотографий, а вместо этого фокусируется на эффекте, когда в комнате становится темно:
Это место, где вы действительно можете прийти в себя и увидеть то, что происходит вокруг вас с острым осознанием. Когда темно, у тебя есть только небо и прошлое. Для меня это успокоительно, потому что это было до нас, это будет после нас, и мы являемся частью истории, поэтому нет страха, нет радости, но это природа, которая захватывает нас и проходит через нас.
Третья часть инсталляции — пустая комната, окрашенная абстрактным зелено-красным узором. Описывая это, художник заявляет:
Русский павильон
В российском павильоне находится национальное представительство России во время фестивалей искусств в Венецианской биеннале. Русский павильон был спроектирован и построен между 1913 и 1914 годами. Его архитектор Алексей Щусев использовал мотивы русской архитектуры 17 и 18 веков.
Stella Art Foundation — некоммерческая организация, созданная в Москве в ноябре 2003 года по инициативе Стеллы Кесаевой. Фонд занимается поддержкой современного искусства, уделяя особое внимание поощрению стипендии в области московского концептуального искусства. Здесь хранится коллекция из более чем тысячи произведений искусства двадцатого и начала двадцать первого веков. Stella Art Foundation выполнил около ста проектов российских и зарубежных художников как в России, так и за рубежом.
Венецианская биеннале 2015
Арт-биеннале 2015 года завершает своего рода трилогию, которая началась с выставки, организованной Bice Curiger в 2011 году, Illuminations, и продолжилась Энциклопедическим дворцом Массимилиано Джиони (2013). В рамках программы «Все будущее мира» La Biennale продолжает свои исследования полезных ссылок для создания эстетических суждений о современном искусстве, что является «критической» проблемой после окончания искусства авангарда и «неискусства».
Через выставку, куратором которой является Оквуи Энвезор, La Biennale возвращается, чтобы наблюдать за взаимосвязью между искусством и развитием человеческой, социальной и политической реальности, под воздействием внешних сил и явлений: способов, которыми, то есть, напряженности внешнего Мир вызывает чувства, жизненные и выразительные энергии художников, их желания, движения души (их внутренняя песня).
La Biennale di Venezia была основана в 1895 году. Паоло Баратта был ее президентом с 2008 года, а до этого — с 1998 по 2001 год. La Biennale, стоящая на переднем крае исследований и продвижения новых тенденций современного искусства, организует выставки, фестивали и исследования. во всех его специфических секторах: искусство (1895), архитектура (1980), кино (1932), танцы (1999), музыка (1930) и театр (1934). Его деятельность документирована в Историческом архиве современного искусства (ASAC), который недавно был полностью отремонтирован.
Отношения с местным сообществом были укреплены благодаря образовательным мероприятиям и организованным поездкам с участием все большего числа школ из региона Венето и за его пределами. Это распространяет креативность на новое поколение (3000 учителей и 30 000 учеников, задействованных в 2014 году). Эти мероприятия были поддержаны Венецианской торговой палатой. Налажено сотрудничество с университетами и исследовательскими институтами, которые организуют специальные туры и пребывания на выставках. За три года, с 2012 по 2014 год, 227 университетов (79 итальянских и 148 международных) присоединились к проекту биеннале сессий.
Во всех секторах появилось больше возможностей для исследований и производства, адресованных молодому поколению художников, непосредственно контактирующих с известными учителями; это стало более систематическим и непрерывным благодаря международному проекту Biennale College, который сейчас работает в секциях танцев, театра, музыки и кино.