Indigene mexikanische Kunst feiert das Skelett und verwendet es als ein regelmäßiges Motiv. Der Gebrauch von Schädeln und Skeletten in der Kunst entstand vor der Eroberung: Die Azteken zeichneten sich durch Steinskulpturen aus und schufen markante Gravuren ihrer Götter. Coatlicue, die Göttin der Erde und des Todes, wurde mit einer Halskette aus menschlichen Herzen, Händen und einem Totenkopf-Anhänger dargestellt. Sie war von dem Drama und der Größe durchdrungen, die notwendig waren, um die Personen zu blenden und das Bild eines unerbittlichen Staates zu vermitteln. Die Verehrung des Todes beinhaltete die Verehrung des Lebens, während der Totenkopf – Symbol des Todes – ein Versprechen auf die Auferstehung war. Die Azteken schnitzten Schädel in Monolithen aus Lava und machten Masken aus Obsidian und Jade. Darüber hinaus wurde das Schädelmotiv in der Dekoration verwendet. Sie wurden auf Töpfen geformt, auf Schriftrollen nachgezeichnet, zu Kleidungsstücken verwoben und zu Hieroglyphen formalisiert.
Spanische Invasion
Als die Spanier im sechzehnten Jahrhundert in Tenochtitlan eindrangen und sie eroberten, verhängten sie die katholische Religion und die spanischen Volkstraditionen jener Zeit. Dies beinhaltete die heidnische Tradition, die Toten mit Essen und Festen zu feiern. Die spanischen Priester waren jedoch bestrebt, diese alten Traditionen aufzugeben, die in Mexiko fruchtbaren Boden fanden. Die Spanier unterdrückten die mexikanische Totenkopfkunsttradition, weil sie für ihren raffinierten europäischen Geschmack zu Indito oder Pagan war. Erst als Mexiko 1821 seine Unabhängigkeit von Spanien erlangte, begann sich die Schädelkunst als Symbol für Mexicanidad wieder zu entwickeln.
Herrschaft von Porfirio Díaz
Als Porfirio Díaz Präsident wurde, war er mit einer bankrotten Wirtschaft belastet. Um die wirtschaftliche Situation in Mexiko zu fördern, ermutigte Díaz ausländische Investitionen. Die Anleger waren mit den billigen Arbeitskräften in Mexiko zufrieden. Der mexikanisch-indische Arbeiter arbeitete unter grausamen Bedingungen. José Guadalupe Posada, mexikanischer Graveur, kritisierte mit seiner Zeichnung die Bedingungen in Mexiko. Jose Guadalupe Posada ist wahrscheinlich der wichtigste mexikanische Künstler unserer Zeit. Zu seinen Lebzeiten war Posada Zeuge der entscheidenden sozialen und politischen Veränderungen, die Mexiko zu einer modernen Nation machten. Veränderungen wie der Sturz eines Diktators, eine weitverbreitete soziale Revolution und der Kampf für eine Macht in Verbindung mit der Geburt eines demokratischen Prozesses, all diese Erfahrungen haben ihn tief beeinflusst. Durch seine Arbeit dokumentierte er diese Vorkommnisse und wurde zum Bildhistoriker.
José Guadalupe Posada
Posadas Zeichnungen brachten dem gewöhnlichen Mann ein Erwachen. Er machte diejenigen, die nicht lesen konnten, um zu verstehen, was in ihrem Land geschah. Obwohl der Gebrauch von Schädeln und Skeletten in der Kunst durch ausländische Einflüsse unterdrückt worden war, wurde er bei den Feierlichkeiten zum Tag der Toten immer noch unter den Armen anerkannt. Die Verwendung von Schädelkunst war Posadas Weg, eine Verbindung mit dem populären Publikum herzustellen. Auf seinem Deckel ist sein berühmteste Gravur – La Calavera Catrina – abgebildet, auf dem eine modebewusste Dame in Form eines Skeletts abgebildet ist. Diego Rivera bezeichnete José Guadalupe Posada als den größten mexikanischen Künstler. Unter diesem Einfluss malte Rivera gewöhnliche Menschen, die in ihrer Umgebung leben und arbeiten. Seine Arbeit trug auch eine soziale Botschaft.
Posada und Rivera beeinflussten den Jaliscano Jorge González Camarena, der die traditionellen Methoden missachtete und die populäre Kunst von Posada und Rivera übernahm. In González Camarenas Werk tauchen immer wieder Kampfszenen auf, in denen revolutionäre Soldaten Teil der mexikanischen Geschichte werden, während sich ihre leblosen Körper in Skelette verwandeln.
Frida Kahlo
Frida Kahlo war auch das Produkt einer mutigen und brillanten Generation, die mit Hingabe an ihre mexikanischen Wurzeln zurückblickte und die dort vorgefundene Realität schätzte, die nicht von fremdem Einfluss kontaminiert war. Sie gab zu, eine große Bewunderung für die Arbeit ihres Mannes zu haben, ebenso wie für Jose Guadalupe Posada, und sie fand große Schönheit in der hochentwickelten einheimischen Kunst vor der Eroberung.
Surrealisten
Frida wurde früh von André Breton und den Surrealisten als einer ihrer eigenen beansprucht, und eine Zeitlang machte es ihr nichts aus, von der schicken Avantgarde-Bewegung erfasst und identifiziert zu werden. Aber später erklärte sie sich nicht als eine von ihnen, weil sie sagte: „Ich habe Träume gemalt, ich habe meine eigene Realität gemalt.“ In den 1940er Jahren malte sie „The Dream“, wo ein bewusstes Skelett über der schlafenden Frida schwebt. Die mexikanischen Brujos sagen „Leben heißt schlafen und sterben heißt wecken“. Für Frida existiert vielleicht Tod wie Träume parallel.
Chucho Reyes
Während Fridas Arbeit sich auf Mexicanidad konzentrierte, integrierte Chucho Reyes europäische Kunststile mit der Essenz der mexikanischen Totenkopfkunst. Vielleicht war seine Kunst politisch unpopulär für diejenigen, die ausländische Einflüsse außer Acht ließen. Reyes unkonventionelle Kombination wurde jedoch höchstwahrscheinlich von seinem exzentrischen Vater beeinflusst, der, obwohl streng katholisch, Brujeria praktizierte. Er schlief in einem Bett, wo Hähne an jeden Bettpfosten gebunden waren und ein großes Auge über sein Bett an der Decke gemalt war. Diese Mischung aus europäischen religiösen Überzeugungen und mexikanischer Hexerei hat Reyes wahrscheinlich dazu inspiriert, verschiedene künstlerische Stile zu kombinieren. Kunst wie diese wird eine ganze Weile brauchen, um sie zu meistern
Aberglaube und Heilige
Obwohl modern die alten aztekischen religiösen Traditionen, die geblieben sind, Bruxyia von denen, die europäische Religionen praktizieren, in Oaxaca genannt werden – Aberglaube und Heilige werden in einem Atemzug gesprochen.
Rufino Tamayo & die Oaxacan Schule
Rufino Tamayo gründete die Oaxaca Schule der Malerei nach dem Prinzip, dass, obwohl die Malerei auf der plastischen Ebene stattfinden muss, es die Möglichkeit nicht ausschließt, dass die Arbeit eine tiefgreifende, nicht ganz ausgedrückte Konsequenz enthält. Tamayo schien das äußere Selbst des Menschen, das zum Beispiel in der Religion gefunden wurde, zu entfernen, um die fundamentalen Ängste des Menschen zu untersuchen. Seine Angst vor der Natur, vor dem Kosmos und vor allem vor der Angst des Menschen vor sich selbst. Die subtile und reiche Kunst der präkolumbianischen Zeit inspirierte Tamayo sehr. Von diesem Einfluss malte er den Menschen als durchsichtiges Fleisch, das auf einem lebenden Skelett existierte.
Francisco Toledo
Auf der anderen Seite malte Francisco Toledo seine Themen wie Röntgenbilder. Neugierige Neugierde mit dem inneren Wesen wird fast pornographisch, als seine erotische und respektlose Wiederbelebung der Skull Art hervortritt.
Rodolfo Nieto
Während Rufino Tamayo die Oaxacanische Schule gründete, war es Rodolfo Nieto, der es definierte. Rodolfo fügte der Schädelkunst einen dramatischen Ton hinzu. Mit hellen Farben, die gegen dunkle Farben fixiert waren, zeigte er den fortwährenden Kampf um Leben und Tod. Mit Fröhlichkeit, Humor, Launen und Jugendgeschichten von Tarzan, dem Affenmenschen, der die Gefahren des Dschungels bekämpft, lachte Rodolfo über den Tod, während er im Schatten seiner vertieften Depression lebte.1 Lichtblitze, verwirrt durch die Farbe, gegenüber dem kahlen Schwarz Er versuchte nicht, die menschliche Existenz zu definieren, sondern nur zu leben, wohl wissend, dass der Schädel immer in ihm war.2 Seine Malerin Nancy Nieto entfernte die fleischige Maske des Lebens, um die Grundlagen des Lebens, des Schädels und des Menschen zu untersuchen Skelett…..
Chicano / Mexikaner – Amerikaner
Oft wenden sich Chicano oder mexikanisch-amerikanische Künstler in jüngster Zeit ihrer Geschichte zu und vor allem bringt Nancy Nieto eine mutige Wiederauferstehung der alten Tradition der mexikanischen Schädelkunst. In einen Schleier aus satten Farben und unkonventionellen Formen eingewickelt, die von der Oaxacanischen Schule übernommen wurden, entfernt ihre Arbeit den Schleier des Geheimnisses vom Geheimnis des Lebens, nur um das Geheimnis des Todes zu enthüllen. Sie zeigt Tiefen des Geheimnisvollen, hat aber eine harmonische Eurythmie der epischen Ursprünge des chromatischen Oaxaca. Sie kämpft darum, Francisco Toledos erotische Themen neu anzusprechen und sich von Rodolfo Nietos dramatischen Bänden zu entfernen. Ihre Arbeit erneuert die aztekische Sicht des Todes als Übergangszyklus zwischen dem individuellen Leben und dem allgegenwärtigen „Sein“.