Kinetische Kunst ist Kunst von jedem Medium, das Bewegung enthält, die vom Betrachter wahrnehmbar ist oder die für ihre Wirkung auf Bewegung angewiesen ist. Leinwandbilder, die die Perspektive des Betrachters auf das Kunstwerk erweitern und multidimensionale Bewegungen beinhalten, sind die frühesten Beispiele kinetischer Kunst. Genauer gesagt, kinetische Kunst ist ein Begriff, der sich heute am häufigsten auf dreidimensionale Skulpturen und Figuren bezieht, wie beispielsweise Handys, die sich auf natürliche Weise bewegen oder maschinell betrieben werden. Die beweglichen Teile werden in der Regel von Wind, Motor oder Beobachter angetrieben. Kinetische Kunst umfasst eine Vielzahl von überlappenden Techniken und Stilen.

Kinetische Kunst ist eine Kunstbewegung, die Werke mit beweglichen Teilen vorschlägt. Die Bewegung kann durch den Wind, die Sonne, einen Motor oder den Betrachter erzeugt werden. Kinetische Kunst umfasst eine Vielzahl von überlappenden Techniken und Stilen.

Es gibt auch einen Teil der kinetischen Kunst, die virtuelle Bewegung beinhaltet, oder eher Bewegung, die nur aus bestimmten Winkeln oder Teilen der Arbeit wahrgenommen wird. Dieser Begriff trifft auch häufig auf den Begriff „scheinbare Bewegung“, den viele Menschen verwenden, wenn sie sich auf ein Kunstwerk beziehen, dessen Bewegung durch Motoren, Maschinen oder elektrisch betriebene Systeme erzeugt wird. Sowohl die scheinbare als auch die virtuelle Bewegung sind Stile kinetischer Kunst, die erst kürzlich als Stile der Op-Art diskutiert wurden. Das Ausmaß der Überschneidung zwischen kinetischer und Op-Art ist für Künstler und Kunsthistoriker nicht signifikant genug, um die beiden Stile unter einem Oberbegriff zusammenzufassen, aber es gibt Unterschiede, die erst noch gemacht werden müssen.

Bezeichnung für Kunstwerke, die sich auf reale und scheinbare Bewegungen beziehen. Sie können Maschinen, Mobiles und Lichtobjekte in tatsächlicher Bewegung umfassen; im weiteren Sinne umfasst es auch Werke in virtueller oder scheinbarer Bewegung, die unter die Bezeichnung Op-Art gestellt werden konnten. Kinetische Kunst entstand zwischen 1913 und 1920, als vereinzelte Figuren wie Marcel Duchamp, Wladimir Tatlin und Naum Gabo ihre ersten Werke konzipierten und Statements zur Betonung der mechanischen Bewegung Etwa zur selben Zeit bauten Tatlin, Aleksandr Rodtschenko und Man Ray ihre ersten Handys, und Thomas Wilfred und Adrian Bernard Klein begannen mit Ludwig Hirschfeld-Mack und Kurt Schwerdtfeger am Bauhaus ihre Farben zu entwickeln Orgeln und Projektionstechniken in Richtung eines Kunstmediums aus Licht und Bewegung. Obwohl László Moholy-Nagy und Alexander Calder in den 1920er und 1930er Jahren mehr oder weniger kontinuierliche künstlerische Forschung zur realen Bewegung betrieben, gelang erst nach 1950 der Durchbruch kinetische Kunst und ihre spätere Ausdehnung fanden schließlich statt.

Kinetische Kunst als ein Moniker entwickelte sich aus einer Reihe von Quellen. Kinetische Kunst hat ihren Ursprung in den impressionistischen Künstlern des späten 19. Jahrhunderts wie Claude Monet, Edgar Degas und Édouard Manet, die ursprünglich damit experimentierten, die Bewegung menschlicher Figuren auf Leinwand zu akzentuieren. Dieses Triumvirat der impressionistischen Maler versuchte Kunst zu schaffen, die lebensechter war als ihre Zeitgenossen. Degas ‚Tänzer und Rennpferd-Porträts sind Beispiele für das, was er für „fotografischen Realismus“ hielt; Künstler wie Degas im späten 19. Jahrhundert fühlten die Notwendigkeit, die Bewegung in Richtung Fotografie mit lebendigen, cadentierten Landschaften und Porträts in Frage zu stellen.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts kamen bestimmte Künstler immer näher, ihre Kunst der dynamischen Bewegung zuzuschreiben. Naum Gabo, einer der beiden Künstler, die dieser Stilrichtung zugeschrieben werden, schrieb häufig über seine Arbeit als Beispiele für „kinetischen Rhythmus“. Er fühlte, dass seine bewegliche Skulptur Kinetic Construction (auch Stehwelle genannt, 1919-20) die erste ihrer Art im 20. Jahrhundert war. Von den 1920er Jahren bis in die 1960er Jahre wurde der Stil der kinetischen Kunst von einer Reihe anderer Künstler umgestaltet, die mit Mobiles und neuen Formen der Skulptur experimentierten.

Eine Fortsetzung der kinetischen Kunst ist die kybernetische Kunst, in der das Kunstwerk auf äußere Einflüsse reagiert, insbesondere auch auf Manipulationen von Personen. Die technischen Konstruktionen werden oft von den natürlichen Kräften Wind, Wasser und Schwerkraft angetrieben. Aber auch Motoren, Bewegungen und manuelle Antriebe kommen zum Einsatz. Die heutigen Künstler der kinetischen Kunst sind oft auf dem neuesten Stand der Technik, computergesteuerte Objekte sind keine Seltenheit mehr.

Eigenschaften:
Kinetische Kunst basiert auf der Suche nach Bewegung, aber in den meisten Werken ist Bewegung real, nicht virtuell.
Um die Arbeit auszuführen, betrachtet und befolgt der Künstler eine streng geplante Struktur.
Die meisten kinetischen Arbeiten sind dreidimensional, sie lösen sich von der zweidimensionalen Ebene.
Die Ressourcen zur Schaffung von Bewegung sind fast unendlich, wie zum Beispiel Wind, Wasser, Motoren, Licht, Elektromagnetismus.

Arten von kinetischen Kunstwerken:
Es gibt verschiedene Arten von kinetischen Arbeiten entsprechend der Art und Weise, die Bewegungsempfindung erzeugt
Die Stabilität: Sind diese Werke, deren Elemente fixiert sind, so angeordnet, dass der Betrachter sie umgeben muss, um die Bewegung wahrzunehmen.
Die Mobilität: Sie sind Werke, die aufgrund unterschiedlicher Ursachen eine reale Bewegung erzeugen und ihre Struktur ständig verändern.
Die Durchdringung: Es ist normalerweise eine Versammlung in einem realen Raum, die den Betrachter erfordert, um es zu betreten, um es wahrzunehmen, wie es reist.

Ursprünge und frühe Entwicklung
Die von Künstlern unternommenen Schritte, „die Figuren und die Szenerie von der Seite zu heben und unbestreitbar zu beweisen, dass Kunst nicht starr ist“ (Calder, 1954), nahmen bedeutende Neuerungen und Veränderungen des kompositorischen Stils mit sich. Édouard Manet, Edgar Degas und Claude Monet waren die drei Künstler des 19. Jahrhunderts, die diese Veränderungen in der impressionistischen Bewegung initiierten. Obwohl sie jeweils einzigartige Ansätze zur Einbeziehung von Bewegung in ihre Werke verfolgten, taten sie dies in der Absicht, ein Realist zu sein. In der gleichen Zeit war Auguste Rodin ein Künstler, dessen frühe Werke zur Unterstützung der sich entwickelnden kinetischen Bewegung in der Kunst sprachen. Auguste Rodins spätere Kritik an der Bewegung stellte jedoch indirekt die Fähigkeiten von Manet, Degas und Monet in Frage und behauptete, dass es unmöglich sei, einen Moment genau einzufangen und ihm die Vitalität zu verleihen, die im wirklichen Leben gesehen wird.

Edouard Manet
Es ist fast unmöglich, Manets Arbeiten einer Epoche oder einem Kunststil zuzuordnen. Eines seiner Werke, das wirklich an einem neuen Stil steht, ist Le Ballet Espagnol (1862). Die Konturen der Figuren stimmen mit ihren Gesten überein, um Tiefe in Bezug auf einander und in Bezug auf das Setting zu suggerieren. Manet betont auch den Mangel an Gleichgewicht in dieser Arbeit, um dem Betrachter zu zeigen, dass er oder sie sich am Rande eines Augenblicks befindet, der Sekunden vom Passieren entfernt ist. Der verschwommene, verschwommene Sinn für Farbe und Schatten in dieser Arbeit versetzt den Betrachter in einen flüchtigen Moment.

Im Jahr 1863 erweiterte Manet sein Studium der Bewegung auf der Leinwand mit Le déjeuner sur l’herbe. Das Licht, die Farbe und die Komposition sind gleich, aber er fügt den Hintergrundfiguren eine neue Struktur hinzu. Die Frau, die sich im Hintergrund verbiegt, ist nicht vollständig skaliert, als wäre sie weit entfernt von den Figuren im Vordergrund. Der Mangel an Abstand ist Manets Methode, Schnappschuss-, Nah-Invasionsbewegung ähnlich zu seiner Unschärfe der Vordergrundgegenstände in Le Ballet Espagnol zu schaffen.

Edgar Degas
Es wird angenommen, dass Edgar Degas die intellektuelle Erweiterung von Manet ist, aber für die impressionistische Gemeinschaft radikaler. Degas ‚Sujets sind der Inbegriff der impressionistischen Ära; Er findet große Inspiration in Bildern von Balletttänzern und Pferderennen. Seine „modernen Themen“ haben sein Ziel, bewegte Kunst zu schaffen, nie verstellt. In seinem 1860er Stück Feunes Spartiates S’exercant à la Lute macht er sich die klassischen impressionistischen Akte zunutze, erweitert aber das Gesamtkonzept. Er legt sie in eine flache Landschaft und gibt ihnen dramatische Gesten, und für ihn wies dies auf ein neues Thema von „Jugend in Bewegung“ hin.

Eines seiner revolutionärsten Werke, das L’Orchestre de l’Opera (1868), interpretiert Formen der eindeutigen Bewegung und verleiht ihnen eine mehrdimensionale Bewegung jenseits der Flachheit der Leinwand. Er positioniert das Orchester direkt im Raum des Betrachters, während die Tänzer den Hintergrund vollständig ausfüllen. Degas spielt auf den impressionistischen Stil an, Bewegung zu kombinieren, definiert sie aber fast so neu, wie es im späten 19. Jahrhundert selten zu sehen war. In den 1870er Jahren setzt Degas diesen Trend durch seine Liebe zu One-Shot-Motion-Pferderennen in Werken wie Voiture aux Courses (1872) fort.

Erst 1884 mit Chevaux de Course kam sein Versuch, dynamische Kunst zu schaffen, zum Tragen. Diese Arbeit ist Teil einer Serie von Pferderennen und Polo-Matches, bei denen die Figuren gut in die Landschaft integriert sind. Die Pferde und ihre Besitzer werden so dargestellt, als wären sie in einem Moment intensiver Auseinandersetzung gefangen und trotten dann in anderen Fassungen. Der Impressionist und die gesamte künstlerische Gemeinschaft waren sehr beeindruckt von dieser Serie, waren aber auch schockiert, als sie erkannten, dass er diese Serie auf tatsächlichen Fotografien basierte. Degas war von der Kritik an seiner Integration der Fotografie nicht betroffen und inspirierte Monet tatsächlich dazu, sich auf eine ähnliche Technologie zu verlassen.

Claude Monet
Der Stil von Degas und Monet war in einer Hinsicht sehr ähnlich: Beide orientierten sich in ihrer künstlerischen Interpretation an einem direkten „retinalen Eindruck“, um das Gefühl von Variation und Bewegung in ihrer Kunst zu erzeugen. Die Motive oder Bilder, die die Grundlage ihrer Bilder bildeten, stammten aus einer objektiven Sicht der Welt. Wie bei Degas betrachten viele Kunsthistoriker dies als den unterbewussten Effekt, den die Fotografie in dieser Zeit hatte. Seine Werke aus den 1860er Jahren reflektierten viele der Zeichen der Bewegung, die in Degas ‚und Manets Werk sichtbar sind.

Um 1875 wird Monets Berührung in seiner neuen Serie sehr schnell, beginnend mit Le Bateau-Atelier su Seine. Die Landschaft verschlingt fast die gesamte Leinwand und hat genug Bewegung, die von ihren ungenauen Pinselstrichen ausgeht, dass die Figuren ein Teil der Bewegung sind. Dieses Gemälde, zusammen mit Gare Saint-Lazare (1877-1878), beweist vielen Kunsthistorikern, dass Monet den Stil der impressionistischen Ära neu definierte. Der Impressionismus wurde zunächst durch die Isolierung von Farbe, Licht und Bewegung definiert. In den späten 1870er Jahren hatte Monet einen Stil entwickelt, der alle drei zusammenführte, während er sich auf die populären Themen der impressionistischen Ära konzentrierte. Künstler waren oft so beeindruckt von Monets verschwommenen Pinselstrichen, dass es mehr als Bewegung in seinen Bildern war, sondern eine markante Schwingung.

Auguste Rodin
Auguste Rodin war anfangs sehr beeindruckt von Monets „vibrierenden Arbeiten“ und Degas ‚einzigartigem Verständnis räumlicher Beziehungen. Als Künstler und Autor von Kunstkritiken veröffentlichte Rodin mehrere Werke, die diesen Stil unterstützen. Er behauptete, dass die Arbeit von Monet und Degas die Illusion schuf, „dass Kunst das Leben durch gutes Modellieren und Bewegung einfängt“. Als Rodin 1881 seine eigenen Kunstwerke schuf und herstellte, lehnte er seine früheren Vorstellungen ab. Sculpting brachte Rodin in eine Zwangslage, die er weder von einem Philosophen noch von irgendjemanden jemals lösen konnte; Wie können Künstler Bewegung und dramatische Bewegungen aus so soliden Skulpturen vermitteln? Nachdem dieses Rätsel aufkam, veröffentlichte er neue Artikel, die Männer wie Manet, Monet und Degas nicht absichtlich attackierten, sondern seine eigenen Theorien propagierten, dass es im Impressionismus nicht darum gehe, Bewegung zu kommunizieren, sondern sie in statischer Form darzustellen.

Surrealismus des 20. Jahrhunderts und frühe kinetische Kunst
Der surrealistische Stil des 20. Jahrhunderts schuf einen leichten Übergang in den Stil der kinetischen Kunst. Alle Künstler haben nun Themen erforscht, die für eine künstlerische Darstellung nicht gesellschaftlich akzeptabel gewesen wären. Die Künstler gingen darüber hinaus, nur Landschaften oder historische Ereignisse zu malen, und fühlten das Bedürfnis, sich in das Alltägliche und Extreme zu vertiefen, um neue Stile zu interpretieren. Mit der Unterstützung von Künstlern wie Albert Gleizes hatten andere Avantgarde-Künstler wie Jackson Pollock und Max Bill das Gefühl, neue Inspirationen zu finden, um Kuriositäten zu entdecken, die in den Mittelpunkt der kinetischen Kunst rückten.

Albert Gleizes
Gleizes galt als der ideale Philosoph der Kunst des späten 19. Jahrhunderts und des frühen 20. Jahrhunderts in Europa und insbesondere in Frankreich. Seine Theorien und Abhandlungen von 1912 über den Kubismus gaben ihm in jeder künstlerischen Diskussion einen guten Ruf. Diese Reputation erlaubte ihm, in den 1910er und 1920er Jahren den Plastikstil oder die rhythmische Bewegung der Kunst maßgeblich zu beeinflussen. Gleizes veröffentlichte eine Bewegungstheorie, die seine Theorien auf den psychologischen, künstlerischen Gebrauch von Bewegung in Verbindung mit der Mentalität, die bei der Betrachtung von Bewegung entsteht, weiter artikulierte. Gleizes hat wiederholt in seinen Publikationen behauptet, dass die menschliche Schöpfung den totalen Verzicht auf äußere Empfindungen impliziert. Das war es, was die Kunst für viele mobil machte, auch für Rodin. Sie war starr und unerschütterlich unbeweglich.

Gleizes betonte zunächst die Notwendigkeit des Rhythmus in der Kunst. Für ihn bedeutete Rhythmus das visuell angenehme Zusammentreffen von Figuren in einem zweidimensionalen oder dreidimensionalen Raum. Figuren sollten mathematisch oder systematisch beabstandet sein, so dass sie scheinbar miteinander wechselwirken. Figuren sollten auch keine zu bestimmten Merkmale haben. Sie müssen Formen und Kompositionen haben, die fast unklar sind, und von dort kann der Betrachter glauben, dass sich die Figuren selbst in diesem begrenzten Raum bewegen. Er wollte mit Gemälden, Skulpturen und sogar den flachen Arbeiten von Künstlern aus der Mitte des 19. Jahrhunderts zeigen, wie Figuren dem Betrachter vermitteln konnten, dass in einem bestimmten Raum große Bewegung vorhanden war. Als Philosoph studierte Gleizes auch das Konzept der künstlerischen Bewegung und wie dies den Betrachter ansprach. Gleizes aktualisierte seine Studien und Veröffentlichungen bis in die 1930er Jahre, gerade als die kinetische Kunst populär wurde.

Jackson Pollock
Als Pollock viele seiner berühmten Werke schuf, waren die Vereinigten Staaten bereits an der Spitze der kinetischen Kunstbewegung. Die neuen Stile und Methoden, mit denen er seine berühmtesten Werke schuf, brachten ihm in den 1950er Jahren den unangefochtenen Anführer der kinetischen Maler ein. Sein Werk wurde mit der in den 1950er Jahren vom Kunstkritiker Harold Rosenberg geprägten Action-Malerei in Verbindung gebracht. Pollock hatte ein uneingeschränktes Verlangen, jeden Aspekt seiner Bilder zu beleben. Pollock sagte immer wieder zu sich selbst: „Ich bin in jedem Bild“. Er benutzte Werkzeuge, die die meisten Maler nie benutzen würden, wie Stöcke, Kellen und Messer. Die Formen, die er schuf, waren, was er für „schöne, sprunghafte Objekte“ hielt.

Dieser Stil entwickelte sich zu seiner Tropftechnik. Pollock nahm immer wieder Eimer mit Farbe und Pinsel und schnippte sie herum, bis die Leinwand mit krausen Linien und gezackten Strichen bedeckt war. In der nächsten Phase seiner Arbeit testete Pollock seinen Stil mit ungewöhnlichen Materialien. 1947 malte er seine erste Arbeit mit Aluminiumfarbe, mit dem Titel Cathedral. Von dort aus versuchte er seine ersten „Spritzer“, um die Einheit des Materials selbst zu zerstören. Er glaubte von ganzem Herzen, dass er das Material und die Struktur der Kunst aus ihren Zwangseinhausungen befreite, und so kam er zu der bewegenden oder kinetischen Kunst, die es immer gab.

Max Bill
Max Bill wurde ein fast vollständiger Schüler der kinetischen Bewegung in den 1930er Jahren. Er glaubte, dass kinetische Kunst aus einer rein mathematischen Perspektive ausgeführt werden sollte. Für ihn waren das Verwenden von mathematischen Prinzipien und Verständnis eine der wenigen Möglichkeiten, wie man objektive Bewegung erschaffen konnte. Diese Theorie galt für jedes Kunstwerk, das er schuf und wie er es schuf. Bronze, Marmor, Kupfer und Messing waren vier der Materialien, die er in seinen Skulpturen verwendete. Er genoss es auch, dem Betrachter ins Auge zu blicken, wenn er sich einer seiner Skulpturen näherte. In seinem Werk Construction with Suspended Cube (1935-1936) schuf er eine bewegliche Skulptur, die im Allgemeinen eine perfekte Symmetrie zu haben scheint, aber sobald der Betrachter sie aus einem anderen Blickwinkel betrachtet, gibt es Aspekte der Asymmetrie.

Mobiles und Skulptur
Max Bills Skulpturen waren nur der Beginn des Bewegungsstils, den die Kinetik erforschte. Tatlin, Rodtschenko und Calder nahmen insbesondere die stationären Skulpturen des frühen 20. Jahrhunderts und gaben ihnen die geringste Bewegungsfreiheit. Diese drei Künstler begannen damit, unvorhersehbare Bewegungen zu testen und versuchten von dort aus die Bewegung ihrer Figuren mit technologischen Verbesserungen zu kontrollieren. Der Begriff „mobil“ kommt von der Fähigkeit, zu modifizieren, wie Schwerkraft und andere atmosphärische Bedingungen die Arbeit des Künstlers beeinflussen.

Obwohl es in der kinetischen Kunst nur sehr wenige Unterschiede zwischen den Stilen von Handys gibt, gibt es eine Unterscheidung, die gemacht werden kann. Handys werden nicht mehr als Handys betrachtet, wenn der Zuschauer die Kontrolle über ihre Bewegung hat. Dies ist eines der Merkmale der virtuellen Bewegung. Wenn sich das Stück nur unter Umständen bewegt, die nicht natürlich sind, oder wenn der Betrachter die Bewegung nur geringfügig kontrolliert, operiert die Figur unter virtueller Bewegung.

Kinetische Kunstprinzipien haben auch die Mosaikkunst beeinflusst. Zum Beispiel verwenden kinetisch beeinflusste Mosaikstücke oft klare Unterscheidungen zwischen hellen und dunklen Fliesen mit dreidimensionaler Form, um scheinbare Schatten und Bewegung zu erzeugen.

Tatlin
Wladimir Tatlin wird von vielen Künstlern und Kunsthistorikern als die erste Person angesehen, die jemals eine bewegliche Skulptur vollendet hat. Der Begriff Mobil wurde erst zur Zeit Rodtschenkos geprägt, trifft aber auf Tatlins Arbeit sehr gut zu. Sein Handy ist eine Reihe von hängenden Reliefs, die nur eine Wand oder einen Sockel benötigen und für immer schwebend bleiben würden. Dieses frühe Handy, Contre-Reliefs Liberes Dans L’espace (1915) wird als eine unvollständige Arbeit beurteilt. Es war ein Rhythmus, der den rhythmischen Stilen von Pollock sehr ähnlich war und auf der mathematischen Verschränkung von Ebenen beruhte, die ein frei in der Luft schwebendes Werk schuf.

Tatlin hatte niemals das Gefühl, dass seine Kunst ein Objekt oder ein Produkt war, das einen klaren Anfang oder ein klares Ende brauchte. Er fühlte sich über alles, dass seine Arbeit ein sich entwickelnder Prozess war. Viele Künstler, mit denen er befreundet war, hielten das Handy 1936 für wirklich vollständig, aber er widersprach vehement.

Rodtschenko
Alexander Rodtschenko, einer von Tatlins Freunden, der darauf bestand, dass seine Arbeit abgeschlossen sei, setzte das Studium der gesperrten Handys fort und schuf etwas, was er für „Nicht-Objektivismus“ hielt. Dieser Stil war eine Studie, die weniger auf Mobiles als auf Leinwandbildern und Objekten, die unbeweglich waren, ausgerichtet war. Es konzentriert sich auf die Gegenüberstellung von Objekten aus verschiedenen Materialien und Texturen, um neue Ideen im Kopf des Betrachters entstehen zu lassen. Durch die Diskontinuität mit der Arbeit nahm der Betrachter an, dass sich die Figur von der Leinwand oder dem Medium, auf das sie beschränkt war, wegbewegte. Eine seiner Leinwandarbeiten mit dem Titel Tanz, eine objektlose Komposition (1915) verkörpert den Wunsch, Gegenstände und Formen aus verschiedenen Texturen und Materialien zu einem Bild zusammenzufügen, das den Blick des Betrachters auf sich zieht.

In den 1920er und 1930er Jahren fand Rodtschenko jedoch einen Weg, seine Theorien des Nicht-Objektivismus in mobile Studien zu integrieren. Sein 1920er Stück Hanging Construction ist ein Holzmobil, das an jeder Decke an einer Schnur hängt und sich natürlich dreht. Diese bewegliche Skulptur hat konzentrische Kreise, die in mehreren Ebenen existieren, aber die gesamte Skulptur dreht sich nur horizontal und vertikal.

Calder
Alexander Calder ist ein Künstler, von dem viele glauben, er habe den Stil der Mobiles in der kinetischen Kunst genau und genau definiert. Über viele Jahre des Studiums seiner Werke behaupten viele Kritiker, dass Calder von einer Vielzahl von Quellen beeinflusst wurde. Einige behaupten, dass chinesische Windbells Objekte waren, die der Form und Höhe seiner frühesten Handys sehr ähnlich waren. Andere Kunsthistoriker argumentieren, dass die 1920er Jahre Mobiles von Man Ray, einschließlich Shade (1920) einen direkten Einfluss auf das Wachstum von Calders Kunst hatten.

Als Calder das erste Mal von diesen Behauptungen hörte, ermahnte er seine Kritiker sofort. „Ich war und bin niemals ein Produkt von mehr als mir selbst. Meine Kunst ist meine eigene, warum sollte ich etwas über meine Kunst sagen, das nicht wahr ist?“ Eines von Calders ersten Handys, Mobile (1938), war das Werk, das vielen Kunsthistorikern „bewiesen“ hat, dass Man Ray einen deutlichen Einfluss auf Calders Stil hatte. Sowohl Shade als auch Mobile haben eine einzelne Schnur an einer Wand oder eine Struktur, die sie in der Luft hält. Die beiden Werke haben eine gekräuselte Eigenschaft, die vibriert, wenn Luft durch sie hindurchgeht.

Ungeachtet der offensichtlichen Ähnlichkeiten hat Calders Mobilestil zwei Typen geschaffen, die heute als Standard in der kinetischen Kunst bezeichnet werden. Es gibt Objektmobile und suspendierte Handys. Objektmobile auf Trägern sind in einer Vielzahl von Formen und Größen erhältlich und können sich beliebig bewegen. Aufhängbare Handys wurden zuerst mit farbigem Glas und kleinen Holzobjekten hergestellt, die an langen Fäden hingen. Objektmobile waren ein Teil von Calders aufstrebendem Mobilestil, der ursprünglich stationäre Skulpturen waren.

Man kann argumentieren, dass Calders früheste Objektmobile aufgrund ihrer ähnlichen Form und Haltung sehr wenig mit kinetischer Kunst oder bewegender Kunst zu tun haben. In den 1960er Jahren glaubten die meisten Kunstkritiker, dass Calder den Stil von Objektmobilen in solchen Kreationen wie dem Cat Mobile (1966) perfektioniert hatte. In diesem Stück erlaubt Calder, dass der Kopf und der Schwanz der Katze einer zufälligen Bewegung unterworfen sind, aber sein Körper ist stationär. Calder begann nicht mit dem Trend zu schwebenden Handys, aber er war der Künstler, der für seine scheinbare Originalität im mobilen Bauen bekannt wurde.

McCausland Mobile (1933), eines seiner frühesten gesperrten Handys, unterscheidet sich von vielen anderen zeitgenössischen Mobiles einfach durch die Form der beiden Objekte. Die meisten mobilen Künstler wie Rodtschenko und Tatlin hätten nie gedacht, solche Formen zu verwenden, weil sie nicht formbar oder aerodynamisch wirkten.

Trotz der Tatsache, dass Calder die meisten Methoden, die er bei der Erstellung seiner Arbeit verwendete, nicht preisgab, gab er zu, dass er mathematische Beziehungen dazu benutzte, um sie zu erstellen. Er sagte nur, dass er ein ausgewogenes Handy schuf, indem er direkte Gewichts- und Distanzvariationen verwendete. Calders Formeln änderten sich mit jedem neuen Handy, das er machte, so dass andere Künstler die Arbeit nie genau imitieren konnten.

Virtuelle Bewegung
In den 1940er Jahren, neue Stile von Handys sowie viele Arten von Skulpturen und Gemälden enthalten die Kontrolle des Zuschauers. Künstler wie Calder, Tatlin und Rodtschenko produzierten in den 1960er Jahren mehr Kunst, konkurrierten aber auch gegen andere Künstler, die unterschiedliche Zielgruppen ansprachen. Als Künstler wie Victor Vasarely in ihrer Kunst eine Reihe der ersten Merkmale virtueller Bewegung entwickelten, wurde kinetische Kunst heftig kritisiert. Diese Kritik blieb jahrelang bis in die 1960er Jahre, als sich die kinetische Kunst in einer Ruhephase befand.

Materialien und Elektrizität
Vasarely schuf viele Werke, die in den 1940er Jahren als interaktiv angesehen wurden. Eine seiner Arbeiten Gordes / Cristal (1946) ist eine Serie von kubischen Figuren, die ebenfalls elektrisch angetrieben werden. Als er diese Figuren erstmals auf Messen und Kunstausstellungen zeigte, lud er die Menschen zu den kubischen Formen ein, um den Schalter zu drücken und die Farb- und Lichtshow zu starten. Virtuelle Bewegung ist ein Stil der kinetischen Kunst, der mit Mobiles assoziiert werden kann, aber von diesem Bewegungsstil gibt es zwei spezifischere Unterscheidungen der kinetischen Kunst.

Scheinbare Bewegung und Op-Art
Scheinbare Bewegung wird der kinetischen Kunst zugeschrieben, die erst in den 1950er Jahren entstand. Kunsthistoriker glaubten, dass jede Art kinetischer Kunst, die unabhängig vom Betrachter mobil war, eine scheinbare Bewegung hatte. Dieser Stil umfasst Arbeiten, die von Pollocks Tropftechnik bis zu Tatlins erstem Handy reichen. In den 1960er Jahren, als andere Kunsthistoriker den Begriff „Op Art“ entwickelten, bezog er sich auf optische Täuschungen und alle optisch anregenden Kunstwerke, die auf Leinwand oder auf Papier waren. Diese Formulierung kollidiert oft mit bestimmten Aspekten der kinetischen Kunst, die Mobiltelefone einschließen, die im Allgemeinen stationär sind.

Für die Ausstellung Mouvements in der Galerie Denise René in Paris haben Victor Vasarely und Pontus Hulten 1955 in ihrem „Gelben Manifest“ neue kinetische Ausdrücke auf der Grundlage des optischen und leuchtenden Phänomens sowie des illusionistischen Gemäldes propagiert. Der Ausdruck „kinetische Kunst“ in dieser modernen Form erschien 1960 erstmals im Museum für Gestaltung in Zürich und fand seine wesentlichen Entwicklungen in den 1960er Jahren. In den meisten europäischen Ländern umfasste es im Allgemeinen die Form der optischen Kunst, die hauptsächlich optische Täuschungen wie Op-Art, vertreten durch Bridget Riley, sowie Kunst auf der Grundlage von Bewegung von Yacov Agam, Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael vertreten Soto, Gregorio Vardanega oder Nicolas Schöffer. Von 1961 bis 1968 war die von François Morellet, Julio Le Parc, Francisco Sobrino, Horacio García Rossi, Yvaral, Joël Stein und Vera Molnár gegründete GRAV (Gruppe der Recherche d’Art Visuel) eine kollektive Gruppe optokinetischer Künstler. Gemäß seinem Manifest von 1963 appellierte GRAV an die direkte Beteiligung der Öffentlichkeit, die Einfluss auf sein Verhalten hatte, insbesondere durch die Verwendung interaktiver Labyrinthe.

Im November 2013 eröffnete das MIT-Museum 5000 Moving Parts, eine Ausstellung kinetischer Kunst, mit Arbeiten von Arthur Ganson, Anne Lilly, Rafael Lozano-Hemmer, John Douglas Powers und Takis. Die Ausstellung eröffnet im Museum ein „Jahr der kinetischen Kunst“ mit speziellen Programmen zur Kunstform.

Neokinetische Kunst ist in China sehr beliebt, wo Sie an vielen öffentlichen Orten wie dem Wuhu International Sculpture Park und in Peking interaktive kinetische Skulpturen finden können.

In ähnlicher Weise wird „kinetische Kunst“ in Zukunft ein Genre, in dem die Grenzen der Kunst mehrdeutig werden und eine konstante Erweiterung erwartet wird. Besonders im Bereich der Installation, die Arbeit von Nam Jung Pike, die die brennende Kerze, wie es ist, die Werke von Yukinori Yanagi verwendet, die die „Formen“, wo lebende Ameisen das Nest graben schätzen, machte eine Kontroverse mit verrottenden Fisch als eine Arbeit Es Es ist nicht unüblich, eine einzige Bewegung „Bewegung“ wie Lee Bul zu machen, und es ist nicht mehr vorhersehbar, wie sich die Idee von „Bewegung“ in Kunstwerken in der Zukunft ausbreiten wird.