Das Zimmerbilder, ist eine Bildgenre, die gegen Ende des 17. Jahrhunderts in Europa auftrat und in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts eine große Mode erlebte. Es handelt sich um eine sorgfältige, detaillierte Darstellung eines Lebensraums ohne Menschen. Diese Gemälde wurden im Allgemeinen als Aquarelle gerendert und erforderten große technische Meisterschaft, wenn auch wenig Kreativität. Bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts, obwohl solche Szenen immer noch geschaffen wurden, hatte die Fotografie diesen Stil der Malerei in eine Form des intentionalen Archaismus verwandelt.
Der Zimmerbildert bezieht sich auf eine Gattung der Malerei, die sich mit der Darstellung von – meist privaten – Interieurs beschäftigt und die fast ausschließlich in der kulturellen Epoche des Biedermeier weit verbreitet war.
Das Zimmerbilder nicht mit einem sogenannten „Gesprächsstück“ in England verwechselt werden; ein Begriff, der eine Szene mit einer Gruppe von Personen bezeichnet, die eine bestimmte Aktivität ausüben und oft draußen stehen. Das echte Innenstück zeigt nur den Raum und das Dekor, obwohl frühere Aktivitäten durch die Platzierung von Gegenständen im Raum angedeutet werden können.
Es gab Gemälde wie Zeichnungen, Aquarelle und Gouachen sowie verschiedene Mischtechniken. Sie waren relativ klein, ihre durchschnittliche Landschaftsgröße betrug etwa 32,5 × 22,5 cm, größere Abweichungen nach oben oder unten traten auf, waren aber selten. Die Illustrationen folgten in den meisten Fällen dem Prinzip des Boxsets. Der Fokus wurde oft leicht von der Mitte nach links versetzt. Diese Arbeiten waren nicht das Werk von Amateuren, sondern von professionellen Künstlern, teils von spezialisierten „Raummalern“. Ein klares Beispiel für die Wertschätzung, die das Genre seit einiger Zeit genießt, ist eine Serie von neun Aquarellen, die der berühmte Architekturmaler Eduard Gaertner im Auftrag der königlichen Familie für Innenräume im Berliner Stadtschloss schuf.
Der Zustand eines bestimmten Innenraums wurde zu einer bestimmten Zeit mit großer Genauigkeit beschrieben – das Aussehen und die Platzierung von Möbeln, die Farben und Muster von Tapeten, Vorhängen und Teppichen, die Gestaltung von Räumen mit Kunstwerken, Alltagsgegenständen oder Verzierungen. Diese detailgetreue Wiedergabe des Interieurs zeigt, wie intensiv sich die Zeitgenossen mit den Objekten ihrer privaten Umgebung auseinandergesetzt haben und gleichzeitig deutlich machen, dass sie dies auch dokumentieren wollten. Menschen wurden selten in diesen Bildern gezeigt, und wenn, dann kaum mit ihren individuellen Merkmalen, aber klein und in einer Tätigkeit, die dem Zweck jedes Zimmers entsprach. Vor allem war das Individuum indirekt durch die genaue Beschreibung seines privaten Umfelds präsent.
Zimmerbilder wurden meist als persönliche Geschenke zu bestimmten Anlässen in Auftrag gegeben. Die preußische Prinzessin Elisabeth gab ihren Eltern ein Bild von ihrer Berliner Kinderstube, als sie nach Darmstadt ging, heiratete jung. Und ein Aquarell des Arbeitszimmers von Großherzog Ludwig II. Von Hessen-Darmstadt war eine Kopie nach seinem Tod und wurde posthum verschenkt. Die Blätter wurden möglicherweise weitergegeben, zumindest nicht öffentlich ausgestellt und nicht verkauft. Sie wurden zu Alben zusammengestellt – eine Beschäftigung, die damals bei Frauen in der Gesellschaft beliebt war – und sie in einer häuslichen Umgebung betrachtet. Neben ihrer emotionalen Bedeutung waren diese Anthologien auch Bilder des Kunstverständnisses, des Bildungsniveaus und des sozialen Status ihrer Besitzer.
Frühe Innenporträt
Das Interieur war im 16. Jahrhundert in den Graphiken der Deutschen und der frühen Niederlande präsent, in den Gemälden der Holländer im 17. Jahrhundert, die als Hintergrund für die Front- und Intimporträts dienten. Im Holland des 17. Jahrhunderts wurde das Bild des Interieurs zu einem frühen Genre der nationalen Kunst.
In den Zeiten des europäischen Mittelalters wurde nicht nur auf die Innenräume romanischer und gotischer Kirchen und Kathedralen geachtet, sondern auch auf private Wohnhäuser. Monastische und säkulare Innenräume (Romanik und Gotik) unterschieden sich in Askese und minimalem Mobiliar. Aber selbst dann gibt es eine Umverteilung der Räumlichkeiten nach Verabredung – Küchen, Säle, Speisesäle, Schlafzimmer für die Besitzer, Gästezimmer und deren Schlafzimmer, Wohnungen für Diener, Arsenale, Wächter. Eine begrenzte Anzahl von mittelalterlichen Innenräumen oder deren Ecken spiegeln sich in zeitgenössischen Miniaturen, in Zeichnungen des späten Gentile, in den Werken der frühen niederländischen Malerei, die sich längst auf die Erfahrung des nationalen Mittelalters stützten. Das Bild der Innenräume entwickelte sich langsam aus dem schematischen Bild
Das Meisterwerk der frühen holländischen Malerei war das Porträt des frisch verheirateten Arnolfini, Jan van Eyck (1434, National Gallery (London)). Der Künstler präsentierte einen Hochzeitseid im Inneren des Bürgerhauses, wo er einen italienischen Kaufmann heiratete, der sich lange in den Niederlanden niedergelassen hatte. Jan van Eyk wagte es auch, die Grenzen des üblichen Porträts zu erweitern, ohne den Unterschied in Alter und Charakter des Brautpaares zu vertuschen, sondern reproduzierte gerade die ungewöhnliche Kleidung. Jungvermählten sind im Raum, durch ein weiches, schimmerndes Licht aus dem Fenster beleuchtet. Einer mittelalterlichen Tradition folgend, platzierte Jan van Eyk im Raum eine Reihe von Dingen, die sowohl praktische als auch symbolische Bedeutung hatten: eine angezündete Kerze – eine Andeutung einer Hochzeit, eine Orange auf dem Fenster – ein Hauch von Vergnügen, ein Zimmerhündchen – ein Allegorie der Loyalität, ein Beil oder ein Geschirr – ein Zeichen Frömmigkeit und so weiter. Aber die Besonderheit des Bildes von Haushaltsgegenständen gibt dem Betrachter die Realität und die Beziehung der Dinge im täglichen Leben zurück, die Bestrebungen der Herrscher zu der Reinheit, Bequemlichkeit, Wohlbehagen und Bequemlichkeit, so ein inhärentes und angenehmes Zuhause die Niederlande, und das ist nicht üblich für die lauten und nomadischen Italiener, die dann sogar Paläste auf dem nomadischen Quadrat umwandeln können. Die Unannehmlichkeit und Inkohärenz der italienischen Innenräume beschwerten sich dann bei den niederländischen und deutschen Reisenden.
Zahlreiche Innenaufnahmen wurden von Meistern der deutschen Grafik geschaffen. Unter ihnen als religiöse Szenen („Verkündigung“, „Stretching“), sowie das Bild der Gründerväter („St. Jerome in der Zelle“). Das Bild des hl. Jeronim in der Zelle wurde praktisch kanonisiert und logisch von den mittelalterlichen Meistern zu den Meistern des Zeitalters der Erneuerung und des Manierismus umgewandelt, wobei jeder von ihnen seine eigene Interpretation der Zelle des Theologen vorlegte.
Unter den säkularen Geschichten werden die seltenen Bilder von Menschen in der Freizeit (Izrael van Mekenem Jr. (1440-1503), Gravur „Der Tanz im Kreisverkehr“) oder ein Zyklus von Stichen mit Bildern von Kunsthandwerkern in ihren eigenen Werkstätten hervorgehoben (Graveur Yost Amman, „Brewer“, „Tkach Kilimar“, „Druckerei“, „Apotheke“, „Friseursalon“, „Studio Glasmalerei“) Interiors sind nicht von Menschen oder häuslichen Situationen getrennt – und sie werden nicht sein Lange Zeit trennten sie sich noch, aber die Meister reproduzierten frei die Eigentümlichkeiten der zeitgenössischen Möbel, Haushaltsgegenstände, Werkzeugmaschinen, Instrumente und Kleidungsstücke der damaligen Zeit.Im Zyklus der Gravuren mit Kunsthandwerkern zeichnen sich gerade diese handwerklichen Arbeiten durch technische Merkmale aus Features, spezifische Features und sogar Features der Technologie.
Innenporträt des 17. Jahrhunderts
Diese Art von Szene erscheint erst gegen Ende des 17. Jahrhunderts. Zu dieser Zeit war die Absicht vollständig beschreibend. Sie wurden normalerweise speziell angefertigt, um den Inhalt einer Kunstgalerie, einer persönlichen Bibliothek oder eines Wunderkammers zu zeigen. Eines der ersten bekannten Beispiele stellt die Bibliothek von Samuel Pepys in London aus dem Jahr 1693 dar. Sie wird noch heute von Forschern und Dekorateuren geschätzt. Im Fall von Pepys kann man aus erster Hand sehen, wie ein Gelehrter seiner Zeit seine Bücher in einem Bücherregal anordnet (eine Neuheit zu dieser Zeit), ein Rednerpult benutzt, Kissen für seine Bequemlichkeit platziert, Karten hängt usw.
Die Kunst der Niederlande hat sich logisch in der Kunst aller Regionen entwickelt, die im 15. und 16. Jahrhundert Teil des Territoriums der historischen Niederlande waren, als sie zusammen mit Flandern einer einzigen staatspolitischen Formation angehörten. Ab dem 17. Jahrhundert gab es eine staatliche und künstlerische Teilung, die zur Gründung von zwei nationalen Kunstschulen führte, die einzigartig waren, aber einen unterschiedlichen Charakter hatten. Bekennende Unterschiede trugen auch zur künstlerischen Unterscheidung bei. Der Süden der Niederlande und Flandern blieben im Schoß des Katholizismus, wo die religiöse Kunst im 17. Jahrhundert eine neue Blüte erlebte. im barocken Stil. Holland ist überwiegend ein protestantischer Staat mit realistischen Kulturführern und der begrenzten Verwendung barocker Stilistik geworden.
Im frühen 17. Jahrhundert erlebte Holland eine Reihe von Jahren der Selbstbestätigung und Lebhaftigkeit. Weil der Kampf für die Unabhängigkeit vom mächtigen Königreich Spanien erfolgreich beendet wurde. Es gab eine lange Arbeit an der Anerkennung des jungen Staates, der gerade auf der politischen Landkarte Westeuropas erschien. Selbstbehauptung und Heiterkeit waren sowohl dem Verhalten der Einwohner als auch der nationalen Kunst inhärent, die aktiv von den religiösen Beschränkungen des katholischen Italiens beraubt wurde. Die Vorherrschaft des Protestantismus, der die religiöse Malerei des katholischen Modells nicht anerkannte und die Phase des Bildersturms durchschritt, führte zu einer bedeutenden Reduzierung der Orden für religiöse Gemälde. Und im Gegenteil, es wird zu einer explosiven Verbreitung von säkularen Themen in den Genres führen. In der Kunst Hollands erlangte die außerordentliche Macht und Entwicklung ein Porträt, eine Landschaft, ein alltägliches Genre, ein Stillleben, ein Interieur als ein Genre, das den berühmten Zentren zeitgenössischer Kunst in Italien oder Frankreich nicht einmal bekannt war.
Niederländische Künstler sind begeistert, die Innenräume ihrer eigenen und fremden Wohnungen zu malen. Fast alle Kompositionen des berühmten Jan Wermer werden in gemütlichen, bürgerlichen Interieurs präsentiert. Ungewöhnliche Innenmeister mit Figuren waren Jan Stan, Peter de Hooh, Gerard Terborh. Verlassen nach Jahren des Ikonoklasmus, die asketischen Innenräume der Kirchen von Peter Sanremad, Antony de Lorme ,. Die wärmeren Gefühle sind heilige Innenräume in den Gemälden von Emmanuel de Witte, von der Sonne beschienen und nicht mit Details überladen. Bauernhäuser von armen Webern, Künstlern, Barriten, Notaren, kleinen Handwerkern, Schmiedeschmieden wurden von Peter Codde, Cornelis Beag, Michiel van Mücher, Adrian van Gasbeck, Cornelis Belt aufgenommen. Der Anteil der Kompositionen war mit der obligatorischen Ecke des Interieurs – es ist „Wissenschaftler in seinem eigenen Büro“. Rembrandt, Solomon Konink, Bartolomeus Maton, Konstantin Nettsher, Dominique van Tol haben ihre eigenen Varianten mit einem erwachsenen oder grauen Charakter geschaffen, entweder als Theologe oder als Astrologe (mit Büchern, einem Globus). Innenräume in den Gemälden niederländischer Meister begleiten einen Menschen von der Geburt bis zum Tod oder zu einer „Anatomie-Stunde“ (besucht von allen, die es mögen), einem besonderen Genre der niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts.
Die niederländische Kunst des 17. Jahrhunderts wurde im 17. Jahrhundert zu einem eigenartigen Phänomen in der künstlerischen Situation Europas. Von Künstlern, die von den Niederlanden gegründet wurden, werden Künstler aus anderen europäischen Kunsthochschulen Europas gehen.
Erst im letzten Viertel des 18. Jahrhunderts tauchte eine neue Art von Innenporträt mit einer anderen Absicht auf. Diese Art entstand zuerst in Architekturbüros und wurde zum Vorteil ihrer Kunden gemacht. Große Architekten wie der James Adam und sein Bruder Robert Adam von Schottland und François-Joseph Bélanger würden Aquarelle ihrer früheren Projekte ausführen, um potenzielle Kunden anzulocken. Dies schuf eine Modeerscheinung unter den Reichen und dem Adel, Gemälde ihrer eigenen Räume in Auftrag zu geben, aufzuzeigen und für die Nachwelt zu bewahren. Diese Gemälde wurden oft in Alben zusammengestellt. Diese Begeisterung war besonders in England vorherrschend. Von dort aus verbreitete es sich in ganz Europa.
Ein Merkmal des Biedermeier war die Entwicklung zu Einfachheit und Bescheidenheit – nicht als ethische Haltung, sondern als Stilfrage. Statt überfüllter Formen und reichlich Gold wurden einfache, formal reduzierte Objekte und einfache, aber meisterhaft gefertigte Materialien als Beweis für ästhetische Qualität betrachtet. Diese besondere Art bescheidener Bescheidenheit war teuer. Der Adel und zunehmend die wohlhabende Bourgeoisie konnten es sich leisten – und sie ließen die Erfolge in Bildern festhalten.
Periodisierung im 18. Jahrhundert
Seit einiger Zeit die Kunst des 18. Jahrhunderts. in Frankreich waren in zwei Hauptperioden unterteilt – Rokoko und Klassizismus (oder Neoklassizismus des späten 18. Jahrhunderts) oder Könige, die unproduktiv waren. Dieser simple Ansatz, der in der Kunst Frankreichs vorherrschte, ist eher schematisch und stützt sich nicht auf historische Muster und deren Abdruck in der Realität. Die vereinfachende Herangehensweise ignorierte die realen Veränderungen, mit Betonung auf andere Ereignisse, schob die Hitze des antifeudalen Kampfes und die Bedeutung einer solchen Periode als revolutionären Klassizismus, ein einzigartiges Phänomen der westeuropäischen Kunst.
Das wirkliche Bild des Kampfes der Ideen- und Stiländerungen war viel komplizierter, fieser, mehrstufig.
Die ersten Jahrzehnte des 18. Jahrhunderts. – Es ist akademischer Klassizismus, sehr eigenartig und dem „barocken“ Klassizismus ähnlicher.
Den Stilrichtungen ging eine Zeit des Präcoco voraus, deren schwache Sprossen die Arbeit verschiedener Meister durchbrachen, nicht unbedingt Franzosen (Holländer Nicholas Berchem, italienische Rosalba Career aus Venedig)
Rokoko (das zwischen akademischem Klassizismus des 17. Jahrhunderts und dem Neoklassizismus des Endes des Jahrhunderts herrschte).
Die Aufklärung entwickelte sich parallel und synchron zum Rokoko und bereitete praktisch die antifeudale Revolution von 1789-1793 vor.
Klassizismus des späten 18. Jahrhunderts. in Koexistenz mit Sentimentalismus, kurzfristigen revolutionären Klassizismus und auferlegt der Kunst Frankreichs (Napoleon und seine Marschall Unterstützer) Empire.
Klassizismus (und Reich) dauerte bis in die 1830er und 1850er Jahre und koexistierte mit der Romantik.
Fast zu allen Zeiten verlor die historische Malerei, die zum präsidentiellen Genre erklärt wurde, ihre führenden Positionen, die dem Porträtgenre nachgeben. Für fast alle bekannten Künstler des Jahrhunderts waren Rokoko-Anhänger Frankreichs und Italiens Porträtisten, und das Porträt stand im Zentrum des Ideenkampfes, praktisch auf künstlerische Suche. .
Innenraum im Rokokomalerei
Der Beginn des 18. Jahrhunderts in Paris war geprägt von der Geburt des Rokokostils. Zur Bildung eines neuen Stils in der Malerei wurden die Künstler Franzose Antoine Watteau und Italienisch aus Venedig Rosalba Karriere, aktiv von den Reichen und Förderer Pedro Croz unterstützt. Germain Bofran wurde die erste bedeutende Figur unter den Innenarchitekten, die das Rokoko in der Palastdekoration zahlreicher Hotels initiierten (private städtische Güter französischer Aristokraten). Die ovale Halle des Hotel Subiz ist zum Modell eines neuen Stils geworden – mit der Ablehnung der klassischen Tektonik und der Säulenpfeiler, mit Bogenfenstern, Gemüsedekor, die auf den Bildeinlagen kleben und an die Decke reichen. Gewöhnliche Gebäude werden durch Holzpaneele ersetzt, Gemälde und Spiegel werden zu seltsamen gewundenen Ornamenten verwoben, leicht und launisch. Ein wichtiges Merkmal der Innenräume sind leichte und bequeme Möbel, die die üppigen und schweren Barockmöbel verdrängten.
Die Kunst als solche bleibt aristokratisch und dient den Bedürfnissen der privilegierten Staaten der Gesellschaft. Die Kunst des Rokoko (mit seiner Frivolität, dem Vergnügungskult, dem Flirten) existiert, als wolle man die Aristokratie erfreuen und sie leicht in die Freizeit unterhalten. Es wäre eine der Modeseiten geblieben, wenn nicht die Stilistik des Rokoko von einer Reihe von hochbegabten Künstlern, darunter Germain Boffran, angesprochen worden wäre. Zum ersten Mal seit der Gotik wurde die Ordnung von Innenräumen abgelehnt und durch vegetatives oder wellenförmiges Dekor ersetzt. Änderungen in der Mode, Reparaturen und Sanierung von Räumen in anderen Stilen trugen nicht zur Erhaltung der Innenräume des Rokoko bei. Die Vorstellung von ihrem bedeutenden künstlerischen Wert wird später kommen. Im 19. Jahrhundert wurden sie dann in einer Reihe von Aquarellen (gemalt von Hau Edward Petrovich, Innenräume des Großen Gattschina-Palastes) in Bildern und Fotos des 20. Jahrhunderts aufgenommen. Der beachtliche künstlerische Wert der Rokokoraritäten in den Felsen des Vereinigten Königreichs versetzt die Historiker in das einzigartige Dekor des Norfolk Nous Palace im Victoria and Albert Museum (Norfolk Nawas Music Hall), wo es zu einem wichtigen Exponat der Vergangenheit wird.
Apogee im 19. Jahrhundert
Das erste historisch bedeutsame Beispiel des inneren Porträts stellt eine kleine Kunstgalerie dar, die 1812 von der Kaiserin Josephine in Malmaison eingerichtet wurde. In diesem Aquarell von Auguste-Siméon Garneray können wir ihre Harfe, Kunstsammlung und ihren Schal auf einem Sessel sehen . So entsteht ein neues Element: die psychologischen Elemente des Dekors und eine spürbare menschliche Präsenz. Man kann die Gefühle und Gedanken des Besitzers fühlen. In diesem Sinne sind die Bilder wirklich zu „Porträts“ geworden.
Das 19. Jahrhundert wird eine Modeerscheinung dieser bildlichen Darstellungen erfahren, die durch viele Faktoren erklärt wird. In den höheren sozialen Schichten fällt das Phänomen mit der wachsenden Bedeutung zusammen, die dem Heim als Ort des Komforts, der Intimität und der Familie beigemessen wird. Münzfunktionen werden immer spezialisierter: So ist das Esszimmerkonzept jetzt Standard6. Auf der anderen Seite steigert die Entwicklung der neuen Mittelschichten, die den aristokratischen Geschmack kopieren wollen, die Bewegung: Im Laufe des Jahrhunderts werden die Möbel dank der industriellen Technologien, die sie serienmäßig herstellen, in einer großen Vielfalt erschwinglicher Wahl. Schließlich werden die dekorativen Formen schnell erneuert, die vorherigen Stile werden wieder besucht: neo-gotisch, neoklassizistisch, neo-Louis XV, usw. Es ist daher für Hauseigentümer üblich, Ansichten ihres Inneren zu bestellen, um sich zu erinnern, anzubieten oder zu vererben .
Die immense Popularität dieser Gemälde im 19. Jahrhundert kann durch viele Faktoren erklärt werden. Unter den Neureichen und der Bourgeoisie wurde dem Heim als Ort der Behaglichkeit, der Intimität und der Familie große Bedeutung beigemessen. In dieser Zeit gab es auch eine Spezialisierung (z. B. separate Speisesäle), die einst nur den Reichen bekannt waren. Diese neuen „Mittelschichten“ waren auch bestrebt, den aristokratischen Geschmack zu kopieren, und die Industrialisierung machte eine viel größere Vielfalt an Möbeln erschwinglich. Schließlich wurden dekorative Stile ständig verändert und wiederbelebt, so dass Innenporträts eine Möglichkeit waren, die eigenen Erinnerungen zu bewahren und sie der nächsten Generation zu vermachen.
Königin Victoria mochte diese Porträts sehr, da sie es ihr erlaubten, der Öffentlichkeit einen Einblick in ihr liebevolles Familienleben und den behaglichen Komfort auf geschmackvolle Weise zu geben. Die Begeisterung wurde dadurch in den Königlichen Familien Europas verbreitet. Die Zaren gehörten zu den enthusiastischsten Auftraggebern von Innenporträts, da sie zahlreiche reich verzierte Paläste besaßen (Winterpalast, Zarskoje Selo, Gattschina-Palast, Peterhof-Palast, Pawlowsk-Palast …). Praktisch alle ihre Räume (außer den privatesten) wurden mindestens einmal gerendert; einige Male. Diese Aquarelle gelten als eine der besten ihres Genres.
In den unmittelbar folgenden historischen Abschnitten behielten die Bilder für eine Weile ihren privaten Erinnerungswert, verloren aber durch den Wechsel ästhetischer Sichtweisen und individueller Gewohnheiten ihre Bedeutung. Der Wunsch, die eigenen vier Wände auf diese besondere Weise zu dokumentieren, war nicht mehr so verbreitet wie zuvor. Wer wollte noch das „moderne“ Medium der Fotografie nutzen? In größerer Entfernung von ihrer Entstehung wurden die Biedermeier-Raumbilder jedoch wieder zu wichtigen Quellen besonderer kulturhistorischer Informationen.
Das Wiederaufleben im zwanzigsten Jahrhundert
Im 20. Jahrhundert und heute setzen einige Künstler diese Tradition fort. Künstler verewigen heute die Kunst des Innenporträts, arbeiten in der Ordnung, in Aquarell oder Öl. Hauseigentümer bestellen Ansichten ihrer Häuser, um sich an sie zu erinnern, um sie ihnen anzubieten oder um sie ihren Kindern zu vermachen, als Zeugnis für das Glück, in einem geliebten Ort zu leben oder gelebt zu haben. Dekorateure nutzen diese Kunst auch für Projekte, die eine besondere Atmosphäre schaffen wollen.
Spezialität Künstler
Zu einer Zeit, in der jede kultivierte junge Frau Aquarelle malen lernte, malten viele ihre eigenen Räume oder die, in denen sie ihren Unterricht erhielten. Die meisten der überlebenden Beispiele sind anonyme und selten von hoher Qualität, aber sie haben oft einen Charme, der kompensiert, was sie an technischer Expertise fehlt.
Einige Mitglieder der Aristokratie verfügten jedoch über echte Begabung, die an die Professionalität grenzte. Der polnische Graf Artur Potocki zum Beispiel reiste weit herum und malte Aquarelle der Hotelzimmer und anderer Orte, an denen er wohnte, von Rom bis London.
Nichtsdestotrotz wurden fast alle Werke von höchster Qualität von Profis mit außergewöhnlicher Virtuosität in Aquarellen und einer Beherrschung der Perspektive produziert … besonders konische Perspektive, mit zwei oder drei Fluchtpunkten, die einen unheimlichen fotografischen Effekt für moderne Augen erzeugt.
Bis auf wenige Ausnahmen, wie Jean-Baptiste Isabey und Eugène Lami aus Frankreich, der Architekt John Nash und der Möbelhersteller Thomas Sheraton (beide England), sind nur wenige Künstler, die sich ausschließlich mit diesen Porträts beschäftigt haben, heute noch vertraut. Unter einigen bemerkenswerten Künstlern, die sie hervorbrachten, nicht zuvor erwähnt:
In England: William Henry Hunt, Mary Ellen Best, William Henry Pyne.
In Frankreich: Charles Percier, Adrien Dauzats.
In Deutschland: Ferdinand Rothbart, Rudolf von Alt, Eduard Gaertner.
In Russland: Eduard Hau, Wassili Sadownikow, Konstantin Uchtomski, Grigori Tschernezow, Nikanor Chernetow (sein Bruder), Alexander Brullov, Karl Brollow (sein Bruder), Pjotr Sokolow, Orest Kiprenski, Alexej Wenezijanow.
In Polen Aleksander Gryglewski.