Die Grotesken sind eine besondere Art der parietalen Bilddekoration, die ihre Wurzeln in der römischen Malerei der augusteischen Zeit hat und seit dem späten 15. Jahrhundert wiederentdeckt und popularisiert wurde. Der Begriff bezeichnet nun auch den Charakter dessen, was lächerlich, bizarr, lachhaft, mit einem gewissen Schreck vermischt erscheint. Trotz der Schwierigkeit, wegen ihrer außerordentlichen Vielfalt und Vielfalt Formen des Grotesken zu erkennen, könnte jede Groteske auf die Umsetzung eines oder mehrerer reduziert werden aus diesen Gründen: Wiederholung, Hybridität, Metamorphose.

Seit mindestens dem 18. Jahrhundert wird Groteske als allgemeines Adjektiv für das Seltsame, Mysteriöse, Prächtige, Fantastische, Scheußliche, Hässliche, Unpassende, Unangenehme oder Ekelhafte verwendet und wird daher oft benutzt, um seltsame Formen und verzerrte Formen zu beschreiben wie Halloween-Masken. In der Kunst, der Performance und der Literatur kann sich Groteske aber auch auf etwas beziehen, das gleichzeitig in einem Publikum ein Gefühl von unbehaglicher Bizarrheit sowie Mitleid erregt. Genauer gesagt, sollten die grotesken Formen gotischer Gebäude, wenn sie nicht als Abflussrinnen verwendet werden, nicht als Wasserspeier bezeichnet werden, sondern einfach nur als Grotesken oder Chimären bezeichnet werden.

Die groteske Dekoration ist gekennzeichnet durch die Darstellung von hybriden und monströsen Wesen, Chimären, oft dargestellt als schlanke und skurrile Figuren, die geometrische und naturalistische Dekorationen, symmetrisch strukturiert, auf einem meist weißen oder jedenfalls monochromen Hintergrund vereinen. Die Figuren sind sehr farbenfroh und geben Rahmen, geometrische Effekte, Verflechtungen usw. wieder, behalten aber immer eine gewisse Leichtigkeit und Luftigkeit, da die Motive im Hintergrund meistens Minuten, fast kalligrafisch, bleiben. Die überwiegend ideenreiche und verspielte Darstellung verfolgt nicht immer eine rein ornamentale Funktion, sondern spielt manchmal auch einen didaktischen und enzyklopädischen Zweck, indem sie Bestände der Künste und Wissenschaften oder gleichnamige Darstellungen nachbildet.

Rémi Astruc hat argumentiert, dass, obwohl es eine immense Vielfalt an Motiven und Figuren gibt, die drei wichtigsten Tropen des Grotesken Doppelheit, Hybridität und Metamorphose sind. Über das aktuelle Verständnis des Grotesken als ästhetische Kategorie hinaus zeigte er, dass das Groteske eine grundlegende existenzielle Erfahrung darstellt. Darüber hinaus identifiziert Astruc das Groteske als ein wichtiges und potenziell universelles anthropologisches Gerät, das von den Gesellschaften verwendet wurde, um Alterität und Veränderung zu konzeptualisieren.

Ursprung:
Das Wort beschreibt die Ornamente der Domus Aurea, das von Nero erbaute Haus des Goldenen Zeitalters (auch Goldenes Haus genannt), das mit seltsamen Mustern bedeckt ist. Am Ende des fünfzehnten Jahrhunderts fiel ein junger Römer in ein Loch an den Hängen des Oppius und befand sich in einer Art Höhle, die mit überraschenden Gemälden bedeckt war, daher der Name „grotesk“, der diesen Gemälden gegeben wurde. In der Tat war es Domus Aurea, der begraben wurde. Der Begriff hatte ursprünglich nicht die gleiche Bedeutung wie zur Zeit. Die grotesken Malereien sind wunderliche Montagen verschiedener Elemente (Architekturen, Vasen, Girlanden, Blätter usw.), die oft menschliche und tierische Figuren enthalten, die möglicherweise nicht immer chimärisch und karikiert sind.

Groteske Geschichte:
Grotesk ist ein extravaganter Stil (seine Motive wurden als lächerlich, vulgär oder absurd definiert) erweiterte die Verwendung des Begriffes Groteske als Synonym für solche Adjektive, sogar die unregelmäßigen, unhöflich und geschmacklos. Es wird auch so bezeichnet als das Verhältnis zu den künstlichen Höhlen. Die Dekoration mit Kieselsteinen oder Rocaille (in der Gartenarbeit bzw. im Inneren) ist von späteren Stilen (das Rokoko von Jahrhundert XVIII). Viel früher ist der Gebrauch von Monstern in der mittelalterlichen Kunst (Wasserspeier, Kragsteine); während die letzte Phase der Renaissance, der Manierismus, einige hervorragende Beispiele dafür hat (Park der Monster von Bomarzo). Das Groteske definiert schließlich eine ästhetische Kategorie, die sich von der klassischen Idee der Schönheit unterscheidet, im Gegensatz zur Kategorie des Erhabenen.

Die Grotesken sind eine Art freies und witziges Gemälde, das in der Antike erfunden wurde, um die Wände zu schmücken, wo nur in der Luft schwebende Formen platziert werden konnten. In ihnen vertraten die Künstler monströse Missbildungen, Töchter der Launen der Natur oder die extravagante Phantasie der Maler: Sie erfanden diese Formen ausnahmslos, sie hängten einen sehr dünnen Faden an ein Gewicht, das niemals hätte getragen werden können, verwandelten sich in Blätter Beine eines Pferdes und Beine eines Mannes auf Kranbeinen, und malte auch viel Unfug und Extravaganz. Derjenige mit der am meisten überströmenden Phantasie schien am fähigsten zu sein. Nachdem die Regeln eingeführt wurden und das Wunder sich auf die Friese und die zu dekorierenden Fächer beschränkte. -Giorgio Vasari

Frühe Beispiele in römischen Verzierungen:
In der Kunst sind Grotesken ornamentale Arrangements von Arabesken mit ineinander verschlungenen Girlanden und kleinen und fantastischen Menschen- und Tierfiguren, die normalerweise in einem symmetrischen Muster um eine Art von architektonischem Gerüst angeordnet sind, obwohl dies sehr fadenscheinig sein kann. Solche Entwürfe waren im alten Rom in Mode, als Freskenwanddekoration, Bodenmosaike, usw., und wurden von Vitruv (ca. 30 v. Chr.) Verschrien, der sie als bedeutungslos und unlogisch abtat, die Beschreibung vorschrieb: „Schilf ersetzen Säulen geriffelte Anhängsel mit lockigen Blättern und Voluten nehmen den Platz von Giebeln ein, Kandelaber stützen Darstellungen von Schreinen, und auf ihren Dächern wachsen schlanke Stiele und Voluten mit sinnlos auf ihnen sitzenden menschlichen Figuren. “

Als Neros Palast in Rom, die Domus Aurea, im späten 15. Jahrhundert unwiederbringlich wiederentdeckt wurde, begrub sich in fünfzehnhundert Jahren Fülle der erste Durchbruch von oben, so dass diejenigen, die die Räume sehen wollten, in sie hinein abgesenkt werden mussten Seile, die ihre Ähnlichkeit mit Höhlen oder Grotten auf Italienisch vervollständigen. Die römischen Wanddekorationen mit Fresken und zierlichem Stuck waren eine Offenbarung.

Grotesk in der Renaissance:
Es wird vermutet, dass die Grotesken, die seit der Renaissance verwendet werden, Imitationen von Gemälden sind, die in unterirdischen Grotten von antiken Monumenten entdeckt wurden, hauptsächlich in den Thermen von Tito und Livia in Rom, in Domus Aurea von Nero, in Villa Adriana in Tivoli und in verschiedenen Gebäuden von Herculaneum und Pompeji. Benvenuto Cellini spiegelt in seiner Autobiographie wider, wie der Begriff Grottesca oder Grottesche seit der Entdeckung der gewölbten Räume der Domus Aurea, die zehn Jahrhunderte lang verschüttet worden waren, begonnen wurde. Die Enthüllung der komplexen Wanddekorationen sorgte in Rom für Aufsehen und interessierte Künstler wie Botticelli, Filippino Lippi, Il Pinturicchio, Raffael, Giovanni da Udine, Morto da Feltre, Bernardo Poccetti, Marco Palmezzano oder Gaudenzio Ferrari.

Das erste Erscheinen des Wortes grottesche erscheint in einem Vertrag von 1502 für die Piccolomini-Bibliothek, die dem Dom von Siena beigefügt ist. Sie wurden von Raphael Sanzio und seinem Team von dekorativen Malern vorgestellt, die grottesche zu einem vollständigen Ornamentsystem in den Loggias entwickelten, die Teil der Reihe von Raffaels Räumen im Vatikanpalast in Rom sind. „Die Dekorationen erstaunten und verzauberten eine Generation von Künstlern, die mit der Grammatik der klassischen Orden vertraut waren, aber bis dahin nicht ahnten, dass die Römer in ihren Privathäusern diese Regeln oft missachtet und stattdessen einen phantasievolleren und informelleren Stil angenommen hatten Alle Leichtigkeit, Eleganz und Anmut. “ In diesen grotesken Dekorationen könnte eine Tablette oder ein Kandelaber einen Fokus liefern; Rahmen wurden zu Schriftrollen erweitert, die einen Teil der umgebenden Designs als eine Art Gerüst bildeten, wie Peter Ward-Jackson bemerkte. Leichte scrollende Grotesken könnten bestellt werden, indem man sie innerhalb des Rahmens eines Pilasters einschränkt, um ihnen mehr Struktur zu geben. Giovanni da Udine griff das Thema der Grotesken auf, um die Villa Madama, die einflussreichste der neuen römischen Villen, zu schmücken.

Im 16. Jahrhundert war solche künstlerische Lizenz und Irrationalität umstritten. Francisco de Holanda stellt Michelangelo in seinem dritten Dialog von Da Pintura Antiga, 1548, eine Verteidigung in den Mund:

„Dieser unersättliche Wunsch des Mannes zieht manchmal ein gewöhnliches Gebäude vor, mit seinen Säulen und Türen, eine fälschlicherweise im grotesken Stil gebaut, mit Säulen, die von Kindern gebildet sind, die aus Stielen von Blumen, mit Architraven und Gesimsen von Myrtenästen und Eingängen von Schilfrohr wachsen und andere Dinge, die allesamt unmöglich erscheinen und der Vernunft widersprechen, doch kann es wirklich eine großartige Arbeit sein, wenn sie von einem talentierten Künstler ausgeführt wird. “

Das Groteske von Juan Nani ist ein dekoratives Motiv, das auf fantastischen Wesen, Gemüse und Tieren basiert, die komplex miteinander verbunden sind und ein Ganzes bilden. Es ist ein Thema, das mit der Renaissance verbunden ist und normalerweise in seinem oberen Teil von einem menschlichen oder tierischen Kopf oder Torso gebildet wird, der in einer Reihe von Pflanzen oder Pflanzenelementen von unten endet.

Grotesk im Manierismus:
Die Freude manieristischer Künstler und ihrer Förderer in arkanen ikonographischen Programmen, die nur den Gelehrten zugänglich waren, konnte in Schemata von Grottesche verkörpert werden, Andrea Alciatos Emblemata (1522) bot vorgefertigte ikonographische Kurzschrift für Vignetten an. Vertrautes Material für Grotesken könnte aus Ovids Metamorphosen stammen.

Die vatikanischen Loggien, ein Loggia-Korridorraum im Apostolischen Palast, der auf einer Seite den Elementen offen stand, wurden um 1519 von Raphaels großem Künstlerteam mit Giovanni da Udine als Hauptdarsteller dekoriert. Wegen der relativen Bedeutungslosigkeit des Raumes und dem Wunsch, den Domus Aurea-Stil zu kopieren, wurden keine großen Gemälde verwendet, und die Oberflächen waren meist mit grotesken Mustern auf weißem Hintergrund bedeckt, mit Gemälden, die Skulpturen in Nischen nachahmen, und kleinen figurativen Motiven in einer Wiederbelebung des altrömischen Stils. Diese große Auswahl bot ein Repertoire von Elementen, die die Grundlage für spätere Künstler in ganz Europa bildeten.

In Michelangelos Medici-Kapelle komponierte Giovanni da Udine in den Jahren 1532-33 „schönste Sprays aus Laub, Rosetten und anderen Ornamenten in Stuck und Gold“ in den Truhen und „Sprays aus Laub, Vögeln, Masken und Figuren“, mit einem Ergebnis, das nicht stimmte Bitte, Papst Clemens VII Medici, aber auch Giorgio Vasari, der das grottesche Dekor 1556 tünchte. Gegenreformationsschriftsteller über die Künste, insbesondere Kardinal Gabriele Paleotti, Bischof von Bologna, wandte sich mit rechtschaffener Rache an Grottesche.

Vasari, der an Vitruv erinnert, beschrieb den Stil folgendermaßen: „Grotesken sind eine Art von extrem ausschweifendem und absurdem Gemälde, das von den Alten gemacht wurde … ohne jede Logik, so dass ein Gewicht an einem dünnen Faden befestigt ist, der es nicht unterstützen konnte, a das Pferd hat Beine aus Blättern, ein Mann hat Kranbeine und unzählige andere unmögliche Absurditäten, und je bizarrer die Phantasie des Malers ist, desto höher wird er bewertet.

Vasari berichtet, dass Francesco Ubertini, genannt „Bacchiacca“, sich über die Erfindung von grotteschi gefreut habe und (um 1545) für den Herzog Cosimo de ‚Medici ein Studiolo in einem Zwischengeschoss des Palazzo Vecchio „voller Tiere und seltener Pflanzen“ malte. Weitere Grottesche Schriftsteller aus dem 16. Jahrhundert waren Daniele Barbaro, Pirro Ligorio und Gian Paolo Lomazzo.

Gravuren, Holzarbeiten, Buchillustrationen, Dekorationen:
In der Zwischenzeit gelangte die groteske Form der Oberflächenverzierung durch das Medium der Gravuren in das europäische künstlerische Repertoire des 16. Jahrhunderts, von Spanien bis Polen. Eine klassische Suite wurde Enea Vico zugeschrieben, die zwischen 1540 und 1541 unter dem suggestiven Titel Leviores et extemporaneae picturae quas grotteschas vulgo vocant veröffentlicht wurde: „Licht- und unvorbereitete Bilder, die gemeinhin Grotesken genannt werden“. Spätere manieristische Versionen, besonders im Stich, neigten dazu, diese anfängliche Leichtigkeit zu verlieren und viel dichter gefüllt zu sein als der luftige gut beabstandete Stil, der von den Römern und Raphael verwendet wurde.

Bald erschienen Grottesche in Intarsien (feine Holzarbeiten), in Majolika, die vor allem in Urbino aus den späten 1520er Jahren hergestellt wurden, dann in Buchillustrationen und in anderen dekorativen Anwendungen. In Fontainebleau bereicherten Rosso Fiorentino und sein Team das Vokabular der Grotesken, indem sie sie mit der dekorativen Form des Gurtwerks, der Darstellung von Lederriemen in Gips oder Holzleisten, die ein Element in Grotesken bilden, kombinierten.

Groteske in barocker und viktorianischer Zeit:
Im 17. und 18. Jahrhundert umfasst das Groteske ein weites Feld der Teratologie (Wissenschaft der Monster) und künstlerisches Experimentieren. Das Ungeheuer zum Beispiel tritt oft als der Begriff des Spiels auf. Die Sportivität der grotesken Kategorie kann in der Vorstellung der übernatürlichen Kategorie des Lusus naturae, in naturgeschichtlichen Schriften und in Wunderkammern gesehen werden. Die letzten Spuren der Romantik, wie das Wunderbare, bieten auch Möglichkeiten für die Präsentation des Grotesken, etwa im Opernspektakel. Die Mischform des Romans wurde gemeinhin als grotesk beschrieben – siehe beispielsweise Fieldings „Comic-Epos in Prosa“. (Joseph Andrews und Tom Jones)

Das groteske Ornament erhielt einen weiteren Aufschwung durch neue Entdeckungen von originalen römischen Fresken und Stuckarbeiten in Pompeji und den anderen Grabstätten um den Vesuv ab der Mitte des Jahrhunderts. Sie wurde im Empirestil und dann in der viktorianischen Zeit weiter verwendet und wurde zunehmend schwerer, als Designs oft so dicht gepackt wurden wie in Stichen aus dem 16. Jahrhundert, und die Eleganz und Phantasie des Stils verloren gingen.

Erweiterungen des Grotesken:
Künstler begannen, den winzigen Gesichtern der Figuren in grotesken Dekorationen seltsam karikierte Ausdrücke zu geben, in direkter Fortführung der mittelalterlichen Traditionen der Drolerien in den Grenzverzierungen oder Initialen in illuminierten Handschriften. Daraus wurde der Begriff auf größere Karikaturen wie Leonardo da Vinci übertragen und der moderne Sinn begann sich zu entwickeln. Es wird erstmals 1646 von Sir Thomas Browne in englischer Sprache aufgenommen: „In der Natur gibt es keine Grotesken“. Mit der Zeit rückwärts wurde der Begriff auch für die mittelalterlichen Originale verwendet, und in der modernen Terminologie sind mittelalterliche Drollerien, halb-menschliche Thumbnail-Vignetten in den Rändern und geschnitzte Figuren auf Gebäuden (die nicht auch Wasserhosen sind, und so Wasserspeier) auch „Grotesken“ genannt.

Ein Boom in der Produktion von Kunstwerken im grotesken Genre kennzeichnete den Zeitraum 1920-1933 der deutschen Kunst. In der zeitgenössischen Illustrationskunst erscheinen die „grotesken“ Figuren im gewöhnlichen gesprächsmäßigen Sinn gewöhnlich in der grotesken Kunstgattung, die auch als fantastische Kunst bekannt ist.

Literatur des Grotesken:
Eine der ersten Anwendungen des Begriffes Groteske, um eine literarische Gattung zu bezeichnen, ist in Montaigne’s Essays. Das Groteske ist oft mit Satire und Tragikomödie verbunden. Es ist ein wirksames künstlerisches Mittel, Trauer und Schmerz dem Publikum zu vermitteln, und dafür wurde Thomas Mann als „echter antibourgeoiser Stil“ bezeichnet.

Einige der frühesten geschriebenen Texte beschreiben groteske Ereignisse und monströse Kreaturen. Die Literatur von Myth ist eine reiche Quelle von Monstern gewesen; von den einäugigen Zyklopen (um ein Beispiel zu nennen) von Hesiods Theogonie zu Homers Polyphem in der Odyssee. Ovids Metamorphosen sind eine weitere reiche Quelle für groteske Transformationen und hybride Kreaturen des Mythos. Horace’s Art of Poetry bietet auch eine formale Einführung klassischer Werte und den Gefahren der grotesken oder gemischten Form. In der Tat, die Abkehr von den klassischen Modellen von Ordnung, Vernunft, Harmonie, Gleichgewicht und Form eröffnet die Gefahr des Eintritts in groteske Welten. Dementsprechend gibt es in der britischen Literatur eine Fülle von einheimischen Grotesken, von den seltsamen Welten von Spensers Allegorie in The Faerie Queene bis zu den tragikomischen Modi des 16. Jahrhunderts. (Groteske Comic-Elemente finden sich in großen Werken wie King Lear.)

Literarische Werke des gemischten Genres werden gelegentlich als grotesk bezeichnet, ebenso wie „niedrige“ oder nicht-literarische Genres wie Pantomime und Farce. Gotische Schriften haben oft groteske Komponenten in Bezug auf Charakter, Stil und Ort. In anderen Fällen kann die beschriebene Umgebung grotesk sein – ob städtisch (Charles Dickens) oder die Literatur des amerikanischen Südens, die manchmal als „südliche Gotik“ bezeichnet wurde. Manchmal wurde das Groteske in der Literatur in Bezug auf soziale und kulturelle Formationen wie den Karneval (-esque) in François Rabelais und Michail Bachtin untersucht. Terry Castle hat über die Beziehung zwischen Metamorphose, literarischen Schriften und Maskerade geschrieben.

Grotesque body ist ein Konzept des Literaturkritikers Mikhail Bachtin, das für die Arbeit von Rabelais gilt.

Justus Möser (Harlekin, oder Verteidigung des Grotesk-Komischen -, 1761) identifiziert in „Übertreibung der Figuren“ der Kunstkomödie eine Identität mit der Karikatur der bildenden Kunst, dem Theater eine eigenartige Weise geben, „die Bräuche der Menschen“ zu beschreiben.

Eine weitere wichtige Quelle der Groteske sind satirische Schriften des 18. Jahrhunderts. Jonathan Swifts Gullivers Reisen bietet eine Vielzahl von Ansätzen zur grotesken Darstellung. In der Poesie bieten die Werke von Alexander Pope viele Beispiele des Grotesken.

In der Literatur werden Charaktere normalerweise als grotesk angesehen, wenn sie Empathie und Ekel hervorrufen. (Ein Charakter, der Ekel allein erregt, ist einfach ein Bösewicht oder ein Monster.) Offensichtliche Beispiele wären die körperlich deformierten und die geistig defizitären, aber auch Menschen mit krampfhaften sozialen Eigenschaften sind eingeschlossen. Der Leser wird durch die positive Seite des Grotesken geweckt und liest weiter, um zu sehen, ob der Charakter seine dunkle Seite erobern kann. In Shakespeares The Tempest hat die Figur von Caliban mehr nuancierte Reaktionen hervorgebracht als einfachen Spott und Ekel. Auch in J. R. R. Tolkiens Der Herr der Ringe kann der Charakter von Gollum als widerlich und empathisch angesehen werden, was ihm in die groteske Vorlage passte.

Victor Hugos Glöckner von Notre Dame ist eine der berühmtesten Grotesken in der Literatur. Dr. Frankensteins Monster kann auch als grotesk gelten, ebenso wie die Titelfigur Erik in Das Phantom der Oper und das Biest in der Schöne und das Biest. Andere Beispiele der romantischen Groteske finden sich auch in Edgar Allan Poe, E.T.A. Hoffmann, in der Sturm und Drang Literatur oder in Sternes Tristram Shandy. Die romantische Groteske ist viel schrecklicher und düsterer als die mittelalterliche Groteske, die Lachen und Fruchtbarkeit feierte. An diesem Punkt wird eine groteske Kreatur wie Frankensteins Monster (in Mary Shelleys 1818 erschienenem Roman) sympathischer als der Außenseiter dargestellt, der das Opfer der Gesellschaft ist. Aber der Roman macht auch das Problem der Sympathie in einer unfreundlichen Gesellschaft problematisch. Das bedeutet, dass die Gesellschaft durch einen Entfremdungsprozess zum Groteskgenerator wird. Tatsächlich wird das groteske Monster in Frankenstein als „die Kreatur“ beschrieben.

Das Groteske hat mit Alice’s Adventures in Wonderland von Lewis Carroll eine neue Form bekommen, als ein Mädchen in ihrer Fantasy-Welt fantastische groteske Figuren trifft. Carroll schafft es, die Figuren für die Kinderliteratur weniger erschreckend und kindgerecht erscheinen zu lassen, aber immer noch seltsam. Ein anderer komischer grotesker Autor, der über die Beziehung zwischen Sinn und Unsinn spielte, war Edward Lear. Humoristischer oder festlicher Unsinn dieser Art hat seine Wurzeln in den Traditionen des fustischen, bombastischen und satirischen Schreibens des siebzehnten Jahrhunderts.

Edgar Allan Poe, im literarischen Kontext der Romantik, schrieb eine Reihe von Geschichten, die im Jahr 1840 unter dem Titel Geschichten der Grotesken und Arabesken veröffentlicht wurden („Geschichten der Groteske und Arabeske“), die sich auf deren Verwendung beziehen Konzepte in einem Aufsatz von Walter Scott (Über das Übernatürliche in fiktiver Komposition – „Vom Übernatürlichen in der fiktiven Komposition“ -).

Während der neunzehnten Jahrhundert Kategorie der grotesken Körper wurde zunehmend durch den Begriff der angeborenen Deformität oder medizinische Anomalie verdrängt. In diesem Zusammenhang wird das Groteske vor allem nach dem Ersten Weltkrieg, 1914-18, mehr als Deformität und Behinderung verstanden. In diesem Sinne hat der Kunsthistoriker Leah Dickerman argumentiert, dass „der Anblick von horrend erschütterten Körpern von Veteranen, die an die Heimatfront zurückkehren, alltäglich wurde. Das begleitende Wachstum in der prothetischen Industrie hat die Zeitgenossen dazu gebracht, eine Rasse von halbmechanischen Männern zu schaffen und wurde zu einem wichtigen Thema in der dadaistischen Arbeit. “ Die Poesie von Wilfred Owen zeigt einen poetischen und realistischen Sinn für den grotesken Horror des Krieges und die menschlichen Kosten brutaler Konflikte. Gedichte wie „Spring Offensive“ und „Greater Love“ kombinierten Bilder von Schönheit mit schockierender Brutalität und Gewalt, um ein Gefühl für den grotesken Kampf der Gegensätze zu erzeugen. In ähnlicher Weise war Ernst Friedrich (1894-1967), der Gründer des Berliner Friedensmuseums, ein Anarchist und Pazifist, der Autor von War Against War (1924), der groteske Fotografien von verstümmelten Opfern des Ersten Weltkriegs in Auftrag gab um für den Frieden zu kämpfen.

Southern Gothic ist ein Genre, das häufig mit Grotesken gleichgesetzt wird und William Faulkner wird oft als Ringmaster genannt. Flannery O’Connor schrieb: „Immer wenn ich gefragt werde, warum südliche Autoren besonders gern über Freaks schreiben, sage ich, weil wir immer noch in der Lage sind, einen zu erkennen“ („Einige Aspekte der Groteske in der südlichen Fiktion“, 1960) ). In O’Connors oft anthologisierter Kurzgeschichte „Ein guter Mann ist schwer zu finden“ ist der Misfit, ein Serienmörder, eindeutig eine verstümmelte Seele, die für das menschliche Leben absolut gefühllos ist, aber dazu getrieben wird, die Wahrheit zu suchen. Die weniger offensichtliche Groteske ist die höfliche Großmutter, die sich ihrer erstaunlichen Selbstsucht nicht bewusst ist. Ein weiteres oft zitiertes Beispiel für das Groteske aus O’Connors Werk ist ihre Kurzgeschichte mit dem Titel „Ein Tempel des Heiligen Geistes“. Der amerikanische Schriftsteller Raymond Kennedy ist ein weiterer Autor, der mit der literarischen Tradition des Grotesken in Verbindung gebracht wird.

Zeitgenössische Schriftsteller der literarischen grotesken Fiktion gehören Ian McEwan, Katherine Dunn, Alasdair Grey, Angela Carter, Jeanette Winston, Umberto Eco, Patrick McGrath, Natsuo Kirino, Paul Tremblay, Matt Bell, Chuck Palahniuk, Brian Evenson, Caleb J. Ross (wer schreibt heimische groteske Fiktion), Richard Thomas und viele Autoren, die im bizarren Genre der Fiktion schreiben. Im Jahr 1929 schrieb G.L Van Roosbroeck ein Buch mit dem Titel „GROTESQUES“ (Illustrationen von J. Matulka), veröffentlicht von Williamsport Printing and Binding Co., Williamsport, PA. Es ist eine Sammlung von 6 Geschichten und 3 Fabeln für die Kinder von morgen.

Popkultur des Grotesken:
Andere zeitgenössische Autoren, die das Groteske der Popkultur erforscht haben, sind John Docker im Kontext der Postmoderne; Cintra Wilson, die Berühmtheit analysiert; und Francis Sanzaro, der seine Beziehung zu Geburt und Obszönität diskutiert.

Der italienische Dramatiker Luigi Pirandello verwendete den Begriff „grotesk“ als Nomen für seinen eigenen naturalistischen Theaterstil, der eine komische und tragische Realität widerspiegelt.

Im Theater von Argentinien und Uruguay wird ein dramatisches Genre – Subgenre als „grotesk“ bezeichnet, abgeleitet vom Sainete und Varieté, das seit Beginn des 20. Jahrhunderts das Leben von Einwanderern in Mietskasernen oder Mietskasernen zeigte (billige Zimmer, die im Allgemeinen eine Garten). Die Perspektive wurde karikiert und reagierte auf das Stereotyp und den Spott, mit dem die Kreolen Italiener, Spanier, Russen oder Araber in den letzten Wanderungswellen sahen. Einige der Autoren der Saineten waren jedoch Kinder dieser Einwanderer.

Ein prominentes Stück des Sainete ist El Conventillo de la Paloma, von Alberto Vacarezza, dessen Hauptbühne gerade der Patio des Mietshauses ist. Armando Discépolo stellte eine dramatische und düstere Wendung in den Fokus dieser Umgebungen und schuf das, was er „groteske Criollo“ nannte. Die zwischen 1921 und 1934 uraufgeführten Werke Mustafá, Giácomo, Babilonia, Stéfano, Cremona und Relojero sind Tragiker einer Dramaturgie, die spätere Autoren wie Roberto Cossa, Osvaldo Dragún, Carlos Gorostiza und Griselda Gambaro beeinflusste.

Ähnliche theatralische Stile sind die groteske (dramatische Form des Spaniers Ramón del Valle Inclán -Louces de bohemia, Los cuernos de don Friolera, der es als einen Versuch definierte, die Realität in einem verzerrenden Spiegel zu zeigen), das Theater des Absurden ( Alfred Jarry, Samuel Beckett, Miguel Mihura, Eugène Ionesco) und später Formen des surrealen Humors (in theatralischen und nicht-theatralischen Einstellungen).

Theater des Grotesken:
Der Begriff Theater der Groteske bezieht sich auf eine anti-naturalistische Schule italienischer Dramatiker, die in den 1910er und 1920er Jahren schrieb, die oft als Vorläufer des Theaters des Absurden angesehen werden. Gekennzeichnet durch ironische und makabre Themen des täglichen Lebens in der Ära des Ersten Weltkrieges. Das Theater der Groteske wurde nach dem Stück „Die Maske und das Gesicht“ von Luigi Chiarelli benannt, das als „grotesk in drei Akten“ beschrieben wurde.

Friedrich Dürrenmatt ist einer der Hauptautor zeitgenössischer grotesker Komödienspiele.

Architektur des Grotesken:
In der Architektur bedeutet der Begriff „grotesk“ eine geschnitzte Steinfigur.

Grotesken werden oft mit Wasserspeiern verwechselt, aber der Unterschied besteht darin, dass Wasserspeier Figuren sind, die einen Wasserauslauf durch den Mund enthalten, während Grotesken dies nicht tun. Ohne einen Wasserauslauf wird diese Art von Skulptur auch als Chimäre bezeichnet, wenn sie fantastische Kreaturen darstellt. Im Mittelalter wurde der Begriff Babewyn verwendet, um sich sowohl auf Wasserspeier als auch auf Grotesken zu beziehen. Dieses Wort leitet sich vom italienischen Wort babbuino ab, was „Pavian“ bedeutet.

Typografie des Grotesken:
Das Wort „Grotesk“ oder „Grotesk“ auf Deutsch wird auch häufig als Synonym für Sans-Serif in der Typografie verwendet. Zu anderen Zeiten wird es (zusammen mit „Neo-Grotesk“, „Humanist“, „Lineal“ und „Geometrisch“) verwendet, um einen bestimmten Stil oder eine Untergruppe von serifenlosen Schriften zu beschreiben. Der Ursprung dieser Verbindung geht auf den englischen Schriftgestalter William Thorowgood zurück, der zuerst den Begriff „grotesk“ einführte und 1835 7-zeiliges Pica-Grotesk produzierte – die erste serifenlose Schrift mit echten Kleinbuchstaben. Eine alternative Etymologie beruht möglicherweise auf der ursprünglichen Reaktion anderer Typographen auf solch eine auffallend charakteristische Schrift.

Beliebte Groteskschriften sind Franklin Gothic, News Gothic, Haettenschweiler und Lucida Sans (obwohl letzterer das gespitzte „G“ fehlt), während populäre neo-groteske Schriften Arial, Helvetica und Verdana enthalten.