Deutscher Expressionismus

Der deutsche Expressionismus bestand aus einer Reihe verwandter kreativer Bewegungen in Deutschland vor dem Ersten Weltkrieg, die in den 1920er Jahren ihren Höhepunkt in Berlin erreichten. Diese Entwicklungen in Deutschland waren Teil einer größeren expressionistischen Bewegung in der nord- und mitteleuropäischen Kultur in Bereichen wie Architektur, Tanz, Malerei, Bildhauerei sowie Kino. Dieser Artikel beschäftigt sich hauptsächlich mit den Entwicklungen im deutschen expressionistischen Kino vor und unmittelbar nach dem Ersten Weltkrieg.

Geschichte

1910 bis 1930
Unter den ersten expressionistischen Filmen, Der Student von Prag (1913), Das Kabinett von Dr. Caligari (1920), Von Morgen bis Mitternacht (1920), Der Golem: Wie er in die Welt kam (1920), Schicksal (1922), Nosferatu (1922), Phantom (1922), Schatten (1923) und Das letzte Lachen (1924) waren sehr symbolisch und stilisiert.

Die deutsche Expressionismus-Bewegung war aufgrund der Isolation, die das Land während des Ersten Weltkriegs erlebte, zunächst auf Deutschland beschränkt. 1916 hatte die Regierung ausländische Filme verboten. Die Nachfrage der Kinos nach Filmproduktionen führte zu einem Anstieg der heimischen Filmproduktion von 1914 auf 241 Filme im Jahr 1918. Mit steigender Inflation besuchten die Deutschen die Filme freier, weil sie wussten, dass ihr Geld immer weniger wurde.

Neben der Popularität der Filme in Deutschland begann das internationale Publikum 1922, das deutsche Kino zu schätzen, auch wegen der abnehmenden antideutschen Stimmung nach dem Ende des Ersten Weltkrieges. Als 1916 das Importverbot aufgehoben wurde, begann Deutschland war ein Teil der internationalen Filmindustrie geworden.

Verschiedene europäische Kulturen der zwanziger Jahre haben eine Ethik des Wandels angenommen und die Bereitschaft, in die Zukunft zu blicken, indem sie mit mutigen, neuen Ideen und künstlerischen Stilen experimentierten. Die ersten expressionistischen Filme entschädigten für einen Mangel an üppigen Budgets, indem sie Set-Designs mit wild nicht-realistischen, geometrisch absurden Winkeln verwendeten, zusammen mit Designs, die an Wänden und Böden gemalt wurden, um Lichter, Schatten und Objekte darzustellen. Die Plots und Geschichten der expressionistischen Filme handeln oft von Wahnsinn, Wahnsinn, Verrat und anderen „intellektuellen“ Themen, die durch die Erfahrungen des Ersten Weltkriegs ausgelöst wurden (im Gegensatz zu Standard Action-Adventure und romantischen Filmen). Spätere Filme, die oft als Teil der kurzen Geschichte des deutschen Expressionismus kategorisiert wurden, sind Metropolis (1927) und M (1931), beide unter der Regie von Fritz Lang. Dieser Trend war eine direkte Reaktion auf Realismus. Seine Praktizierenden verwendeten extreme Verzerrungen im Ausdruck, um eine innere emotionale Realität zu zeigen, anstatt was an der Oberfläche war.

Der extreme Antirealismus des Expressionismus war kurzlebig und verblasste bereits nach wenigen Jahren. Die Themen des Expressionismus wurden jedoch in spätere Filme der 1920er und 1930er Jahre integriert, was zu einer künstlerischen Kontrolle über die Platzierung von Bühnenbildern, Licht usw. führte, um die Stimmung eines Films zu verbessern. Diese dunkle, launische Schule des Filmemachens wurde in die Vereinigten Staaten gebracht, als die Nazis an die Macht kamen und eine Reihe deutscher Filmemacher nach Hollywood auswanderten. Diese deutschen Regisseure fanden US-amerikanische Filmstudios, die bereit waren, sie zu umarmen, und mehrere deutsche Regisseure und Kameraleute blühten dort auf und produzierten ein Repertoire von Hollywood-Filmen, das eine tiefgreifende Wirkung auf den gesamten Film hatte. Der NS-Filmtheoretiker Fritz Hippler war ein Anhänger des Expressionismus. Zwei weitere im nationalsozialistischen Deutschland im expressionistischen Stil produzierte Filme waren 1935 „Das Stahlpferd“ von Willy Zielke und „Michelangelo“. Das Leben eines Titanen „1940 von Curt Oertel.

Zwei vom Expressionismus besonders beeinflusste Genres sind Horrorfilm und Film Noir. Carl Laemmle und Universal Studios hatten sich einen Namen gemacht, indem sie so berühmte Horrorfilme aus der Stummfilmzeit wie Lon Chaneis Das Phantom der Oper produzierten. Deutsche Filmemacher wie Karl Freund (der Kameramann von Dracula 1931) bestimmten mit ihren dunklen und künstlerisch gestalteten Sets den Stil und die Stimmung der Universalmonster der 1930er Jahre und lieferten damit ein Modell für spätere Generationen von Horrorfilmen. Regisseure wie Fritz Lang, Billy Wilder, Otto Preminger, Alfred Hitchcock, Orson Welles, Carol Reed und Michael Curtiz führten den expressionistischen Stil in die Kriminaldramen der 1940er Jahre ein und erweiterten den Einfluss des Expressionismus auf das moderne Filmschaffen.

Einfluss und Vermächtnis
Das deutsche Stummfilmkino war in dieser Zeit wohl Hollywood weit voraus. Das Kino außerhalb Deutschlands profitierte sowohl von der Emigration deutscher Filmemacher als auch von deutschen expressionistischen Entwicklungen in Stil und Technik, die auf der Leinwand zu sehen waren. Der neue Look und die neuen Techniken beeindruckten andere zeitgenössische Filmemacher, Künstler und Kameraleute, und sie begannen, den neuen Stil in ihre Arbeit zu integrieren.

Im Jahr 1924 wurde Alfred Hitchcock von Gainsborough Pictures geschickt, um als Regieassistent und Art Director in den UFA Babelsberg Studios in Berlin am Film The Blackguard zu arbeiten. Die unmittelbare Wirkung der Arbeitswelt in Deutschland zeigt sich in seinen expressionistischen Bühnenbildern für diesen Film. Hitchcock sagte später: „Ich habe einen starken deutschen Einfluss durch die Arbeit in den UFA Studios Berlin erworben“.

Der deutsche Expressionismus würde Hitchcock während seiner gesamten Karriere beeinflussen. In seinem dritten Film, The Lodger, stellte Hitchcock der britischen Öffentlichkeit expressionistische Bühnenbilder, Lichttechniken und Trickkamerafunktionen gegen die Wünsche seines Ateliers vor. Sein visuelles Experimentieren beinhaltete die Verwendung eines Bildes eines Mannes, der über einen von unten geschossenen Glasboden läuft, ein Konzept, das jemanden darstellt, der oben auf und ab geht. Dieser Einfluss setzte sich 1960 durch den äußerst erfolgreichen Film Psycho fort, in dem Norman Bates verschwommenes Bild, das durch einen Duschvorhang gesehen wurde, an Nosferatu erinnert, der durch seinen Schatten gezeigt wird. Hitchcocks Filmschaffen wiederum beeinflusste viele andere Filmemacher und war damit eines der Vehikel, das die fortgesetzte Nutzung deutscher Expressionistentechniken, wenn auch weniger häufig, vorantrieb.

Werner Herzogs Film Nosferatu: Phantom der Nacht von 1979 war eine Hommage an FW Murnaus Film von 1922. Der Film verwendet expressionistische Techniken von symbolischem Handeln und symbolischen Ereignissen, um seine Geschichte zu erzählen. Der Film Dark City aus dem Jahr 1998 verwendete starken Kontrast, starre Bewegungen und fantastische Elemente.

Stilistische Elemente aus dem deutschen Expressionismus sind heute in Filmen üblich, die keinen Bezug zum zeitgenössischen Realismus haben, wie etwa Science-Fiction-Filme (zum Beispiel Ridley Scotts 1982er Film Blade Runner, der selbst von Metropolis beeinflusst wurde). Woody Allens Film Shadows and Fog von 1991 ist eine Hommage an die deutschen expressionistischen Filmemacher Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst und FW Murnau.

Ambitionierte Adaptionen des Stils sind in der zeitgenössischen Filmografie von Regisseur Tim Burton zu sehen. Sein 1992er Film Batman Returns wird oft als moderner Versuch zitiert, das Wesen des deutschen Expressionismus einzufangen. Die kantigen Gebäudeentwürfe und streng wirkenden Stadtplätze von Gotham City erinnern an den Webstuhl und die Bedrohung in Langs Metropole. Burtons expressionistische Einflüsse sind am deutlichsten in der märchenhaften Vorstadtlandschaft von Edward mit den Scherenhänden. Das Erscheinen des Titulars Edward mit den Scherenhänden (nicht zufällig) spiegelt Caligaris schlafwandlerischen Diener wider. Burton wirft Unbehagen in seiner bonbonfarbenen Vorstadt, und die Spannung wird visuell durch Edward und seine gotische Burg enthüllt, eine letzte Spur aus der Vergangenheit am Ende einer Vorstadtstraße. Burton untergräbt den Caligari-Albtraum mit einer inspirierten Erzählung, die Edward, den Außenseiter, als Helden und die Dorfbewohner als Schurken darstellt. In ähnlicher Weise war Dr. Caligari die Inspiration für die groteske, vogelartige Erscheinung des Pinguins in Burtons Film Batman Returns von 1992. Der vertraute Look von Caligaris Hauptfigur ist auch im Film The Crow zu sehen. Mit dem engen, schwarzen Outfit, dem weißen Make-up und den dunklen Augen ist Brandon Lee ein enger Verwandter sowohl zu Cesare als auch zu Burtons Film Edward mit den Scherenhänden. Burton war Berichten zufolge auch von Stummfilmen und dem deutschen Expressionismus für seine Verfilmung des Musicals Sweeney Todd: The Demon Barber von Fleet Street beeinflusst, das das Musical als „Stummfilm mit Musik“ bezeichnete.

Kino und Architektur
Viele Kritiker sehen eine direkte Verbindung zwischen dem Kino und der Architektur der Zeit und erklären, dass die Sets und Szenenbilder expressionistischer Filme oft Gebäude mit scharfen Winkeln, großen Höhen und überfüllten Umgebungen zeigen, wie der häufig gezeigte Turm von Babel in Fritz Langs Metropole .

Starke Elemente des Monumentalismus und der Moderne erscheinen im gesamten Kanon des deutschen Expressionismus. Ein hervorragendes Beispiel dafür ist Metropolis, wie das gewaltige Kraftwerk und der Blick auf die gewaltige, noch unberührte „obere“ Stadt zeigen.

Deutsche Expressionisten lehnten die naturalistische Darstellung der objektiven Realität ab und verzerrten oft verzerrt Figuren, Gebäude und Landschaften, ohne die Konventionen von Perspektive und Proportion zu beachten. Dieser Ansatz, kombiniert mit zackigen, stilisierten Formen und harten, unnatürlichen Farben, wurde verwendet, um subjektive Emotionen zu vermitteln.

Eine Reihe von Künstlern und Handwerkern, die am Berliner Theater arbeiteten, brachten den expressionistischen Stil zur Gestaltung von Bühnenbildern. Dies wiederum beeinflusste Filme, die sich mit Fantasy und Horror beschäftigten.

Paradebeispiel ist Robert Wienes Traumfilm Das Kabinett des Dr. Caligari (1920), der allgemein als Frühklassiker des expressionistischen Kinos gilt. Hermann Warm, der Art Director des Films, schuf mit den Malern und Bühnenbildnern Walter Reimann und Walter Röhrig phantastische, alptraumhafte Sets mit verdrehten Strukturen und Landschaften mit spitz zulaufenden Formen und schrägen, geschwungenen Linien. Einige dieser Entwürfe waren Konstruktionen, andere wurden direkt auf Leinwände gemalt.

Die deutschen Expressionistenfilme, die unmittelbar nach dem Ersten Weltkrieg in der Weimarer Republik entstanden, umfassen nicht nur die gesellschaftspolitischen Kontexte, in denen sie entstanden sind, sondern überarbeiten auch die intrinsisch modernen Probleme von Selbstreflexivität, Spektakel und Identität.

Nach den hochgeschätzten Kritiken von Siegfried Kracauer und Lotte Eisner werden diese Filme heute als eine Art kollektives Bewusstsein betrachtet, das so eng mit ihrem sozialen Milieu verbunden ist. Der von JP Telotte in seiner Analyse des deutschen Films „Deutscher Expressionismus: Ein filmisches / kulturelles Problem“ kurz angesprochene Expressionismus konzentriert sich auf die „Kraft der Brille“ und bietet dem Publikum „eine Art metonymisches Bild der eigenen Situation“.

Diese Filmbewegung entsprach der expressionistischen Malerei und dem Theater, indem sie den Realismus ablehnte. Die Schöpfer der Weimarer Zeit versuchten, innere, subjektive Erfahrung durch äußere, objektive Mittel zu vermitteln. Ihre Filme zeichneten sich durch stark stilisierte Sets und Schauspiele aus; Sie verwendeten einen neuen visuellen Stil, der einen hohen Kontrast und einfache Bearbeitung verkörperte. Die Filme wurden in Studios gedreht, in denen sie absichtlich überzeichnete und dramatische Licht- und Kamerawinkel einsetzen konnten, um bestimmte Affekte zu betonen – Angst, Schrecken, Schmerz. Aspekte der expressionistischen Techniken wurden später von Regisseuren wie Alfred Hitchcock und Orson Welles adaptiert und in viele amerikanische Gangster- und Horrorfilme integriert. Einige der wichtigsten Filmemacher dieser Zeit waren FW Murnau, Erich Pommer und Fritz Lang. Die Bewegung endete, nachdem sich die Währung stabilisiert hatte, wodurch es billiger wurde, Filme im Ausland zu kaufen. Die UFA war finanziell zusammengebrochen und deutsche Studios begannen sich mit italienischen Studios auseinanderzusetzen, was zu ihrem Einfluss im Stil von Horror und Film Noir führte. Der amerikanische Einfluss auf die Filmindustrie würde auch einige Filmemacher dazu bringen, ihre Karriere in den USA fortzusetzen. Der letzte Film der UFA war Der Blaue Engel (1930), der als Meisterwerk des deutschen Expressionismus gilt.

Deutung
Zwei Werke über die Zeit sind Lotte Eisners The Haunted Screen und Sigfried Kracaus von Caligari zu Hitler. Kracauer untersucht das deutsche Kino aus der Silent / Golden-Ära und kommt schließlich zu dem Schluss, dass deutsche Filme, die vor der Machtübernahme Hitlers und dem Aufstieg des Dritten Reiches gedreht wurden, alle auf die Unvermeidbarkeit des nationalsozialistischen Deutschland hinweisen. Für Eisner ist das deutsche expressionistische Kino eine visuelle Manifestation romantischer Ideale. In Filmen von Pabst, Lubitsch, Lang (ihr offensichtlicher Favorit), Riefenstahl, Harbou und Murnau untersucht sie Inszenierungen, Kinematografie, Schauspiel, Szenarien und andere filmische Elemente. Neuere deutsche expressionistische Wissenschaftler untersuchen historische Elemente des deutschen Expressionismus, wie Inflation / Wirtschaft, UFA, Erich Pommer, Nordisk und Hollywood.

Expressionismus Film
Der expressionistische Film wurde hauptsächlich in Deutschland, insbesondere in seiner „Filmhauptstadt“ Berlin, in der Stummfilmzeit der ersten Hälfte der 1920er Jahre geschrieben. Deshalb spricht man oft vom deutschen Expressionismus. Aber schon in den Jahren zuvor traten in österreichischen Produktionen die ersten expressionistischen Elemente auf – die sogenannten „präexpressionistischen“ Filme, die sich aus den beliebten populären Filmadaptionen entwickelten.

Deutsches Expressionistisches Kino heißt eine Gruppe von Filmproduktionen mit bestimmten Gemeinsamkeiten. Dieser Stil des Kinos hat seine Entsprechung mit dem aktuellen Expressionisten, der im Gegensatz zum aktuellen Impressionismus des 19. Jahrhunderts in der Malerei genannt wird, das heißt mit jener Art von Malerei, in der sich „subjektiver Ausdruck“ auf die Repräsentation von Objektivität konzentriert. Dieses Gemälde griff auf verletzende Farben und sehr starke lineare Rhythmen zurück. In Deutschland, wo die 1905 von Architekturstudenten gegründete Brücke Die Brücke geboren wurde, ist sie im Grunde genommen entstanden.

Es liegt am Budget der Kritik und Opposition gegen den Positivismus, dass viele der Linien der Expressionisten propagiert werden. Für diese war die Wirklichkeit etwas, das aus der tiefsten Innerlichkeit erfahren werden musste, und appellierte so eher an den Körper und die emotionalen Erfahrungen der Welt als an ihre Erfassung durch das Auge. Der expressionistische Künstler versuchte, emotionale Erfahrung in ihrer vollständigsten Form darzustellen, ohne sich um die äußere Realität, sondern um ihre innere Natur zu sorgen.

Das Kino kommt verspätet und zum Teil infolge der von den deutschen Behörden getroffenen organisatorischen Maßnahmen. Der Ursprung dieser Maßnahmen lässt sich auf zwei Beobachtungen zurückführen: Erstens wird das deutsche Volk auf den Einfluss antideutscher Filme im Ausland aufmerksam. Zweitens, sie erkennen die Unzulänglichkeit der lokalen Produktion an und um diese Nachfrage zu befriedigen, überschwemmen Produktionen minderwertiger Qualität im Verhältnis zu fremden Ländern den Markt.

Im Bewusstsein dieser gefährlichen Situation griffen die deutschen Behörden direkt in die Filmproduktion ein. 1916 gründete die Regierung mit der Unterstützung von Vereinigungen, die kulturelle, politische und wirtschaftliche Ziele verfolgten, die Deulig (Deutsche Liehtspiel Gesellsehaft), eine Filmgesellschaft, die sich durch entsprechende Dokumentarfilme der Öffentlichkeit des Landes widmete. im Ausland wie in Deutschland selbst.

Anfang 1917 wurde die Bufa-Stiftung (Bild- und Filmamt) weitergeführt; als einfache Regierungsbehörde gegründet, versorgte sie die Truppen an den Fronten mit Projektionsräumen und übernahm auch die Aufgabe, Dokumentationen zu liefern, die militärische Aktivitäten dokumentierten.

Die Zahl der Unternehmen stieg von nur 28 im Jahr 1913 auf 245 im Jahr 1919, ein paar Jahre, in denen eine starke Industrie konsolidiert wurde.

Das war etwas, aber nicht genug. Nach dem Eintritt der Vereinigten Staaten in den Krieg dehnten sich die Filme dieses Landes auf der ganzen Welt aus und prägten den Hass gegen Deutschland sowohl in den neutralen als auch in den feindlichen Staaten mit unvereinbarer Kraft. Die deutschen Staats- und Regierungschefs kamen zu dem Schluss, dass nur eine riesige Organisation einen Gegenangriff gegen diese Kampagne führen könne. Der Gerenal Ludendorff ergriff die Initiative und empfahl die Vereinigung der wichtigsten Filmgesellschaften, damit ihre zuvor verbreiteten Energien im nationalen Interesse kanalisiert werden konnten. Seine Vorschläge waren Befehle. Durch den Beschluss des Deutschen Oberkommandos vom November 1917, in engem Kontakt mit prominenten Finanziers, Industriellen und Reedern, verschmolzen der Messter Film, die Union of Davidson und die von Nordisk kontrollierten Unternehmen – mit Unterstützung einer Bankengruppe – zu einer neues Unternehmen: Ufa (Universum Film AG).

Die offizielle Aufgabe der Ufa war es, Propaganda zugunsten Deutschlands nach Regierungsvorgaben zu machen. Diese Organisation diente als Sprungbrett für den Erfolg deutscher Filmemacher wie Ernst Lubitsch, Fritz Lang, Robert Wiene, Friedrich Murnau und anderen, die Teil der expressionistischen Bewegung waren, die in Ästhetik und Thema eine große Beziehung hatte mit der von den Gründern vor und nach dem Krieg vorgeschlagenen Werkgrafik und Bildarbeit, die Deutschland bankrott machte und die Expressionisten beeinflusste, die ihre Emotionen und ihre Psychologie äußerten, die Realität verzerrten und Symbolik zur Vertiefung zeigten die Filme.

Zeitgenössische Trends
In den 1920er Jahren provozierte die Dada-Bewegung eine Revolution in der Kunstwelt, und die verschiedenen europäischen Kulturen befürworteten einen Wandel und den Wunsch, die Zukunft durch das Experimentieren mit neuen und revolutionären Ideen und Stilen zu betrachten. Der Expressionismus ist auch zeitgenössisch mit dem Surrealismus in Frankreich.

Einfluss des filmischen Expressionismus
Zwei Genres wurden besonders vom Expressionismus beeinflusst: der Film noir und der Horrorfilm. Carl Laemmle und die Universal Studios machten sich in der Zeit des Stummfilms einen Namen, indem sie berühmte Horrorfilme produzierten, wie das Phantom der Oper (Lon Chaney, 1925). Deutsche Emigranten inspirierten in den 1930er Jahren den Stil und die Atmosphäre der Monsterfilme der Universal Studios mit sehr dunklen künstlerischen Hintergründen und wurden so zu einer Referenz für nachfolgende Generationen von Horrorfilmen.

Nach Fritz Lang (Fury) in den 1930er Jahren führten andere Regisseure germanischer Herkunft wie Otto Preminger (Laura), Robert Siodmak (Die Killers) oder Billy Wilder (Insurance on Death) den expressionistischen Stil in den Polizeifilmen der 1940er Jahre ein und beeinflussten danach Generationen von Filmemachern, so dass der Expressionismus überleben.

„Das Nachkriegskino schien darauf zu bestehen, seinen rätselhaften, makabren, finsteren, morbiden Charakter zu betonen. Es reflektiert den Rückzugsprozess“ in der Tiefe der Seele „der Bevölkerung in dieser Zeit der Ungewissheit“, sagt Sigfried Kracauer, Spezialist in der deutschen Zeit.

Die Ursprünge dieser kinematographischen Bewegung, die ihren Höhepunkt im Jahrzehnt der 20er Jahre hatte, gehen auf den Beginn des 20. Jahrhunderts zurück, als der Expressionismus als Abbild der Wirklichkeit entstand. Einige Regisseure assimilierten die Theorien und Vorschläge dieses künstlerischen Phänomens. Einer der wegweisenden Filme war Doktor Caligaris Kabinett, ein Film, der von einer Reihe von Verbrechen inspiriert wurde, die in Hamburg stattfanden. Er erzählte von den schockierenden Verbrechen, die Cesare unter dem hypnotischen Befehl von Dr. Caligari begangen hatte, der die Messen der deutschen Städte besuchte, die seinen Schlafwandler ausstellten. Die Idee der Autoren war, die Leistung des deutschen Staates während des Krieges anzuprangern.

Aber Robert Wiene, der es leiten wird, wird dem Drehbuch zwei neue Szenen hinzufügen, eins am Anfang und eins am Ende, was den ganzen Sinn der Geschichte verändern wird, weil es die imaginäre Geschichte eines Verrückten wird, der ihm glaubt sieht der Direktor des psychiatrischen Krankenhauses, in dem der schreckliche Dr. Caligari gefunden wird.

Die Hauptattraktion des Films liegt in seiner szenografischen Anomalität mit schrägen Schornsteinen, kubistischen Reminiszenzen und pfeilförmigen Fenstern, die alle nur eine dramatische und psychologische Funktion haben und nicht als etwas Dekoratives. Es ist wahr, dass der Zufall dazu beitragen wird, dieses Drama zu verstärken, weil aufgrund der begrenzten Beleuchtung im Studio, in dem es aufgenommen wurde, beschlossen wurde, die Sets mit Licht und Schatten zu bemalen.

Ein weiteres Highlight ist die Zusammensetzung der Schauspieler und deren Interpretation. Doktor Caligaris Kabinett wird großen Erfolg haben. Es wird, neben der Figur von Charlot, der erste große Mythos der Geschichte des Kinos sein. Französische Kritiker prägten das Wort caligarismo, um die deutschen Filme der neuen Ästhetik zu bezeichnen. Wiene wird in den folgenden Jahren mehrere weitere Werke dirigieren, aber Caligari wird niemals den Erfolg oder die künstlerische Qualität erreichen. Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten entschied er sich ins Exil zu gehen und starb 1938 in Paris.

Der Expressionismus wird sich mit einer neuen Strömung weiterentwickeln, die die von den Sets gemalten Stoffe ersetzt und einer komplexeren Beleuchtung als Ausdrucksmedium Platz macht. Daraus entsteht eine neue Strömung, die als Kammerspielfilm oder Camera Theatre bekannt wird, die ihren Ursprung in den realistischen Erfahrungen des Kameratheaters von Max Reinhardt, dem berühmten Theaterregisseur der Zeit, hat.

Dieser Vorschlag wurde zu einem großen Teil von der Arbeit des Drehbuchautors Carl Mayer angetrieben, dessen Dramen manchmal einfach und etwas theatralisch waren. Wichtige Regisseure wurden von dieser Strömung angezogen, in der sie einige ihrer größten kinematografischen Werke zum deutschen Kino beisteuerten.

Stilistisch
Charakteristisch sind die grotesk verzerrten Kulissen, die stark von der expressionistischen Malerei und der kontrastierenden Beleuchtung beeinflusst sind, die durch gemalte Schatten noch verstärkt wurde. Eine surrealistische und symbolische Inszenierung schafft starke Stimmungen und tiefere Bedeutungsebenen.

Darüber hinaus ist es vor allem der betont überzeichnete gestische Stil der Darsteller, der den Expressionisten dieses Filmflusses auszeichnet. Es ist dem künstlerischen Vorläufer, dem Bühnenexpressionismus entlehnt.

Die Ästhetik des Kammerspielfilms verzichtet auf die phantastischen Themen und die expressionistischen Kulissen, um eine Annäherung an das Alltagsdrama einfacher Charaktere aus dem realen Leben, eingetaucht in einen kleinen Raum, der bescheidenen Behausung zu versuchen, die ohne weitere Attribute hier einnimmt klaustrophobischer Charakter. Es basiert auf einem, wenn auch nicht vollständigen Respekt der Einheiten von Zeit, Ort und Handlung, in einer großen Linearität und argumentativen Einfachheit, die das Einfügen von erklärenden Etiketten überflüssig macht, und in interpretativer Nüchternheit. Die dramatische Einfachheit und der Respekt für die Einheiten erlauben es, geschlossene und drückende Atmosphären zu schaffen, in denen sich die Protagonisten bewegen. Die Flugbahn dieser Strömung wird hauptsächlich von drei Filmemachern dominiert:

Friedrich Wilhelm Murnau
Friedrich Wilhelm Murnau gründete 1919 seine eigene Produktionsfirma und begann Filme zu drehen, in denen er versuchte, seine Subjektivität mit dem größten Respekt vor den realen Formen der Welt auszudrücken. Nosferatu (1922) ist ein Beispiel dafür, ein Film, der den Mythos des Vampirs erzählt und eines seiner Meisterwerke sein wird. Um es zu drehen, greift es auf natürliche Szenarien zurück und stellt sich dem expressionistischen Wunsch, die Szenen im Studio zu filmen, gegenüber. Mit der Einführung von realen Elementen in einer fantastischen Geschichte verbessert es seine Wahrhaftigkeit. Es wird auch Gebrauch machen von beschleunigt und untätig, und die Verwendung von Negativfilm, um den Übergang von der realen Welt zum ultrarealen zu markieren.

Nach Nosferatu wird er El Último (Der letzte Mann) inszenieren, die Geschichte des Portiers eines Luxushotels, das aufgrund seines Alters von einem Job wechselt. Der Mann ist nicht mit dem Verlust seiner Uniform zufrieden und stiehlt ihn jeden Tag, um mit ihm in sein Haus zurückzukehren, bis er entdeckt wird. Diese Arbeit stellt den klaren Übergang vom Expressionismus zum sozialen Realismus dar, obwohl er in einer plastischen Sprache voller expressionistischer Prototypen erzählt wird. Um der Geschichte Beweglichkeit zu verleihen, werden Murnau und sein Operateur Karl Freund eine sehr dynamische Kamera verwenden, die an der Brust des Letzteren befestigt ist, um das Reisen subjektiv kreisförmig zu machen und die Bewegungen eines Krans nachzuahmen und die Kamera am Ende zu platzieren von einer Feuerleiter.

Murnau wird in aufeinanderfolgenden Jahren mehrere Werke, immer mit einer hohen technischen Qualität, machen, wie die Adaptionen von Faust und Moliere Tartufo, um einen verlockenden Vertrag in Hollywood zu beenden, wo er einen Oscar gewinnen und bei einem Verkehrsunfall in Paris sterben wird 1931.

Fritz Lang
Zusammen mit Murnau ist der Österreicher Fritz Lang ein weiterer Lehrer der expressionistischen Schule. Der älteste noch erhaltene Film seiner langen Karriere ist Die Spinnen von 1919, aber er erreichte 1921 Erfolg und Anerkennung mit Der müde Tod oder Die drei Lichter, der den Kampf zwischen Liebe und Tod erzählt. Diese Arbeit wird eine sehr wichtige Wirkung haben, und sie wird die Berufung des spanischen Regisseurs Luis Buñuel entscheiden. In seiner nächsten Arbeit, Los Nibelungos, haben Sie die Möglichkeit, Ihre ganze Reife zu demonstrieren. Diese arische Erhebung, in der die Hunnen als Wesen von minderwertiger Rasse dargestellt werden, scheint eine Vorahnung der kommenden Zeiten zu sein.

Metropolis, 1927, wird seine endgültige Arbeit sein. Spielen Sie mit Räumen, Volumen und Helldunkel. In Metropolis bekommt Lang Bilder, die in die Geschichte des Kinos eingehen und die der Zuschauer nicht vergessen kann: seine unterdrückende Untergrundwelt, die Verlagerung der Arbeiter, die Flut, die Panik in der Stadt, etc. Metropolis wird stellen den Höhepunkt des Expressionismus der architektonischen Ordnung dar, wie Caligari im Bildnis war.

Im Jahr 1933 wird Lang das Testament von Dr. Mabuse machen, ein Film, der zu dieser Zeit in Deutschland verboten war. Wenig später wird er in die Vereinigten Staaten fliehen, wo er seine Arbeit fortsetzen und 1976 sterben wird.

Georg Wilhelm Pabst
Der letzte große Produzent der deutschen Expressionistenästhetik war Georg Wilhelm Pabst. Nach seinem Debüt als Theaterschauspieler gründete er eine eigene Filmproduktionsfirma, in der er 1923 seinen ersten Film, eine Kleinarbeit mit dem Titel Der Schat, drehte. Bekannt wurde er bis zwei Jahre später mit dem Film „Unter der Maske der Lust“, einem Drama des Elends, gespielt von Greta Garbo, in einem historischen und realen Moment. Von einem rein realistischen Stil, wurde dieses Werk komplett im Studio gedreht, wodurch es einen Teil seiner Stärke wegen der Falschheit seiner Sets verliert, aber sein Verdienst liegt darin, zum ersten Mal die Situation der Bourgeoisie Deutsch nach dem Krieg zu präsentieren, ruiniert und in der Krise.

Pabst war der erste Filmemacher, der die Psychoanalyse in einen seiner Filme integrierte, unterstützt von zwei Schülern Sigmund Freuds, der 1926 eine Studie über Impotenz durchführte. Seine folgenden Arbeiten befassten sich mit den Problemen der weiblichen Psychologie in einer Trilogie: Abwege, La caja von Pandora und Drei Seiten eines Tagebuchs, wo es durch das Leben seiner Protagonistinnen eine erbitterte Kritik am Deutschland seiner Zeit machte. Das waren die beiden Motoren, die Pabsts Arbeit bewegten: die Gefühle und die soziale Realität seines Landes.

Pabst brachte das deutsche Kino auf den Weg des sozialen Realismus, und die Frauentrilogie folgte sozial und politisch engagierten Filmen, die 1933 nach dem Aufstieg zum Nationalsozialismus verboten wurden. Er floh nach Frankreich, wo er mit seiner Arbeit fortfuhr, um in sein Land zurückzukehren, wo er im Jahrzehnt der 50er Jahre eine Anschuldigung gegen den Nationalsozialismus filmte. Er starb 1967 in Wien.

Wichtige Filme
Der Student von Prag (1913, Regie: Stellan Rye)
Die Schlange der Passion (1918, Regie: Jakob und Luise Fleck)
Opium (1919, Regie: Robert Reinert)
Nerven (1919, Regie: Robert Reinert)
Das Kabinett von Dr. Caligari (1920, Regie: Robert Wiene)
Von morgens bis Mitternacht (1920, Regie: Karlheinz Martin)
Echt (1920, Regie: Robert Wiene)
Algol (1920, Regie: Hans Werckmeister)
Der Golem, wie er die Welt betrat (1920, Regie: Paul Wegener)
Der müde Tod (1921, Regie: Fritz Lang)
Die Bergkatze (1921, Regie: Ernst Lubitsch – Expressionismus-Parodie)
Dr. Mabuse, der Spieler (1922, Regie: Fritz Lang)
Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (1922, Regie: Friedrich Wilhelm Murnau)
Vanina (1922, Regie: Arthur von Gerlach)
Phantom (1922, Regie: Friedrich Wilhelm Murnau)
Schatten (1923, Regie: Arthur Robison)
Raskolnikow (1923, Regie: Robert Wiene)
Die Straße (1923, von Karl Grune geleitet)
Aelita (1924, Regie: Yakov Protasanov)
Orlacs Hände (1924, Regie: Robert Wiene)
Die Stadt ohne Juden (1924, Regie: Hans Karl Breslauer)
Das Wachsfigurenkabinett (1924, Regie: Paul Leni)
Der letzte Mann (1924, Regie: Friedrich Wilhelm Murnau)
Über die Chronik von Grieshuus (1925, Regie: Arthur von Gerlach)
Faust – eine deutsche Volkslegende (1926, Regie: Friedrich Wilhelm Murnau)
Der Mantel (1926, Regie: Grigori Kosinzew und Leonid Trauberg)
Metropolis (1927, Regie: Fritz Lang)
M (1931, Regie: Fritz Lang)

Leben nach dem Tod
Die kurze Epoche des expressionistischen Films war bereits Mitte der 1920er Jahre vorbei. Als nach der Machtergreifung der Nationalsozialisten 1933 viele der ehemaligen Protagonisten Deutschland nach Hollywood verließen, waren dort nur Nachwirkungen zu spüren. Vor allem zwei Genres wurden davon beeinflusst und gelten als „Erben“ des Film-Expressionismus: der Horrorfilm und der Film noir.

Die Arbeiten von David Lynch scheinen heute sowohl vom Expressionisten (Fritz Lang: M) als auch vom surrealistischen Film (Luis Buñuel, Salvador Dalí: An Andalusian Dog) inspiriert zu sein. Werner Herzog drehte 1979 eine Hommage an ein Nosferatu-Remake mit Klaus Kinski in der Hauptrolle. Ebenso ein Remake mit dem Sound eines berühmten expressionistischen Stummfilms, drehte der amerikanische Regisseur David Lee Fisher 2006 mit der ebenfalls schwarz-weißen Aufnahme The Cabinet von Dr. Caligari, in der die heutigen Schauspieler auf dem Bluescreen vor den Kulissen des Films agieren Originalfilm.

Tim Burton baut oft bizarre Szenen in seinen Filmen. Zum Beispiel sind die Kulissen in der Geisterwelt von Beetlejuice oder „Halloweentown“ in „Nightmare Before Christmas“ und die Szenen im Film „Corpse Bride – Wedding with a Dead Body“ sehr von den expressionistischen Modellen beeinflusst. Lemony Snicket – Enigmatische Ereignisse, die Dreharbeiten zu Lemony Snickets Eine Reihe von traurigen Ereignissen, die stark auf diesen Filmen Burtons basieren und daher auch stark auf dem expressionistischen Stil basieren.