Aneignung in der Kunst ist die Verwendung von bereits existierenden Objekten oder Bildern, auf die nur eine geringe oder keine Transformation angewendet wird. Der Gebrauch der Aneignung hat in der Geschichte der Künste (literarische, visuelle, musikalische und darstellende Künste) eine bedeutende Rolle gespielt. In der bildenden Kunst geeignete Mittel, um Aspekte (oder die gesamte Form) der von Menschen geschaffenen visuellen Kultur richtig zu übernehmen, auszuleihen, zu recyceln oder zu probieren. Bemerkenswert in dieser Hinsicht sind die Readymades von Marcel Duchamp.

In unserem Verständnis von Aneignung liegt der Gedanke, dass die neue Arbeit alles neu kontextualisiert, was sie sich zur Schaffung der neuen Arbeit leiht. In den meisten Fällen bleibt das ursprüngliche ‚Ding‘ unverändert als das Original zugänglich.

Definition
Die Aneignung wurde definiert als „die Übernahme eines realen Objekts oder sogar eines vorhandenen Kunstwerks in ein Kunstwerk“. Die Tate Gallery geht auf den Kubismus und den Dadaismus zurück, setzt sich aber bis in den Surrealismus der 1940er Jahre und die Pop-Art der 1950er Jahre fort. Mit den Neo-Geo-Künstlern wurde es in den 1980er Jahren wieder bekannter.

Eigenschaften
Werke der Aneignung Kunst befasst sich in der Regel mit den abstrakten Merkmalen von Kunstwerken und dem Kunstmarkt selbst. Durch den Akt der Aneignung problematisieren sie grundlegende Kategorien der Kunstwelt wie Urheberschaft, Originalität, Kreativität, geistiges Eigentum, Unterschrift, Marktwert, Museumsraum (sogenannter weißer Würfel), Geschichte, Geschlecht, Subjekt, Identität und Differenz. Sie thematisiert Paradoxien und Selbstwidersprüche und macht sie sichtbar und ästhetisch erlebbar.

Die individuellen Strategien der einzelnen Künstler sind sehr unterschiedlich, so dass ein einheitliches Gesamtprogramm nicht einfach zu identifizieren ist. Viele Künstler, die der Appropriation Art zugeordnet sind, bestreiten, Teil einer „Bewegung“ zu sein. „Appropriation Art“ ist daher nur ein Label, das seit Anfang der 1980er Jahre in der Kunstkritik verwendet wird und durchaus umstritten ist.

Die verwendeten Techniken sind vielfältig. Aneignung wird u. ein. betrieben mit Malerei, Fotografie, Filmkunst, Skulptur, Collage, Dekollage, Umwelt, Happenings, Fluxus und Performance.

Beispiele
In den frühen 1970er Jahren kopierte Elaine Sturtevant Werke von Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Jasper Johns und Frank Stella unter anderem mit Siebdruck oder Farbe, dh in den ursprünglichen Techniken. Es wird berichtet, dass einige der von ihr kopierten Künstler ihre Ratschläge zur Technologie gaben. Andy Warhol soll ihm sogar seine Originalsiebe gegeben haben. Sturtevant selbst sagt, dass sie dem Originalitätszwang entfliehen will, der jeden Künstler belastet, indem sie diese Kategorie mit den Mitteln der Kunst erkundet.

Richard Pettibone hat Warhol oft kopiert und in folgendem Verhältnis für ihn gesorgt: „Ich bin ein vorsichtiger Handwerker, er ist ein Trottel.“ Versteigert wurden Pettibone-Imitationen von Sotheby’s.

Mike Bidlo trat nach einer biografischen Anekdote auf, in der er als Jackson Pollock in einem offenen Kamin urinierte. Für seine Ausstellungen hatte er Kunstwerke von Andy Warhol oder Constantin Brâncuşi in Serie. Derzeit fertigt er tausende Zeichnungen und Modelle des Ready-made Fountain von Marcel Duchamp an. Duchamps Ready-made gilt als eines der wichtigsten Kunstwerke der Neuzeit. Bidlos Projekt kann daher sowohl als Hommage an Duchamp als auch als symbolische Aufarbeitung des Generationskonflikts verstanden werden.

Louise Lawler fotografierte Kunstwerke in den Wohnräumen von Kunstsammlern und in Museen vor Ort, dh in ihrer jeweiligen Umgebung. Es zeigt, in welchem ​​Kontext Kunst aufgenommen wird und wie sie in Räumen inszeniert wird.

Eine Reihe von Fotografien von Cindy Sherman sind die Geschichtsporträts, auf denen sie nach Art Old Master kostümiert und inszeniert ist. Sie befasst sich zeitweise mit den historischen Rollen von Frauen und Männern. Sherman verwendet oft bewusst schlampige Kostüme und grobes Make-up, damit die Inszenierung im Bild erkennbar bleibt. Die Geschichtsporträts können als Kommentar zur Kunstgeschichte verstanden werden, in der Frauen meist nur als Vorbilder dienten, also Objekte für die Sicht männlicher Maler; Gleichzeitig werfen sie Fragen zur historischen Konstruktion von Identität, Weiblichkeit und Männlichkeit auf (siehe Gender, Self-Portrait).

Sherrie Levine wurde berühmt für ihre Aneignung der Fotografien von Walker Evans, die sie aus illustrierten Büchern fotografierte und unter ihrem Namen unter dem Titel After Walker Evans ausstellte. Im Jahr 2001 wandte Michael Mandiberg diese Aktion auf den Künstler an: Er fotografierte Sherrie Levines Kopien und präsentierte seine Fotos unter dem Titel After Sherrie Levine. Mandiberg war nicht der einzige Vertreter der „zweiten Generation“ von Aneignern, die die erste Generation aneigneten: Yasumasa Morimura inszenierte sich nach Fotografien von Cindy Shermanon, die sie in verschiedenen Verkleidungen und Rollen (Filmstills) darstellte. Da Sherman in ihren Bildern oft als Frau in männliche Rollen schlüpft, Morimura jedoch als Transvestit auftritt, wird die Verwirrung der Geschlechtsidentität noch verstärkt.

Philosophie
Philosophisch nähern sich die konzeptuellen Strategien der Aneignung Dekonstruktion, Medientheorie und Intertextualität an. Künstlerische Techniken wie Zitieren, Anspielung, Travestie, Parodie und Pastiche, die allgemein als Merkmale der postmodernen Kunst angesehen werden, finden sich in Werken der Appropriation Art. Da sich viele Strategien der Aneignungskunst am Kunstsystem selbst orientieren, kann man auch von Metakunst oder dem selbstreflexiven System des Kunstsystems sprechen (siehe Systemtheorie). Es ist eine der Kunstbewegungen, die sich aktiv mit den Bedingungen und Grenzen der Kunst auseinandersetzt und das Kunstsystem zur Neudefinition zwingen kann.

Recht
Ein Werk von Appropriation Art kann auch urheberrechtlich geschützt werden, selbst wenn es in jedem Detail einem bereits existierenden Werk eines anderen Künstlers ähnelt. Die schützbare schöpferische Leistung besteht dann in der Entwicklung des Konzepts und der eigenständigen Strategie des Kopierers. Betrug oder Täuschung werden von den Künstlern nicht beabsichtigt. Genau wie das Sampling oder die Coverversion von In Music bewegt sich Appropriation Art jedoch in Bereichen, in denen das Urheberrecht am Werk ist. Da jedoch argumentiert werden kann, dass der Kopiervorgang in diesem Fall ein ursprünglicher, künstlerischer Vorgang ist, gibt es selten Konflikte rechtlicher Natur. Darüber hinaus wird der Wert des Vorbilds in der bildenden Kunst im Gegensatz zu Medienprodukten in der Regel an seine materielle Existenz gebunden, die von einer Aneignung nicht berührt wird.

Nach österreichischem Recht sind Aneignungskunstwerke grundsätzlich als freie Weiterverwendung im Sinne von § 5 Abs. 2 UrhG einzustufen, oder es ist zumindest eine Rechtfertigung der Freiheit der Kunst und der Meinungsäußerung möglich.

Geschichte
Im frühen zwanzigsten Jahrhundert nahmen Pablo Picasso und Georges Braque Objekte aus einem nicht-künstlerischen Kontext in ihre Arbeit auf. 1912 klebte Picasso ein Stück Öl auf die Leinwand. Nachfolgende Kompositionen wie Gitarre, Zeitung, Glas und Flasche (1913), in denen Picasso Zeitungsausschnitte zur Gestaltung von Formen verwendete, wurden als synthetischer Kubismus eingestuft. Die beiden Künstler bauten Aspekte der „realen Welt“ in ihre Leinwände ein und eröffneten eine Diskussion über Bedeutung und künstlerische Repräsentation.

Marcel Duchamp wird die Einführung des Konzepts des Fertigen zugeschrieben, in dem „industriell hergestellte Gebrauchsgegenstände … nur durch Auswahl und Präsentation den Status der Kunst erlangen“. Duchamp erkundete diesen Begriff bereits 1913, als er einen Hocker mit einem Fahrradrad montierte, und 1915, als er eine Schneeschaufel kaufte und sie humorvoll einschrieb: „Vor dem gebrochenen Arm, Marcel Duchamp.“ 1917 reichte Duchamp offiziell ein Readymade in die Ausstellung der Society of Independent Artists unter dem Pseudonym R. Mutt. Der Brunnen mit dem Titel bestand aus einem Porzellanurinal, das auf einen Sockel gestellt und mit „R. Mutt 1917“ signiert war. Das Werk stellte eine direkte Herausforderung für die traditionelle Wahrnehmung von bildender Kunst, Eigenverantwortung, Originalität und Plagiat dar und wurde anschließend vom Ausstellungskomitee abgelehnt. Duchamp verteidigte Fountain öffentlich und behauptete, „ob Mr.Mutt mit seinen eigenen Händen den Brunnen gemacht hat oder nicht, hat keine Bedeutung. Er hat ihn AUSGEWÄHLT. Er hat einen gewöhnlichen Lebensartikel genommen und ihn so platziert, dass seine nützliche Bedeutung unter dem neuen Titel und Punkt verschwindet.“ und schuf einen neuen Gedanken für dieses Objekt. “

Die Dada-Bewegung (einschließlich Duchamp als Mitarbeiter) setzte die Aneignung von Alltagsgegenständen fort. Dada-Werke zeigten absichtliche Irrationalität und die Ablehnung der vorherrschenden Standards der Kunst. Kurt Schwitters, der gleichzeitig mit den Dadaisten Kunst produzierte, zeigt in seinen „merz“ -Werken ein ähnliches Gespür für das Bizarre. Er baute diese aus gefundenen Gegenständen und sie nahmen die Form großer Konstruktionen an, die spätere Generationen Installationen nannten.

Die Surrealisten, die nach der Dada-Bewegung entstanden, verwendeten auch Fundstücke wie Méret Oppenheims Objekt (Luncheon in Fur) (1936). Diese Objekte erhielten eine neue Bedeutung, wenn sie mit anderen unwahrscheinlichen und beunruhigenden Objekten kombiniert wurden.

Joseph Cornell produzierte 1938 in seinem nach dem Zufallsprinzip geschnittenen und rekonstruierten Film Rose Hobart das, was als erstes Werk der Filmaneignung gelten könnte.

In den 1950er Jahren verwendete Robert Rauschenberg das, was er als „Kombinieren“ bezeichnete und kombinierte buchstäblich fertige Objekte wie Reifen oder Betten, Malerei, Siebdruck, Collage und Fotografie. Ebenso hat Jasper Johns, der gleichzeitig mit Rauschenberg arbeitet, gefundene Gegenstände in seine Arbeit aufgenommen.

Die Fluxus-Kunstbewegung nutzte auch die Aneignung: Ihre Mitglieder mischten verschiedene künstlerische Disziplinen, einschließlich visueller Kunst, Musik und Literatur. In den 1960er und 1970er Jahren führten sie „Action“ -Ereignisse durch und produzierten skulpturale Arbeiten mit unkonventionellen Materialien.

Neben Künstlern wie Claes Oldenburg und Andy Warhol wurden Bilder aus der kommerziellen Kunst und Populärkultur sowie die Techniken dieser Industrien angeeignet. Sie wurden oft als „Popkünstler“ bezeichnet und sahen die Massenpopulärkultur als die hauptsächliche einheimische Kultur an, die von allen geteilt wird, unabhängig von der Bildung. Diese Künstler beschäftigten sich voll und ganz mit den Eintagsfliegen, die aus dieser massenproduzierten Kultur hervorgegangen waren.

1958 produzierte Bruce Conner den einflussreichen A Movie, in dem er bestehende Filmausschnitte neu kombinierte. 1958 produzierte Raphael Montanez Ortiz Cowboy and Indian Film, ein wegweisendes Aneignungsfilmwerk.

In den späten 1970er Jahren arbeitete Dara Birnbaum mit Aneignung, um feministische Kunstwerke zu produzieren. 1978-79 produzierte sie eine der ersten Videoaufnahmen. Technologie / Transformation: Wonder Woman verwendete Videoclips aus der Fernsehserie Wonder Woman.

Der Begriff der Aneignungskunst war in den 1980er Jahren bei Künstlern wie Sherrie Levine üblich, die sich mit dem Akt der Aneignung als Thema in der Kunst befassten. Levine zitiert oft ganze Werke in ihrer eigenen Arbeit, zum Beispiel Fotografien von Walker Evans. Levine hinterfragt Ideen der Originalität, lenkt die Aufmerksamkeit auf die Beziehungen zwischen Macht, Geschlecht und Kreativität, Konsumismus und Warenwert, die sozialen Quellen und Verwendungen von Kunst und spielt mit dem Thema „fast gleich“. Elaine Sturtevant (auch bekannt als Sturtevant) malte und zeigte perfekte Nachbildungen berühmter Werke. Sie replizierte Andy Warhols Flowers im Jahr 1965 in der Bianchini Gallery in New York. Sie trainierte, die eigene Technik des Künstlers zu reproduzieren – in dem Maße, als Warhol wiederholt zu seiner Technik befragt wurde, antwortete er einmal: „Ich weiß nicht. Frag Elaine.“

In den 1970er und 1980er Jahren fotografierte Richard Prince Anzeigen wie Marlboro-Zigaretten oder Fotojournalismus-Aufnahmen neu. Seine Arbeit nimmt anonyme und allgegenwärtige Zigarettenwerbekampagnen auf, erhöht den Status und lenkt den Blick auf die Bilder.

Aneignungskünstler äußern sich zu allen Aspekten von Kultur und Gesellschaft. Joseph Kosuth nutzte Bilder, um sich mit Philosophie und erkenntnistheoretischer Theorie auseinanderzusetzen. Andere Künstler, die in dieser Zeit mit Aneignung zu tun hatten, waren Jeff Koons, Barbara Kruger, Greg Colson und Malcolm Morley.

In den neunziger Jahren produzierten Künstler weiterhin Aneignungskunst und verwendeten sie als Medium, um sich mit Theorien und sozialen Fragen zu befassen, anstatt sich auf die Werke selbst zu konzentrieren. Damian Loeb nutzte Film und Kino, um Themen von Simulacrum und Realität zu kommentieren. Andere bekannte Künstler, die zu dieser Zeit arbeiteten, waren Christian Marclay, Deborah Kass, Damien Hirst [zweifelhaft – diskutieren] und Genco Gulan.

Im digitalen Zeitalter
Die Nutzung historischer Vorläufer ist seit den 1990er Jahren so vielfältig, wie der Begriff der Aneignung unklar ist. Eine beispiellose Menge von Aneignungen durchdringt nicht nur den Bereich der bildenden Kunst, sondern alle kulturellen Bereiche. Die neue Generation von Aneignern versteht sich als „Archäologe der Gegenwart“. Einige sprechen von „Postproduktion“, die auf bereits existierenden Werken basiert, um „das Drehbuch der Kultur“ neu zu editieren. Die Annexion von Werken anderer oder von verfügbaren Kulturprodukten folgt meist dem Nutzungsbegriff. Sogenannte „Prosumer“, die gleichzeitig konsumieren und produzieren, stöbern im allgegenwärtigen Archiv der digitalen Welt (seltener im analogen), um die immer zugänglichen Bilder, Wörter und Töne per Kopie abzutasten -paste ‚oder‘ drag-drop ‚zu‘ bootleg ‚,‘ mashup ‚oder‘ remix ’nach Belieben. Aneignungen sind heute zu einem alltäglichen Phänomen geworden.

Der neue „Generation Remix“, der nicht nur die bildenden Künste, sondern auch Musik, Literatur, Tanz und Film inszeniert, sorgt natürlich für kontroverse Debatten. Medienwissenschaftler Lawrence Lessig prägte hier Anfang der 2000er Jahre den Begriff der Remixkultur. Auf der einen Seite stehen die Feierlichkeiten, die ein neues Zeitalter innovativer, nützlicher und unterhaltsamer Wege für die Kunst des digitalisierten und globalisierten 21. Jahrhunderts vorsehen. Die neuen Aneigner werden nicht nur das Sprichwort von Joseph Beuys erkennen, dass jeder ein Künstler ist, sondern auch „freie Gesellschaften aufbauen“. Indem Kunst endlich von traditionellen Konzepten wie Aura, Originalität und Genialität befreit wird, werden sie zu neuen Begriffen des Verstehens und Definierens von Kunst führen. Kritischere Beobachter sehen darin den Ausgangspunkt eines großen Problems. Wenn die Schöpfung auf nichts anderem beruht als auf sorglosen Prozessen des Findens, Kopierens, Rekombinierens und Manipulierens bestehender Medien, Konzepte, Formen, Namen usw. jeglicher Herkunft, wird sich das Verständnis von Kunst in ihrem Blickwinkel auf eine trivialisierte, niedrigere Ebene verlagern. anspruchsvolle und regressive Aktivität. Angesichts der Beschränkung der Kunst auf Verweise auf bereits existierende Konzepte und Formen sehen sie endlose neu zusammengestellte und wiederverwendete Produkte vor. Skeptiker nennen dies eine Kultur des Recyclings mit einer Sucht nach der Vergangenheit

Manche sagen, nur faule Leute, die nichts zu sagen haben, lassen sich auf diese Weise von der Vergangenheit inspirieren. Andere befürchten, dass dieser neue Trend der Aneignung nur durch den Wunsch hervorgerufen wird, sich mit einer attraktiven Genealogie zu verschönern. Der Begriff Aneignungismus spiegelt die Überproduktion von Reproduktionen, Wiederholungen, Nachstellungen, Neuerstellungen, Überarbeitungen, Rekonstruktionen usw. durch Kopieren, Imitieren, Wiederholen, Zitieren, Plagiieren, Simulieren und Anpassen bereits existierender Namen, Konzepte und Formen wider. Appropriationismus wird – im Vergleich von Aneignungsformen und Konzepten des 20. Jahrhunderts, die neue Darstellungen von etabliertem Wissen bieten – als eine Art „Rennstillstand“ diskutiert und bezieht sich auf die Beschleunigung zufälliger, unkontrollierbarer Operationen in hochmobilisierten, fluiden westlichen Gesellschaften immer mehr von abstrakten Formen der Kontrolle beherrscht. Der uneingeschränkte Zugriff auf das digitale Archiv von Kreationen und leicht umsetzbaren digitalen Technologien sowie die Priorität neuer Ideen und kreativer Prozesse gegenüber einem perfekten Meisterwerk führen zu einem hyperaktiven Treiben in der Vergangenheit, anstatt neue Expeditionen in unerforschte Gebiete zu starten Sichtbarkeit für die vergessenen Geister und ignorierten Phantome unserer gemeinsamen Mythen und Ideologien.

Appropriation Cinema
In der Filmkunst wird manchmal der Begriff Appropriation Cinema verwendet (häufiger Filmmaterial). Hierbei handelt es sich um filmische Arbeiten, die vorhandenes Filmmaterial übernehmen und bearbeiten. Der amerikanische Regisseur Gus Van Sant wurde z. Zum Beispiel mit Psycho (1998), einem Remake von Alfred Hitchcocks Meisterwerk Psycho (1960), das Szene für Szene des Originals konsequent nachbildet. Die Ausstattung und die Inszenierung wurden nur in einigen Szenen leicht modifiziert. Der Film war vielen Angriffen ausgesetzt. Das Kinopublikum verstand es nicht als eigenständige Leistung und daher als überflüssig. Da das Remake von Filmen in der Filmbranche ein weit verbreitetes Genre ist, stellt sich die Situation hier anders dar als in der Kunst – man kann van Sant ‚Film auch als Parodie auf Remakes oder als Pastiche verstehen.

Ebenfalls für Psycho verantwortlich war der britische Videokünstler Douglas Gordon, der den Film in einer 24-Stunden-Videoprojektion in seiner Installation 24 Hour Psycho gestreckt hat. Gordon versteht seine Arbeit als ein Spiel zwischen der künstlerischen Aura des Meisterwerks und den individuellen Eingriffen und Manipulationen, die jeder Besitzer eines Videorecorders an einem Film vornehmen kann, wenn er meditativ oder analytisch in einzelne Bildsequenzen eintauchen möchte.

Aneignung Theater
Im Jahr 2010 gründete sich die Theatergruppe Shanzhai Institute. Basierend auf der chinesischen Shanzhai-Tradition der Kopier- und Aneignungskunst kopiert und inszeniert die Gruppe historische und bestehende Theaterproduktionen im Detail, wobei nur die Schauspieler und Schauspieler neu klassifiziert werden. 2016 ist am Schauspiel Leipzig die Nachstellung von Tschechows „Die Möwe“ unter der Regie von Jürgen Gosch aus dem Jahr 2008 geplant.

Künstler mit Aneignung
Die folgenden Künstler sind dafür bekannt, dass sie bereits vorhandene Objekte oder Bilder verwenden, auf die nur eine geringe oder keine Transformation angewendet wird:

ÜBER
Ai Kijima
Aleksandra Mir
Andy Warhol
Banksy
Barbara Kruger
Benjamin Edwards
Bern Porter
Bill Jones
Brian Dettmer
Burhan Dogancay
Christian Marclay
Cindy Sherman
Claes Oldenburg
Cornelia Sollfrank
Cory Arcangel
Craig Baldwin
Damian Loeb
Damien Hirst
David Salle
Deborah Kass
Dominique Mulhem
Douglas Gordon
Elaine Sturtevant
Eric Doeringer
Fatimah Tuggar
Felipe Jesus Consalvos
Genco Gulan
Grund Idee
George Pusenkoff
Georges Braque
Gerhard Richter
Ghada Amer
Glenn Brown
Gordon Bennett
Graham Rawle
Graig Kreindler
Greg Colson
Hans Haacke
Hans-Peter Feldman
J. Tobias Anderson
Jake und Dinos Chapman
James Cauty
Jasper Johns
Jeff Koons
Joan Miró
Jodi
John Baldessari
John McHale
John Stezaker
Joseph Cornell
Joseph Kosuth
Joy Garnett
Karen Kilimnik
Kelley Walker
Kenneth Goldsmith
Kurt Schwitters
Lennie Lee
Leon Golub
Louise Lawler
Luc Tuymans
Luke Sullivan
Malcolm Morley
Marcel Duchamp
Marcus Harvey
Mark Divo
Marlene Dumas
Martin Arnold
Matthieu Laurette
Max Ernst
Meret Oppenheim
Michael Landy
Mike Bidlo
Mike Kelley
Miltos Manetas
Nancy Spero
Negativland
Nikki S. Lee
Norm Magnusson
PJ Crook
Pablo Picasso
Leute wie wir
Peter Saville
Philip Taaffe
Pierre Bismuth
Pierre Huyghe
Reginald Case
Richard Prince
Rick Prelinger
Rob Scholte
Robert Longo
Robert Rauschenberg
Shepard Fairey
Sherrie Levine
Elaine Sturtevant
System D-128
Ted Noten
Thomas Ruff
Tom Phillips
Vermibus
Vik Muniz
Vikky Alexander
Vivienne Westwood
Yasumasa Morimura

Appropriation Kunst und Urheberrecht
Die Aneignungskunst hat zu strittigen urheberrechtlichen Fragen hinsichtlich ihrer urheberrechtlichen Gültigkeit geführt. Die USA waren in dieser Hinsicht besonders streitig. Es ist eine Reihe von Beispielen aus der Rechtsprechung aufgetaucht, die die Trennung zwischen transformativen Werken und abgeleiteten Werken untersuchen.

Andy Warhol sah sich einer Reihe von Klagen von Fotografen gegenüber, deren Arbeit er aneignete und siebdruckte. Patricia Caulfield, eine solche Fotografin, hatte ein Foto von Blumen für eine Fotodemonstration für ein Fotomagazin gemacht. Ohne ihre Erlaubnis deckte Warhol die Wände von Leo Castellis New Yorker Galerie mit seinen siebgedruckten Reproduktionen von Caulfields Foto aus dem Jahr 1964 ab. Nachdem Caulfield ein Plakat von Warhols unerlaubten Reproduktionen in einer Buchhandlung gesehen hatte, verklagte er Warhol wegen Verletzung ihrer Rechte als Rechteinhaberin. und Warhol machte eine außergerichtliche Barabfindung.

Auf der anderen Seite wird angenommen, dass die berühmten Campbell-Suppendosen von Warhol im Allgemeinen nicht gegen das Markenzeichen des Suppenherstellers verstoßen, obwohl sie eindeutig angeeignet sind, weil „es unwahrscheinlich war, dass die Öffentlichkeit das Gemälde als von der Suppenfirma gesponsert oder als konkurrierendes Produkt ansah Gemälde und Suppendosen sind an sich keine Konkurrenzprodukte „, so der Markenanwalt Jerome Gilson.

Jeff Koons hat sich aufgrund seiner Aneignungsarbeit auch mit Fragen des Urheberrechts auseinandergesetzt (siehe Rogers v. Koons). Der Fotograf Art Rogers erhob 1989 Klage wegen Urheberrechtsverletzung gegen Koons. Koons ‚Arbeit, String of Puppies, reproduzierte skulptural Rogers‘ Schwarzweißfoto, das auf einer von Koons gekauften Flughafengrußkarte abgebildet war. Obwohl er zu seiner Verteidigung eine faire Verwendung und Parodie forderte, verlor Koons den Fall, teilweise aufgrund seines enormen Erfolgs als Künstler und der Art und Weise, wie er in den Medien dargestellt wurde. Das Argument der Parodie schlug ebenfalls fehl, da das Berufungsgericht zwischen der Schaffung einer Parodie der modernen Gesellschaft im Allgemeinen und einer Parodie auf ein bestimmtes Werk unterschied, wobei die Parodie eines bestimmten Werks, insbesondere eines sehr undurchsichtigen, zu schwach war, um dies zu rechtfertigen Fairer Gebrauch des Originals.

Im Oktober 2006 verteidigte Koons erfolgreich ein anderes Werk, indem er „faire Verwendung“ forderte. Bei einem Auftrag über sieben Gemälde für das Deutsche Guggenheim Berlin verwendete Koons einen Teil eines Fotos von Andrea Blanch mit dem Titel Silk Sandals von Gucci, das in der August 2000-Ausgabe des Allure-Magazins veröffentlicht wurde, um einen Artikel über Metallic-Make-up zu illustrieren. Koons nahm das Bild der Beine und der Diamant-Sandalen von diesem Foto (ohne weitere Hintergrunddetails) und verwendete es in seinem Gemälde Niagara, das auch drei weitere Paare von Frauenbeinen enthält, die surreal über einer Landschaft aus Torten und Kuchen baumeln.

In seiner Entscheidung stellte Richter Louis L. Stanton vom US-Bezirksgericht fest, dass Niagara tatsächlich eine „transformative Verwendung“ von Blanchs Foto darstellt. „Die Verwendung des Gemäldes ersetzt oder dupliziert nicht das Ziel des Originals“, schrieb der Richter, „sondern verwendet es als Rohmaterial auf neuartige Weise, um neue Informationen, neue Ästhetik und neue Einsichten zu schaffen. Eine solche Verwendung, ob erfolgreich oder nicht künstlerisch, ist transformativ. “

Das Detail von Blanchs Foto, das von Koons verwendet wird, ist nur in geringem Umfang urheberrechtlich geschützt. Blanch hat keine Rechte an den Gucci-Sandalen, „vielleicht das auffälligste Element des Fotos“, schrieb der Richter. Und ohne die Sandalen bleibt nur eine Darstellung der Beine einer Frau übrig – und dies wurde als „nicht originell genug angesehen, um viel urheberrechtlichen Schutz zu verdienen“.

Im Jahr 2000 wurde Damien Hirsts Skulptur Hymn (die Charles Saatchi für 1 Mio. GBP gekauft hatte) in Ant Noises in der Saatchi Gallery ausgestellt. Hirst wurde wegen Urheberrechtsverletzung dieser Skulptur angeklagt. Das Thema war ein „Young Scientist Anatomy Set“ seines Sohnes Connor, von dem 10.000 Stück jährlich von Hull (Emms) Toy Manufacturer verkauft werden. Hirst schuf eine sechs Tonnen schwere Vergrößerung der Science-Set-Figur, die die Wahrnehmung des Objekts radikal veränderte. In einer außergerichtlichen Einigung zahlte Hirst eine nicht bekannt gegebene Summe an zwei Wohltätigkeitsorganisationen, Children Nationwide und Toy Trust. Die Spende für wohltätige Zwecke war geringer als von Emms erhofft. Hirst verkaufte drei weitere Exemplare seiner Skulptur für ähnliche Beträge wie die erste.

Das Aneignen eines vertrauten Objekts zur Herstellung eines Kunstwerks kann den Künstler daran hindern, das Urheberrecht in Anspruch zu nehmen. Jeff Koons drohte damit, eine Galerie unter Urheberrecht zu verklagen, und behauptete, dass die Galerie durch den Verkauf von Buchstützen in Form von Ballonhunden seine Eigentumsrechte verletzt habe. Koons gab diese Behauptung auf, nachdem die Galerie eine Beschwerde wegen deklaratorischer Erleichterung eingereicht hatte: „Wie praktisch jeder Clown bezeugen kann, besitzt niemand die Idee, einen Ballonhund zu bauen, und die Form, die durch das Verdrehen eines Ballons in eine hundeartige Form entsteht, ist ein Teil der öffentlichen Domain. “

2008 verklagte der Fotojournalist Patrick Cariou den Künstler Richard Prince, die Gagosian Gallery und Rizzoli wegen Urheberrechtsverletzung. Prince hatte 40 von Carious Rastafari-Fotos aus einem Buch entnommen und eine Serie von Gemälden geschaffen, die als Canal Zone bekannt waren. Prince veränderte die Fotos auf verschiedene Weise, malte Objekte, übergroße Hände, nackte Frauen und männliche Torsos über die Fotos und verkaufte die Werke anschließend im Wert von über 10 Millionen US-Dollar. Im März 2011 entschied ein Richter zugunsten von Cariou, doch Prince und Gargosian legten in mehreren Punkten Berufung ein. Drei Richter des US-Berufungsgerichts bestätigten das Recht auf Berufung. Der Anwalt von Prince argumentierte: „Appropriation Art ist eine anerkannte moderne und postmoderne Kunstform, die die Art und Weise, wie Menschen über Kunst denken, und die Art und Weise, wie Menschen über Objekte, Bilder, Klänge und Kultur denken, in Frage gestellt hat.“ Die ursprüngliche Entscheidung wurde weitestgehend aufgehoben, da festgestellt wurde, dass viele der Gemälde die ursprünglichen Bilder ausreichend verändert hatten und daher eine zulässige Verwendung darstellten. Siehe Cariou gegen Prince.

Im November 2010 drohte Chuck Close mit rechtlichen Schritten gegen den Computerkünstler Scott Blake, weil er einen Photoshop-Filter erstellt hatte, der Bilder aus sezierten Chuck Close-Gemälden erstellt hatte. Die Geschichte wurde erstmals vom Online-Kunstmagazin Hyperallergic berichtet, auf der Titelseite von Salon.com abgedruckt und schnell im Internet verbreitet. Kembrew McLeod, Autor mehrerer Bücher über Probenahme und Aneignung, sagte in Wired, dass Scott Blakes Kunst unter die Doktrin des fairen Gebrauchs fallen sollte.

Im September 2014 stellte das US-Berufungsgericht für den siebten Stromkreis die Auslegung der Fair-Use-Doktrin im Fall Cariou durch den zweiten Stromkreis in Frage. Insbesondere stellte der Siebte Kreis fest, dass „transformative Nutzung“ nicht einer der vier aufgezählten Fair-Use-Faktoren ist, sondern lediglich ein Teil des ersten Fair-Use-Faktors, der sich mit dem „Zweck und Charakter“ der Nutzung befasst. Die Kritik des Seventh Circuit stützt das Argument, dass die US-Gerichte uneins darüber sind, welche Rolle „Transformativität“ bei einer Untersuchung zur fairen Verwendung zu spielen hat.

Im Jahr 2013 veröffentlichten Andrew Gilden und Timothy Greene an der University of Chicago einen Artikel zur Überprüfung des Gesetzes, in dem die tatsächlichen Ähnlichkeiten und rechtlichen Unterschiede zwischen der Rechtssache Cariou und der Rechtssache Salinger gegen Colting untersucht wurden. Privileg, das weitgehend den Reichen und Berühmten vorbehalten ist. „