С 11 мая по 24 ноября 2019 года проходила 58-я международная художественная выставка под названием May You Live In Interesting Times под руководством Ральфа Ругоффа. Название представляет собой английское изобретение, которое долгое время ошибочно считалось древним китайским проклятием, вызывающим периоды неопределенности, кризиса и потрясений; «интересные времена», в точности такие, в которых мы живем сегодня.

Выставка, как всегда, проводится в двух основных исторических местах, Джардини ди Кастелло и Арсенале, но также включает в себя престижные места по всей Венеции, где проживают представители многих народов и где проводятся выставки и сопутствующие мероприятия. Все мировые фьючерсы образуют большую и единую выставочную тропу, которая проходит от Центрального садового павильона до Арсенала, включая участие 79 стран и регионов.

Выражение «интересные времена» в названии выставки вызывает идею сложных или даже «угрожающих» времен, но это также может быть просто приглашением всегда видеть и рассматривать ход человеческих событий во всей их сложности, приглашением, таким образом, что кажется особенно важным во времена, когда слишком часто кажется, что преобладает чрезмерное упрощение, порожденное конформизмом или страхом.

«Живите в интересные времена», включает в себя произведения искусства, отражающие опасные аспекты современного существования, включая различные угрозы ключевым традициям, институтам и отношениям «послевоенного порядка». Но давайте с самого начала признаем, что искусство не проявляет свои силы в области политики. Искусство не может, например, остановить рост националистических движений и авторитарных правительств в разных частях мира, а также не может облегчить трагическую судьбу перемещенных народов по всему миру.

58-я Международная художественная выставка подчеркивает общий подход к созданию искусства и взгляд на социальную функцию искусства как на удовольствие и критическое мышление. Выставка сфокусирована на работах художников, которые бросают вызов существующим привычкам мышления и открывают наше прочтение объектов и образов, жестов и ситуаций.

Искусство такого рода вырастает из практики рассмотрения множества точек зрения: удержания в уме, казалось бы, противоречивых и несовместимых понятий и манипулирования различными способами осмысления мира. Художники, которые думают таким образом, предлагают альтернативы значению так называемых фактов, предлагая другие способы их связи и контекстуализации. Их работа, вдохновленная безграничным любопытством и остроумием, побуждает нас косо смотреть на все неоспоримые категории, концепции и субъективности.

Выставка искусства заслуживает нашего внимания, прежде всего, если она направлена ​​на то, чтобы представить нам искусство и художников как решающий вызов всем чрезмерно упрощенным взглядам. Возможно, косвенным образом искусство может быть своего рода руководством к тому, как жить и думать в «интересные времена». Он предлагает нам рассмотреть множество альтернатив и незнакомых точек зрения, а также выявить способы, которыми «порядок» превратился в одновременное присутствие различных порядков.

Выставка в Арсенале
Выставка простирается от Центрального павильона (Джардини) до Арсенале и включает 79 участников со всего мира. Основанный в 1980 году, Aperto начинался как второстепенное мероприятие для молодых художников и художников национального происхождения, не представленных постоянными национальными павильонами. Обычно это проводится в Арсенале и стало частью официальной программы биеннале.

С 1999 года международные выставки проходили как в Центральном павильоне, так и в Арсенале. Также в 1999 году реконструкция стоимостью 1 миллион долларов превратила район Арсенале в группу обновленных верфей, навесов и складов, более чем вдвое увеличив выставочную площадь Арсенале в предыдущие годы.

Часть I

Сохам Гупта
В своих призрачных портретах Сохам Гупта проливает свет на ночную жизнь Калькутты, показывая, как живут некоторые из самых уязвимых жителей города. В его серии Angst мы следим за этими ночными фигурами, когда они перемещаются по мирам, в которых они обитают, становясь яркими персонажами в воображении фотографа. Гупта считает свои портреты результатом совместного процесса, основанного на интимных взаимодействиях, в которых он и его подданные доверяют друг другу. Фотограф инстинктивно близок к тем, кто живет на периферии общества; он ходит среди них, отождествляя себя с их болью и борьбой.

Проведя время с каждым предметом, Гупта составляет биографические записи их историй. Фотографии Гупты наделяют бессильного выразительным агентством. Фотографии — это больше, чем документация о городе и его людях, они являются выражением психологического состояния, коренящегося в чем-то более важном. Чувство уязвимости и одиночества перемежается моментами радости и непосредственности. В то время как крики и боль агонии могут быть заглушены фотографическим изображением, фотографии Гупты ярко выражают различные оттенки человечности, которые можно увидеть только ночью.

Энтони Эрнандес
Фотографические работы Энтони Эрнандеса тяжелы и несентиментальны. В течение последних трех десятилетий фотографа беспокоил распространенный вопрос: как запечатлеть современные руины города и резкое воздействие городской жизни на его менее обеспеченных граждан? Эрнандес подошел к этому вопросу, сосредоточив внимание на том, что фотограф Льюис Бальц назвал «пейзажами побежденных» — лагерями для бездомных, бюро по трудоустройству, двориками для разрушения автомобилей, автобусными остановками и другими заброшенными местами на окраинах города. Ни романтика, ни ностальгия, работа Эрнандеса подробно описывает места и пространства, где обещание счастья капитализмом испортилось.

Кристиан Марклай
Работы Кристиана Марклая созданы из уже существующих объектов, изображений и звуков, которые он присваивает и манипулирует. Его исследования взаимосвязи между звуком и изображением привели его к применению техники сэмплирования в голливудских фильмах. Он создавал монтаж клипов для формирования новых повествований и многоэкранных проекций. «Я всегда использовал найденные объекты, изображения и звуки, и собирал их вместе, и пытался создать что-то новое и отличное от того, что было доступно. Быть полностью оригинальным и начинать с нуля всегда казалось бесполезным. Мне было больше интересно брать что-то то, что существовало и было частью моего окружения, чтобы разрезать его, исказить, превратить во что-то другое; присвоить его и сделать своим с помощью манипуляций и сопоставлений «.

Занеле Мухоли
Занеле Мухоли, известный своей работой «Лица и фазы» (с 2006 г. по настоящее время), постоянно пополняющимся архивом портретов черных лесбиянок из Южной Африки, — это фотограф, который яростно борется с отключением звука и невидимостью. Предпочитая, чтобы его называли «визуальным активистом», а не художником, Мухоли является соучредителем Форума по расширению прав и возможностей женщин, а также Inkanyiso, платформы для квир-активности и визуальной активности.

Важность саморепрезентации занимает центральное место в Сомняма Нгоняма, «Да здравствует темная львица» (с 2012 г. по настоящее время), серии непримиримых автопортретов, которые художник намерен построить в 365 изображений года из жизни черной лесбиянки на Юге Африка. В серию входят работы, в которых художник вызывающе или прямо встречает взгляд зрителя, в Арсенале, и небольшие серебряно-желатиновые гравюры, где Мухоли избегает и расстраивает его, в Центральном павильоне.

Эд Аткинс
Эд Аткинс делает всевозможные изгибы автопортретов. Он пишет неприятные интимные, эллиптические пророчества, рисует ужасные карикатуры и делает реалистичные компьютерные видеоролики, в которых часто изображены мужские фигуры в муках необъяснимых психических кризисов. В Арсенале инсталляция «Старая еда» (2017–2019) наполнена историчностью, меланхолией и глупостью. Здесь Аткинс расширил свой эмоциональный ландшафт, добавив к автобиографической фигуре более широких вопросов и цитат.

На рисунках, составляющих Блум (пронумерованных от одного до десяти и показанных в Центральном павильоне), изображены тарантулы, высаживающиеся из робких рук или иным образом усаживающиеся на поставленную ногу, каждый со сморщенной головой Эда Аткинса там, где должно быть брюшко пауков. Оплетенное паукообразными волосами лицо Аткинса ломает четвертую стену и пристально смотрит на нас с двойственным, сомнительно сознательным выражением лица.

Таварес Страчан
Одна тема, которая повторяется в коллажах Тавареса Страчана (наряду с растафарианством, спортом и полярными исследованиями), — это космические путешествия; космонавты и огненные космические ракеты фигурируют в нескольких работах. После гранта от Лаборатории Art + Technology в Музее искусств округа Лос-Анджелес в 2014 году Страчану была предложена возможность работать с SpaceX, частной компанией, занимающейся аэрокосмическими технологиями. Он начал исследование Роберта Генри Лоуренса-младшего, первого афроамериканского астронавта, который погиб в результате несчастного случая на тренировке в 1967 году и который оставался в значительной степени невидимым в стандартных историях американских космических путешествий. Результаты этого проекта выставлены в Арсенале.

Произведения искусства, представленные в Центральном павильоне, связаны с концепцией печатной энциклопедии: сегодня, в эпоху Интернета и Википедии, она вдвойне избыточна. Его самое известное воплощение — Британская энциклопедия, впервые опубликованная в 1768 году, тем не менее, придерживается определенного авторитета старого мира. Выросший на Багамах — бывшей британской колонии — Таварес Страчан пришел к пониманию Британской энциклопедии как инструмента имперского завоевания, инструмента, который присваивает (и уплотняет) знания как средство обозначения культурного господства. Страчан заинтересовался всем, что не упоминалось в энциклопедии.

Габриэль Рико
Можно сказать, что у Габриэля Рико как коллекционера выброшенных культурных ценностей, самопровозглашенного онтолога, опытного архитектора и исследователя человеческого опыта, связанного с тягой к животным, «голодные глаза». Его вопросы, исследования и коллекционирование приводят к пост-сюрреалистическому / Arte povera подходу, который добывает целый ряд материалов, от таксидермии и природных объектов до неоновых форм и других остатков рукотворных предметов. Это приводит к созданию скульптур, заставляющих задуматься, которые отражают взаимосвязь между окружающей средой, архитектурой и будущими руинами цивилизации.

Во всех работах Рико красота истории заключается в деталях. Компоненты отражают проблемы, стоящие перед конкретным регионом — Мексикой — и одновременно перекликаются с нашими общими глобальными проблемами. Рико рассматривает хрупкость пространства, как формально, так и философски, представляя опасный момент, который наступил сейчас.

Шилпа Гупта
Шилпа Гупта работает над физическим и идеологическим существованием границ, раскрывая их одновременно произвольные и репрессивные функции. Ее практика опирается на промежуточные зоны между национальными государствами, этнорелигиозные разделения и структуры наблюдения — между определениями легального и незаконного, принадлежности и изоляции. Повседневные ситуации превращаются в лаконичные концептуальные жесты; как текст, действие, объект и инсталляция, посредством которых Гупта обращается к незаметным силам, которые диктуют нашу жизнь как граждан или лиц без гражданства.

Джесси Дарлинг
Скульптуры Джесси Дарлинга ранены, пугливы и неустойчивы, но они также полны жизни. Эти скромные сборки, сделанные из недорогих повседневных материалов, напоминают тела с необычной остротой; они также решительно немонументальны. Не имея возможности использовать большую часть своей правой руки из-за неврологического заболевания, Дарлинг был поражен унаследованными идеологиями и эйблистским мужеством, которые изначально сформировали их понимание скульптуры: идеями «тяжелой работы» и «жестов». Они объясняют: «Теперь я пытаюсь думать и работать над практикой немачо-скульптуры, собирая и собирая небольшие предметы в повествовательных формулировках и учусь рисовать левой рукой».

Тереза ​​Марголлес
Тереза ​​Марголлес направляет феминистские взгляды на жестокость наркомании, которая пронизывает ее родную страну Мексику. Изучив судебную медицину и соучредившая вдохновленный дэт-металом коллектив артистов SEMEFO, Марголлес на протяжении всей своей практики тематизировала правительственную халатность, социальные и экономические издержки криминализации наркотиков, а также специфические текстуры, запахи и физические останки, материальность наркотиков. смерть.

Генри Тейлор
Описывая свою практику рисования как «ненасытную», Генри Тейлор использует в своих работах огромное количество предметов, от бедных до невероятно успешных. Будь то интимные портреты семьи и друзей или политически настроенные групповые сцены, объединяющие воедино разные географии и истории, цель Тейлора — честно изобразить реальность опыта Блэка и зачастую несправедливые проявления американской жизни. Но, несмотря на его острый взгляд на несправедливость и частое включение историко-художественных ссылок, картины Тейлора не тяжелые; их смелые формы и блочные цвета сразу же привлекают внимание зрителя.

Нджидека Акуньили Кросби
Картины Нджидеки Акуниили Кросби отражают ее опыт в качестве члена современной нигерийской диаспоры, изображая особую культурную и национальную идентичность, которая неизвестна многим, но мгновенно узнаваема для тех, кто пошел по тому же пути. Эмигрировав в Соединенные Штаты на учебу в подростковом возрасте, Акуниили Кросби уверенно движется (хотя, возможно, и не без внутренних трений) между различными эстетическими, интеллектуальными, экономическими и политическими контекстами, и именно столкновение и несовпадение этих контекстов придает ее картинам своеобразие. напряжение и острота.

Художница пишет портреты и домашние интерьеры, в которых обычно изображена она сама и ее семья. Эти сцены одновременно плоские и безгранично глубокие, с окнами и дверными проемами, открывающимися в другие пространства, в то время как пространства, описанные на этих картинах, неопределенны; некоторые детали — например, чугунный радиатор — указывают на холодный климат (например, Нью-Йорк, где художник жил какое-то время), в то время как другие, такие как парафиновая лампа, установленная на столе, заимствованы из работы Акуньили Кросби. воспоминания о Нигерии.

Кеманг Ва Лехулере
Богато многослойная работа Кеманг Ва Лехулере побуждает посетителей собираться вокруг нее для совместного созерцания. Это представление о коллективе является ключом к более широкой практике художника: он стал художником, когда ему за двадцать, после многолетнего опыта работы в качестве активиста в Кейптауне. В 2006 году он основал Gugulective, художественную платформу для перформанса и социального вмешательства. Обе инсталляции, выставленные в Арсенале и в Центральном павильоне, сделаны из вторичного дерева и металла со школьных парт и стульев. Каждый элемент в этих произведениях объединяется в паутину ассоциаций, ссылок и историй, потому что для Ва Лехулере личная биография и коллективная история неразрывны.

Апичатпонг Вирасетакул
Работы Апичатпонга Вирасетакула пропитаны социальной жизнью, разнородной культурой и бурной политикой его родного Таиланда, в то время как временные арены сна, сновидений и воспоминаний повторяются как пространства для исследования, освобождения и тихой подрывной деятельности. Эти предметы вплетаются в сложную игру света, звука и экрана Synchronicity (2018), созданную с японским художником Цуёси Хисакадо (1981, Япония) и продемонстрированную в Арсенале, в среде которого пороговые пространства Вирасетакула обретают физическую форму.

Ряд работ посвящен встречам художника с травмирующим прошлым Набуа, города на северо-востоке Таиланда, где в 1960-х годах тайские военные жестоко подавляли и убивали повстанцев-фермеров. Две работы в Центральном павильоне знаменуют собой значительный сдвиг для Вирасетакула, который впервые работал за пределами Таиланда, в Колумбии, над своим текущим проектом Memoria. Топография Колумбии и ее шрамы от десятилетий гражданской войны имеют внутреннее сходство с Вирасетакул; травмы коллективной памяти являются неотъемлемой частью повседневной жизни, как и в Набуа.

Инь Сючжэнь
С начала 1990-х Инь Сючжэнь работает с переработанными материалами для создания амбициозных скульптур, наполненных социальными отсылками. Отражая чрезмерное развитие, потребление и глобализацию, которые в значительной степени определяли Китай после 1989 года, в своих работах она объединяет мягкий текстиль с множеством предметов — часто резко контрастирующих текстур и коннотаций, — таких как чемоданы, бетонные фрагменты, мусор, металлы и т. Д. промышленные объекты.

Суки Сокён Кан
Сочетая живопись, скульптуру, видео и то, что художник назвал «активацией», многомерная практика Суки Сокён Кан сосредоточена на месте и роли человека сегодня. Кан опирается на аспекты корейского культурного наследия, а также на свою личную историю, чтобы переосмыслить идеологические структуры и представить себе политизированные арены, на которых уполномоченные заинтересованные стороны могут сформулировать и проявить свое влияние в пространстве-времени настоящего.

Handiwirman Saputra
За последние десять лет Хандивирман Сапутра создал серию загадочных скульптур и картин под названием «Нет корней, нет побегов», вызванных случайными предметами, которые он находил в повседневной жизни. Толчком для некоторых из этих работ послужил участок реки возле его дома, где обнаженные корни бамбуковых рощ и деревьев были переплетены с бытовым мусором. Сапутра был заинтригован не только тем, что он там обнаружил, но и ассоциациями между ними: «Возможно, их также можно было бы сказать для построения беседы, диалога об опыте этой вещи — для чего она использовалась с момента ее возникновения до момента что я его нашел ».

Ли Бул
Выросшая как дочь левых активистов во время военной диктатуры Южной Кореи, Ли Буль испытала на себе последствия репрессивного режима в стране, переживающей стремительные экономические и культурные преобразования. Ее самые ранние работы, датируемые концом 1980-х, были уличными представлениями, для которых она шила и носила чудовищные костюмы «мягкой скульптуры», украшенные выступами и свисающими внутренностями.

За ними последовали ее скульптуры киборгов, в которых женские тела трансформировались в машины, образуя неполные гибриды без голов и конечностей. Они, в свою очередь, побудили ее исследовать идеи футуристических городских пейзажей, вдохновленные мечтами, идеалами и утопиями, воплощенными в японской манге и аниме, биоинженерии и фантастической архитектуре Бруно Таута (1880-1938).

Сунь Юань и Пэн Юй
Пара художников Сунь Юань и Пэн Ю начали свое сотрудничество в 2000 году. В 2009 году они создали инсталляцию Сунь Юань Пэн Ю, автопортрет, описывающий отношения и динамику их художественного союза. Повторяющийся дымовой круг постоянно рассеивался метлой, приводимой в движение механической рукой, которая продолжала метать в воздухе; дым постоянно появлялся снова, только чтобы раствориться, когда метла ударила снова.

Для Сунь и Пэна момент встречи двух компонентов и растворение одного в другом символизировал момент совместного художественного творчества в их способе работы. Почти все инсталляции Сунь Юаня и Пэн Юй направлены на то, чтобы вызывать у зрителей чудеса и напряжение. Акт взгляда, иногда подглядывания со стороны зрителей, является неотъемлемым элементом их недавних работ, которые часто включают постановку устрашающих зрелищ.

Кэмерон Джейми
Кэмерон Джейми создавал работы в различных средствах массовой информации, от фотографий и видео до рисунков, керамики, скульптуры и фотокопий журналов. Однако работой, которая привлекла к нему наибольшее внимание в первые годы его карьеры, был фильм «Кранки Клаус» (2002–2003), посвященный альпийской рождественской традиции Крампуслауфа. В сельской австрийской деревне мужчины, одетые как рогатые звери, маршируют по улицам ночью, якобы в поисках детей и молодых женщин, которые, как утверждается, были непослушными. Затем звери Крампус физически нападают на своих жертв в рамках санкционированного культурой ритуала хореографического — хотя и очевидно реального — насилия.

Часть II

Мария Лобода
Непрерывное преобразование объектов и образов посредством их траекторий передачи и встречи лежит в основе практики Марии Лободы. Работы Лободы вызывают недоверие к якобы очевидному, но также приглашают нас подружиться с неуверенностью, которой они — и вещами, которыми мы окружены — обладают. Лобода интересуется тем, как на изображения влияют контексты, в которых они циркулируют, сформированные историей взглядов на них.

Рула Халавани
Призрачные образы Рулы Халавани запечатлели последствия периодического насилия, превратившего ее страну в зону боевых действий. Опираясь как на свой опыт фотожурналистики, так и на воспоминания о жизни в условиях израильской оккупации, Халавани ищет в уже незнакомом ландшафте исчезающие следы исторической Палестины. Посредством фотографии пространственные последствия оккупации отражаются не только через репрезентацию политических структур в застроенной среде, но и более отчетливо в пустоте негативных пространств и призрачных иллюзиях.

Лоуренс Абу Хамдан
Описывая себя как «частное ухо», Лоуренс Абу Хамдан сосредотачивается на политике слушания, правовом и религиозном влиянии звука, человеческого голоса и тишины. Его практика возникла из-за фона в музыке DIY, но в настоящее время она охватывает фильмы, аудиовизуальные инсталляции и живые аудио-эссе — термин, который он предпочитает «лекцию-выступление», поскольку он лучше описывает переплетение голоса и контента, а также дискурс и условия, в которых он произносится. Он рассматривает человеческий голос как политизированный материал, легко доступный правительствам или информационным компаниям.

Джули Мехрету
Ранние полотна Джули Мехрету относились к картам, архитектурным схемам и градостроительным сеткам; художник использовал множество векторов и обозначений, которые указывали на глобальную мобильность, а также на глобальное неравенство. Они головокружительно сложны и мастерски используют масштаб и негативное пространство; они передают ощущение скорости. В своих последних картинах она использует другой тип дезориентации, создавая работы, в которых аэрографические штрихи и трафаретные элементы добавляются и стираются, вызывая ощущение рассеянности и утраты. Несмотря на детали подмалеков, это исходное изображение все еще может регистрироваться на эмоциональном уровне, задавая тон завершенной картине.

Гаури Гилл
Путешествуя дальше, Гилл увидел новые пригородные «колонии, существующие на пустоши из обломков, имитирующие английские замки с окружающими их самодельными домами рабочих-мигрантов». Ее архитектурный невозмутимость охватывает скопления разработчиков, торгующих недостижимыми мечтами; образовательные экспозиции о строительстве и строительстве; искусственные пальмы, посаженные среди настоящих деревьев; богиня, возглавляющая кондиционер; новое здание, покрытое порванной обшивкой, в процессе сноса на улице Махатмы Ганди; связки гниющего мусора у Гранд-Магистральной дороги; и повсюду безликие многоэтажки.

Отобонг Нканга
Ссылаясь на (часто насильственное) перемещение и обмен минералами, энергией, товарами и людьми, работа Отобонга Нканга является напоминанием о том, что объекты и действия не существуют изолированно: всегда есть связь, всегда есть воздействие. «Никто из нас не существует в статике», — сказал художник. «Идентичности постоянно развиваются. Африканские идентичности многочисленны. Когда я смотрю, например, на нигерийскую, сенегальскую, кенийскую, французскую или индийскую культуры, вы не можете говорить о конкретной идентичности, не говоря о колониальных последствиях и влиянии этого обмена — торговли и товаров и культуры ».

Майкл Армитаж
Картины Майкла Армитиджа, расположенные где-то между фантастической реальностью и политическим хаосом современной жизни, переплетают множество повествовательных нитей. Как острый наблюдатель сложной социальной динамики, он ниспровергает общепринятые репрезентативные коды с помощью языка нарративной живописи. Обостряя проблемы неравенства и политической неопределенности, живописная красота его ярких картин опровергает зловещую реальность, в которой столкновение роскошных деталей и ярких цветов дает представление о социальных нравах и политических идеологиях, которые управляют повседневной жизнью в Найроби.

Харис Эпаминонда
Харис Эпаминонда работает с найденными материалами, такими как скульптуры, керамика, книги или фотографии, которые она часто комбинирует, чтобы тщательно построить свои характерные инсталляции. Эти объекты опутаны паутиной исторических и личных значений, неизвестных публике и, возможно, ей тоже. Дело не в том, что она игнорирует эти истории: они неявны, они внутренне проявляют свою силу, в то же время мягко сгибаясь во что-то иное, осваиваясь в ее инсталляциях. Она выбирает их за их квалиа, их несводимые эмпирические качества, которые заставляют их сиять и становиться видимыми.

Лю Вэй
Ранние работы Лю Вэя часто касались городской архитектуры, городских пейзажей и предметов повседневного обихода и представляли различные аспекты физического мира, используя повторяющуюся геометрическую схему в картинах и инсталляциях. На протяжении последних двух десятилетий он работал с великолепным ассортиментом материалов — от собачьих жеваний из бычьей шкуры до книг, от домашних электронных устройств до китайского фарфора и выброшенных строительных материалов. Его недавние масштабные инсталляции вызывают формальность и великолепие модернистских декораций, наполненных геометрическими формами и формами.

Александра Биркен
Практика Александры Биркен построена вокруг человеческой формы. Ее работы включают необычный диапазон материалов: от промышленных изделий, таких как силикон, нейлоновые колготки, оружие и оборудование, до органических материалов, включая шерсть, кожу, ветки и сушеные фрукты. Лишенные своей прежней цели, они собраны в необычные и неудобные устройства, каждая из которых наполнена противоположными напряжениями.

В Арсенале художники демонстрируют инстинктивную, апокалиптическую и динамичную инсталляцию ESKALATION (2016), антиутопический взгляд на то, как может выглядеть конец человечества. В Центральном павильоне Биркен представляет шесть работ, в которых переплетаются темы пола, власти и уязвимости, животных и машин. Это работы, которые напоминают о нашей уязвимости, нашей физичности и о надменных инструментах, которые мы создаем, чтобы защитить себя извне и друг от друга.

Алекс да Корте
Иммерсивные работы Алекса Да Корте свидетельствуют об акте создания магнитного мира. Он ставит танец объектов, которые означают и подразумевают, но не являются этими вещами. Он рассказывает истории с помощью кодов и символов, в которых водоворот присваиваемой, собранной, инсценированной и обработанной американы пронизан одновременно высокопарными и низкопробными культурными отсылками и находками из долларовых магазинов.

В «Арсенале» неоновый «каучуковый карандашный дьявол» превращает зрителей в миниатюру, когда они сидят на скамейках и смотрят огромные и перенасыщенные взрослые версии знакомых телепрограмм, в которых ряд персонажей исполняет гипнотически медленную хореографию. В Центральном павильоне зрители становятся гигантами, наблюдая, как люди живут своей тихой жизнью в домах The Decorated Shed (2019), точной копии миниатюрной пригородной американской деревни из популярного телесериала Mister Rogers ‘Neighborhood, представленного на федеральном канале. стол в стиле красного дерева, с добавлением вывесок корпоративной сети ресторанов.

Кьенце Норбу
В работе Кьенце Норбу как художника и режиссера философские вопросы контекста играют центральную роль. Есть предположение, что понимание и интерпретация всегда открыты для изменений и что есть возможности для более широкого взгляда. Известный в буддийском мире как Дзонгсар Кьенце Ринпоче, Норбу — тибетский и бутанский лама, которого уважают за его учение и писательство.

Ad Minoliti
Для Ад Минолити метафизическая живопись является символом модернистской утопии и всего того, что она находила в ней укоризненного: репрессивности ее идеальности, консерватизма ее жестких структур и даже ее имплицитной бинарной логики в отношении идеи Жака Деррида о том, что Западное мышление основано на дуалистических противоположностях, таких как мужское и женское, рационально-эмоциональное или природа-культура. Ее художественное стремление состояло в том, чтобы создать альтернативное пространство репрезентации, чтобы противостоять этой модернистской позиции. Она нашла диалектического альтер-гомолога пространства метафизической живописи в воображаемом мире кукольного домика.

Кукольный домик, изобретенный в 17 веке, изначально создавался как педагогический инструмент, чтобы обучать девочек их роли в качестве домработниц, управляющих домом, воспитателей детей и помощников мужа, а мальчиков — о принятии этого разделения труда и философии. . Минолити присваивает эстетику кукольного домика и его реквизита, соединяет его с модернистскими образами, которые перекликаются с Кандинским, Пикассо или Матиссом, а затем разбирает его, скручивает, сдвигает и заново реконфигурирует.

Джон Рафман
Джон Рафман заметил, что в модернистских движениях преобладали утопические представления о будущем. Однако постмодернистское видение позднего капитализма стало антиутопическим. Чтобы исследовать этот сдвиг в представлениях о будущем, Рафман использует движущееся изображение и компьютерную графику, избегая радужного оптимизма, который иногда ассоциируется с новыми технологиями.

Ян Ченг
Ян Ченг использует методы компьютерного программирования для создания среды обитания, определяемой их способностями к мутации и развитию. Он разрабатывал «живые симуляции», живые виртуальные экосистемы, которые начинаются с основных запрограммированных свойств, но оставлены для саморазвития без авторского контроля или завершения. Это формат преднамеренного проявления чувства замешательства, беспокойства и когнитивного диссонанса, которые сопровождают переживание неумолимых изменений.

Самое последнее существо Ченга, БОБ (Сумка убеждений) (2018-2019), представленное в Центральном павильоне, представляет собой разновидность ИИ (искусственного интеллекта), личность, ценности и тело которого — напоминающие змею или коралл — постоянно растут. . Поведенческие модели и жизненный сценарий БОБа подпитываются взаимодействием с людьми, которые могут влиять на действия БОБа через приложение для iOS. Life After BOB: First Tract (2019), представленная в Arsenale, представляет собой своего рода «предварительный просмотр» повествовательной вселенной, сосредоточенной вокруг BOB.

Артур Джафа
В течение трех десятилетий Артур Джафа развивал динамическую практику в таких средах, как кино, скульптура и перформанс. На протяжении всей своей карьеры он был увлечен специфически черными способами выразительности и проблемой того, как представить мир (визуально, концептуально, культурно, идиоматически) с позиции черного существа — во всей его радости, ужасе, красоте боль, виртуозность, отчуждение, сила и магия. Джафа собирает сетевые изображения, исторические фотографии, портреты, музыкальные видеоклипы, мемы и вирусные новостные ленты, чтобы подчеркнуть абсурдность и необходимость изображений в представлении о расе.

Лара Фаваретто
Многогранная художественная практика Лары Фаваретто включает в себя скульптуру, инсталляцию и перформативное действие, и часто выражается через черный юмор и непочтительность. Пример можно найти в ее серии «Мгновенные памятники» (с 2009 г. по настоящее время), которые не предназначены для прославления какого-либо исторического события или для развития чувства национальной идентификации.

Памятники Фаваретто менее идеологичны и более трагикомичны, они просто гниют, разрушаются и растворяются по-разному. Это требует огромных усилий, чтобы построить им памятник сам по себе, но тщетности человеческих усилий. Неявная шутка в работах Фаваретто заключается в том, что даже предметы, сделанные из самых стабильных материалов, призванные навсегда закрепить ценности и идеологии, в конечном итоге исчезают.

Андра Урсута
Навязчивые компульсии и сильные желания; подчинение сексуальному и политическому доминированию; хрупкость человеческого существования; идентичность как конструкция и вымысел: вот некоторые из тем, лежащих в основе нигилистических и трагикомических сценариев, исследуемых в скульптурах и инсталляциях Андры Урсуны. Основываясь на парадоксе и иронии, художник использует политические события, клише и аллегории, а также личные воспоминания, пытаясь выявить и разрушить динамику власти, которая увековечивает ненадежные границы между нарушением и банальностью, безразличием и сопереживанием, отвращением и т. Д. юмор.

Нил Белуфа
Нил Белуфа, чья практика охватывает кино, скульптуру и инсталляции, провел большую часть последнего десятилетия, размышляя о том, что стоит на кону, когда человек постигает реальность и ее репрезентацию. Его практика отказывается занимать какую-либо авторитетную позицию; он одновременно резок в наблюдении и ненавязчив в том, что передает. Художник постоянно отстраняется от своих предложений, как бы говоря зрителю: «Теперь это ваша проблема — вы с ней справитесь».

Например, для просмотра видеороликов Global Agreement (2018-2019), представленных в Арсенале, зритель должен сидеть на конструкциях, напоминающих тренажерный зал, которые неудобны и ограничивают их движения; одновременно конфигурация пространства означает, что каждый зритель может наблюдать, как все остальные наблюдают за другими: вы можете смотреть видео, но кто-то всегда наблюдает за вами.

Рёдзи Икеда
Композитор и художник Рёдзи Икеда приближается к монументальному минимализму, часто переплетая разреженные акустические композиции с визуальными эффектами, которые принимают форму обширных полей информации, переданной в цифровом виде. Они объединяются, чтобы сформировать собственный обширный язык художника, который основан на алгоритмическом способе работы, в котором математика используется как средство для захвата и отражения окружающего нас мира природы.

Дан Во
Эклектичный круг сотрудников Дан Во на Biennale Arte 2019 включает его бойфренда, племянника, отца и бывшего профессора. В инсталляциях Во история встречается с собственной биографией художника через заряженные символические объекты, такие как культурные иконы или поврежденные религиозные образы, а также буквальное и метафорическое участие членов его семьи и друзей.

Часть III.

Тарек Атуи
Объединяя музыку и современное искусство, практика Тарека Атуи расширяет представления о слушании посредством совместных звуковых перформансов. Под влиянием наследия открытых форм, представленных художниками в 1960-х годах, которые расширили понимание музыки и приблизили ее к сфере визуального искусства, Атуи создает и координирует сложные среды для развития звука. Через свои инсталляции, перформансы и коллаборации он ломает ожидаемые представления о перформансе как для исполнителя, так и для аудитории, предлагая мультимодальные способы переживания: визуальный, слуховой и соматический.

Джимми Дарем
Джимми Дарем также включает элементы письма и перформанса и чаще всего принимает форму скульптур, в которых разнообразные предметы повседневного обихода и природные материалы объединяются в яркие формы. Процесс производства, который Дарем называет «незаконными комбинациями с отвергнутыми объектами», можно рассматривать как воплощение подрывной позиции, которой пронизаны его произведения.

В Арсенале каждая скульптура, созданная из комбинации частей мебели, гладких промышленных материалов или использованной одежды, приближается к масштабу титульного животного, но получающиеся формы не являются портретами существ, а скорее поэтическими запутанными элементами, которые бросают вызов традиционным представлениям эпохи Просвещения. разделение между людьми и природой. В Центральном павильоне Дарем демонстрирует «Черный змей», большую одноименную каменную плиту, окруженную каркасом из нержавеющей стали — полутонную массу, вызывающую своей неумолимой стойкостью.

Аничка Йи
Дестабилизирующие границы между органическим и синтетическим, наукой и фантастикой, человеческим и нечеловеческим, разносторонние творения Аника Йи подкреплены тем, что художник описывает как «биополитику чувств». Новая работа Йи сосредоточена на недавних исследованиях «биологизации машины», поскольку она сосредотачивается на сенсориуме машины и размышляет о том, как можно установить новые каналы связи между объектами искусственного интеллекта (ИИ) и органическими формами жизни.

Жанна Кадырова
Один из самых ярких аспектов искусства Жанны Кадыровой, включающий фотографию, видео, скульптуру, перформанс и инсталляцию, — ее эксперименты с формами, материалами и смыслом. Она часто использует дешевую плитку для мозаики в сочетании с тяжелыми строительными материалами, такими как бетон и цемент.

Для Market (2017-текущий, выставляется в Арсенале), продуктового ларька, оборудованного всем необходимым уличному торговцу, она делает сосиски и салями из бетона и натурального камня, а также модные фрукты и овощи — бананы, арбузы, гранаты, баклажаны — в массивная мозаика. В версии Second Hand (с 2014 г. по настоящее время), представленной в Центральном павильоне, керамическая плитка из отеля в Венеции используется для изготовления предметов одежды и постельного белья.

Славяне и татары
Основанный в 2006 году, «Славяне и татары» начинали как книжный клуб и превратились в коллектив художников, чья многогранная практика, тем не менее, оставалась очень близкой к языку, как в прямом, так и в переносном смысле. Их работы, от скульптур и инсталляций до лекций и публикаций, представляют собой нетрадиционный исследовательский подход к культурному богатству и сложности географической области, заключенной между двумя символическими и физическими барьерами: бывшей Берлинской стеной и Великой китайской стеной. Эта огромная земля — ​​это место, где сталкиваются Восток и Запад, сливаясь и пересматривая друг друга.

Кристоф Бюхель
18 апреля 2015 года самое смертоносное кораблекрушение в Средиземном море произошло в Сицилийском проливе, в 96 км от побережья Ливии и в 193 км к югу от итальянского острова Лампедуза. Лодка, купленная ливийскими торговцами людьми, была заполнена мигрантами, большинство из которых были заперты в трюме и машинном отделении, когда она столкнулась с португальским грузовым судном, пытавшимся прийти ей на помощь.

Барка Ностра, коллективный памятник и памятник современной миграции, посвящен не только жертвам и людям, участвовавшим в ее восстановлении, но также представляет коллективную политику и политику, которые создают подобные бедствия. В мае 2018 года в рамках инициативы мигрантов в Палермо началась петиция, в которой предлагалось провести шествие с кораблекрушением в виде троянского коня, блуждающего через национальные границы по Европе, борясь за право человека на свободу передвижения.

Людовика Карботта
Многогранная художественная практика Людовики Карботта включает скульптуру, рисунок, перформанс, архитектуру и письмо. Она интересуется физическим исследованием городского пространства, конструированием того, что она называет «спецификой вымышленного места»; она изобретает воображаемые места или наполняет реальные места вымышленными контекстами, восстанавливая роль воображения как способа конструирования знаний.

В последние годы она работала над масштабным проектом, разделенным на несколько глав, под названием Monowe — название воображаемого города, населенного одним человеком. Через точку зрения и опыт единственного жителя Монове и его / ее возможное принятие условий города Карботта исследует уединение как состояние, с помощью которого можно отказаться от социальных норм, правил и логики, которые считались само собой разумеющимися в обществе.

Томас Сарасено
Исследования Томаса Сарасено подпитываются бесчисленными мирами. Его Общество арахнофилии, Фонд Aerocene, общественные проекты и интерактивные инсталляции исследуют устойчивые способы обитания в окружающей среде, объединяя дисциплины (искусство, архитектура, естественные науки, астрофизика, философия, антропология, инженерия) и чувствительность.

Во всех этих проектах Сарасено взаимодействует с формами жизни, которые существуют повсюду вокруг нас, и в эпоху экологических потрясений побуждает нас настраивать наши взгляды на другие виды и системы — будь то на микро или макро уровне, от колоний пауков до гравитационных. волны — и используйте гибридные и альтернативные способы обитания на нашей общей планете.

Сиприен Гайяр
Делая энтропию как созданного человеком, так и естественного своей главной заботой, Сиприен Гайяр резко критикует идею прогресса в своих видео, скульптурах, фотографиях, коллажах и публичном искусстве. Кочевой наблюдатель, Гайяр путешествует как по городам, так и по природным ландшафтам, ища признаки глубокого времени, встроенные в его среду. Он вносит внутрь фрагменты внешнего мира, образуя анахроничные сопоставления, сочетая образы разрушения и реконструкции, обновления и деградации.

Практика Гайяра — это визуальная археология разложения, будь то эрозия физических форм или социального и исторического значения. Часто сокращая время в своих работах, Гайяр борется с романтизмом руин, предлагая бескорыстный взгляд, через который остатки событий и мест можно понять через единую структуру циклического времени.

Халил Алтындере
Халил Алтындере исследует повседневную политику в своих видео, фотографиях, инсталляциях и картинах. Проницательный наблюдатель за социально-политическими механизмами и их посягательством на личность, он часто использует те самые средства, с помощью которых утверждается авторитет, а различия ограничиваются институтами национального государства. Удостоверения личности, почтовые марки, банкноты, первые полосы газет, милитаристские лозунги и фотографии политических лидеров используются для подрыва социальных или политических манипуляций и нормализации.

Происходя из курдов и выросший на пике турецко-курдского конфликта, Алтындере затрагивает пренебрежение и плохое обращение с меньшинствами в многочисленных работах. В последние годы Алтындере участвовал в глобальном кризисе беженцев в нескольких работах, в том числе в серии «Космический беженец» (2016), вдохновленной встречей художника с Мухаммедом Ахмедом Фарисом, первым и единственным космонавтом Сирии, который отправился в космос с советской командой в 1987 г.

Венецианская биеннале 2019
58-я Венецианская биеннале — это международная выставка современного искусства, проходившая с мая по ноябрь 2019 года. Венецианская биеннале проводится раз в два года в Венеции, Италия. Художественный руководитель Ральф Ругофф курировал ее центральную выставку «Живи в интересные времена», а 90 стран представили национальные павильоны.

Венецианская биеннале — это международная биеннале искусства, проводимая в Венеции, Италия. Участие в биеннале, которое часто называют «Олимпиадой мира искусства», является престижным событием для современных художников. Фестиваль превратился в созвездие шоу: центральная выставка, курируемая художественным руководителем того года, национальные павильоны, организованные отдельными странами, и независимые выставки по всей Венеции. Материнская организация Биеннале также регулярно проводит фестивали других видов искусства: архитектуры, танца, кино, музыки и театра.

Помимо центральной международной выставки, отдельные страны проводят свои собственные шоу, известные как павильоны, как свое национальное представительство. Страны, владеющие своими павильонами, такими как 30 домов на Джардини, также несут ответственность за свои расходы на содержание и строительство. Нации без специальных построек создают павильоны в Венецианском Арсенале и палаццо по всему городу.

Венецианская биеннале была основана в 1895 году. Паоло Баратта был ее президентом с 2008 года, а до этого с 1998 по 2001 год. Ла Биеннале, который стоит в авангарде исследований и продвижения новых тенденций в современном искусстве, организует выставки, фестивали и исследования. во всех отраслях: искусство (1895 г.), архитектура (1980 г.), кино (1932 г.), танец (1999 г.), музыка (1930 г.) и театр (1934 г.). Его деятельность задокументирована в Историческом архиве современного искусства (ASAC), который недавно был полностью отремонтирован.

Во всех секторах появилось больше возможностей для исследований и производства, адресованных молодому поколению художников, напрямую контактирующих с известными учителями; это стало более систематическим и непрерывным благодаря международному проекту «Колледж биеннале», который теперь проводится в секциях танцев, театра, музыки и кино.